Was hat Sie dazu inspiriert, Kunst zu schaffen und Künstler zu werden? (Ereignisse, Gefühle, Erfahrungen...)
Ich glaube, dass Kunst symbolisch das Territorium der absoluten Freiheit darstellt und eines der schönsten und interessantesten Arbeitsfelder ist, in denen ein Mensch tätig sein kann, ein Feld, in dem der persönlichen Entwicklung und der Möglichkeit der Bestätigung keine Grenzen gesetzt sind.
Was ist Ihr künstlerischer Hintergrund, mit welchen Techniken und Themen haben Sie bisher experimentiert?
Ich habe Kunst schon immer geliebt. Ich habe seit meiner Kindheit gezeichnet und war begeistert von der Fotografie. In der High School war ich Teil einer Rockband namens „Dawn of Progress“, aber mein Debüt als Künstler gab ich sicherlich während meiner Studienzeit an der Kunstuniversität Bukarest, wo ich Malerei studierte und ich habe auch einen Master-Abschluss in Bildender Kunst erworben.
Ich betrachte mich als experimentellen Künstler, der sich mit dem Konzept und der Entdeckung neuer Bedeutungen von Kunst beschäftigt, und wahrscheinlich aus diesem Grund habe ich zu Beginn meiner Karriere parallel zur Malerei eine Reihe sozialer Projekte wie „Kevin – Allein zu Haus“ realisiert „, ein Hilfsprojekt durch die Bildung benachteiligter Kinder, „Bau, Abriss“, ein Projekt über die Auswirkungen der rumänischen Politik auf die Kultur, oder Projekte, in die wir Musiker, Theaterkünstler und Schriftsteller eingebunden haben, in gemischten Projekten, in denen wir kreiert haben zusammen und zeigten eine Reihe von Performances und Live-Sessions wie „Vizioniarum“, ein Projekt zur offenen Wahrnehmung durch Kunst.
Nach meinem Universitätsstudium habe ich mich auch mit Tonmodellierung, Bildhauerei und Keramik beschäftigt, ich habe auf Veranstaltungen für dekorative Kunst und Design ausgestellt, aber in den letzten Jahren habe ich mich ausschließlich der Malerei gewidmet und ich glaube, dass das Sprichwort „Die erste Liebe wird nie vergessen“ gilt. ist völlig richtig, denn ich liebe die Malerei und fühle, dass sie mir sehr am Herzen liegt.
Welche drei Aspekte unterscheiden Sie von anderen Künstlern und machen Ihre Arbeit einzigartig?
Ich weiß nicht, ob ich über meine Kunst sprechen und sie so qualifizieren kann, aber mir geht es auf jeden Fall um das Thema Einzigartigkeit und aus meiner Sicht in der zeitgenössischen Kunst, um mich von anderen Künstlern abzugrenzen und zu schaffen Um ein einzigartiges Werk zu schaffen, müssen Sie innovativ, authentisch und kreativ sein. Innovativ, wenn ich die Entwicklung einer neuen Technik oder Ausdruckssprache meine; authentisch, wenn wir diskutieren, wie persönlich das Werk des Künstlers ist und vor allem, wie sehr es sich von anderen Künstlern unterscheidet, und kreativ, wenn ich mich auf die Tiefe der gewählten Themen beziehe.
Woher kommt Ihre Inspiration?
Ich finde meine Inspiration bei jeder Arbeit oder jedem Projekt auf eine andere Art und Weise. Beispielsweise ist die Werkreihe „Farben ohne Namen“ von Gedichten inspiriert, die ich geschrieben habe. Für jedes Gemälde habe ich mir zu Beginn eine Skizze in Worten ausgedacht, ein kleines Gedicht, das meine Fantasie öffnete und meine Arbeit irgendwie mit Bleistift umriss. In anderen älteren Projekten standen die von mir entwickelten Themen im Zusammenhang mit den gesellschaftspolitischen Rahmenbedingungen der jeweiligen Zeit und stellten eine Reaktion auf verschiedene Ereignisse oder Probleme der damaligen Gesellschaft dar. „Fair-play“ war beispielsweise ein Malprojekt, in dem ich die Aggressivität der Fußballfans in Rumänien persifliert habe.
Was ist Ihr künstlerischer Ansatz? Welche Visionen, Empfindungen oder Gefühle möchten Sie beim Betrachter hervorrufen?
Jemand, der mir sehr am Herzen liegt, stellte mich in einem kurzen Präsentationsmaterial vor und sagte, dass ich in meinen Bildern sowohl Rock'n'Roll als auch Poesie biete. Ich würde sagen, dass ich ein Künstler bin, der mit offenen Augen träumt und versucht, die Erfahrungen, Gedanken und Emotionen, die ich mit den Betrachtern teilen möchte, so ehrlich wie möglich auszudrücken, und deshalb haben die meisten meiner Werke Ideen und eine positive Energie und konzentrieren sich auf die Ästhetik der Schönheit.
Ich beschäftige mich besonders mit figurativer Sprache und in der Malerei versuche ich, mit Bleistift gezeichnete Charaktere durch bestimmte subtile Details, eine bestimmte Bewegung, einen bestimmten Moment einzufangen und wiederzugeben, der so wichtig erscheint, dass das gesamte Werk in der Zeit „eingefroren“ wirkt.
In welchem Prozess entstehen Ihre Werke? Spontan oder mit einem langen Vorbereitungsprozess (technisch, Inspiration durch Kunstklassiker oder anderes)?
Ich kann sagen, dass ich ein Konzeptkünstler bin, weil ich in erster Linie danach strebe, in meinen Werken eine Bedeutung zu haben. Der kreative Prozess ist ziemlich aufwändig, von der Idee über die Skizze bis hin zum endgültigen Werk gibt es viele Schritte, denen ich folge Und vielleicht ist das der Grund, warum ich etwa 20 bis 30 Gemälde pro Jahr schaffe und nicht mehr.
Nutzen Sie eine bestimmte Arbeitstechnik? Wenn ja, können Sie es erklären?
Beim Malen auf Leinwand habe ich viele Jahre lang mit Acryl gearbeitet, aber in den letzten Jahren habe ich die Schönheit und Genauigkeit der Farben in Öl wiederentdeckt. Ich denke, dass die verwendeten Materialien zusammen mit der Arbeitstechnik je nach Art der Arbeit, die man machen möchte, je nach Sprache oder Thema der Arbeit ausgewählt oder entwickelt werden müssen.
Gibt es in Ihrer Arbeit innovative Aspekte? Können Sie uns sagen, welche?
Von Zeit zu Zeit experimentiere ich und versuche, meine Arbeitstechnik zu verbessern und bestimmte Werke sogar zu „opfern“, indem ich neue Techniken verwende und versuche, freiwillig „Fehler zu machen“ und auf diese Weise neue Dinge zu lernen. Bei der auf keramischen Materialien bzw. auf Porzellan ausgeführten Malerei ist es mir gelungen, eine sehr interessante Technik zu entwickeln, nämlich mit Pigmenten in der Öltechnik zu malen, die bei 1250 °C gebrannt werden, unter der endgültigen Glasur, die auf die Oberfläche der Objekte aufgetragen wird.
Haben Sie ein Format oder Medium, mit dem Sie sich am wohlsten fühlen? Wenn ja, warum?
Ich bevorzuge Werke in größeren Formaten und habe während des Studiums und insbesondere nach Abschluss des Studiums an „leicht monumentalen“ Formaten gearbeitet. Im Projekt „400 Jahre Rembrandt“ habe ich 6m x 2m große Gemälde auf der Straße ausgestellt und sie kamen mir sehr klein vor... Jetzt arbeite ich hauptsächlich in mittleren Größen von 1m x 1m oder 1,5m x 1m. Ich wähle das Format des Werks abhängig vom Thema der Komposition. Wenn ich beispielsweise die Ausgewogenheit einer Komposition betonen möchte, wähle ich das quadratische Format und wenn ich die Dynamik verstärken möchte, wähle ich ein Panoramaformat von 16 :9 oder noch breiter.
Wo produzieren Sie Ihre Werke? Zu Hause, in der Gemeinschaftswerkstatt oder in der eigenen Werkstatt? Und wie organisieren Sie in diesem Bereich Ihre kreative Arbeit?
Seit vielen Jahren miete ich Räume für mein Kreativatelier und die letzte Wahl war sehr großzügig, in einer ehemaligen Industriehalle mit einer Fläche von über 120 m2. In den letzten Jahren habe ich mir jedoch zu Hause ein sehr schickes Studio mit recht großem Raum eingerichtet und bin mit dieser Wahl sehr zufrieden. In naher Zukunft habe ich vor, ein kleines Ferienhaus am Meer zu bauen und werde auf jeden Fall ein großzügiges Malatelier in einer sehr unkonventionellen Umgebung an der Schwarzmeerküste entwerfen.
Führt Sie Ihre Arbeit dazu, zu reisen, um neue Sammler kennenzulernen, zu Messen oder Ausstellungen? Wenn ja, was bringt es Ihnen?
Ich nehme an internationalen Messen und Ausstellungen teil, versuche, mich so gut wie möglich zu promoten und eine sogenannte Imagemarke aufzubauen. Solche Veranstaltungen laden mich energetisch und emotional auf und der Informationsaustausch während der Veranstaltungen ist fantastisch, man trifft neue Künstler und Sammler und für mich kommt mir jede Veranstaltung wie eine außersinnliche Reise in Raum und Zeit vor. Die letzte Veranstaltung, an der ich teilgenommen habe, war letztes Jahr in Paris und die Erfahrung war bemerkenswert.
Wie stellen Sie sich die zukünftige Entwicklung Ihrer Arbeit und Ihrer Karriere als Künstler vor?
Ich träume davon, eines Tages bei Veranstaltungen wie der Biennale von Venedig, der internationalen Ausstellung Documenta oder in einem der großen Museen für zeitgenössische Kunst der Welt auszustellen.
Was ist das Thema, der Stil oder die Technik Ihrer neuesten künstlerischen Produktion?
„Die magische Sonne“ ist mein neues, figuratives Werk mit Pop-Art-Akzenten, gefertigt in der Technik der Ölmalerei, eine Komposition, in der ich versucht habe, die Ausgelassenheit einer warmen Sommersonne in den Vordergrund zu rücken; Das Hauptmotiv wird durch das Lichtspiel verwässert, das die Form des Modells stilisiert und zeichnet, einer schönen Frau, die auf glattem Wasser schwimmt und vom magischen Licht der Sonne verzaubert ist.
Können Sie uns von Ihrem wichtigsten Messeerlebnis erzählen?
Es fällt mir schwer, Werke und Projekte miteinander zu vergleichen, aber sicherlich war „400 Jahre Rembrandt, 400 Jahre Weltkultur“, das 2006 in Bukarest realisiert wurde, hinsichtlich der Komplexität, des Umfangs der Arbeit, aber auch ihrer Internationalität eine fantastische Erfahrung Sichtweite. Das Projekt umfasste eine Ausstellung mit 40 großformatigen Werken, die auf speziell geschaffenen Trägern auf der Straße ausgestellt wurden, eine Reihe von Innenausstellungen in Kunstgalerien, Live-Mal-Kreativworkshops – Jazzmusik, Interviews im rumänischen Fernsehen, in den Printmedien und im Radio, die Erstellung einer Videodokumentation des rumänischen Nationalfernsehens und schließlich die Präsentation des Projekts durch die niederländische Botschaft in Rumänien auf einer internationalen Konferenz in Brüssel. Es ist ein außergewöhnliches Projekt...
Wenn Sie ein berühmtes Werk der Kunstgeschichte hätten schaffen können, welches würden Sie wählen? Und warum ?
Es gibt viele berühmte Werke, die mich seit meiner Kindheit fasziniert haben und die ich während meiner Ausbildung zum Künstler studiert habe, vom Lächeln der Mona Lisa über Michelangelos Skulpturen, von Rembrandts „Nachtrunde“ bis hin zu „Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande“. Jatte“ von Seurat, von „Sternennacht“ von Van Gogh und „Die Geburt der Venus“ von Sandro Botticelli, von „Les Demoiselles d'Avignon“ von Picasso bis hin zu den monumentalen Gemälden von Jackson Pollock, ich habe alles gesehen Ich habe sie in Museen ausgestellt, eingehend erforscht und bewundert. Wenn es die Geschichte erlauben würde, würde ich mich dafür entscheiden, der Schöpfer des Gemäldes „Der Kuss“ von Gustav Klimt zu sein, einem Kunstwerk, das, auch wenn es vor mehr als 100 Jahren entstanden ist, seine Ausdruckskraft, Frische und Bewegung bewahrt hat Die Sensibilität, die es ausstrahlt, und seine ästhetische Sprache führen uns direkt in die Zeitgenossenschaft.
Wenn Sie einen berühmten Künstler (tot oder lebendig) zum Abendessen einladen könnten, wer wäre das? Wie würden Sie ihm vorschlagen, den Abend zu verbringen?
Es gibt vielleicht Hunderte von Künstlern, die ich liebe und die, ob freiwillig oder nicht, definitiv meine Arbeit oder meine Wahrnehmung der Künste im Allgemeinen beeinflusst haben.
Ich würde vielleicht Robert Rauschenberg wählen, ein Symbol des Künstlers, der sein Leben der Kunst gewidmet hat, den ich ins Cedar Taver einladen würde, einen der berühmten New Yorker Pubs der 50er Jahre, die von Künstlern frequentiert wurden, und ich würde ihn nach Neo-Dada fragen , über Pop-Art und abstrakten Expressionismus; Ich würde mich dafür entscheiden, den rumänischen Bildhauer Constantin Brancusi einzuladen, und ich würde mich selbst in seine berühmte Werkstatt in Paris um die 40er Jahre einladen, und natürlich würde ich ihn kochen lassen, weil sein Freund, der Maler Amedeo Modigliani, in einem Interview über den Berühmten erwähnte Lamm-Pastrami-Grills, da nur Meister Brancusi wusste, wie man sie herstellt, würde ich ihn bitten, mir zu erzählen, wie er es geschafft hat, von einem einfachen Hirtenkind in Rumänien zum Symbol moderner Skulptur in der Welt zu werden, oder wie er es geschafft hat, einen zu überzeugen Amerikanisches Gericht darüber, was abstrakte Kunst im Kopf eines Künstlers bedeutet; Ich würde vielleicht Theo Jansen einladen, dessen kinetische Skulpturen mich seit meiner Studienzeit fasziniert haben, ein Künstler mit einer Kunst voller Sensibilität und Energie, ein Modell dafür, was zeitgenössische Kunst bedeutet, und auf eine realere und möglichere Weise würde ich Adrian einladen Ghenie, der rumänische Maler, der es geschafft hat, ein kleines Fragment der Kunstgeschichte neu zu schreiben und den zeitgenössischen Neorealismus wieder in den Vordergrund zu rücken, ein Künstler meiner Generation, der in Berlin ansässig ist und den ich zum Abendessen zu Hause einladen würde, in meinem bescheidenen Malatelier in Bukarest und ich bin mir sicher, dass wir viel über Kunst, Zeiten und Künstler besprechen würden.
Olimpia Gaia Martinelli
