Ielizaveta Portnova: Es war eine Entscheidung, die ich in meiner frühen Kindheit getroffen habe

Was hat Sie dazu inspiriert, Kunstwerke zu schaffen und Künstler zu werden? (Ereignisse, Gefühle, Erfahrungen usw.)

Es ist eine Entscheidung, die ich in meiner frühen Kindheit getroffen habe. Ich war immer davon überzeugt, dass es der beste Job ist, Künstler zu sein, den ich machen kann. In der Schule hatte ich Schwierigkeiten, die meisten Fächer zu verstehen und interessierte mich nur für den Zeichenunterricht. Der erste richtige Schritt in Richtung Kunst war die Bewerbung für ein Keramikstudium – gegen den Willen meiner Eltern. Ich entwickelte schnell eine große Liebe zur Keramikkunst und traf im zweiten Jahr meinen Mentor Aleksandr Chafirov, der mir die Überzeugung gab, dass ich Künstler werden wollte. Ich halte es für wichtig, einen Mentor zu finden, der den Menschen Spaß an den angenehmen und schwierigen Aspekten des Jobs vermitteln kann – ich denke dabei insbesondere an die Vorbereitungsphase, die mühsam sein kann.

Was ist Ihr künstlerischer Hintergrund, mit welchen Techniken und Themen haben Sie bisher experimentiert?

Angefangen hat alles mit Zeichnen und Malen, dann hatte ich in der Kunstschule die Gelegenheit, mich im Tapisserie- und Stoffdruckverfahren (Batik) auszuprobieren. Ich spezialisierte mich schnell auf Keramik und Töpferei und probierte gleichzeitig andere Kunstformen wie Aquarell, Linolschnitt oder Kalligraphie aus. Später arbeitete ich als Designer von geschmiedeten Objekten und habe mich in den letzten sechs Jahren an die Schmuckherstellung mit der Tiffany-Glasmalerei-Technik gewagt. 95 % meiner Kreationen bestehen immer noch aus Keramik. In den letzten zwanzig Jahren war Keramik nicht nur meine Hauptbeschäftigung, sondern mein ganzes Leben. Aus Keramik erstelle ich Objekte in verschiedenen Formen, von kleinen Schalen bis hin zu großen Tafeln. Ich beteiligte mich auch an der Restaurierung historischer Architekturwerke wie Fassaden- oder Innendekorationen und Flachreliefs. Als Künstler schaffe ich hauptsächlich Skulpturen und lade alle Interessierten ein, meine Welt zu besuchen.

Welche drei Aspekte unterscheiden Sie von anderen Künstlern und machen Ihre Arbeit einzigartig?

1. Bei meinem künstlerischen Ansatz geht es nicht nur um die Erforschung von Themen, sondern vielmehr um die Entdeckung von Modelliermethoden, Beschichtungs- und Brennrezepten. Ich versuche, auch bei der Verwendung traditioneller Techniken meine persönliche Note einzubringen.

2. Keramik ist für mich mehr als ein Job: Heute, nachdem ich durch den Krieg in der Ukraine meine Arbeitsbedingungen und meine Stabilität verloren habe, ist es das Letzte, was ich zu verlieren bereit bin. Ich versuche jetzt, mich in einem neuen Land zu integrieren, damit ich meiner Kunst nachgehen kann.

3. Alles, was ich erschaffe, verrät etwas sehr Intimes über mich. Ich versuche nicht zu gefallen, sondern mein Publikum zu finden. Aufrichtigkeit unterscheidet mich vielleicht nicht von anderen Künstlern, aber sie qualifiziert meine persönliche Herangehensweise an das Schaffen.

Woher kommt Ihre Inspiration?

Ich muss meine Emotionen und Erfahrungen intellektualisieren und Kunst ist für mich eine Möglichkeit, sie zu analysieren und auszudrücken. Mit anderen Worten: Kunst ist eher eine Notwendigkeit als eine Leidenschaft: Ich atme, weil ich schaffe. Das Leben, seine Tragödien, seine Freuden und seine unerwarteten Ereignisse sind eine Quelle der Inspiration. Das Material Keramik ist natürlich auch eine Quelle der Inspiration: Jedes Mal, wenn ich damit in Berührung komme, erlebe ich das gleiche Wunder der ersten Entdeckung erneut. Jede Entdeckung bringt eine Vielzahl neuer Möglichkeiten mit sich, es ist eine Dynamik, die mich erhebt und mich weiterhin inspiriert.

Was ist Ihr künstlerischer Ansatz? Welche Visionen, Empfindungen oder Gefühle möchten Sie beim Betrachter hervorrufen?

Für mich ist Kunst der unendliche Prozess der kognitiven Evolution. In den letzten Jahren habe ich versucht, meine eigenen Kanons und Vorstellungen von Keramik zu dekonstruieren. Diese Phase meiner Entwicklung beinhaltet einen Konflikt zwischen dem etablierten Künstler in mir und dem, der gerade dabei ist. In dieser Entwicklung muss ich gegen die sogenannte logische Abfolge meiner Serie ankämpfen und versuchen, auf die Zerstörung meiner festen Ideen hinzuarbeiten. Ich versuche immer noch, einige Ankerpunkte aus den Formen zu speichern, die ich bereits erstellt habe. In meinen Kompositionen strebe ich die Katharsis der Unlogik an; Ich möchte, dass diejenigen, die meine Kreationen betrachten, spüren, dass dies das Wesentliche ist. Und selbst wenn sie meine Wahrnehmungen nicht teilen, kommt es zu einem Dialog der Ideen. Die Entstehung eines neuen Gedankens rund um ein Werk trägt zur Erweiterung seines Weges bei. Natürlich würde ich mich freuen, eine Seele zu treffen, die im Kontakt mit meinen Kreationen die Emotionen erleben könnte, die ich in sie gelegt habe.

In welchem Prozess entstehen Ihre Werke? Spontan oder mit einem langen Vorbereitungsprozess (Technik, Inspiration aus Kunstklassikern o.ä.)?

Die Vorbereitungsarbeiten dauern bei mir durchschnittlich zwischen 3 Monaten und einem Jahr. Die Techniken, die ich entwickelt habe, zwingen mich dazu, bereits hergestellte Objekte wiederzuverwenden – aus meinen alten Arbeiten oder denen anderer Leute, wie zum Beispiel zufällig gesammelte Keramikreste. Bei einigen meiner Projekte habe ich mich von antiken Keramikformen inspirieren lassen. Dazu erstelle ich Objekte in Serie, die dann als Grundlage für den Entwurf einer neuen Skulptur dienen. Das können zum Beispiel kleine Töpfe sein. Das Erstellen dieser Basis durch die Suche nach Trümmern oder das Erstellen „archäologischer“ Objekte kostet mich viel Zeit.

Nutzen Sie eine bestimmte Arbeitstechnik? Wenn ja, können Sie es erklären?

In den letzten sieben oder acht Jahren habe ich eine Arbeitsmethode entwickelt, die es mir ermöglicht, scheinbar unvereinbare Techniken für ein einzelnes Stück zu verwenden. Ich kann dann Form- oder Materialdetails in einer Kreation haben, die wir normalerweise nicht in einem einzelnen Objekt sehen. Es ist eine nahezu unbegrenzte Technik, die meine Fantasie bei der Suche nach neuen Darstellungen beflügelt. Wenn ich meinen Algorithmen persönlicher Techniken vertraue, erscheint die Form von selbst: Es handelt sich um eine Art Keramik-Jazz.

Gibt es in Ihrer Arbeit innovative Aspekte? Können Sie uns sagen, welche?

Ich denke, dass Kunst innovativ sein muss, um als solche qualifiziert zu werden. Ich versuche, Innovationen in allen Aspekten des Prozesses einzuführen: in Skizzen, Massenmischungen, Modellierungstechniken, Beschichtungsrezepten, Brennarten und -methoden. Ich stehe am Anfang jeder Phase der Entstehung meiner Objekte. Zu meinen persönlichen Methoden gehört die Schichtung der Beschichtung, die mehrere Brände erfordert. Einige meiner Kreationen wurden bis zu 15 Mal gebrannt. Es ist schwierig, die Textur und Farbe der endgültigen Beschichtung vorherzusagen, aber in den meisten Fällen ist ihre Wirkung unglaublich.

Haben Sie ein Format oder Medium, mit dem Sie sich am wohlsten fühlen? Wenn ja, warum?

Seit mehreren Jahren beschäftige ich mich mit abstrakten zoomorphen und anthropomorphen Formen. Ich verfolge gerne die Entwicklung der Form meines Objekts, wenn ich über Komposition oder Techniken recherchiere. Ich vergleiche die endgültige Form meiner Kreationen gerne mit einem Faden, der im Labyrinth des Minotaurus zurückgeblieben ist: Wenn man an diesem Faden zieht, entwirrt sich die Schöpfung und man findet ihren ursprünglichen Prototyp.

Wo produzieren Sie Ihre Werke? Zu Hause, in der Gemeinschaftswerkstatt oder in der eigenen Werkstatt? Und wie organisieren Sie in diesem Bereich Ihre kreative Arbeit?

Ich beschäftige mich seit etwa 25 Jahren mit Keramik. Als ich anfing, experimentierte ich mit verschiedenen Möglichkeiten, meine Kreationen zu organisieren. Im Jahr 2015 gelang es mir, mein Ideal zu verwirklichen, indem ich in einem Raum kreieren konnte, den ich schön fand. Es ist sehr wichtig, in seinem Schaffensprozess ständigen Kontakt mit der Skulptur zu haben – auch wenn dieser mehrere Monate dauern kann. Ein Fehltritt in diesem Prozess kann alle bisherigen Bemühungen zunichte machen. Der Dialog mit dem Material darf daher nicht durch Umgebungsgeräusche gestört werden. Es geht nicht darum, in Einsamkeit etwas zu erschaffen, sondern darum, ganz in die Schöpfung eintauchen zu können. Mit Beginn des Krieges in der Ukraine verlor ich diese Arbeitsbedingungen. Als Flüchtling in Frankreich bin ich gezwungen, meine Skulpturen in der Küche meiner Wohnung zu modellieren und sie im Atelier anderer Künstler zu kochen. Es ist manchmal schwierig und unangenehm, aber wenn ich aufhöre zu erschaffen, verliert meine Existenz ihren Sinn.

Führt Ihre Arbeit dazu, dass Sie reisen, um neue Sammler kennenzulernen, zu Messen oder Ausstellungen? Wenn ja, was bringt es Ihnen?

Reisen, Treffen, Messen und Ausstellungen auf der ganzen Welt sind ein wesentlicher Bestandteil des Künstlerlebens. Es ist manchmal ein schwieriger Aspekt, aber ich weiß, dass es für den Erfolg der Karriere von entscheidender Bedeutung ist. Vor dem Einmarsch in die Ukraine brauchte ich eigentlich nicht zu reisen, denn nach zwanzigjähriger Praxis war es mir gelungen, stabile Lebens- und Arbeitsbedingungen zu finden. Ich konnte mich dafür entscheiden, nur an den wichtigsten internationalen Wettbewerben und Ausstellungen teilzunehmen. Nachdem ich die Ukraine verlassen hatte, musste ich alles von vorne beginnen. Natürlich hätte ich gerne wie vor 2022 in meiner Werkstatt weitergearbeitet, denn ich widme mich lieber ganz dem Schaffen, als zu reisen, um meine Kreationen zu promoten. Ich hoffe, dass ich mit der Veröffentlichung meiner Arbeiten auf Artmajeur einen guten Mittelweg finden kann.

Wie stellen Sie sich die zukünftige Entwicklung Ihrer Arbeit und Ihrer Karriere als Künstler vor?

Ich bin schon lange genug im Beruf, um eine Vorstellung von der Zukunft zu haben, die ich mir wünsche, aber aufgrund des Krieges in meinem Land habe ich meine kreativen Pläne auf die nächsten 5 Jahre verschoben. Misserfolge und Erfolge haben keinen wirklichen Einfluss auf mein Schaffen: Ich liebe Keramik zu sehr, um sie von äußeren Faktoren beeinflussen zu lassen. Ein Zuschuss von einem privaten Sponsor oder einem Kulturfonds würde es mir ermöglichen, in den nächsten 10 Jahren normal weiter zu schaffen. Was ich heute am meisten brauche, ist, mehr Zeit zum Schaffen zu haben und mir dadurch weniger Sorgen um meine Lebensumstände machen zu müssen.

Was ist das Thema, der Stil oder die Technik Ihrer neuesten künstlerischen Produktion?

Seit 6 Jahren glaube ich an meine Serie abstrakt-figurativer Skulpturen, sie ist für mich ein schier unendliches Thema. In dieser Serie geht es mir nicht darum, neue Formen zu finden, sondern vielmehr darum, neue Techniken zu erforschen, um mich weiterzuentwickeln. Das Subjekt ist nur eine Leinwand, auf der das Material ein Subjekt darstellt. Natürlich ist es wichtig, das verwendete Material zu verstehen, damit es sich ausdrücken kann. Ich bin davon überzeugt, dass ein aufmerksamer Beobachter in der Lage ist, alle Emotionen, die ich in meine Kreation gesteckt habe, zuzuhören und einzufangen, denn Keramik verbirgt ihre Geheimnisse nicht, im Gegenteil, sie will gehört werden. Indem ich etwas erschaffe, möchte ich mit anderen teilen, was mir Keramik mitteilt.

Können Sie uns von Ihrem wichtigsten Messeerlebnis erzählen?

Das wichtigste Ausstellungserlebnis für mich war meine erste Einzelausstellung im Jahr 2021 – „Licht und Stein“ im Ateliermuseum von Ivan Kavaleridze in Kiew. Es ist mir gelungen, einen Großteil meiner mit verschiedenen Techniken geschaffenen Kreationen in einem einzigen Raum zusammenzubringen. Damals schien mir dieses Ereignis eine Errungenschaft zu sein; Heute sehe ich es eher als einen ersten Schritt in meiner Verwirklichung. Ich habe ein sehr positives Feedback zu dieser Ausstellung erhalten und möchte dieses Vergnügen noch einmal erleben. Zu dieser Veranstaltung habe ich einen meiner Lieblingsmusiker, Andrei Kuzmenko von der Gruppe Skriabin [Скрябiн], eingeladen. Er ließ sich von einem meiner Werke („das Schöne“ [Добряк]) inspirieren und schrieb ein Lied darüber. Wir können das fragliche Gemälde im Musikvideo zum Lied sehen. Wir konnten keine Freunde werden, weil er kurz nach meiner Ausstellung starb, es war eine echte Tragödie für die Ukraine. Trotz allem weckte diese erste persönliche Ausstellung in mir viele schöne Perspektiven und Hoffnungen.

Wenn Sie ein berühmtes Werk der Kunstgeschichte schaffen könnten, welches würden Sie wählen? Und warum?

Ich hätte gerne das Periodensystem der Elemente von Mendelejew erstellt. Ich sehe in dieser Entdeckung ebenso viel Genie wie Vorsehung. Wenn ich meine Skulpturen erstelle, versuche ich zu erraten, wie sich das Material verhält, wenn es mit bestimmten Elementen in Berührung kommt. Das sind Instinkte, die mich leiten und die mit der Erfahrung zu etablierten Rezepten werden. Wenn es Ihnen gelingt, das Verhalten der Materie vorherzusagen, werden Sie eins mit ihr, Sie brauchen keine Dialektik mehr – dann sind Sie mit der Natur „Sie“. Das Periodensystem der Elemente ist für mich ein unglaublich harmonisches und absolut brillantes Werk. Ich verwende es oft, um neue Beschichtungsrezepte zu erstellen. Und obwohl er in mein tägliches Leben Einzug gehalten hat, inspiriert er mich weiterhin. Es gibt Entdeckungen – wie Mendelejews Gemälde oder das Rad – die den Lauf der Geschichte verändert haben.

Wenn Sie einen berühmten Künstler (tot oder lebendig) zum Abendessen einladen könnten, wer wäre das? Wie würden Sie ihm vorschlagen, den Abend zu verbringen?

Ich werde Van Gogh Frühstück anbieten: Kaffee und Zigaretten. Am Morgen sind wir noch ein wenig frei von unserer sozialen Rolle, denn wenn wir schlafen, fallen die Masken und nur das Authentische bleibt zurück. Ich finde, dass dies den Reichtum der Kunst von Vincent Van Gogh ausmacht. Seine Reise hat mich seit meiner Kindheit inspiriert; Mehr als seine Kreationen ist es seine Reise, die mich inspiriert, sein Glaube an das, was er tut. Er verlor das an Gott, fand es aber in der Malerei.