Simon Findlay: Ich bin ein bisschen ein Anti-Inspirationsmensch

Woher kommt Ihre Inspiration?

Ich glaube, ich bin ein bisschen ein Anti-Inspirationsmensch. Ich bin so prozessorientiert und so regelmäßig, dass ich über die Vorstellung, auf Inspiration zu warten oder sie zu finden, lachen kann. Ich lebe einfach mein Leben. Ich kann nicht anders, als zu zeichnen, Musik zu machen oder Performances über die Dinge um mich herum zu machen – meine Freunde, die visuellen Informationen, Ideen, über die ich lese, die Natur.

Nachdem ich das gesagt habe, hier sind einige konkrete Dinge aus jüngerer Zeit: Gedichtzeilen in meinem Kopf, die mir bei Schlaflosigkeit in den Sinn kommen (ich habe sie in großen Buchstaben geschrieben), das Foto eines Liebhabers, der Ramen isst (daraus wurde eine digitale Zeichnung), die Schönheit des Zufalls, der durch Würfel vorhergesagt wird (wird verwendet, um beim Mischen von Farbe die Farben zu bestimmen), Quallen (wie können ihre Bewegungen in eine Zeichnung übertragen werden), körperliche Erschöpfung bei langen Kompositionen im Freien bei 0 °C (um mich mit unbewusster Komposition auseinanderzusetzen) und tote Blumen (ich male sie mit einem 2 Meter langen Stock, während ich auf dem Boden liege).

Wie läuft der Entstehungsprozess Ihrer Werke ab?

Der Ansatz, den ich seit Jahren verwende, heißt „Jahreszeiten“. Er ermöglicht mir ständiges Lernen und neue Ansätze für Kreativität und künstlerisches Schaffen. Jede Phase dauert etwa 2–8 Wochen.

Dokumentation: Fotos machen, Videos bearbeiten

Erleben Sie das Leben: streng keine Kunst, gehen Sie wandern, tanzen, etc. Haben Sie Spaß

Neue Dinge ausprobieren: Das Spiel besteht darin, Dinge auszuprobieren, von denen ich denke, dass sie scheitern werden, oder neue Techniken. Wenn ich es schon einmal gemacht habe, darf ich es nicht tun

Vertiefen/Konsolidieren: Kombinieren Sie diese neuen Erkenntnisse mit Dingen, die ich getan habe. Wie beeinflussen sie sich gegenseitig?

Gibt es ein Format, mit dem Sie am besten zurechtkommen?

Ich bin ein dramatischer Mensch und ich glaube, was damit zusammenhängt, ist, dass ich meinen ganzen Körper für gestische Striche einsetzen möchte und an der Grenze meiner körperlichen Komfortzone sein möchte.

Das heißt, ich arbeite so groß wie möglich, was normalerweise der Größe von Türrahmen entspricht.

Wo produzieren Sie Ihre Werke?

Mein ganzes Leben habe ich von meinem Schlafplatz aus gestaltet. Das funktioniert für mich, da ich normalerweise jeden Tag 2–4 Stunden konzentriert arbeite und nicht viele Stunden in einem kurzen Zeitraum.

Ich versuche, die physischen Orte zu berücksichtigen: Momentan habe ich hohe Decken und kann keine Unordnung machen, deshalb habe ich diese atmosphärischen Farbstücke mithilfe einer Leiter geschaffen. Vorher war ich im „Greenhouse“, einem verrückten Künstlerlokal. Dort konnte ich viel Dreck machen und habe mit Farbe mit einem Besen geworfen, was ziemlich wild war. Vor Kurzem habe ich angefangen, in einem alten Parkhaus zu malen, das an einen Kunstraum angrenzt, für den ich baue. Das hat mir wirklich die Möglichkeit eröffnet, mich mit den Aspekten eines Raumes auseinanderzusetzen – ich habe mich auf eine alte Waschmaschine gestellt, Weinflaschen mit Farbe gefüllt und sie zerschlagen. Ähnlich habe ich die Schatten vorbeifahrender Züge gemalt, und jetzt fahre ich mit dem Fahrrad über Leinwand.

Was ist die Technik Ihrer neuesten künstlerischen Produktion?

Derzeit fahre ich mit dem Fahrrad über Leinwand und verwende Würfel, um Aspekte davon zu bestimmen – wobei Wiederholung und Zufall die Hauptfunktionen sind.

Ich beginne damit, eine 5,5 x 3,2 Zoll große Leinwand mit Gaffer-Tape auf dem Boden eines alten Parkplatzes zu befestigen, der mein Außenatelier ist. Ich wähle sechs Farben aus, die mir gefallen, und befestige sie an diesem selbstgebauten Apparat namens „Der Elefant“, der über meinem Fahrrad hängt und mir ermöglicht, ohne Pausen zu malen/fahren. Er hat zwei lange Zinken, an denen vorne ein Eimer mit einem Loch hängt, aus dem die Farbe tropft. Fünf weitere Eimer sind daran befestigt (und ein sechster hinten). Zwei Wasserflaschen stehen unten in den Halterungen, und zusätzliches Wasser befindet sich in der Kiste hinter mir.

Ich trage einen Overall mit einer Kängurutasche, in der sich ein kleines Einmachglas mit Würfeln befindet. 2x W6, die den Farbflaschen entsprechen, und 2x W12, einer bestimmt das Verhältnis dieser Farben zueinander und der andere die Anzahl der Drehungen oder den zu nehmenden Weg (je nach Figur).

Während ich weiterfahre, gebe ich die Farben mit etwas Wasser hinzu und mische sie in den Eimer vorne, der ein Loch hat, durch das das Wasser auf den Boden und das Vorderrad tropft. Das mache ich zwischen 20 Minuten und 2 Stunden lang.

Können Sie uns von Ihrem wichtigsten Ausstellungs-/Auftrittserlebnis erzählen?

Dance With Rocks – das Stück, bei dem ich in drei verschiedenen Sessions bei 0 °C zwei schwere Steine aufeinander warf, nur mit Stiefeln, Handschuhen und kurzen Shorts bekleidet. Die letzte Runde fand bei -10 °C in einem Schneesturm statt, ich landete mit Unterkühlung im Krankenhaus.

Ich dachte, bei dieser Arbeit ginge es um Wiederholung und körperliche Kraft, aber mit der Zeit habe ich gelernt, dass es um Dissoziation und geistige Gesundheit ging.

Ich habe dabei etwas über die somatische Erfahrung der Kunst gelernt und darüber, dass wir nicht wirklich wissen, was wir tun, also dem nachgehen, wozu wir uns hingezogen fühlen, und erst später herausfinden, was das alles bedeutet.

Wie stellen Sie sich die Entwicklung Ihrer Arbeit und Ihrer Karriere als Künstler in der Zukunft vor?

Die nichtlinearen Aspekte von Kreativität und Kunst zu berücksichtigen. Wenn ich mir all meine Werke anschaue, ergeben einzelne davon keinen Sinn. Erst wenn ich mich als Ganzes betrachte, entsteht ein klares Bild.

Ich glaube, ich sage, dass ich keine Ahnung habe, wo ich landen werde, aber ich weiß, dass mein Prozess stark ist, sodass es auf jeden Fall interessant und unterhaltsam sein wird.