Wählen Sie Ihren Gesichtsausdruck!

LACHEN FÜR DAS BESTE (2021) Gemälde von Val Escoubet.

Intimistische Reflexionen ...

Wenn ich an mich selbst denke, stelle ich mir mich selbst mit einem besorgten und nachdenklichen Gesicht vor, einem Ausdruck, der dazu bestimmt ist, meiner inneren Welt eine Stimme zu verleihen, die unaufhaltsam von der ständigen Suche nach Wahrheit und der besten Form sowie dem ständigen Versuch, die Qual zu besiegen, geprägt ist, meine tausend Zweifel, Unsicherheiten und Ängste. Glücklicherweise bin ich auch in der Lage, tausend andere innige Regungen von Körper und Seele auszudrücken, obwohl ich vielleicht ebenso wie Sie glaube, einen vorherrschenden Gesichtsausdruck zu haben, der mein Wesen zusammenfassend imstande ist, mich vor anderen sofort zu entblößen. Während ich darauf warte, dass Sie über das Gesicht nachdenken, mit dem Sie die meiste Zeit das Haus verlassen, werde ich das Thema allgemein und klarstellend einführen und die Bedeutung des Gesichtsausdrucks, dh dieser Serie, auf Armeslänge definieren von Bewegungen oder Positionen der Muskeln unter der Gesichtshaut, die in der Lage sind, den emotionalen Zustand des von uns beobachteten Individuums durch eine klare, aber stille, nonverbale Kommunikation zu vermitteln. Es ist wichtig, darauf hinzuweisen, wie Menschen, die geschickt darin sind, Gefühle freiwillig oder unfreiwillig auszudrücken, in der Lage sind, die Wahrheit ihrer Gefühle nach außen zu tragen, sie aber gleichzeitig zu verbergen, da die Evolution der Spezies dazu geführt hat, dass Menschen freiwillig haben Kontrolle über ihr Gesicht, wodurch sie authentische Gesichtsausdrücke unterdrücken können, um stattdessen einen nicht wirklich gefühlten Ausdruck anzunehmen. An dieser Stelle, während ich den Schmollmund mit einem Lächeln kaschiere, fällt mir etwas Interessantes ein: Menschen können ihre Stimmungen vortäuschen, aber Kunstwerke haben keinen Grund dazu, da Künstler ihre Motive als freie Verleiher ihrer Gefühle gewählt haben . An dieser Stelle verdienen sieben Gesichtsausdrücke, wie das Lächeln, Lachen, Schreien, Weinen und Nachdenken, es, durch die ehrliche Darstellung der Kunstgeschichte untersucht zu werden.

SMILE (2022) Skulptur von Segutoart.

Die Kunst des Lächelns und Lachens

Zum Thema des Lächelns, das über den Stern der Mona Lisa hinausgeht, muss unbedingt darauf hingewiesen werden, dass ein Meisterwerk, das darauf abzielt, einen heiteren Ausdruck zu zeigen, zwar dazu bestimmt war, dies zu vermitteln, aber niemals enthüllt werden wird uns, welche Gefühle die porträtierten Models tatsächlich belebten. Eine solche Zweideutigkeit, die nur im psychologischen Porträttyp verschwindet, lässt uns an vielen Kunstwerken zweifeln, die wie Antonello da Messinas Porträt eines Mannes (1465-1476) und Parmigianinos türkischer Sklave (1532) mehr oder weniger authentisch wirken lächelt. Wie beim ersten Gemälde ist der Protagonist des Porträts mit dem Gesicht nach rechts gefangen, während sein Gesicht leicht zur Vorderseite des Gemäldes gedreht ist, eine Position, die es uns ermöglicht, ein zuversichtliches, blinzelndes Lächeln zu betrachten, das auf einer reifen Physiognomie platziert ist, in der a dünner Bartschleier ist sichtbar. In Bezug auf die Identität des Bildnisses haben viele aufgrund seines mit einem weißen Kragen verzierten Kleides gedacht, dass es ein Seemann war, obwohl Historiker kürzlich die Merkmale von Francesco Vitale da Noia, einem mächtigen Lehrer und Sekretär von Ferdinand dem Katholischen, erkannt haben und Bischof von Cefalù (Sizilien), der in Anbetracht seiner Position alle Voraussetzungen hatte, um angesichts derer, die ihm übel wünschten, in ein "spöttisches" Lachen ertappt zu werden. Anstelle von Parmigianinos Meisterwerk ist der Titel des Werks mit dem Vorhandensein eines bestimmten Kopfschmucks verbunden, der von den meisten als Turban interpretiert wird, während die Eleganz des Bildnisses in Wirklichkeit einfach durch eine typische Frisur italienischer Adligerinnen des 16. Jahrhunderts verstärkt wurde . Auch in diesem zweiten Fall nimmt das Bildnis ein schelmisches Lachen an, wahrscheinlich gefördert durch das Bewusstsein ihrer Sinnlichkeit, die, sicherlich gegeben durch das Attribut zweier großer grüner Augen, durch ein kostbares blaues Seidengewand mit Puffärmeln bereichert wurde ein golden und orange gestreifter Schleier. Schließlich hat die leicht voreingenommene Pose wahrscheinlich die Gesichtszüge von Giulia Gonzaga aus Mantua oder der Dichterin Veronica Gambara eingefangen.

GENERATION ANDROGYNOUS (2016) Zeichnung von Lucian Szekely-Rafan.

HAPPILY EVER LÄCHELN (2022) Gemälde von Vitalina Desbocada.

Lassen Sie uns im Jahr 2016 die Erzählung der Vergangenheit mit der zeitgenössischen Kunstgeschichte bereichern, in der das Lächeln der androgynen Zeichnung der Generation des Artmajeur-Künstlers Lucian Szekely-Rafan nicht auf die körperliche Leistungsfähigkeit oder die wirtschaftliche Leichtigkeit der Künstler zurückzuführen ist Charakter dargestellt, sondern zu seinem tieferen Bewusstsein, das als legitimes Kind der Emanzipation unseres Jahrhunderts in der Lage ist, sich von den Etiketten zu distanzieren, die mit dem Geschlecht oder der Herkunft der Menschen verbunden sind, um den Reichtum der vielen Nuancen des Menschen anzunehmen , wodurch ihre Fähigkeit verbessert wird, sie in ihrer Fülle zu akzeptieren, zu erfahren und zu verstehen. Um vom schüchternen Lächeln mit geschlossenem Mund zum unverschämteren Lachen überzugehen, ist es notwendig, eine Arbeit zu erwähnen, die darauf abzielt, ein Konzept irgendwo zwischen den beiden glücklichen Äußerungen zu manifestieren, konkretisiert durch einen Ausdruck der Zufriedenheit, der stillschweigend konzipiert wurde um die "auffällige" Darstellung der mehr oder weniger zweiunddreißig menschlichen Zähne hinzuzufügen, wurde in Amor von Caravaggios Amor vincit omnia (1602-1603) ausdrücklich erwähnt. Das letztgenannte Gemälde, eines der berühmtesten Werke des italienischen Meisters, zeigt das Gewinnen der Liebe, indem es das Abbild des Modells Francesco Boneri, eines Schülers und wahrscheinlich Liebhabers des Künstlers, einfängt. Genau die letztgenannte hypothetische Beziehung würde die Erotik und das schelmische Lächeln von Amor rechtfertigen, einer Figur, die den Betrachter einzuladen scheint, sich ihm auf der Leinwand anzuschließen, um ihm eine konkrete Demonstration der vollen Kraft der Liebe zu bieten. Eine solche sinnliche Aufladung wurde sogar als eine Art Erklärung von Merisis Homosexualität interpretiert, die darauf abzielte, tatsächlich die Meinungsfreiheit der damaligen Zeit zu demonstrieren, die in diesem speziellen Fall in der Persönlichkeit des Auftraggebers des Werks zu finden ist, nämlich Marquis Vincenzo Giustiniani, ein italienischer Bankier, Kunstsammler und Intellektueller, der gerade für seine bedeutende Sammlung von Caravaggio-Gemälden bekannt ist. Beim eigentlichen Lachen kommt man nicht umhin, an Rembrandts Lachen (1628) zu denken, ein Werk, das konzipiert wurde, um den Interessen des gleichnamigen holländischen Meisters Ausdruck zu verleihen, der so sehr von der reichen menschlichen Ausdruckskraft fasziniert war Er benutzte sich selbst mehrfach als Objekt emotionaler Untersuchungen. Immer noch in Bezug auf das Gemälde von 1628 zeigt es den Maler in der Gestalt eines entspannten Soldaten, der in lautes Gelächter ausbricht und den Betrachter beschäftigt, der nicht erkennen kann, ob der Künstler mit ihm oder über ihn kichert. Abgesehen von Rembrandts „mehrdeutigem Spott“ können wir uns den Maler in den frühen 2000er Jahren vorstellen, der, mit einem jungen Facebook kämpfend, beschließt, anstatt seine geliebten Farben zu konsumieren, einen Post mit einem lachenden Emoji zu machen und seine Stimmung mit dem Begriff felicissimo zu aktualisieren , felice, pieno di gioia etc., um menschliche Äußerungen auch aus sozialer Sicht zu analysieren, also eifrig die Likes unter seinem sorglosen Posting zu zählen. Während ein großes Talent höchstwahrscheinlich durch die Mittelmäßigkeit der Sprache der sozialen Medien platt gemacht worden wäre, finden andere zeitgenössische Künstler die Ausdrucksweise der letzteren als große Inspirationsquelle, wie das Emoji der Artmajeur-Künstlerin Vitalina Desbocada beweist, deren Werk feierte solche piktografischen Symbole in mehreren, genauen und "hyperrealistischen" Varianten.

SCHREI 15/22 (2022) Gemälde von Ilgvars Zalans.

Die Schreie der Kunst

Die Kunstgeschichte lehrt uns eine ihrer vielen wertvollen Lektionen, wenn wir versuchen, darin nach Werken zu suchen, die dazu bestimmt sind, schreiende Subjekte unsterblich zu machen. In der Tat scheint es vor dem Ende des 19. Jahrhunderts, d. h. vor Munchs ikonischem Schrei (1893-1910), ziemlich mühsam zu sein, Beispiele für den Höhepunkt des dramatischen Ausdrucks zu finden, der durch ein inneres Ereignis verursacht wird, d. h. introspektiver und psychologischer Natur , anstatt sich auf eine klare historische, mythologische, religiöse usw. Manifestation zu beziehen. Archetypisch für das, was gerade gesagt wurde, sind Niccolò dell'Arcas Il compianto sul Cristo morto (1463-1490), Leonardo da Vincis Studio di volti per la Battaglia di Anghiari (1504 - 1505) und Michelangelos L'Anima dannata (1525), alle Werke, deren Unglück äußerlich im Körper und Geist der Bildnisse entstanden ist. Apropos erstes italienisches Meisterwerk, diese aus sieben Terrakottafiguren bestehende Skulpturengruppe, die in der Kirche Santa Maria della Vita in Bologna aufbewahrt wird, stellt in der Mitte den toten Christus dar, dessen Figur, mit dem Kopf auf ein Kissen gestützt, ist von anderen Figuren umgeben, unter denen Maria Magdalenas schreiender Herzschmerz hervorsticht, ein Gefühl, das sich auch in der wütenden Kraft des Windes widerzuspiegeln scheint, der nervös ihre eigenen Kleider bewegt. War es in diesem Fall der Tod Jesu, der die Seelen aufwühlte, so war im oben erwähnten Schrei von Munch die Ursache für den emotionalen Ausbruch des Bildnisses einfach sein starkes Gefühl, dh die Sensibilität, die ihn zur Wahrnehmung der Schreie einer Natur führte , umgeben von einer rötlichen Atmosphäre, die mit blutbeladenen Wolken besprenkelt ist. Diese letztgenannte intimistische Herangehensweise an die Kunst sowie an die Kunst des Schreiens wird in dem Gemälde mit dem Titel Scream 15/22 des Artmajeur-Künstlers Ilgvars Zalans erneut vorgeschlagen, der eine „zeitgenössische Version“ des Werks des norwegischen Meisters geschaffen hat, in der die Perspektive Framing konzentriert sich ausschließlich auf das schreiende Sujet, das, seines Hintergrunds beraubt, mit größerer Kraft und Wiederholungszeit in unserer Vorstellung mitschwingt.

DER ANRUF (2022) Gemälde von Jamie Lee.

Zweifel, Reflexion und Weinen...

Oft haben wir, bevor wir in dramatisches Weinen ausbrechen, sei es still und einsam oder offen und laut, manchmal einen Moment der reinen und stummen Reflexion, während der wir in der Maschinerie unseres Gehirns berechnet haben, welche Dramen und Folgen tatsächlich zuzurechnen sind auf eine gegebene Situation oder ein Ereignis, ob real, fantastisch oder visionär, das uns nahe, unmittelbar bevorstehend, gefährlich und bedrohlich erschien. Wenn ich an nachdenkliche Charaktere in der Kunst denke, denke ich neben Rodins bekanntem Denker an die vertieften, mehr oder weniger dramatischen Gesichtsausdrücke des Protagonisten in Die Bar der Folies Bergere und an die unglücklicheren Alkoholikerporträts in Picassos Der Absinthtrinker (1901), Manets The Absinthe Drinker (1858-1859), Jean-François Raffaellis Drinking Absinthe (1881) usw. Nach diesem kurzen Rückblick, in dem mehrere Werke das letztere Getränk mit dem nachdenklichsten und vielleicht sogar etwas deprimierendsten in Verbindung gebracht haben Geisteszustand ist es möglich, sich vorzustellen, auf eine Flasche Absinth zu schauen, als hätten wir die Augen der oben erwähnten "Säufer", d. h. durch die Betrachtung des verzerrten Absinth bitte des Artmajeur-Künstlers Serhii Voichenko, dessen Absicht es vielleicht ist lassen uns darüber nachdenken, wie sehr oft die tragischsten Zustände unseres Geistes unaufhaltsam von den schändlichen Exzessen des Alkohols begleitet werden. Die Erzählung geht weiter, diesmal in völliger Nüchternheit, und zeigt eine der extremsten Folgen des Reflexionszustands: Tränen. Letztere waren innerhalb der Erzählung der Kunstgeschichte zunächst mit überwiegend historischen Ereignissen, religiösen, mythologischen usw. und später mit eher persönlichen Ereignissen verbunden. Bei letzterem ist der Ausbruch nicht zu übersehen, den Lichtenstein in Cryng Girl (1963) unsterblich gemacht hat, einer Lithografie, die im Stil von Comicstrips zusammen mit anderen des gleichen Meisters erzählen sollte: das Drama von Frauen, die in giftige Liebesbeziehungen verstrickt sind, in denen eine autoritäre männliche Figur dominiert und ihr Unglück verursacht. Wenn der Grund für die Tränen des Mädchens in Cryng girl jedoch nicht explizit gemacht wird, wird er in der verwandten Arbeit des Artmajeur-Künstlers Jamie Lee deutlich, die mit dem Titel The call zeigt, wie die Ursache des Leidens der Person zuzuschreiben ist Sprechen am anderen Ende des Hörers.