Manuel Di Chiara

Was hat Sie motiviert, Kunst zu schaffen und Künstlerin zu werden? (Ereignisse, Gefühle, Erfahrungen...)

Ich schätze mich glücklich, weil ich von Anfang an gute Kunstlehrer hatte und sie mich immer ermutigt haben, ein Kunststudium zu absolvieren. Allerdings wurde mir bereits mit 14 Jahren bewusst, dass ich besser zeichnen konnte als Algebra lernen! Die Wahl erwies sich jedoch nicht als eine der einfachsten, da es in den 1990er Jahren auf Ischia, meiner geliebten Insel, keine Kunsthochschule gab und ich daher „gezwungen“ war, das Festland mit einer täglichen Fahrt von 2,30 Stunden zu erreichen Sie müssen zwischen Bussen, Tragflächenbooten, Straßenbahnen und langen Spaziergängen hin- und herspringen, um die nächste Kunsthochschule zu erreichen.

Was ist Ihr künstlerischer Hintergrund, welche Techniken und Themen haben Sie bisher erlebt?

Ich besuchte das Liceo Artistico SS Apostoli in Neapel und schloss mein Studium an der Neapolitanischen Akademie der Schönen Künste im Jahr 2000 ab. Als ich mich für den Dekorationskurs einschrieb, konnte ich die kombinierten Kurse für Druckgrafik, Fotografie, Bildhauerei, Maltechniken, Kunstgeschichte usw. besuchen ein großer technischer Erfahrungsschatz, der heute die Grundlage für alle meine künstlerischen Leistungen ist.

Welche drei Aspekte unterscheiden Sie von anderen Künstlern und machen Ihre Arbeit einzigartig?

Ich denke, was einen meiner Bewunderer heute überraschen könnte, ist die Differenzierung meiner künstlerischen Produktion. Ich biete öffentliche Arbeiten an, die zu verschiedenen Themen und mit unterschiedlichen Techniken entwickelt wurden, von „mediterranen Tinten“ über Arbeiten zu Automobilthemen im vollen Pop-Stil bis hin zu großformatigen „Fracht“-Leinwänden, die entwickelt wurden, um die Hafenwelt zu erzählen, und die dann mit urbanen Visionen enden Erzähle so viel über meine Liebe zur Architektur und zum Reisen. Diese Differenzierung ist das Ergebnis meiner Studien und wird in meinen zukünftigen Arbeiten sicherlich zu neuen Kontaminationen zwischen den verschiedenen Sprachen führen.

Woher kommt Ihre Inspiration?

„Inspiration“ ist ein Wort, das mir nie gefallen hat, denn es lässt einen an einen „erhellenden“ Moment denken, wenn der Künstler entscheidet, was er malen möchte! Der Weg, der zu einem Werk in Wahrheit führt, ist sehr verschlungen und berücksichtigt verschiedene Faktoren und einige Fragen wie: „Was wollen wir mitteilen, was wollen wir beim Betrachter wecken, was wollen wir erreichen?“ Es liegt dann an uns Künstlern, dies in das Werk umzusetzen und zu versuchen, die verschiedenen Fragen klar und ohne unnötige Künstlichkeit zu beantworten, direkt auf die Lösung des Problems zu zielen und dabei die am besten geeignete Technik, das am besten geeignete Format und die am besten geeigneten Töne zu verwenden !

Was ist Ihr künstlerischer Ansatz? Welche Visionen, Empfindungen oder Gefühle möchten Sie beim Betrachter hervorrufen?

Einer meiner Professoren an der Akademie legte Wert darauf, Kindern den Unterschied zwischen Beobachten und Schauen beizubringen. Die Welt um uns herum zu beobachten bedeutet, den Details mehr Bedeutung zu geben, selbst die einfachsten Dinge mit neuen Augen zu betrachten und ihre Schönheit wahrzunehmen! Was ich meinen Gesprächspartnern klarmachen möchte, ist, dass selbst eine rostige Wand einer Schiffswand unendliche Schönheit in sich trägt, zusammengesetzt aus Dutzenden warmen Rot- und Brauntönen, so wie ein Konstruktionsdetail eines Gebäudes genauso sein kann interessant, oder ein Spiegelbild einer Spur, die von einem fahrenden Auto in einem Barfenster erzeugt wird! Ich denke, jeder Tag ist voll von fast filmischen Momenten, Momenten, in denen das Licht stimmt, die Atmosphäre stimmt, die Farben stimmen, und in meinen Bildern versuche ich, diese Bilder so einzufrieren, wie es ein guter Fotograf tun würde!

In welchem Prozess entstehen Ihre Werke? Spontan oder mit einem langen Vorbereitungsprozess (technisch, inspiriert von Kunstklassikern oder anderem)?

Ich bin oft mit einer Kamera bewaffnet in der Stadt unterwegs. Ich mache mir damit Notizen, so wie man früher skizziert hat. Ich halte die Motive und Momente, die mich am meisten interessieren, fotografisch fest. Ob Autos, Bars, Gebäude oder einfach nur besondere Atmosphären, ich nehme sie am Ende des Tages mit ins Studio. Hier verwerfe ich die verschiedenen Dateien und wähle die besten Frames aus, die dann mit Fotobearbeitungsprogrammen „bereinigt“ oder cmq neu zusammengesetzt werden. So entsteht die kompositorische Grundlage, auf der ein neues Bildwerk entstehen kann. Sobald das Leinwandformat ausgewählt ist, bringe ich das Motiv mit Bleistift zurück und beginne mit den verschiedenen Bildschritten, die sich in Schichten entwickeln, bis das endgültige Werk komponiert ist.

Nutzen Sie eine bestimmte Arbeitstechnik? Wenn ja, können Sie es erklären?

Ich liebe die Vielseitigkeit von Acrylfarben, kombiniere sie aber oft mit Basen aus glänzender Emaille. Auf diese Weise erhalte ich einen Kontrast zwischen dem Hintergrund des Motivs, der kompakt und glänzend wirkt, und dem Motiv selbst, das mit Acrylfarben gemalt und undurchsichtig aussieht. Diese Art von Detail ist auf dem Foto der Arbeit schwer zu erkennen, aber persönlich ist es ein sehr geschätzter Effekt!

Gibt es in Ihrer Arbeit innovative Aspekte? Können Sie uns sagen, was sie sind?

Ich verwende bei der Herstellung meiner Arbeiten klassische Techniken, was innovativ sein kann, ist ihre kombinierte Verwendung. Es ist einfach, in meinen Arbeiten eine Kombination aus Acrylfarben, Lasuren und pastellfarbenen Details zu finden.

Haben Sie ein Format oder Medium, mit dem Sie sich am wohlsten fühlen? Wenn ja warum?

In letzter Zeit verwende ich oft das quadratische Format, weil ich es als sehr konkret empfinde. Das Quadrat hat eine perfekte Form, es rahmt alle möglichen Motive gut ein und, was am wichtigsten ist, es zwingt mich, mich auf den Fokus des Motivs zu konzentrieren. Es gibt keinen Platz für unnötige Details, ein quadratisches Bild ist wie eine Faust, stark, klar und kraftvoll!

Wo produzieren Sie Ihre Arbeit? Zu Hause, im Gemeinschaftslabor oder in Ihrer Werkstatt? Und wie organisieren Sie in diesem Bereich Ihre kreative Arbeit?

Einer meiner größten Wünsche war es schon immer, mir eine professionelle Werkstatt leisten zu können. Ich male großformatige Leinwände, entwerfe aber auch Tusche auf Papier, gestalte Räume, produziere eine Reihe von Ökodesign-Möbeln, rahmen Drucke ein und verpacke jeden Verkauf persönlich. Dafür sind große Räume nötig und ich komme gerade von einem Erlebnis in Hamburg zurück, wo ich das Glück hatte, ein 120 Quadratmeter großes Studio mit einem Fotografen zu teilen. In diesem Moment der Geschichte male und arbeite ich in einem temporären großen Atelier auf Ischia, meiner Heimatinsel, mit der Absicht, eine dauerhafte Einrichtung zu schaffen, die auch ein Haus/Atelier in Neapel sein könnte.

Führt Sie Ihre Arbeit dazu, zu reisen, um neue Sammler kennenzulernen, zu Messen oder Ausstellungen? Wenn ja, was bringt es Ihnen?

Meine Arbeit führt mich hauptsächlich auf Reisen, weil ich auf der Suche nach interessanten Themen bin, die später zu Werken werden können. Ich reise oft zu Handelshäfen, Hamburg, Amsterdam und Rotterdam gehören zu den letzten, die ich besuchte, und endlos sind die Leinwände, die aus diesen Inspektionen entstanden sind. Derzeit habe ich nicht das Glück, mit einer bestimmten Galerie zusammenzuarbeiten, aber ich kümmere mich oft persönlich um die Lieferung meiner Werke nach Hause und lege großen Wert darauf, meine Sammler zu treffen. Wer eines meiner Werke kauft, ist im Einklang mit meiner Welt und wird oft zu guten Freunden!

Wie stellen Sie sich die zukünftige Entwicklung Ihrer Arbeit und Karriere als Künstler vor?

Ich werde mich mehr und mehr auf die Malerei konzentrieren und versuchen, keine Aufträge mehr anzunehmen, die nicht zu meinen Themen passen. Ich habe jahrelang an Aufträgen gearbeitet, jetzt ist es an der Zeit, mich meinen eigenen Ideen zu widmen und wenn ich unterwegs einen fähigen Galeristen treffen sollte, umso besser!

Was ist das Thema, der Stil oder die Technik Ihrer neuesten künstlerischen Produktion?

Die Stadt und ihr Leben gehören zu den Themen, die in meinen neuesten Leinwänden am häufigsten thematisiert werden. Die Leinwände dieser Kategorie sind stets im figurativen Stil gehalten und erzählen die Geschichte des Stadtlebens. Sie tun dies durch die Darstellung ikonischer Gebäude, historischer Aktivitäten und Szenarien, die aus verschiedenen beweglichen Motiven bestehen, die an ein bestimmtes amerikanisches Gemälde des 20. Jahrhunderts erinnern.

Können Sie uns von Ihrem wichtigsten Messeerlebnis erzählen?

Im Jahr 2019, während meines ersten Jahres in Hamburg, hatte ich den Mut, eine E-Mail an den Direktor des Hafenmuseums zu schicken mit der eher ambitionierten Bitte, meine Leinwände aus der „Cargo“-Serie auf dem Gelände auszustellen. Unerwartet antwortete der Museumsdirektor, indem er mich zu einer Besichtigung einlud. Innerhalb von zwei Wochen wurde in der Haupthalle des Museums ein Container aufgebaut, in dem 13 meiner Leinwände aus der Schiffsserie untergebracht waren. Die Ausstellung war eine erfreuliche Erfahrung, in einer völlig einzigartigen Umgebung mit Besuchern, die das Marine-Genre liebten! Erfolg.

Wenn Sie ein berühmtes Werk der Kunstgeschichte schaffen könnten, welches würden Sie wählen? Und warum ?

„Nighthawks“ von Edward Hopper ist für mich ein inspirierendes Werk. Die nächtliche Kulisse, die Komposition, die durch die Kombination der kühlen Farben der Außenseite des Restaurants mit dem warmen Licht des Innenraums entstand, ein „filmischer Moment“, der für immer eines meiner beliebtesten Werke bleiben wird.

Wenn Sie einen berühmten Künstler (lebend oder tot) zum Abendessen einladen könnten, wer wäre das? Wie würden Sie vorschlagen, dass sie den Abend verbringen?

Ich würde Wayne Thiebaud gerne einladen und ihn bitten, eines seiner Werke mitzubringen, damit wir über Maltechnik, Komposition und Farbe sprechen können, alles begleitet von einem italienischen Abendessen und ein paar ausgewählten Freunden!