Cassiopeia, ich habe mich schon immer in gewisser Weise für Kunst interessiert

Was hat Sie dazu inspiriert, Kunstwerke zu schaffen und Künstler zu werden? (Ereignisse, Gefühle, Erfahrungen...)

In gewisser Weise habe ich mich schon immer für Kunst interessiert. Mein Vater war Fotograf und meine Mutter hat schon immer gerne gemalt. Ich bin damit aufgewachsen, zu beobachten, was sie taten, und die Fotografie war schon immer ein Teil von mir.
Schöne Gemälde oder Kunstwerke im Allgemeinen sind eine Quelle der Inspiration und es ist zweifellos meine Liebe zu schönen und wirkungsvollen Dingen, die mich dazu bewogen hat, Künstlerin zu werden.

Was ist Ihr künstlerischer Hintergrund, mit welchen Techniken und Themen haben Sie bisher experimentiert?

Ich habe sehr jung mit der Fotografie begonnen. Ich habe manchmal an meinen Freunden, manchmal an mir selbst geübt, um Aufnahmen zu machen und Experimente durchzuführen, um die Bildwiedergabe zu verbessern. Es zwang mich, kreativ zu sein.
Anschließend brachte mir mein Vater fotografische Techniken bei und von da an absolvierte ich verschiedene Ausbildungskurse, um in Nachtclubs, auf Festivals oder sogar in einem berühmten Fußballstadion zu fotografieren. Aber das war nicht das, was mir am besten gefallen hat. Ich wollte meine Motive verschönern, sie in ein traumhaftes oder dunkles Universum befördern, um sie hervorzuheben. Vor allem möchte ich die Schönheit meiner Modelle so zeigen, wie ich sie sehe, und verwende manchmal Themen, die mich berühren, wie die Natur oder auch die Entfremdung des Körpers aufgrund der Zwänge der Gesellschaft.

Welche drei Aspekte unterscheiden Sie von anderen Künstlern und machen Ihre Arbeit einzigartig?

Zum ersten Punkt: Ich mache Fotos sowohl für Einzelpersonen als auch für Fotoshootings und Kunstfotografien. Ich arbeite nicht unbedingt mit Models und die meisten auf den Fotos verwendeten Requisiten sind recycelte oder handgefertigte Gegenstände, da die bereits hergestellten Requisiten oder Outfits teuer sind. Zum zweiten Punkt: Ich möchte keine nackten Frauen für die Kunstfotografie fotografieren, es sei denn, der Akt ist legitim. Meiner Meinung nach kann man die Schönheit der Frau schätzen, ohne sie in Eves Outfit stecken zu müssen.
Und schließlich würde ich sagen, dass es vor allem meine Sichtweise auf das, was mich umgibt, ist, was mich auszeichnet.

Woher kommt Ihre Inspiration?

Sehr gute Frage! Meine Inspiration kommt hauptsächlich von der Musik: Wenn ich eine bestimmte Musik höre, kann sie mich transportieren und zu einem Bild oder einer Darstellung inspirieren, die ich dann gerne in ein Foto umsetzen möchte. Ich ziehe meine Inspiration auch aus meinem täglichen Leben – für meine Ausstellung mit dem Titel „The call“ hat mir die Ausgangssperre sehr geholfen. Ich wollte eine Ausstellung über die Dinge machen, die wir während unseres Lockdowns am meisten vermisst haben: nämlich die Natur, die Kunst (Theater, Fotografie, Malerei, Tanz usw.), das Meer und das letzte Gemälde, in dem es um Medikamente ging, weil viele aus meiner Umgebung befanden sich in einer Depression, weil es an sozialen Bindungen mangelte.
Mit anderen Worten: Ein Nichts kann mich inspirieren, wie ein Ganzes: ein Wort, ein Gedanke, ein Gefühl, eine Musik oder ein Buch.

Was ist Ihr künstlerischer Ansatz? Welche Visionen, Empfindungen oder Gefühle möchten Sie beim Betrachter hervorrufen?

Von der Handlung. Ich möchte dem Betrachter eine Frage stellen wie: „Was könnte den Autor dieses Werks dazu veranlasst haben, ein Gemälde daraus zu machen?“ oder auch „Wie schön, aber seltsam“. Ich möchte nichts Gemeinsames tun. Mein Wille als Künstler ist es, die Schönheit der Dinge (Frauen, Männer, Kinder, Tiere oder was auch immer) mit dem Fremden oder einer Reflexion über das gegebene Thema zu verbinden.

In welchem Prozess entstehen Ihre Werke? Spontan oder mit einem langen Vorbereitungsprozess (technisch, Inspiration durch Kunstklassiker oder anderes)?

Die meisten meiner Bilder sind spontan entstanden. Eine Idee ist in meinem Kopf entstanden und wenn ich in meinem Studio das Zeug dazu habe, sie zum Leben zu erwecken, dann werde ich den Schritt wagen. Was die Serie „L'Appel“ angeht, ist es ein weiteres Verfahren. Ich arbeitete zuerst an den Motiven, bevor ich die Outfits und Accessoires anfertigte, und schätzte die Anzahl der Aufnahmen ab, die ausreichten, um eine Ausstellung in einer Galerie zu machen, um anschließend das anzufertigen, was es anzufertigen gab. Ich neige dazu, mich von Gemälden oder Porträts inspirieren zu lassen, die mich berühren.

Nutzen Sie eine bestimmte Arbeitstechnik? Wenn ja, können Sie es erklären?

Zum Fotografieren nutze ich hauptsächlich mein Studio. Allerdings schätzte ich vorher keine Studioaufnahmen, sondern Outdoor-Aufnahmen – farbenfroher, lebendiger –. Nur ermöglichen Studioaufnahmen eine bessere Kontrolle des Lichts und trotz allem eine gute Kreativität, wenn man weiß, wie man damit umgeht. Was für mich ein echtes Problem war.

Gibt es in Ihrer Arbeit innovative Aspekte? Können Sie uns sagen, welche?

In gewisser Weise würde ich ja sagen. Ich mag die Arbeit meiner Artgenossen, die sich bei der Schaffung ihrer Werke von Gemälden inspirieren lassen, aber das ist nicht das, was ich tun möchte. Sie machen es auf ihre Art sehr gut und ich möchte nicht zu einer weiteren Person werden, die sich von denselben Gemälden für Kunstfotografien inspirieren lässt.
Manchmal mache ich auch Selbstporträts, was in der Branche nicht üblich ist.

Haben Sie ein Format oder Medium, mit dem Sie sich am wohlsten fühlen? Wenn ja, warum?

Der Digitalfotograf! Ich arbeite – zumindest im Moment – nicht mit Filmen. Ich bin mit der fotografischen Manipulation (Photoshop) viel vertrauter. Für mich ist es die Aussicht, nach der Aufnahme alles ändern zu können, sei es die Farbe des Studiohintergrunds, das Hinzufügen gewünschter Details oder das Entfernen störender Details, um eine ganz andere Atmosphäre zu schaffen usw.

Wo produzieren Sie Ihre Werke? Zu Hause, in der Gemeinschaftswerkstatt oder in der eigenen Werkstatt? Und wie organisieren Sie in diesem Bereich Ihre kreative Arbeit?

Auf diese Frage gibt es zwei Antworten: Wenn ich im Freien arbeite, kann der Ort zufällig oder lange im Voraus ausgewählt werden. Dann finde ich den Ort und versuche, ein Thema zu finden, das ich an diesem Ort angehen möchte, sowie die Outfits und Accessoires, die ich brauchen würde, die Posen (wenn es ein Model gibt) und den Retuschierstil, den ich machen würde.
Für Fotos im Studio, bei mir zu Hause, gehe ich den gleichen Weg: Wahl des Hintergrunds, Pose, Outfits/Accessoires, Make-up, angesprochenes Thema.
Ich organisiere meine Arbeit in einem Notizbuch – ich schreibe, ich zeichne – und wenn ich kein Notizbuch oder keine Blätter habe, nehme ich mein Telefon und notiere alle meine Ideen, auch wenn ich sie am Ende in einem Notizbuch notiere. Gut .

Führt Sie Ihre Arbeit dazu, zu reisen, um neue Sammler kennenzulernen, zu Messen oder Ausstellungen? Wenn ja, was bringt es Ihnen?

Im Moment hatte ich die Möglichkeit, in der Nähe meines Zuhauses (Aix-en-Provence) auszustellen, um meine Serie „L'appel“ ein Jahr und vier Monate lang auszustellen. Kurz zuvor bin ich nach Paris gefahren, um Galeristen und Sammler zu treffen (ohne dass das abschließend wäre).
Vor nicht allzu langer Zeit hatte ich die Ausstellungen und kreativen Projekte auf Eis gelegt, weil mein Zeitplan es nicht zuließ und die Inspiration nicht mehr da war. Ich hoffe, dass sich das dieses Jahr ändert. Deshalb werde ich meine Serie wieder aufnehmen, die ich aufgegeben hatte, weil sie teuer und energieintensiv war: „Barbie“.

Wie stellen Sie sich die zukünftige Entwicklung Ihrer Arbeit und Ihrer Karriere als Künstler vor?

Ehrlich gesagt fällt es mir schwer, mich in die Zukunft zu projizieren. Schon als ich offiziell und beruflich mit der Fotografie begann, konnte ich mir nicht vorstellen, Bilder zu machen, die in Salons ausgestellt würden. Für die Zukunft erwarte ich vor allem, weiterhin Projekte zu haben und immer mehr Menschen zu haben, die meine Arbeit wertschätzen.

Was ist das Thema, der Stil oder die Technik Ihrer neuesten künstlerischen Produktion?

Aus einer Laune heraus wollte ich kürzlich eine Aufnahme machen, indem ich den Stil zweier Werke von Tim Burton – Beetlejuice und Wednesday Addams – mischte. Es ging nicht darum, ein bestimmtes Thema anzuprangern oder anzusprechen.

Können Sie uns von Ihrem wichtigsten Messeerlebnis erzählen?

Mein wichtigstes Ausstellungserlebnis, auf das ich am meisten stolz bin, war im September 2021. Anlässlich der Einweihung eines bevorstehenden Theaters in Aix-en-Provence unter der Leitung eines Freundes konnte ich im Rahmen dieser Veranstaltung die Vernissage meiner Werke durchführen. Hunderte Menschen kamen und schauten sich die Werke an, was mich stolz machte.

Wenn Sie ein berühmtes Werk der Kunstgeschichte hätten schaffen können, welches würden Sie wählen? Und warum ?

Das ist eine sehr gute Frage. Ich würde sagen, ich würde mich für „Der Schrei“ von Edvard Munch entscheiden, obwohl es sich um ein Gemälde handelt, hat es mich schon immer fasziniert. Sie ist schön und zugleich verstörend, und man fragt sich unweigerlich: „Warum hat sich der Künstler entschieden, sie zu malen?“ Die Farben des Hintergrunds sind erhaben und der Vordergrund vermittelt einen verstörenden Aspekt, der in gewisser Weise schön ist, ohne es im eigentlichen Sinne des Wortes zu sein.

Wenn Sie einen berühmten Künstler (tot oder lebendig) zum Abendessen einladen könnten, wer wäre das? Wie würden Sie ihm vorschlagen, den Abend zu verbringen?

Überraschenderweise handelte es sich nicht um einen Künstlerfotografen, sondern um einen Autor mit inspirierender Feder: Edgar Allan Poe.
Seine Schriften sind stark bebildert und gefoltert. Er befasst sich mit Themen wie Tod, Bewusstsein und Wahnsinn und tut dies auf subtile Weise. Das ist es, was ich mit meinen Aufnahmen erreichen möchte, um der Lesart der Fotos eine subtile Note zu verleihen.
Wir verbrachten den Abend damit, über Literatur und ihre Inspirationsquellen zu diskutieren und dabei ein Klavierstück zu hören.