Toskanische Künstler: von Andrea del Sarto bis zur Gegenwart.

Vava Venezia, Venus in Candy Land , 2020. Digitale Kunst, Fotomontage auf Aluminium, 45 x 75 cm.

Florenz des 16. Jahrhunderts: Andrea del Sarto, Pontormo und Rosso Fiorentino

Stellen Sie sich vor, Sie spazieren durch das Florenz (Toskana) des 15. Jahrhunderts und haben die Gelegenheit, sich den neuen und mühsamen Bau des Doms, das angrenzende und ältere Baptisterium, aber auch die ikonischen Gebäude, die sich ebenfalls im heutigen historischen Zentrum befinden, aus der Nähe anzusehen , der Kirche Santa Maria Novella, der Loggia dei Lanzi, Palazzo Vecchio usw. Nun, da Sie in der Wiege der Renaissance stehen, können Sie meinen, dass an den genannten Orten, fast unverändert in der Neuzeit, gelebt und gearbeitet wurde die größten Künstler der Kunstgeschichte, darunter ein Meister und zwei seiner Schüler: Andrea del Sarto, Pontormo und Rosso Fiorentino. Ich glaube, es gibt keinen besseren Weg, diese drei großen kreativen Genies vorzustellen und gleichzeitig die Unterschiede in ihrer Arbeitsweise hervorzuheben, als einige ihrer bekanntesten Meisterwerke zu beschreiben, die in der oben genannten Region der Toskana geboren und konzipiert wurden . Apropos Andre del Sarto, der 1486 geborene Florentiner Künstler, von Giorgio Vasari als Maler „ohne Fehler“ definiert, wird von Kritikern offiziell als Meister der ersten Generation von „Exzentrikern“, also jenen Schüler-Pionieren, anerkannt des bildnerischen Manierismus wie Pontormo und Rosso Fiorentino, die nach einem Vorbild perfekter Kunst strebten, die die Schönheit der Natur auf völlig unangepasste, "expressionistische", unverhohlene und perspektivisch gewagte Weise zu übertreffen vermag. Um auf Andrea del Sarto zurückzukommen, er hat im Gegensatz zu den anderen beiden, die gerade erwähnt wurden, in seiner Kunst keine Skrupellosigkeit angewandt, um auf anmutige Weise ein Repertoire traditioneller Art "neu vorzuschlagen", in dem Kompositionen Gestalt annehmen, in denen die Monumentalität Gestalt annimmt der Figuren, die Variation von Farben und Techniken und die Verwendung der modernsten verfügbaren Queues werden akzentuiert. Solche stilistischen Merkmale sind in einem der berühmtesten Meisterwerke des Meisters verkörpert, wie der Madonna der Harpyien , einem Werk aus dem Jahr 1518, das in den Uffizien in Florenz aufbewahrt wird und in dem die auf einem Sockel stehende Jungfrau mit dem Jesuskind in ihren Armen zu sehen ist in der Mitte der Tafel dargestellt. In diesem Zusammenhang werden die Beine der Madonna von zwei Engeln mit bunten Federn getragen, die an ihren Seiten die Figuren des Heiligen Johannes des Evangelisten und des Franziskus aufnehmen, die in einer Weise dargestellt sind, die ihren traditionelleren Ikonographien ähnelt. Auch die von Giorgio Vasari identifizierte Madonna der Harpyien , die ihren Namen genau von den oben erwähnten mythologischen Figuren bezieht, die in den Sockel eingraviert sind, könnte ihren Namen ändern, da heutige Kritiker in den oben erwähnten Monstern die wahrscheinlichste Darstellung von Heuschrecken erkennen, die , genau Johannes, verewigt an der Seite der Jungfrau mit einem Buch, beschrieben in Apokalypse. Tatsächlich kündigt er im neunten Kapitel des Buches der Offenbarung das Kommen dieser monströsen Wesen an, die als Figuren mit Frauenköpfen und Bäuchen beschrieben werden, die eisernen Brustpanzern ähneln, die in der Lage sind, alle Menschen zu quälen, denen das Siegel Gottes fehlt ihre Stirn (tau). In diesem Zusammenhang wäre auch die Wahl gerechtfertigt, den heiligen Franziskus, den Engel des sechsten Siegels, darzustellen, der in der Prophezeiung des Johannes das Tau bei sich tragen würde, um die Gesichter der Auserwählten zu markieren.

Andrea del Sarto, Madonna der Harpyien , 1517. Öl auf Holz, 207 x 178. Florenz: Uffizien.

Pontormo, Transport des toten Christus , 1526-28. Eitempera auf Holz, 313 x 192 cm. Florenz: Kirche Santa Felicita.

Rosso Fiorentino, Deposition von Volterra , 1521. Öl auf Holz, 375 x 186 cm. Volterra: Pinakothek und Museo Civico.

Verlassen wir den "apokalyptischen" Kontext und setzen wir unsere Geschichte in Bezug auf die drei florentinischen Talente fort, indem wir über Pontormo sprechen, einen Künstler, der 1494 in einem Viertel der heutigen Stadt Empoli (Florenz) geboren wurde, einem Ort aus die er in die toskanische Hauptstadt verlegte, um die Werkstätten von Piero di Cosimo, Andrea del Sarto, Mariotto Albertinelli und Fra Bartolomeo zu besuchen und sporadische Kontakte zu Leonardo da Vinci zu knüpfen. In diesem reichen kreativen Umfeld wurde er selbst von großen Künstlern wie Raffael und Michelangelo als eine Art Wunderkind der Malerei anerkannt, eine Eigenschaft, die ihn dazu bringen sollte, sich an Experimenten und Innovationen zu wagen, was zu seiner Zeit nicht oft vorkam verstanden, so sehr, dass Vasari seine Arbeit als etwas bizarr, unangemessen und übertrieben beurteilte. Diese Sichtweise wird heute weitgehend von Kritikern verdrängt, die in dem oben genannten Meister einen talentierten Künstler erkennen, der in der Lage ist, seinen eigenen, antitraditionellen und antiklassischen Malstil zu entwickeln, der in Kunstwerken wie der Deposition (ca. 1526-1528) zu finden ist ), wo seine unverwechselbaren stilistischen Merkmale einem Thema, das von Künstlern aller Zeiten intensiv untersucht wurde, eine besondere Interpretation verliehen. Tatsächlich aber ist der passendere Titel für das Meisterwerk von c. 1526 wäre die „ Transportation Christi “, da das Werk auf etwas originelle Weise kein Kreuz darstellt, sondern sowohl auf die Episode anspielt, in der der Leichnam Jesu zum Grab getragen wird, als auch auf die Episode, in der er betrauert wird. In ähnlicher Weise hatte ein früheres Werk Raffaels, nämlich die Deposition von Borghese von 1507, in seiner Komposition auch Themen kombiniert, die sich auf die beiden letzteren Episoden bezogen. Um auf die Beschreibung des toskanischen Meisterwerks zurückzukommen, das in der Capponi-Kapelle der Kirche Santa Felicita (Florenz) aufbewahrt wird, zeigt es zwei junge Männer, die den Leichnam Jesu stützen wollen, während die Jungfrau, die die Szene beobachtet, gerettet wird von den anwesenden Frauen. Diese Komposition, die auch die Figuren von Nikodemus und St. John enthält, wurde als spektakuläre Darstellung konzipiert, reich an emotionalen Reaktionen, die, übersetzt in raffinierte und elegante visuelle Effekte, als ein höchst visionäres stilistisches Manifest gelten kann. Ein paar Jahre früher ist hingegen Rosso Fiorentinos Deposition , ein Öl-auf-Tafel-Gemälde aus dem Jahr 1521, das in der Pinacoteca di Volterra (Toskana) aufbewahrt wird, ein Gemälde, in dem Christus von einem Kreuz mit einer massiven Struktur abgesetzt wird, die schöpferisch ist , zusammen mit der hölzernen Treppe eine mächtige szenische Maschine, in der sowohl die Figuren, die den leblosen Körper niederlegen wollen, unter denen Nikodemus und Joseph Arimathea erkennbar sind, als auch die von zwei Frauen getragene Jungfrau, die kniende Magdalena, den Knaben haltend, enthalten sind die Leiter und der Apostel Johannes in Tränen. Der innovative Aspekt der Arbeit liegt in mehreren Faktoren; Zuerst malte Rosso einen bisher unterrepräsentierten Moment in der Geschichte Christi, nämlich den genauen Moment, als er unmittelbar nach der Ablösung seines Körpers vom Kreuz durch die unsichere Unterstützung der Hände und Arme der Männer herabstieg, ein instabiles Detail, das dazu bestimmt war, a zu erzeugen starke Spannung und Schwebe in der Malerei. Zweitens ist die Szene, die in Matthäus Bericht (27:45; 57) in der Dämmerung spielt, durch eine buchstäbliche emotionale Explosion gekennzeichnet, die durch den Kontrast zwischen der statischen Anordnung des Kreuzes und der Leiter und der Dynamik der Männer darauf verliehen wird das Kreuz, das weiter unten im weniger problematischen Satz der Magdalena wiederholt wird. Um schließlich einen schnellen Vergleich zwischen Pontormo und Rosso zu machen, ist das Merkmal, das die Arbeit des ersteren dramatisch macht, der Mangel an perspektivischem Raum, eine Eigenheit, die den Charakteren ein starkes Gefühl der Instabilität vermitteln soll, das sich in Unsicherheit und Angst verwandelt, während die Bestürzung von Das zweite Meisterwerk ist hauptsächlich auf die kantige Volumetrie der "deformierten" Körper in Bewegung sowie auf das Vorherrschen von Rottönen zurückzuführen. Abschließend sei in diesem Zusammenhang darauf hingewiesen, dass diese Geschichte nur einen kleinen Teil der immensen Geschichte der toskanischen Kunst darstellt, einer Region, die die Heimat großer Meister wie Giotto, Michelangelo, Leonardo da Vinci und Cimabue war , Piero della Francesca, Amedeo Modigliani usw. sowie die Wiege zeitgenössischer Talente wie zum Beispiel Karim Carella, Francioni Mastromarino und Simone Parri, originelle und innovative Künstler von Artmajeur.

Andrea Pisano, Cardinal #01 , 2020. Digitale Kunst, digitale Malerei / Fotomontage / 2D-Digitalarbeit auf Papier, 100 x 70 cm.

Paolo Rizzi, Deviless I, 2021. Öl auf Karton, 106 x 65 cm.

Karim Carella, Zypressen bei Sonnenaufgang , 2017. Digitalfotografie auf Papier, 80 x 80 cm.

Karim Carella: Zypressen bei Sonnenaufgang

Wenn sich die toskanische Landschaft, Heimat von Künstlern und Dichtern par excellence, mit einem Wort beschreiben könnte, würde er sicherlich CIPRESSI wählen! Tatsächlich haben die meisten Postkarten der Toskana, die bis heute im Umlauf sind, die Landschaften des Val d'Orcia verewigt, die durch das Vorhandensein des oben erwähnten Baums gekennzeichnet sind, der, in Reihen auf Bergkämmen angeordnet, diese typische Säulenform aufweist Züge mit enger Haltung, die auch für Carellas Fotografie charakteristisch sind. Dennoch ist es gut, bekannt zu machen, dass die Zypresse eigentlich im östlichen Mittelmeerbecken beheimatet ist, einem Gebiet, aus dem sie von den Phöniziern, Griechen und Etruskern nach Italien importiert wurde. Tatsächlich findet sich seine antike Präsenz im toskanischen Land auch in klassischen Meisterwerken der Kunstgeschichte wieder, unter denen die Werke von Beato Angelico, Paolo Uccello und Leonardo da Vinci sicherlich hervorstechen. Apropos letztgenannter großer Meister, es ist unmöglich, nicht auf die Verkündigung von 1472 zu verweisen, ein Tafelgemälde, das in den Uffizien aufbewahrt wird und in dem vor einem Renaissancepalast, der mit einem üppigen Garten ausgestattet ist, der Erzengel Gabriel vor der Jungfrau kniet , begrüßt sie und überreicht ihr eine Lilie, ein Symbol der Reinheit. Eine solche Vision, die sich an dem oben erwähnten naturalistischen Ort befindet, ist umgeben von der Präsenz des Profils von vier hohen Zypressen, die sich im Dämmerlicht mit anderen reichen und blühenden Pflanzen abwechseln. Dadurch erhält die Fotografie des Toskaners Carella zusätzliche Bedeutungen, die darauf abzielen, sie in eine große Geschichte und künstlerische Tradition in ständiger Entwicklung einzuordnen.

Francioni Mastromarino, Leonardo da Vinci , 2021. Terrakotta-Skulptur und anderes Substrat, 40 x 35 x 32 cm / 15,00 kg.

Francioni Mastromarino: Leonardo da Vinci

Wir könnten uns einfach darauf beschränken, die Leonardo da Vinci- Skulptur mit einem Satz/Slogan zu interpretieren: ein Toskaner, der einem anderen Toskaner huldigt und ihn interpretiert! Tatsächlich hat Florentine Eleonora Francioni, die zusammen mit Antonio Mastromarino das Künstlerduo Francioni Mastromarino bildet, das derzeit in Pietrasanta (Toskana) aktiv ist, durch die oben genannte Vereinigung ein Werk geschaffen, das wahrscheinlich die Absicht hat, Leonardo da Vinci zu feiern, unbestrittenes Genie von der Kunstwelt aller Zeiten, der 1452 in Vinci (Toskana) geboren wurde. Insbesondere die Skulptur von Francioni Mastromarino scheint genau von dem Selbstbildnis inspiriert zu sein, das der toskanische Künstler 1517 anfertigte und heute in der Königlichen Bibliothek von Turin aufbewahrt . Diese rötliche Zeichnung auf Papier zeigt den Meister in seinen letzten Lebensjahren, einer Zeit, in der er, schon betagt, mit langem, dichtem Bart und finsterer Miene, den Abend seines Daseins in Frankreich, dem Land, in dem er lebte, verbrachte in den Dienst Franz I. berufen worden war. Gerade die erwähnte Darstellung gilt nicht nur als Ikone der Kunstgeschichte, sondern auch als einzig wahres Porträt des Künstlers, auf das wir uns heute noch beziehen, wenn wir uns bemühen Stellen Sie sich die Züge des italienischen Genies vor. Trotzdem denken viele Gelehrte, dass Leonardo nicht der Mann in der Röte ist, da lange Bärte und Haare zum Zeitpunkt der Erstellung der Zeichnung nicht in Mode waren. Darüber hinaus wurde der Meister im Alter von 63 Jahren, aus der Zeit, in die das Werk datiert, von einer Krankheit heimgesucht, die seine Artikulationsfähigkeit in seiner rechten Hand beeinträchtigt hatte, eine Tatsache, die es ihm nicht erlaubt hätte, die Details in der Selbstportrait. Trotz dieser Zweifel an der Datierung und Identität des Bildnisses bleibt eine Gewissheit: Die Unsterblichkeit von Leonardos Werk lebt im Werk des Artmajeur-Duos weiter.

Simone Parri, Warum anders? , 2016. Holz- und Kunststoffskulptur, 107 x 76 x 5 cm / 2,00 kg.

Simone Parri: Warum anders?

Durch das Werk von Simone Parri kehren wir erneut nach Florenz zurück, eine Stadt, in der der Künstler arbeitet, jedoch inspiriert von einem manchmal deutlich internationaleren Kontext, so dass sein Why Different? , das wohl darauf abzielt, die Akzeptanz von Unterschieden zu fördern, erinnert vielleicht an die Arbeit von Július Koller (1939-2007), einem der wichtigsten osteuropäischen Künstler, der seit den 1960er Jahren aktiv war. Insbesondere die Skulptur des Artmajeur-Künstlers lässt sich mit Question Mark b vergleichen. , eine Arbeit aus dem Jahr 1969, die aus einem Holztablett mit zwei verzierten Griffen entstand, das Koller mit weißer Farbe bedeckte und anschließend mit einem großen Fragezeichen gravierte. Ein solches Objekt, von dem Slowaken selbst als „Anti-Malerei“ bezeichnet, steht symbolisch für die Ungewissheit des gesellschaftspolitischen Kontextes der damaligen Tschechoslowakei, des Landes, in dem Koller lebte und arbeitete. Tatsächlich wurde an letzterem Ort die politische Situation nach 1968 repressiver, so dass die künstlerische Produktion der Avantgarde hauptsächlich zu einer privaten Aktivität wurde. Trotzdem lehnte Koller die traditionellere akademische Kunst ab und entschied sich dafür, den "subversiveren" Bewegungen wie Dada, Nouveau Réalisme, der Situationistischen Internationale und Fluxus zu folgen. Schließlich ist es gut, bekannt zu machen, wie ein solcher Künstler selbst in Bezug auf die Werke der Konzeptgruppe "UFO" das Fragezeichen benutzte, um der harten politischen Situation zu entkommen und Zuflucht in parallelen Realitäten wie Außerirdischen zu finden Lebensformen.