Was hat Sie dazu veranlasst, Kunst zu schaffen und Künstler zu werden? (Ereignisse, Gefühle, Erfahrungen ...)
Eine meiner frühesten Kindheitserinnerungen, die mir oft in den Sinn kommt, ist die von meiner Schwester und mir, wie wir still und seltsam schweigsam – obwohl wir in einem Alter waren, in dem wir immer Unfug trieben – auf der Kante des Schreibtischs meines Vaters saßen und ihm dabei zusahen, wie er ruhig mit Leinwänden, Farben, Tuben, Lappen, Paletten und Pinseln hantierte. In der Ethologie ist „Einprägen“ (also das Hinterlassen eines Abdrucks, einer Markierung, eines Prägens) eine Art Lernen durch Einwirkung: Ich glaube, diese sehr frühen Erfahrungen haben meine Sicht auf die Welt und die Kunst unauslöschlich geprägt. Später widmete ich mich wissenschaftlichen Studien und erkannte, dass die rein analytische und methodische Dimension der Wissenschaft ohne einen Hauch Irrationalität oder eine von Zufall und Instinkt geleitete Geste nicht völlig zufriedenstellend war.
Was ist Ihr künstlerischer Hintergrund und mit welchen Techniken und Materialien haben Sie bisher experimentiert?
Meine Leidenschaft für die Fotografie begann an der Universität, als ich fast zufällig den Charme und die Magie der Dunkelkammer kennenlernte. Ich erinnere mich, dass ich morgens Physik, Analytik und Chemie studierte … und nachmittags, wenn ich konnte, schlich ich mich in die Hörsäle der Kunstakademie, um an Fotografiekursen oder Seminaren teilzunehmen. Später begann ich in der Softwareentwicklung zu arbeiten und schätzte alle digitalen Technologien, von der Fotobearbeitung bis zu Animationen, von virtuellen 3D-Szenarien bis zur Welt der künstlichen Intelligenz. Aber ich habe nie diese alte Vorliebe für das Drucken verloren, den Geruch von Papier, das angenehme taktile Gefühl der Medien, die Berührungen mit der Malerei, und versuchte immer, Innovation und Handwerkskunst zu verbinden.
Welche drei Aspekte unterscheiden Sie von anderen Künstlern und machen Ihre Arbeit einzigartig?
Bernhard von Chartres sagte immer, wir seien Zwerge auf den Schultern von Riesen: Das bedeutet, dass kein Werk jemals vollkommen originell ist, aber auch, dass jeder von uns immer etwas Einzigartiges hat. Der Trick besteht darin, zu verstehen, wie man sich an der Grenze dieses Widerspruchs zwischen Einzigartigkeit und Andersartigkeit bewegt. Meine Besonderheit ist, dass ich Wissenschaft und Kunst nicht trennen kann, mich nicht gerne von Moden oder vorherrschenden Geschmäckern beeinflussen lasse und Orte der Einsamkeit und Stille bevorzuge. Das Studium der Philosophie hat auch meine Herangehensweise an die Kunst geprägt und mich Autoren wie De Chirico schätzen gelernt. Langsam ist es mir gelungen, Unterschiede und Affinitäten in Einklang zu bringen.
Woher kommt Ihre Inspiration?
Meine Hauptinspirationsquelle ist sicherlich das Lesen von Sachbüchern und Literatur sowie die klassische und moderne Musik. Ich interessiere mich mehr denn je für den idealen Aspekt der Dinge als für eine eher phänomenologische Sicht der Welt. Das „Wie“ und das „Warum“ vor dem „Was“. Ich beobachte also viel, fotografiere aber in letzter Zeit mit äußerster Bedacht. Ich suche auch Inspiration in offenen Räumen, in der Leere, in der Meditation, fernab vom Lärm unserer Zeit, der oft die Ursache für zu viele verwirrte Gedanken ist.
Was ist Ihr künstlerischer Ansatz? Welche Visionen, Empfindungen oder Gefühle möchten Sie beim Betrachter hervorrufen?
Kunst lebt durch den Betrachter, der der wichtigste Partner des Schöpfers ist. Für eine gute Zusammenarbeit muss der Betrachter durch Zweifel, Fragen, offene Fragen, Doppeldeutigkeiten, Paradoxien und, wenn nötig, auch durch Ironie und Respektlosigkeit angeregt werden. Es ist immer notwendig, sich von einer Vision zu lösen, die aus Klischees, aufgeblasenen oder allzu vorhersehbaren Bildern besteht. Ich schaffe gerne das, was ich „visuelle Diskontinuitäten“ nenne, Bruchstellen, die uns dazu bringen, nachzuforschen und uns selbst ständig in Frage zu stellen. Um meinen Betrachter nicht zu aggressiv zu behandeln, suche ich immer nach einem formalen Gleichgewicht, das visuelles Vergnügen und Ruhe bietet (aber nicht für den Geist), ohne jemals einen tief verwurzelten Hintergrund aus Fantasie und Freundlichkeit aufzugeben.
Wie läuft der Entstehungsprozess Ihrer Werke ab? Ist er spontan oder ist eine längere Vorbereitungsphase (technisch, von klassischer Kunst inspiriert oder anders) erforderlich?
Die Schöpfung beginnt mit einem spontanen Samen, einem ersten Licht, einem latenten Bild. Darauf folgt ein langer und komplizierter Vorbereitungsprozess, der von meiner wissenschaftlichen Seele geleitet wird. Ich verwende eine möglichst strenge Methodik, die aus Versuch und Irrtum besteht, wobei die Arbeit wie ein mathematischer Lehrsatz ist, der widerlegt werden muss. Ich teste sie, greife sie aus verschiedenen Blickwinkeln an, um Schwächen oder Aspekte aufzuzeigen, die besser definiert werden müssen. Dieser Prozess kann Monate dauern, bis ich eine stabilere und definiertere Form erreiche. Aber ein Ergebnis ist nie endgültig; es stellt nur einen Moment der Reflexion dar, denn neue Ideen, neue Samen lauern bereits und können alles verändern und die Fackel der Vorstellungskraft neu entzünden. Trotz Engagement, Strenge und Leidenschaft ist es immer das Spiel, das den Weg weist, eine Art Karussell, das sich kontinuierlich dreht, ohne jemals anzuhalten, auf der Suche nach einem unverfälschten Blick, genau wie der von Kindern.
Verwenden Sie eine besondere Arbeitstechnik? Wenn ja, können Sie diese erläutern?
Ich beginne fast immer mit einer Gruppe von Fotos oder einer Skizze aus einem früheren Projekt, die ich in einem embryonalen oder unvollständigen Zustand belassen habe. Dann beginne ich mit der Bearbeitung der ersten Bilder, indem ich Elemente hinzufüge und entferne, bis ich die richtige Balance für die visuelle Struktur gefunden habe, die mir vorschwebt. Nach den Anfangsphasen wende ich einen eher dekonstruktiven Ansatz an, bei dem ich Elemente entferne, um die Szene zu bereinigen und das Bild reiner und essentieller zu machen.
Gibt es innovative Aspekte in Ihrer Arbeit? Können Sie uns davon erzählen?
Die Fotografie bildet die Grundlage der meisten meiner Arbeiten. Es ist die Disziplin, die die größten technologischen Innovationen in der Kunst erlebt hat und eine Einladung ist, so viel wie möglich zu experimentieren. Ich habe zum Beispiel begonnen, ein generatives neuronales Netzwerk anhand meiner Fotos zu trainieren, um zu versuchen, mithilfe künstlicher Intelligenztechniken Bilder zu erstellen, die meinem Stil am nächsten kommen. Außerdem mache ich Fotos zusammen mit 3D-Scans desselben Motivs, um sie dann in der Nachbearbeitung zu kombinieren. Derzeit bin ich daran interessiert, zu erforschen, wie man die Software zur Steuerung einer Drohne anpassen kann, um sie für effizientere Aufnahmewinkel und qualitativ hochwertigere Bilder zu nutzen. Letztlich gehört die Fotografie selbst, wie man sie heute versteht, aufgrund ihrer außergewöhnlichen Fähigkeit, alles, was falsch ist, wahr (oder plausibel) erscheinen zu lassen, zu den innovativsten Elementen.
Gibt es ein Format oder Medium, mit dem Sie sich am wohlsten fühlen? Wenn ja, warum?
Was die Medien angeht, experimentiere ich, wie bereits erwähnt, gern, daher ändere ich, wenn möglich, oft den gesamten Workflow meiner Ausrüstung (Kameras, Computer, Scanner, Drucker, Papiere …). Ich fühle mich jedoch mit quadratischen Bildern viel wohler: Sie vermitteln mir ein Gefühl größerer Harmonie. Außerdem wird mein persönlicher Ansatz zum Füllen und Leeren der Szene durch dieses Format in gewisser Weise vereinfacht. Ich glaube, diese Wahl entspringt auch einem tiefen Interesse, das Mathematik und Kunst auf der Suche nach Balance verbindet.
Wo produzieren Sie Ihre Arbeiten? Zu Hause, in einem Gemeinschaftsatelier oder in Ihrem eigenen Atelier? Und wie organisieren Sie in diesem Raum Ihre kreative Arbeit?
In meinem Heimstudio habe ich verschiedene Räume zum Nachdenken, Arbeiten und Studieren. Meine Arbeit beginnt mit einem Text, der das Kunstwerk zusammenfasst, dann mache ich die ersten Fotos und beginne, sie am Computer zu bearbeiten. Manchmal verwende ich auch Skizzen oder vorläufige Drucke, um einige der nachfolgenden Schritte zu verdeutlichen. Nach einem ersten „Prototyp“ gerate ich in eine Art Schleife: Ich beginne, den Text zu überarbeiten, um die ästhetischen und operativen Aspekte besser zu definieren und auch die Produktions- und Nachbearbeitungsaktivitäten zu verbessern. Der Arbeitsablauf folgt dem Muster einer Melodie mit Höhen und Tiefen, Pausen, lebhaften und ruhigen Momenten. Ich finde es fast unmöglich zu arbeiten, wenn ich nicht von guter Musik begleitet werde.
Müssen Sie für Ihre Arbeit reisen, um neue Sammler kennenzulernen oder an Messen oder Ausstellungen teilzunehmen? Wenn ja, was bringt Ihnen das?
Ich bin mehrere Jahre lang gereist, habe mich aber in dieser Zeit für ein ruhigeres und weniger hektisches Leben entschieden. Deshalb reise ich viel weniger, versuche aber, auf andere Weise Menschen zu treffen, die an meinem künstlerischen und beruflichen Werdegang interessiert sind, wie etwa Autoren, Förderer, Kuratoren oder Sammler.
Wie stellen Sie sich die Entwicklung Ihrer Arbeit und Ihrer Karriere als Künstler in der Zukunft vor?
Diese Zeit ist voller Möglichkeiten und neuer Erkenntnisse. Ich konzentriere mich zum Beispiel sehr auf das Studium der Kreativität: ein Treffpunkt zwischen Bewusstsein und Unterbewusstsein, der noch immer so geheimnisvoll und wenig erforscht ist. Ich möchte auch mein eigenes „Forschungslabor“ gründen, in dem ich experimentieren und tiefer in dieses Thema eintauchen kann, indem ich neue Werke und Ideen schaffe, die meinen Weg unterstützen. Ich glaube, dass meine künstlerische Karriere in dieser Vision Platz finden kann, auch dank größerer Möglichkeiten, von Galeriebesitzern und Kuratoren wahrgenommen zu werden, und dank neuer Technologien, die einige Barrieren niederreißen.
Was ist das Thema, der Stil oder die Technik Ihrer neuesten künstlerischen Produktion?
Das Thema meiner jüngsten künstlerischen Produktion ist eine Reflexion zwischen Erde und Menschheit, einer Partnerschaft, die unterbrochen und zerbrochen zu sein scheint. Ich dachte daran, ein Bild menschlicher Figuren nachzubilden, die ausschließlich aus Erde, Wurzeln und anderen kleinen Trümmern geformt sind. Hier nimmt die menschliche Figur durch die stille Arbeit der Wurzeln Gestalt an, durch eine langsame Konstruktion, die von einem alten Gesang geleitet wird, einer Art Urenergie, aus der sowohl die Erde als auch die Menschen allmählich ihre Existenz bezogen haben. Stilistisch habe ich einen dunklen Ton gewählt, um eine visuelle Verschiebung zwischen der realen Welt und unserer Wahrnehmung zu schaffen, die durch die Weigerung, sich mit der Natur zu verbinden, getrübt ist. Dies ist der Ursprung dieser verstörenden Visionen, die aus der Unfähigkeit entstehen, unsere authentischsten Ursprünge zu erkennen und zu akzeptieren. Um diese Bilder besser zu harmonisieren, habe ich mich für Konstruktionstechniken entschieden, die von künstlichen Mitteln ausgehen, wobei ich gleichzeitig eine strenge formale Kontrolle der Ergebnisse beibehalte, um die richtige fotografische Qualität sicherzustellen. Diese Arbeit erweckt auch ein neues Künstlerbuch mit Bildern und Worten in Form einer Geschichte zum Leben.
Können Sie uns von Ihrem bedeutendsten Ausstellungserlebnis erzählen?
Das wichtigste Ausstellungserlebnis hatte ich vor ein paar Jahren bei einer Einzelausstellung im Palazzo Serra di Cassano, dem Sitz des Italienischen Instituts für Philosophische Studien in Neapel. Es war aus mehreren Gründen wichtig: die Gelegenheit, wieder Kontakt zu Menschen aufzunehmen, von denen uns die Umstände getrennt hatten; die Chance, die Ausstellung in eine Konferenz einzuordnen, die den umfassenderen Charakter der Kunst, die ich als kulturelle Erfahrung betrachte, unterstrich; und das Gefühl, durch dieselben Hallen zu gehen, in denen ich als Universitätsstudent das Vergnügen und Privileg hatte, bedeutenden Gelehrten, Künstlern und Nobelpreisträgern aus aller Welt zuzuhören.
Wenn Sie ein berühmtes Kunstwerk aus der Geschichte schaffen könnten, welches würden Sie wählen? Und warum?
Das ist eine schwierige Frage, die sogar den Ausgang einer Einladung zum Abendessen mit einem Lieblingskünstler gefährden könnte! Ich würde mich dafür entscheiden, Michelangelos David zu erschaffen: Als leidenschaftlicher Bewunderer der Bildhauerei seit dem antiken Griechenland stellt David für mich den Höhepunkt der Perfektion des kreativen Prozesses dar. Dieses Werk verführt mich mit seiner Stärke, aber auch der Zerbrechlichkeit dieses einzelnen Marmorblocks, seiner Imposanz, aber auch seiner Leichtigkeit; der Eleganz kombiniert mit dem Reichtum an Details, der einzigartigen Konzentration des biblischen Helden, der das Sinnbild einer strengen und unerreichbaren Arbeitsmethode darstellt.
Wenn Sie einen berühmten Künstler (lebend oder verstorben) zum Abendessen einladen könnten, wer wäre das? Wie würden Sie vorschlagen, den Abend zu verbringen?
Falls möglich, würde ich Giorgio De Chirico nächstes Wochenende gerne zum Abendessen einladen. Damit er sich wohlfühlt, würde ich ihn bitten, von seinen ersten Erfahrungen mit Nietzsches Lektüre zu erzählen, die seine metaphysische Malerei in Gang gesetzt haben. Ich würde dieses erste Gespräch mit einem leichten Abendessen begleiten (ich erinnere mich daran, dass De Chirico während seines Aufenthalts in Florenz unter lästigen Bauchschmerzen litt) und mich dann in eine gründlichere Lektüre einiger seiner Werke vertiefen, die voller Charme und Geheimnis sind, und ihn sanft provozieren, vielleicht mit der Komplizenschaft eines guten Glases Wein, um ihm seine verborgensten Inspirationen preiszugeben.
Olimpia Gaia Martinelli
