Was hat Sie dazu inspiriert, Kunstwerke zu schaffen und Künstler zu werden? (Ereignisse, Gefühle, Erfahrungen...)
Meine persönliche künstlerische Produktion beginnt ungefähr im Alter von fünf Jahren. Mein erster großer künstlerischer Einfluss war die Entdeckung des Kinos des neuen Hollywood im Alter von vierzehn Jahren. Das Anschauen dieser Filme war ein großer ästhetischer Schock, denn ihre Arbeit war thematisch komplex, formal innovativ, moralisch mehrdeutig und reich an mythischer Resonanz. Das neue Hollywood hat die Geburt einiger der größten Regisseure und großartigsten Werke in der Geschichte des Kinos gesehen, wo Unmoral und extreme Gewalt, die zuvor durch den Hays-Code zensiert wurden, in Zwielicht und verzweifelte Geschichten verflochten sind. Ambiguität, der realistische Blick auf Individuen und ihre Probleme, die Bereitschaft, die Abgründe der menschlichen Seele zu erforschen, und der Einsatz von Antihelden sind Themen, die in meiner bildnerischen Arbeit auffallen.
Was ist dein künstlerischer Hintergrund, mit welchen Techniken und Themen hast du bisher experimentiert?
Ich war anfangs eher Zeichner als Maler, dann habe ich mit Acrylfarbe experimentiert, was mir nicht gefiel (schnelle Trocknung, fehlende Nuancen etc.). Als ich 2010 die Ölmalerei und ihre Geheimnisse entdeckte, war ich sofort überzeugt, dass diese Technik meinen Zweck erfüllen würde. Ich schätze auch sehr das trockene Pastell, das es mir auch ermöglicht, die kalten Atmosphären, die ich mag, zu übersetzen.
Welche 3 Aspekte unterscheiden Sie von anderen Künstlern und machen Ihre Arbeit einzigartig?
- Der Wunsch, keine modische Arbeit zu produzieren, sondern eine zeitlose Arbeit.
- Ich schlage eine Diagnose des modernen Menschen vor, indem ich so viel wie möglich erforsche, was seine Stärken und Schwächen ausmacht.
- Ich halte ein sehr hohes Anforderungsniveau, um gemeisterte und relevante Werke zu produzieren.
Woher kommt Ihre Inspiration?
Die Geschichte der Malerei mit den Meistern des Genres (Vermeer, Rembrandt, Van Eyck, Da Vinci, Botticelli, Raphaël, Caravaggio, Giorgione, Poussin, David, Munch, Manet, Hammershoi), Kino und Poesie des 14. Jahrhunderts.
Was ist Ihr künstlerischer Ansatz? Welche Visionen, Empfindungen oder Gefühle möchten Sie beim Betrachter hervorrufen?
Über die Ölmalerei entwickle ich das Konzept des „stillen Malens“. Der Begriff der „stillen“ Malerei ist ein Versuch, die Stille mit einem Medium zu materialisieren, das im 15. Jahrhundert auftauchte. Das Ziel ist es, eine Kombination ästhetischer Entscheidungen zu treffen, um eine stagnierende Atmosphäre zu schaffen, in der die Zeit stillzustehen scheint. Eingeschränkte Farbpalette, zeitgenössische Ruinen als Abbild des geistigen Raums eines Menschen und unbelebte Objekte wie Automaten, Puppen und Wachsfiguren sind die Hauptbestandteile.
Die Kombination dieser verschiedenen Elemente nähert sich dem von Sigmund Freud 1919 theoretisierten Konzept der „störenden Fremdheit“. Das Fremde, etymologisch das Äußere, Unbekannte, kann sich auch auf das Verborgene in der Tiefe beziehen. Meine Arbeit ist gewissermaßen eine Autopsie der menschlichen Psyche – Stille als Klangzustand, Stille als Meditation, Stille als Schmerz. Malen als Ausdruck, Malen als Überzeugung, Malen als Leidenschaft.
Wie ist der Entstehungsprozess deiner Werke? Spontan oder mit langem Vorbereitungsprozess (technisch, Inspiration durch Kunstklassiker oder anderes)?
Ich denke, der Künstler ist ein Übersetzer von Gedanken. Der Schriftsteller setzt Gedanken in Worte, der Maler übersetzt ihm diese Gedanken durch Bilder. Er versucht, die geheime Inschrift, die tief in uns steckt, in eine sichtbare und fühlbare Darstellung zu verwandeln. Es geht darum, das tief im Individuum verankerte Bild zu übersetzen, um es so wirksam wie möglich zu machen. Der Künstler verwendet eine Vielzahl von Werkzeugen, die ihm zur Verfügung stehen (Organisation und Komposition des Bildes, Farbauswahl, Platzierung und präzise Auswahl der verschiedenen Elemente, aus denen die Leinwand besteht), um seine Gedanken zu reflektieren. Es ist ein ständiges Hin und Her zwischen der Psyche und der Hand des Malers.
Die Kreation ist ein komplexer und unregelmäßiger Prozess, der beim Künstler große Frustration hervorrufen kann, wenn er es nicht schafft, seine Ideen so umzusetzen, wie er es sich zu Beginn vorgestellt hat. Es scheint, dass das Schwierigste darin besteht, die Substanz (Ideen, Gefühle, Erinnerungen) und die Form so offensichtlich wie möglich aufeinander abzustimmen. Das Ideal wäre, ein möglichst „flüssiges“ Werk zu schaffen, bei dem die langen Arbeitsstunden nicht im Bild auftauchen. Es gibt immer eine Lücke zwischen der anfänglichen Idee, diesem mentalen Ding (eine Idee, ein Moment, der sich als eher amorphe und träge Erinnerung in unser Gedächtnis eingraviert hat, ohne Struktur wie ein Geist) und dem konkreten Objekt, das danach produziert wird, was erklärt, warum es immer eine Lücke gibt eine Art Enttäuschung, Frustration nach Abschluss eines Projekts. Es ist ein Kampf mit dem Material, es zu beherrschen und zur vollen Verwirklichung der Idee zu bringen, die den Künstler bei seiner allerersten Inspiration beflügelte.
Die Realisierung eines Gemäldes oder einer Skulptur erfordert große Konzentration sowie ständiges Engagement, es macht keinen Spaß oder ist etwas auf die leichte Schulter zu nehmen, im Gegenteil, man muss sich teuer verkaufen, um erfolgreich zu sein. zur Kunststoffproduktion. In meiner Malerei versuche ich, nie zu didaktisch zu sein, weil mir scheint, dass der Dialog zwischen Schöpfer und Empfänger des Werks vor allem reich an dem ist, was nicht gesagt wird, was nicht bekannt ist. Der Betrachter wird zu einer eigenen Reflexion gedrängt, wenn er nicht vorgefertigten Schlussfolgerungen des Künstlers unterworfen wird. Außerdem kommt die Inspiration nicht durch Zauberei, sondern durch Arbeit, daher muss das Thema eines Gemäldes in mir reifen wie die Schwangerschaft eines Kindes bis zur Geburt.
Die Arbeit ist das Ergebnis eines langen Prozesses des Nachdenkens, Analysierens und Entdeckens, ein komplexes Unterfangen und ein Weg voller Fallstricke. Jedes Gemälde stellt eine bestandene Prüfung für mein Recht zu schaffen dar, vor einer leeren Leinwand zu stehen, ist eine Herausforderung, die mit jeder neuen Kreation gemeistert werden muss. Von Zweifeln geplagt und mit einer Vielzahl von Fragen konfrontiert: Habe ich die richtige Wahl getroffen? Ist die Zusammensetzung für mein Thema geeignet? Werde ich diesen Teil des Gesichts technisch passieren? Kann ich dieses Licht korrekt wiedergeben? Der Prozess des künstlerischen Schaffens ist gewissermaßen eine schmerzhafte Geburt.
Verwenden Sie eine bestimmte Arbeitstechnik? wenn ja, kannst du es erklären?
Bei meiner Arbeit achte ich darauf, dass die bildnerische Note nicht wahrgenommen wird, sie bleibt vom Sujet zurückversetzt. Das Ideal ist, die Anwesenheit des Malers vergessen zu machen, damit der Betrachter nur die Objekte sieht. Umgekehrt versucht beispielsweise Rembrandt, die Linie seines Pinsels sichtbar zu machen und pastose Effekte zu erzielen. Wie bei Vermeer befinden sich meine Bilder immer in Innenräumen, in denen ich besonders auf Licht und Schatten achte, denn dies sind zwei Faktoren, die es mir ermöglichen, diesen gequälten mentalen Raum zu übersetzen, es geht darum, das richtige Gleichgewicht zwischen Schatten und Licht zu finden, alles liegt also in der Beleuchtung oder in ihrer Abwesenheit.
Die Skulptur von Schatten durch Licht ist eine grundlegende Phase meiner Arbeit, die es ermöglicht, die Widersprüche des Menschen visuell zu übersetzen. Diese Art, Dunkelheit und Licht in meinen Bildern zu modellieren, zielt darauf ab, dem Auge eine Beziehung des Gegensatzes, des visuellen Konflikts zwischen Hell und Dunkel zu geben. Es ist nicht dazu da, die Stille zu übersetzen, sondern die Dualität und die Paradoxien des Menschen zu symbolisieren. Auf der einen Seite modellierte Schattenfiguren, die mit der dunklen Seite der menschlichen Existenz verbunden sind, und auf der anderen Seite die Gemälde verlassener Gebäude. In meinen Gemälden von verlassenen Gebäuden gibt es einen sichtbaren Kontrast zwischen der Dunkelheit des Inneren und der Helligkeit des Äußeren, um den Gegensatz der beiden Welten zu zeigen.
Gibt es innovative Aspekte in Ihrer Arbeit? Können Sie uns sagen, welche?
Ich denke, dass die Übertragung der Gesichter der Models auf die Mannequins einen innovativen Aspekt in meiner Arbeit darstellen kann. Dies hat zur Folge, dass die Grenze zwischen dem Lebendigen und dem Nichtlebenden, dem Wahren und dem Falschen dünner wird, was beim Betrachter Verwirrung stiftet. Es besteht der Wunsch, die Dualität zu inszenieren, den Mann und sein Double, eine Imitation seiner selbst. Jetzt ist es eine körperlose Version, die mit ihm konkurriert. Diese Dummy-Kreaturen repräsentieren eine mentale Projektion seines Unterbewusstseins. Mit der Wahl einer bestimmten Farbpalette ermöglicht mir diese Wahl, die Zweideutigkeit zu übersetzen, denn wenn Der menschliche Geist verstörend, geheimnisvoll und faszinierend ist, muss meine Malerei sein Spiegelbild sein: verstörend, geheimnisvoll und faszinierend.
Haben Sie ein Format oder Medium, mit dem Sie sich am wohlsten fühlen? wenn ja, warum?
Die traditionelle Leinenleinwand, für diese Qualitäten der Lebensdauer. Ich male wie die niederländischen Meister des goldenen Zeitalters wie Vermeer, Rembrandt, Van Dyck oder Frans van Mieris. Ich bedecke die Leinenleinwand mit mehreren Schichten Gesso, dann schleife ich nach und nach mit einem sehr feinen Schleifpapier, um die Arbeit zu verfeinern, um die feinstmögliche Oberfläche zu erhalten. Die Komposition und die Zeichnung wurden zunächst mit einem trockenen Graphitstift nachgezeichnet.
Dann wird die Zeichnung mit einem „Saft“ getönt, der aus mit Terpentin verdünnter gebrannter Umbra besteht. Diese Schicht ist von größter Bedeutung. Mit dem vorherigen "Saft" bereitet die Zeichnung das Auge auf das Motiv vor, während sie den "Griff" der folgenden Schichten vorbereitet und die Leinwand nährt. Dadurch ist es auch möglich, Fett auf Mager zu malen, was bedeutet, dass mit immer fetterer und ölreicherer Farbe gemalt werden muss und daher immer weniger verdünnt wird. Dieses wesentliche Prinzip vermeidet alle Risse aufeinanderfolgender Schichten.
Dann kommt die sogenannte „Half-Paste“-Phase, bei der das Bild in Farbe gemalt wird, indem an Texturen und Überblendungen gearbeitet wird. Sobald dies fertig ist, verwende ich einen für mich wesentlichen Schritt: die Glasuren. Um das Licht hervorzuheben und die Figuren in tiefe Schatten zu hüllen, werden mehrere Schichten transluzenter Farbe verwendet. Meine Lasuren werden nach der Tradition der Maler der „feinen Art“ mit einem fettigen Malmittel aufgetragen.
Wo produzierst du deine Werke? Zuhause, in einer gemeinsamen Werkstatt oder in Ihrer eigenen Werkstatt? Und wie organisieren Sie in diesem Raum Ihre kreative Arbeit?
Ich male zu Hause in einem zum Atelier umgebauten Raum. Ich arbeite hauptsächlich am späten Nachmittag und bis spät in die Nacht.
Führt Ihre Arbeit Sie zu Reisen, um neue Sammler zu treffen, für Messen oder Ausstellungen? Wenn ja, was bringt es dir?
Ich habe 2009 begonnen, meine Arbeiten in kleinen Provinzausstellungen auszustellen. Anschließend wurden Ausstellungen in ganz Frankreich (Juvignac, Montpellier, Mantes la Jolie, Paris, Lyon, Monaco) und im Ausland (Rom, London, New York) verbunden.
Meine Arbeit wurde auch bei internationalen Kunstwettbewerben ausgezeichnet (• Preis für Malerei - Salon des Arts Graveson 2017 • Lieblingspreis der Jury - 35. Salon des Artistes Régionals de Juvignac 2019 • Grand Prix Arbustes - Salon International d'Art de Mantes-La-Jolie 2020 • Finalist des internationalen Kunstwettbewerbs MALAMEGI LAB 16 – Rom, Oktober 2020 • Finalist der 35. Ausgabe des internationalen Kunstwettbewerbs „The Chelsea International Fine Art Competition“, organisiert von der Agora Gallery, New York 2021 • Finalist des internationalen Kunstwettbewerbs „Artists to Follow in 2021“ USA 2021 • Finalist beim internationalen Kunstwettbewerb „Boynes Emerging Artist Award“ Australien 2021 • Finalist beim internationalen Kunstwettbewerb „Art Gemini Prize“ zur Ausstellung in London im „Exhibitionist Hotel“ September 2021 • Freunde von der Salon d'Automne Award "Sträucher" - Salon d'Automne - Paris Oktober 2021 • Vermeil-Medaille - Akademie der Künste, Wissenschaften und Literatur - Paris Oktober 2022)
Die Unterstützung von Sammlern beginnt zu wachsen, was mir erlauben wird, später ehrgeizigere Projekte durchzuführen.
Wie stellen Sie sich die Entwicklung Ihrer Arbeit und Ihrer Karriere als Künstlerin in der Zukunft vor?
In meiner Arbeit werde ich dieses Konzept des stillen Malens weiterentwickeln. Bezüglich meiner Karriere hoffe ich, Gönner und Galerien zu finden, die meine Malerei verteidigen können.
Was ist das Thema, der Stil oder die Technik Ihrer neuesten künstlerischen Produktion?
Es ist ein Ölgemälde mit dem Titel „Die blaue Wüste“, das meinem Stil entspricht, das heißt, eine Recherche über die Psyche eines Menschen, der zu verstehen versucht, wer er ist. Ich habe in diesem Gemälde etwas Neues ausprobiert, es schien mir, dass das, was Menschen absolut einzigartig macht, ihre Fingerabdrücke sind. In diesem Gemälde hinterließ die Frau, die posierte, auch ihre echten Fußabdrücke auf dem Gemälde, wie ein Zeugnis, Beweis ihrer Einzigartigkeit.
Können Sie uns von Ihrem wichtigsten Messeerlebnis erzählen?
Ich hatte das Vergnügen, im renommierten Salmagundi Club in New York auszustellen, einem Mekka für figurative Kunst in den Vereinigten Staaten. Diese Ausstellung ermöglichte es mir, meine Arbeit mit anderen anerkannten internationalen Künstlern zu vergleichen, was mich ermutigte, diesen Weg fortzusetzen.
Wenn Sie ein berühmtes Werk der Kunstgeschichte hätten schaffen können, welches würden Sie wählen? Und warum ?
„Die Arfnolfini-Ehegatten“ von Jan Van Eyck (1434), weil es ein Werk ist, das bis heute ein tiefes Geheimnis und vielfältige Interpretationen bewahrt. Inhaltlich wie formal ist es eine wahre Meisterleistung von Van Eycks Meisterwerk.
Wenn Sie einen berühmten Künstler (tot oder lebendig) zum Abendessen einladen könnten, wer wäre das? Wie würden Sie ihm vorschlagen, den Abend zu verbringen?
Ich glaube, ich entscheide mich für Vermeer, wir diskutieren bei einem guten Essen über seine Sicht der Welt und der Kunst.
Olimpia Gaia Martinelli
