Claude Monet, Seerosen, 1916. Nationalmuseum für westliche Kunst, Tokio.
Plötzlich finden Sie sich inmitten einer der berühmtesten Seerosen von Monet wieder, wo Sie von einer endlosen Weite sanft wogender Grün- und Blautöne umhüllt sind und sich von der Brise eines Sommernachmittags wiegt fühlen. Die Pinselstriche, die die Natur auf der Leinwand darstellen, sind fließend, während das durch die Blütenblätter und Blätter gefilterte Licht ein Spiel von Reflexionen auf dem Wasser erzeugt, als ob es versuchen würde, den ewigen Moment eines flüchtigen Augenblicks festzuhalten.
Doch gerade als Sie sich der Ruhe des Gartens von Giverny hingeben, werden Sie plötzlich vom intensiven Duft der Aquarelle von Pierre-Joseph Redouté gefangen genommen, in denen jedes Rosenblatt eine fast heilige Liebe zur Natur zu verewigen scheint. Die Zartheit dieser Formen umhüllt Sie und lässt Sie Teil der Essenz der Schönheit werden.
Doch die Zeit vergeht wie im Flug, und schon bald stehen Sie vor Van Goghs berühmten Sonnenblumen, einem Meisterwerk, bei dem die intensiven Gelb- und Goldtöne kraftvoll von der Leinwand abheben, als ob sie von einem inneren Licht belebt würden. Darüber hinaus verleihen die schnellen und entschiedenen Pinselstriche des Künstlers den Blumen eine fast greifbare Vitalität und verwandeln sie in Symbole der Energie und des Lebens.
Blumen gemalt von Pierre-Joseph Redouté.
Claude Monet, Die Mohnblumen, 1873. Öl auf Leinwand. Musée d'Orsay, Paris.
Es ist Zeit, sich umzudrehen und „Weißer Flieder in einer Kristallvase“ von Édouard Manet zu bewundern, ein Werk, das diese besondere Blumenart einfängt, sorgfältig arrangiert in einem eleganten, raffinierten und leuchtenden Gefäß. Manet fängt die zarte Essenz dieser Blumen ein und hebt ihre hellen und reinen Töne hervor, indem er sie vor einen dunklen Hintergrund stellt. Das Ergebnis ist eine Feier der Einfachheit des Motivs sowie eine Hommage an die vergängliche Schönheit der Natur, die als Einladung gedacht ist, über die Ruhe und Gelassenheit der Blumenwelt nachzudenken.
Schließlich führt uns die lange Erzählung der Kunstgeschichte zum leuchtenden Rot der Mohnblumen von Claude Monet, die in seinem gleichnamigen Gemälde von 1873 dargestellt sind. Dort erscheinen sie dem Betrachter wie Flammen, die in der Sommersonne lodern und auf einem scheinbar endlosen Feld im Wind wiegen.
Und auf dieser Reise durch unsterbliche Meisterwerke nimmt die zeitgenössische Erzählung Gestalt an und führt uns zu den Werken der Künstler von Artmajeur. Diese Künstler erforschen und interpretieren mit ihrem persönlichen Stil weiterhin die beliebtesten Blumen der Kunstgeschichte – Seerosen, Rosen, Sonnenblumen, Flieder und Mohnblumen – und laden Sie erneut ein, zu entdecken, wie die Natur eine unerschöpfliche Quelle der Inspiration und des Staunens für die bildende Kunst bleibt. Sehen wir uns nun ihre Werke an und vergleichen wir sie!
Lilien (2023) Gemälde von Andrei Belaichuk.
O. Balbyshev „Lasst uns nackt schwimmen!“ – EDITION 01/50 (2022) Druck von Oleksandr Balbyshev
Von Monet nach Balbyschew, über Belaichuk
Das Meisterwerk von Monet, das diese Erzählung eröffnet und im Nationalmuseum für westliche Kunst in Tokio ausgestellt ist, ist ein erhabenes Beispiel des Impressionismus. Seine Darstellung von Seerosen zeichnet sich durch zarte und lebendige Pinselstriche aus, die Licht und Reflexionen auf dem Wasser auf ätherische Weise einfangen. Der französische Meister erkundete die Schönheit der Natur mit einem Ansatz, der visuelle Eindrücke und flüchtige Momente gegenüber präzisen Details in den Vordergrund stellte. Das Ergebnis ist eine Leinwand, auf der die Farben sanft ineinander übergehen und eine Landschaft erschaffen, die einem verschwommenen Traum gleicht.
Belaichuks zeitgenössische Werke hingegen orientieren sich an Monets impressionistischem Stil, modernisieren ihn jedoch durch eine modernere und lebendigere Sprache. Während Monet darauf abzielte, Licht und Atmosphäre einzufangen, legt dieser Artmajeur-Maler Wert auf leuchtende Farben und starke Kontraste. Belaichuks Komposition zeigt Seerosen, die vor Farben zu explodieren scheinen, wobei sich die leuchtenden Blumen von den zarteren Farbtönen des Sees abheben. Anders als der klassische Impressionismus, der die Essenz eines Augenblicks festhalten wollte, vermittelt dieses Gemälde eine direktere und lebendigere Energie, die den Betrachter in eine lebendige, dynamische und verspielte Landschaft eintauchen lassen soll.
Balbyshevs Perspektive bricht jedoch radikal mit der Tradition früherer impressionistischer Modelle, indem er einen männlichen Akt in die Mitte der Szene stellt. Der Künstler lässt sich nicht nur von Monets Seerosen inspirieren, sondern nutzt sie auch als Hintergrund für eine Reflexion über die Darstellung des männlichen Körpers in der Kunst. Die männliche Form, die im Vergleich zum weiblichen Akt selten als sinnliches Thema in der Kunst erforscht wird, wird hier hervorgehoben und gefeiert. Somit ist Balbyshevs Werk nicht nur eine Hommage an Monets Seerosen, sondern auch eine Kritik und Neuinterpretation der historischen Unterbewertung männlicher Sinnlichkeit und Schönheit in der Kunst.
Gelbe Rosen (2024) Gemälde von Valeri Tsvetkov.
Gelbe Rosen (2022) Gemälde von Rosi Roys
Rosen und die Entwicklung des Figurativismus
Zurück zu den Rosen des berühmten Illustrators Pierre-Joseph Redouté: Sie sind ein klassisches Beispiel botanischer Präzision. Redouté, bekannt als der „Raffael der Blumen“, hat die Schönheit der Blüten mit akribischer Liebe zum Detail eingefangen. In diesem Sinne sind seine Rosen mit nahezu wissenschaftlicher Genauigkeit dargestellt: Jedes Blütenblatt, jedes Blatt, jeder Farbton ist mit äußerster Sorgfalt wiedergegeben, mit dem Ziel, die natürliche Form getreu zu dokumentieren.
In Bezug auf das Gemälde von Valeri Tsvetkov beobachten wir eine Entwicklung hin zu einem Realismus, der zwar die Detailgenauigkeit beibehält, aber auch Ausdruck und Atmosphäre in den Mittelpunkt stellt. Tsvetkovs Rosen werden mit einem starken Gefühl für Dreidimensionalität dargestellt, wobei Licht und Schatten eine entscheidende Rolle spielen, um die Blumen zum Leben zu erwecken. Im Gegensatz zu Redoutés botanischer Präzision nutzt dieser Artmajeur-Künstler die Ölmalerei, um die samtige Textur der Blütenblätter und ihr sanftes Lichtspiel zu erkunden und ein Werk zu schaffen, das zwar realistisch ist, aber Emotionen und Gefühle von Wärme und Gelassenheit hervorrufen soll. Hier weicht die Präzision leicht der Poesie der Darstellung und versucht, nicht nur das physische Erscheinungsbild, sondern auch die emotionale Essenz der Blumen zu vermitteln.
Die Arbeiten von Rosi Roys hingegen stellen einen weiteren Schritt in Richtung Abstraktion dar. Die Malerin verzichtet fast vollständig auf detaillierte Darstellungen und konzentriert sich stattdessen auf Farbe und Textur. Die Rosen sind zwar noch erkennbar, werden jedoch in kräftige und gestische Pinselstriche zerlegt, deren Farben über die Leinwand zu explodieren scheinen.
Girasoli (2022) von Gerry Chapleski
Sonnenblumen (2024) Gemälde von Anna Mamonkina
Vincent van Goghs Einfluss im Jahr 2024
Obwohl sich die beiden oben gezeigten Werke in ihrer Interpretation und ihrem Schauplatz unterscheiden, bieten sie eine faszinierende bildliche Erzählung, die an die Einflüsse großer Meister der Vergangenheit anknüpft, insbesondere an Vincent van Gogh.
Das erste Gemälde von Gerry Chapleski erinnert sofort an das berühmte Meisterwerk „Sonnenblumen“ des oben genannten niederländischen Meisters. Der Artmajeur-Künstler führt jedoch einen modernen Ansatz ein, indem er Ölfarbe manipuliert und einen strukturierten und dynamischen Effekt erzeugt, der sich von den älteren Pinselstrichen von Van Gogh unterscheidet. Diese Technik verleiht den Blumen ein fast digitales Aussehen, als ob die Formen dekonstruiert und dann so neu zusammengesetzt worden wären, dass die Blumen vor dem Hintergrund zu schweben scheinen.
Anna Mamonkinas Werk hingegen versetzt die Sonnenblumen in einen ganz anderen Kontext, der an eine neue Sternennacht erinnert. Hier stehen die Sonnenblumen nicht mehr im Mittelpunkt einer statischen Komposition, sondern sind in eine weite ländliche Landschaft eingebettet, die im ersten Licht der Morgendämmerung erwacht. In diesem Zeitrahmen erzeugt der Kontrast zwischen dem zunehmenden Tageslicht und den noch immer am Himmel leuchtenden Sternen eine traumhafte Atmosphäre, die eine Verbindung zwischen der Erde und dem Universum heraufbeschwört. Es ist, als würden die Sonnenblumen selbst an diesem Übergang zwischen Nacht und Tag teilnehmen und der anhaltenden Schönheit und Hoffnung huldigen, die der neue Tag mit sich bringt.
Flieder in weißer Vase (2023) Gemälde von Animesh Roy
Flieder (2016) Gemälde von Ivan Kolisnyk
Was würde Édouard Manet denken?
So könnte ein stilistischer Vergleich der beiden oben stehenden Werke klingen, wenn man sich vorstellt, wie Édouard Manet, der Schöpfer von „Weißer Flieder in einer Kristallvase“, diesen Vergleich anstellt:
„Wenn ich diese beiden modernen Werke betrachte, muss ich darüber nachdenken, wie sich die Kunst in ihrer Behandlung floraler Themen weiterentwickelt hat. Als ich zwischen 1882 und 1883 „Weißer Flieder in einer Kristallvase“ malte, wollte ich die Reinheit und Zartheit der Blumen durch eine Kombination aus Realismus und einem Gefühl der Unmittelbarkeit einfangen. Die Kristallvase mit ihrer Transparenz diente als perfekte Kulisse, um den Flieder hervorzuheben, fast so, als ob er schwerelos in der Luft schwebte.
In Animesh Roys Gemälde fällt mir auf, dass das Motiv seinen Ursprung in meinem Werk haben könnte, obwohl der Künstler sich durch die Sprache des zeitgenössischen Impressionismus ausgedrückt hat. Roy verwendet dickere Pinselstriche und eine gewisse Hingabe beim Auftragen von Farbe, wobei die Formen der Blumen eher angedeutet als definiert sind, was dem Werk ein Gefühl von Bewegung und Vitalität verleiht. Im Gegensatz zu meinem Ansatz, bei dem die Transparenz der Vase eine zentrale Rolle spielte, entscheidet sich dieser Artmajeur-Künstler jedoch für eine undurchsichtige weiße Vase, die fast mit dem Hintergrund verschmilzt und die ganze Aufmerksamkeit auf die intensiven Farben der Blumen und Blätter lenkt.
Kommen wir nun zu Ivan Kolisnyks Werk. Ich finde, dass es im Vergleich zu Roys Werk dickere und definiertere Konturen aufweist. Die Farbe wird in kräftigen Flecken aufgetragen, mit kräftigen Pinselstrichen, die ein Gefühl von Textur und Materialdichte vermitteln und den Blumen eine fast greifbare Präsenz verleihen. Darüber hinaus wählt Kolisnyk im Gegensatz zu Roy, der einen abstrakteren und unbestimmteren Hintergrund bevorzugt, einen realistischeren, der die Komposition in einer konkreteren Realität verankert. Diese Wahl scheint den Kontrast zwischen der ausdrucksvolleren malerischen Herangehensweise an die Blumen und der umgebenden Umwelt zu betonen und ein Gleichgewicht zwischen subjektiver Sicht und objektiver Darstellung zu schaffen.“
Mohnblumen in den Bergen (2024) Gemälde von Kosta Morr
Ein neues Mohnfeld
Wo sind die Figuren geblieben, die einst Monets Mohnblumenlandschaft belebten?
In Kosta Morrs Darstellung sind die Mohnblumen noch immer da, hell und lebendig unter der strahlenden Sonne, aber die sanften Hügel, die einst die gemütlichen Spaziergänge von Mutter und Kind beherbergten, wurden durch imposante, stilisierte Berge ersetzt, während der Himmel in kräftigen, grafischen Tönen wiedergegeben wird. Die Natur ist in der Tat kraftvoll und dominant, aber das menschliche Element fehlt völlig.
Wenn wir die Szene betrachten, scheint es fast so, als seien Monets frühere Figuren von der Landschaft selbst verschluckt worden oder hätten beschlossen, diese Szene zu verlassen und an einen intimeren und verborgeneren Ort zu gehen. Kosta Morr schafft mit seinem grafischen Stil und seinen lebhaften Farben eine Landschaft, die die Natur in einer „abstrakteren“ und idealisierten Form feiert, in der die menschliche Rolle auf die eines Zuschauers statt eines Teilnehmers reduziert ist. Dies kann mit der Idee in Verbindung gebracht werden, dass in Morrs Werk die Natur stark und fast unbesiegbar ist, während sie in Monets Werk sanfter war und bereit, die menschliche Präsenz willkommen zu heißen und anzunehmen.
Dieser Vergleich der beiden Werke regt uns dazu an, darüber nachzudenken, wie sich die Beziehung zwischen Mensch und Natur in der Kunst verändert hat. In Monets Werken waren die Menschen ein integraler Bestandteil der Landschaft, aufmerksame und respektvolle Beobachter, während in Morrs Werken die Natur die Menschen zu überschatten scheint und auf Schatten reduziert ist, die nicht auf der Leinwand erscheinen. Vielleicht sind Monets Figuren noch da, versteckt zwischen den Hügeln und Feldern, oder vielleicht sind sie einfach einer Natur gewichen, die nun in all ihrer großartigen Einsamkeit gesehen und gefeiert werden will.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazin
