Amaya F Fariza, ein inneres Gefühl

Was hat Sie dazu inspiriert, Kunst zu schaffen und Künstler zu werden (Ereignisse, Gefühle, Erfahrungen...)?

Ich kann mich nicht erinnern, wann ich mit dem Zeichnen angefangen habe, aber in der Schule habe ich es immer gemacht, wenn es mir langweilig war, im Unterricht Blätter mit Zeichnungen zu füllen. Ich habe noch einige Zeichnungen aus meiner Kindheit, weil meine Mutter merkte, dass es mir so gut gefiel, dass sie anfing, mir Buntstifte und Wasserfarben zu kaufen.

Mir war immer klar, dass mein Weg in diese Richtung gehen würde, und ich begann meine ersten Ölgemälde zu malen, als mir die Heiligen Drei Könige als kleines Mädchen einen Koffer voller Farben mit einer Staffelei und einer Leinwand brachten.

Ich war so interessiert, dass ich mich daran erinnere, dass ich seit meiner Kindheit stundenlang die Enzyklopädie der Kunstgeschichte durchgesehen habe, die ich zu Hause hatte. Da geriet ich ins Staunen, als ich die Farbtafeln der Gemälde der großen Meister der Renaissance, des Barock oder der Impressionisten betrachtete. Ich konnte mich immer noch nicht mit der „modernen“ Malerei, der Avantgarde, Picasso, Tápies ... auseinandersetzen.

Was ist Ihre künstlerische Ausbildung, mit welchen Techniken und Themen haben Sie bisher experimentiert?

Als ich die Universität der Schönen Künste betrat, fühlte ich mich vollständig. Für mich war es eine sehr wichtige Erfahrung, trotz des Widerstands meines Vaters, der Ingenieur war und wollte, dass seine Kinder technische Berufe erlernen. Er war sehr verärgert und behauptete, ich hätte keine Zukunft.

Ich begann sehr aufgeregt, weil ich wusste, dass die Welt des künstlerischen Schaffens das war, was ich wollte, und ich erinnere mich, dass wir im College viel im Zeichnen nach natürlichen Vorbildern geübt haben. Dort habe ich angefangen, mit Kohle, Wasserfarben, Tempera, Temperafarbe und Ölmalerei umzugehen usw. Aber die meisten Leinwände habe ich damals aus Acryl hergestellt. Er übte alles, Volumen mit Skulptur, Fotografie, Collage, Tusche,...,

Malerei ist die Spezialität, für die ich mich entschieden habe, weil sie es mir ermöglicht, meine Gefühle auf einer zweidimensionalen Oberfläche auf sehr freie Weise auszudrücken, wobei ich alles nachbilden kann, was ich will, indem ich fiktive Realitäten ausdrücke, in denen Perspektive, Atmosphäre, Ton oder Lautstärke innerhalb der akademischsten Technik erscheinen , das wird die Grundlage für meine spätere Entwicklung sein.

Ich übe viel im Großformat und entwickle ein lockeres und ausdrucksstarkes Gemälde, das meinen Emotionen freien Lauf lässt. Es sind Momente großer Energie und Euphorie, in denen ich durch die Beobachtung der Arbeit meiner Klassenkameraden oder die Hinweise meiner Lehrer viele Informationen und Ressourcen erhalte, die mich zusammen mit meinen Museums- und Ausstellungsbesuchen bereichern und ich beginne, meine ersten zu machen Serie.

Es ist ein realistisches Gemälde, mit dem ich mich trotz der bei meinen Klassenkameraden und Lehrern sehr beliebten Einflüsse des Expressionismus sehr wohl fühle.

Es war eine Sammlung von Porträts mit viel Frische und lockeren Strichen. Die menschliche Figur interessierte mich sehr. Dann habe ich die Serie Ambientes (Environments) gemacht, in der ich die Innenräume bearbeitet und Möbel mit Vegetation kombiniert habe. Es sind sehr farbenfrohe, realistische Werke, die das Geheimnis der Einsamkeit zum Ausdruck bringen, es sind leere Räume. Anschließend folgt die Serie Tropicalia, in der traumhafte Dschungelwelten auftauchen, Vegetation, viel Grün und Papageien, viele Papageien. Von diesen Serien ist fast nichts mehr übrig, es waren sehr produktive Zeiten und glücklicherweise auch Verkaufserfolge.

Welche drei Aspekte unterscheiden Sie von anderen Künstlern und machen Ihre Arbeit einzigartig?

Das erste könnte die Sammlung von Daten und Informationen sein, die ich daraus gewonnen habe, dass ich im Laufe meines Lebens so viele Gemälde bei Gleichgesinnten, in Ausstellungen, Museen, auf Messen und in Netzwerken gesehen habe. Museen, Messen und Netzwerke... führen bei mir zu einer deutlichen Weiterentwicklung in der Art und Weise, wie ich Farben anwende und mich neuen Themen nähere. Diese Entwicklung kann man von meinen ersten Werken bis zu den aktuellen Werken nachvollziehen. Für mich ist es wichtig, dass es einen Prozess in der Arbeit des Künstlers gibt, obwohl es Künstler gibt, die ihr ganzes Leben lang auf die gleiche Art und Weise und sogar mit dem gleichen Thema malen.

Ich glaube, dass es einen Stil des Pinselstrichs und der Themen gibt, der immer persönlicher wird.

Das zweite könnte sein, dass ich meinen Ideen treu bleibe, indem ich eine sehr persönliche Figuration mit der Natur als Inspirationsbasis und der Kombination lebloser Elemente mit lebendigen Elementen mache. Meine Models sind Menschen aus meinem Umfeld, die ich fotografiere. Es gibt eine sehr klare Vorstellung von Farbe, die sie in ihrer Fülle, hell, gesättigt und sehr ausdrucksstark einfängt. Ich muss auch den Kontrast hervorheben, Lichtquellen, die aus jedem Winkel kommen können, aber immer da sind.

Und drittens die Art und Weise, wie ich an meine Kompositionen herangehe. Ich beginne immer mit vielen Ideen und filtere sie dann. Wenn ich eine Szene baue, probiere ich die Elemente aus, die ich einbaue oder die ich eliminiere. Früher habe ich meine Skizzen auf der Leinwand selbst gemacht (Velázquez hat das auch gemacht), jetzt verwende ich auch ein Programm dafür Visualisiere meine Ideen. Aber es wird noch mehr Veränderungen geben, denn die Unruhe der ständigen Suche lässt mich zu vielen Ideen neigen, ich kann die menschliche Figur, die Vegetation, die Landschaft berühren. Alltägliche Elemente, alles.

Woher kommt Ihre Inspiration?

Es ist ein inneres Gefühl. Jeden Tag schaue ich auf die Dinge, die mich umgeben, die Dinge, die zeitgenössische Künstler tun, die Landschaft meiner Stadt, die Menschen, das Licht ... Die Großartigkeit, die die Natur bietet, die die Klassiker so sehr bewunderten.

Rousseau sagte: „Es gibt ein Buch, das allen Augen offen steht: die Natur.“

Was ist Ihr künstlerischer Ansatz? Welche Visionen, Empfindungen oder Gefühle möchten Sie beim Betrachter hervorrufen?

Der Moment, in den ich jetzt versinke, bewahrt die Essenz meiner gewohnten Malweise. Aber es hat einen Prozess gegeben, den ich für wichtig halte, denn wenn man sich nicht weiterentwickelt, lebt man weder die kreative Erfahrung noch die Entdeckung anderer Wahrheiten, die in einem sind.

Die Art und Weise des Produzierens und Schaffens basiert auf der Sammlung vieler Informationen über Dinge, die mich interessieren. Mit dem grafischen Material, einschließlich meiner eigenen fotografischen Arbeit, erstelle ich Kompositionen, in denen ich lebende oder leblose Elemente einbringe, aber jede Serie oder jedes Projekt konzentriert sich auf ein bestimmtes Thema. Dies hängt vom Geisteszustand ab, Widrigkeiten schärfen meinen Verstand und ich habe gute und weniger gute Zeiten durchgemacht.

Wenn ich einen Job erledige, quält mich der Gedanke, die Erwartungen, die ich im Kopf habe, nicht zu erfüllen, oder wenn ich sehe, dass die Dinge schlecht laufen, ist das eine große Enttäuschung. Es macht nicht immer Spaß.

Ich möchte, dass jeder, der meine Bilder visualisiert, innehält und beobachtet. Um erfolgreich zu sein, muss das Gemälde den Betrachter anschauen und nicht umgekehrt. Die Arbeit, die ich in diesen Jahren gemacht habe, ruft Nostalgie, Frische und einen gewissen Hauch von Romantik hervor, das wird in meiner Serie „Solitudes“ sehr deutlich.

Wie ist der Entstehungsprozess Ihrer Werke? Spontan oder mit einem langen Vorbereitungsprozess (technisch, Inspiration durch die Klassiker der Kunst oder andere)?

Ausgehend von der Bildersammlung, die ich in meinen thematischen Ordnern aufbewahre, bereite ich den Prozess vor. Normalerweise mache ich Farbfotokopien, klebe sie an die Wand und probiere sie aus. Auf der Leinwand mache ich die Skizzen sowie die Änderungen und baue meine Komposition auf. Ich zeichne die Figuren oder Elemente mit Graphit oder Kohle und beginne mit der ersten Beize, die normalerweise stark verdünnt ist, um die eventuell auftretenden Veränderungen zu begünstigen. Es gibt auch Spontaneität, vor allem im Detail.

Wenden Sie eine bestimmte Arbeitstechnik an? Wenn ja, können Sie es erklären?

Zuerst trage ich eine verdünnte Schicht mit etwas heller Farbe, fast immer rot, auf die Oberfläche der Leinwand auf. Ich mache das mit Acrylfarbe. Es kann über oder unter der Zeichnung verlaufen.

Dann füge ich Ebenen hinzu und überdecke Räume. Manchmal tropft die Farbe, um Frische zu verleihen, und manchmal ist es pastoser. Außerdem trage ich Lasuren an den Stellen auf, an denen ich die Farbgebung etwas verändern möchte.

Schließlich entscheide ich mich für kräftige, kraftvolle Farben, und manchmal verschmelzen die Figuren mit den Hintergründen und verleihen dem Ganzen Plastizität. Es gibt immer Licht, es ist wichtig, der Komposition Lebendigkeit und Wirksamkeit zu verleihen.

Gibt es innovative Aspekte in Ihrer Arbeit? Können Sie uns sagen, welche?

Alles ist erfunden. In den dreißigtausend Jahren, die der Mensch seit der Entdeckung prähistorischer Schöpfungen gemalt hat, hatte er die Zeit, alles zu tun. Ich sehe keine großen Veränderungen seit Beginn des digitalen Zeitalters. Am Ende des 9. und 20. Jahrhunderts gab es viel mehr Brüche und Innovationen mit der Avantgarde und den verschiedenen Stilen, die sich in der Geschichte als innovativ und veränderlich erwiesen haben.

Jetzt verwende ich, wie bereits erwähnt, ein Programm, das sehr nützlich ist, um Kompositionen einschließlich der Elemente oder Bilder zu erstellen, die ich aus meinen Ordnern auswähle. Ich male nicht digital, kann aber mit dem Programm einige Farbproofs visualisieren.

Ich mache gerne alles manuell, als Kunstliebhaber mag ich weder die Malerei, die auf ein auf eine Leinwand gezeichnetes Foto aufgetragen wird, noch die mit künstlicher Intelligenz erstellten Arbeiten, die sich allmählich in die Wettbewerbe einschleichen. In diesem Bereich gibt es nicht nur Künstler, sondern auch Ingenieure. Auch nicht die Kunst, die als „in Serie“ geschaffene, repetitive und anodyne Werke mit wenig Technik entsteht. Ich glaube nicht, dass es die Kunst ist, die über die Grenzen hinausgeht, obwohl der Markt heutzutage solche Dinge bevorzugt.

Ich mag auch keine Strömung, die ich beobachte und die „einfach“ zu erzeugen ist, wie zum Beispiel das Werfen von Farbstrahlen auf die Leinwand und das Ausführen von Bewegungen darauf, um die Farbe auszudehnen, oder die Verwendung von Platten und Schablonen zum Auftragen Farbe. Ich zeichne und male gerne, und die Werke anderer Künstler bevorzugen auch, dass sie mit etwas Geschick hergestellt werden. Das Talent kann nur dann gewürdigt werden, wenn eine Ausarbeitung mit einer Technik und einer kreativen Ästhetik erfolgt, die unabhängig davon ein wenig bearbeitet wird Stil des Künstlers.

Wenn Rothko seine vielgestaltigen Gemälde, große Farbflächen, malt, entsteht der Eindruck, etwas zu Einfaches zu sein. Ich bin von dieser Serie fasziniert, weil sie sehr aufwändig ausgearbeitet ist, es sind Kompositionen, in denen er seine Gefühle zum Ausdruck bringt, er malt keine einfachen Rechtecke. Wenn es nun Künstler gibt, die es schaffen, Farbfelder ohne mehr abzudecken, handelt es sich um ein vereinfachtes Gemälde. Aber Stile sind im Laufe der Zeit zyklisch.

Ich denke, dass es schwieriger ist, mit Abstraktion gut zu arbeiten als mit Figuration oder Realismus.

Mein Gemälde könnte in der Neuen Figuration gerahmt werden.

Gibt es ein Format oder Medium, mit dem Sie sich wohler fühlen? Wenn ja warum?

Ich fühle mich wohler, wenn ich im Großformat arbeite. Ich mache seit vielen Jahren große Gemälde, organisiere mich besser mit dem Raum und denke, dass meine Botschaft besser vermittelt wird. Aber ich arbeite in allen Formaten.

Und mein Lieblingsmedium ist zweifellos Öl, weil es mir Korrekturen und Unschärfen ermöglicht, mehr Plastizität hat und mir die Möglichkeit gibt, eine ausdrucksstarke Sprache zu schaffen.

Wo produzieren Sie Ihre Werke? Zu Hause, im gemeinsamen Studio oder im eigenen Studio? Und wie organisieren Sie in diesem Bereich Ihre kreative Arbeit?

Zu Hause. Mein Haus ist groß und ich habe einen Raum zum Malen eingerichtet.

Am liebsten male ich in meinem Sommerhaus. Dort gefällt mir das natürliche Licht besser als das künstliche.

Als Paletten verwende ich große MDF-Platten, da die Palette bei Ölfarben sehr lange zum Trocknen braucht.

Reisen Sie im Rahmen Ihrer Arbeit zu neuen Sammlern, zu Messen oder Ausstellungen? Wenn ja, was bringt es Ihnen?

Ich bin schon immer viel gereist, bin aber jahrelang nur in Spanien umgezogen.

In meiner Stadt (Bilbao) gibt es ein gutes Ausstellungsangebot, wir haben das Guggenheim mit guten zeitgenössischen Wechselausstellungen und das Museum der Schönen Künste, das auch viele Ausstellungen von Künstlern aller Zeiten hat.

Ich fahre jedes Jahr im Februar nach Madrid, um mir die Kunstmessen anzusehen.

Kunst zu sehen bringt viel mit sich, manchmal bemerkt man ein Detail in einem Gemälde und behält es im Gedächtnis, es ist bereichernd.

Wie stellen Sie sich die zukünftige Entwicklung Ihrer Arbeit und Ihrer Karriere als Künstler vor?

Ich glaube, dass mir das Malen immer mehr Spaß macht. Aber ich verlange immer mehr von mir selbst und das erfordert eine mentale Anstrengung und ich glaube, ich engagiere mich zu sehr.

Ich habe Projekte für die Zukunft. Ich denke, ich werde neue Dinge und neue Prozesse machen. Ich möchte Zugang zu interessanten Ausstellungen haben. Ich habe nie für die Miete von Räumen bezahlt. Aber ich kritisiere diese Praxis nicht, man muss den Leuten, die malen, Optionen bieten, und es ist schwierig, Räume zu finden, weil es jetzt nur noch sehr wenige Galerien gibt und sie zusätzlich zum Schwert des Internets viele Kosten verursachen. Online-Ausstellungen oder Kunstplattformen nehmen viel Verkaufsfläche weg.

Was ist das Thema, der Stil oder die Technik Ihrer neuesten künstlerischen Produktion?

Ich arbeite derzeit an der Paraísos-Reihe. Es sind idyllische Universen, in denen Frieden herrscht und Träume sich verbreiten können. Es gibt viel Farbe, Vegetation, erfundene Landschaften und viele Vögel.

Im Moment wird es weder veröffentlicht noch zum Verkauf angeboten, aber später werde ich darüber sprechen oder es ans Licht bringen.

Gleichzeitig arbeite ich immer noch an der Serie Anónimas, die eine der umfangreichsten Sammlungen ist, die ich mache. In dieser Serie spreche ich von einer aus Einfachheit behandelten Weiblichkeit, sie sind Heldinnen des Alltags, ich hebe Situationen hervor, in denen Transzendenz genau die Funktion des Seins oder Seins ist. Es ist wichtig, die Botschaft zu vermitteln, dass diese Mädchen-Frauen in unbedeutenden Situationen hervorstechen und durch sich selbst glänzen.

Können Sie uns von Ihrem wichtigsten Messeerlebnis erzählen?

Das wichtigste Ausstellungserlebnis steht meiner Meinung nach noch bevor.

Ich war begeistert, als ich von einer Kunstgalerie in Dubai eine Einladung erhielt, meine Arbeiten auszustellen.

Immer mehr Menschen werden dazu ermutigt, Kunstwerke im Internet zu kaufen. Es gibt echte Juwelen, Gemälde, in die man sich verliebt. Der Markt ist globaler.

Aber ich werde meine erste Ausstellung in den 90er Jahren in der Ausstellungshalle des Dorfes, in die ich jeden Sommer ging, nie vergessen. Es handelte sich um eine Landschaftsserie, die aus einer Reihe von Fotos entstand, die ich in der Gegend aufgenommen hatte.

Es war eine liebenswerte Erfahrung.

Wenn Sie ein berühmtes Werk der Kunstgeschichte hätten schaffen können, welches würden Sie wählen? Und warum?

Monets Seerosentafeln in seinem Haus in Giberny.

Sie bilden sein besonderes Universum auf zarte Weise mit einem sehr harmonischen Chromatismus ohne Perspektive und Verdunstung der Konturen nach. Sie spiegeln Monets Erfahrung mit der Natur wider. In diesen Werken gibt es einen schmalen Grat zwischen Realismus und Abstraktion, den der Maler meiner Meinung nach mit großer Meisterschaft löst.

David Hockney hat mich sehr geprägt und inspiriert, als ich meine erste Porträtserie mit Acrylfarben anfertigte. Seine Pool- und Gartengemälde, die er in Kalifornien malte, faszinierten mich und seine letzten Porträts, die ich im Guggenheim in Bilbao sehen konnte, wirkten sehr farbenfroh und ausdrucksstark. Ich liebe definitiv seinen Stil und seine Entwicklung.

Ich habe auch viele Arbeiten von Sorolla gesehen. Der Meister des Lichts.

Wenn Sie einen berühmten Künstler (lebend oder tot) zum Abendessen einladen könnten, wer wäre das? Wie würden Sie vorschlagen, dass sie den Abend verbringen?

Ich würde mich sehr über ein Gespräch mit Antonio López freuen. Der spanische Maler der Madrider Landschaften. Ich mag seine Früh- und Spätwerke. Er hat ein unglaubliches Raumgefühl und eine sehr gute Arbeitsfähigkeit. Dass er so gefragt ist, ist logisch, denn seine kreative Arbeit war und ist sehr wertvoll.

Ich möchte auch den chilenischen Maler Guillermo Lorca einladen. Er schafft sehr barocke Kompositionen mit einem unglaublichen technischen Können und einem sehr starken kreativen Potenzial.