Kurze Einführung in das Konzept von Tags und Graffiti

Graffitiismus, eine soziale und kulturelle Manifestation der Wandmalerei, die in Tags, Graffiti, Wandgemälden, Schablonen usw. Gestalt annimmt, zeichnet sich durch die Verbreitung der Stilmerkmale ihrer Kunst ausschließlich im städtischen Gefüge aus, einem Ort, an dem solche kreativen Äußerlichkeiten entstehen gelten überwiegend als unzivilisierte Vandalismushandlungen. Diejenigen, die diese „gefährliche“ Kunst ausüben, die sich als Schriftsteller und Graffiti-Künstler bezeichnen, beschäftigen sich unter anderem mit dem oben genannten Tagging, also mit der ersten modernen Form des Graffiti, die in New York geboren wurde 1960er Jahre stellt die Signatur dar, mit der der Schöpfer sein Pseudonym veräußerlicht, mit dem Ziel, sowohl in Wänden als auch neben komplexeren, vom Autor selbst geschaffenen Wandgemälden Platz zu finden. Der Hauptzweck dieses Verfahrens besteht darin, den Namen des Graffiti-Künstlers zu verbreiten und ihn durch dünne und schnelle Linien bekannt zu machen, die nicht nur die Lesbarkeit und Fließfähigkeit begünstigen, sondern auch die Geschwindigkeit der Ausführung berücksichtigen, um dies zu ermöglichen eine Handlung begehen, die an sich illegal ist. Oft besteht die Tendenz, Tags mit Graffiti zu verwechseln, wobei wir mit dem ersteren Begriff ausschließlich die oben erläuterte ältere Form von Graffiti bezeichnen, während mit der letzteren Bezeichnung dieses Phänomen durch aufwändigere und größere Schriften konkretisiert wird, die werden durch besondere kalligraphische Stile und Farben bereichert, mit dem Zweck, ganze Wände, U-Bahn-Wagen, verlassene Orte usw. zu schmücken.

„TOILE DE PIAF“ #33 (2021) Gemälde“ von Paf Le Piaf

Was ist der Unterschied zwischen Graffiti und Street Art?

Warum haben wir bisher über Graffiti und nicht über Street Art gesprochen? Wir verwenden diese Begriffe oft und völlig fälschlicherweise undeutlich, wahrscheinlich weil beide künstlerischen Äußerlichkeiten aus demselben Kontext stammen: der Straße! Apropos Graffiti-Kunst: Diese Kunstform, die seit prähistorischen Zeiten auf der Erde präsent ist, wurde erst in den 1970er Jahren offiziell, als sie die Form einer Protestsprache gegen Macht-, Regierungs- oder Gesetzesmissbrauch annahm verfolgt im Allgemeinen die Absicht, die Gedanken seiner Vertreter auf persönliche und transgressive Weise zu manifestieren: durch illegale Beschmierung öffentlicher Orte. Street Art hingegen befasst sich mit Themen, die eine größere Anziehungskraft auf die Massen haben und entsteht vor allem im Kontext der Stadterneuerung, wo Künstler, die keine Schriftsteller mehr sind, Vereinbarungen mit der Gemeinde treffen, um tätig zu werden. Darüber hinaus bestehen weitere wesentliche Unterschiede zwischen Schriftstellern und Straßenkünstlern in der Ausbildung und den künstlerischen Techniken; Während erstere auf der Straße geboren werden, werden letztere in der sicheren Umgebung von Ateliers perfektioniert, Orten, an denen sie aufwändigere Sujets schaffen, deren Erstellung für diejenigen, die von der Polizei verfolgt werden müssen, zu viel Zeit in Anspruch nimmt.

„GRAFFITITAG“ GRAFFITI-LEINWAND VON MONKER (2023)Gemälde von Monker.

Wenn Street Art auf Abstraktion trifft: einige Fallstudien

Wie oben teilweise schon angedeutet, sind wir es gewohnt, Graffitis und Tags an den meist monochromen Wänden von Straßen, verlassenen Gebäuden, Fabriken und vielem mehr zu sehen, oder, wenn wir über Street Art sprechen, manifestieren sich darin ähnliche Stilmerkmale die Räume von Museumseinrichtungen, Kunstgalerien, Kulturstätten, mehr oder weniger autorisierten Mauern, Sammlerhäusern usw. Unauslöschlich mit dieser Ansicht verbunden ist die weit verbreitete Überzeugung, dass sich die Themen und Techniken der urbanen Kunst als davon ausgenommen erweisen wenn es um einige Anspielungen auf die am nächsten liegende Pop-Art geht, aus der allgemeineren Erzählung der Kunstgeschichte, in der meiner Meinung nach, manchmal auffällig, einige Besonderheiten auftauchen, die die oben genannte Kunstrichtung von der Abstraktion geerbt hat, insbesondere wenn sie zu geometrischen Formen tendiert und diese hervorruft, künstlerische Techniken, räumliche Dimensionen, Texturen und Anspielungen auf eine Realität, die offenbar nicht an die Bilder des Alltags gebunden ist. Dies wird durch die Analyse einiger Fallstudien demonstriert, die auf mehr oder weniger fantasievolle Weise die abstrakte Erzählung mit der „städtischen“ verbinden und sich dabei auf die Arbeit einiger Artmajeur-Künstler beziehen, wie zum Beispiel: Monker, Kesa Graffiti, Vincent Bardou, Saname und Pierre Lamblin.

SO 2023 (2023)Gemälde von Kesa Graffiti.

GRAFFITI BURNS (2022) Gemälde von Vincent Bardou.

Was das erste Beispiel betrifft, möchte ich zunächst Piet Mondrians Komposition Nr. 1: Raute mit vier Linien (1930) vorstellen, ein Gemälde, dessen Vorgeschichte bis ins Jahr 1918 zurückreicht, als der Meister rautenförmige Werke schuf, um dem Bild mehr Dynamik zu verleihen Rhythmus zu seinen Abstraktionen, die durch die unkonventionelle Ausrichtung quadratischer Leinwände entstanden, die in einem 45-Grad-Winkel mit einem Winkel an der Oberseite gedreht wurden. Zu dieser Innovation kommt noch die Einführung der diagonalen Linie am Rand der Leinwand in sein Raster aus horizontalen und vertikalen Linien hinzu, die sich über die Grenzen des Trägers hinaus zu erstrecken scheinen und sich in unterschiedlichen Abständen mit den Diagonalen schneiden. Die Konzepte, die durch diese abstrakte Untersuchung von Raum und Geometrie deutlich werden, basieren auf einer sorgfältigen Suche nach einem idealen Gleichgewicht, das darauf abzielt, das minimalistische Interesse an reiner Form sowie die Vorliebe für die Verwendung gedämpfter Farben vorwegzunehmen. Im zeitgenössischen Kontext der Straßenkunst findet eine ähnliche Veränderung in der Ausrichtung geometrischer Formen, in diesem Fall in Bezug auf die des Rechtecks, in Monkers Gemälde Graffititag statt, einem Werk, in dem das Raster durch eine Überlagerung geometrischer Figuren mit Weiß ersetzt wird und graue Markierungen stechen hervor, platziert auf einem Hintergrund mit ähnlichen Farben, die sogar zu dunkleren Farbtönen hinzugefügt werden können, die bis hin zu Schwarz reichen. Zu den oben erwähnten Kesa-Graffiti hingegen möchte ich ihre Arbeit vorstellen, indem ich über Wassily Kandinskys „Circles in a Circle“ (1923) spreche, das erste Meisterwerk des russischen Meisters, das sich hauptsächlich mit der Figur des Kreises beschäftigt, der in seiner umfassendsten Darstellung in Schwarz regt den Betrachter dazu an, sich auf die zahlreichen runden Figuren darin zu konzentrieren, eine Stelle, an der wir auch die ihm innewohnenden diagonalen Streifen finden. In ähnlicher Weise zielt Kesas realisierter Kreis Graffiti in Sun darauf ab, seinen Inhalt hervorzuheben, in dem Graffiti in Schwarz und Weiß sich von einem roten Hintergrund abheben, wobei sich die abstrakte Tropftechnik durch das Vorhandensein von Gelb, Weiß, Schwarz und Orange auszeichnet und rote Spritzer. Um die Erzählung fortzusetzen, bietet sich uns eine weitere Fallstudie durch das Werk von Vincent Bardou an, der in vielen seiner Werke, wie auch in Graffiti Burns, dem Betrachter die Möglichkeit bot, zu erfahren, was sich unter dem Ersten verbirgt Farbschicht, wie im letztgenannten Werk die Anordnung auf dem Träger aus Acrylfarben und Sprühfarbe „surrealistisch auseinandergerissen“ wird, um uns die Vision einer darunter liegenden Dimension der Leinwand zu vermitteln, die uns zu einer unaufhaltsamen Reflexion über den Raum führen soll , ein Thema, das dem bisherigen räumlichen Denken sehr am Herzen lag. Gerade die letztgenannte Bewegung, die 1946 entstand und von Lucio Fontana in Zusammenarbeit mit der Galleria del Cavallino in Venedig gegründet wurde, setzte das malerische Bild auf innovative Weise außer Kraft, um sich in künstlerischer Arbeit dem Problem der allumfassenden Raumwahrnehmung zu widmen als Summe der Kategorien Zeit, Richtung, Ton und Licht verstanden werden. Um besser zu verstehen, was gerade veräußerlicht wurde, lohnt es sich zu erläutern, wie es Fontana selbst war, der durch seine Schnitte die Kunst revolutionierte, indem er die physische Dreidimensionalität der Malerei einführte, was als Erkenntnis der Dringlichkeit verstanden werden sollte, das zu überwinden stagnierende künstlerische Konventionalität, um die innovativsten Dimensionen von Zeit und Raum einzufügen.

TRACE N2206 (2022)Gemälde von Saname.

LOVE TAG (2022) Gemälde von Pierre Lamblin.

Nach Bardou ist Saname an der Reihe, ein französischer Künstler, den ich dem Beispiel von Jackson Pollocks Nummer Eins (Lavender Mist, 1950) gegenüberstellen möchte, einem Gemälde, das in einer alten Scheune im East End von Long Island entstanden ist Das vom Meister in ein Atelier verwandelte Werk verkörpert perfekt den künstlerischen Durchbruch, den Pollock zwischen 1947 und 1950 erzielte und der durch die Reifung seiner früheren Experimente mit tropfenden und spritzenden Farben auf Keramik, Glas und Leinwand auf einer Staffelei konkretisiert wurde. Im konkreten Fall des oben erwähnten Meisterwerks breitete der Künstler die große Leinwand auf dem Boden der Scheune aus und tropfte, goss und schleuderte dann Pigmente aus mit Farbe getränkten Pinseln und Stöcken, während er um den Träger herumging. Dieser rituelle Akt wird, wahrscheinlich durch einen ähnlichen kreativen Prozess, bei der Herstellung des Hintergrunds von Trace n2206 wiederholt, der für ein „minimalistisches“ Graffiti gedacht ist, das auf einer mit der oben genannten Tropftechnik vorbereiteten Leinwand Gestalt annimmt. Schließlich basiert die Analyse der letzten Fallstudie auf der Beobachtung bestimmter Besonderheiten, die in mehreren Meisterwerken von Mark Rothko zu finden sind, darunter beispielsweise Number 10 (1950), Red, Brown, and Black (1958) und Orange, Red , Gelb, (1961). Gerade in diesen Gemälden sind alle rechteckigen Formen, die die Schaffung einer Art Rahmen ermöglichen, so angeordnet, dass sie nicht bis an die Ränder der Leinwand reichen und knapp über der Oberfläche schweben. Dieses schwebende Gefühl wird durch den Nachbildeffekt verstärkt, bei dem jedes Farbsegment die Wahrnehmung benachbarter Farbsegmente beeinflusst. Ähnlich wie gerade beschrieben wird die Art „Passepartout“ des Love-Tags deutlich, das, in Blau, Schwarz, Rosa und Gelb gehalten und zwischen den Tags und dem Rahmen des Werkes angeordnet, Platz findet Es sind romantische, tropfende Inschriften auf schwarzem Hintergrund in derselben oder einer ähnlichen Farbgebung.