Top 10: Stilleben mit Blumen

ROSEN (2021) Pittura da Valery Marche.

Meine Rangliste der Blumenstillleben fasst all jene zusammen, die meiner Meinung nach die ikonischsten und „kommerziellsten“ Werke des oben genannten Genres waren, die ich innerhalb einer Erzählung in absteigender Reihenfolge angeordnet habe, die darauf abzielt, im Symbol zu kulminieren par excellence des Sujets, d. h. in jenem Meisterwerk, das niemandem oder fast niemandem erspart bleiben kann, es falsch zu erkennen, und das ich mir die Freiheit genommen habe, es als das ikonische repräsentative Plakat für Gemälde mit Blumenmotiven par excellence zu wählen. Bevor wir jedoch zu den Top 10 übergehen, ist es gut, zumindest für einen Moment in den historischen Kontext einzutreten, zu dem Stillleben mit Blumen gehören, geborene Naturmotive, zunächst als geringfügige künstlerische Manifestation im Vergleich zu historischen, religiösen oder mythologischen, aus der Hand des Flamen Hans Memling, der um 1490 den Grundstein für die Fortsetzung eines Themas legte, das heute unausweichlich geworden ist, auch dank der Tatsache, dass es im Laufe der Jahrhunderte eine Intensität und Intensität erlangt hat ästhetische Originalität, die einer einfachen botanischen Reproduktion weit überlegen ist. Darüber hinaus verdanken wir nach dem Erfolg des Genres innerhalb des Jugendstils dem Beginn des 20. Jahrhunderts die Intuition, über die bloße Reproduktion von Blumen hinauszugehen und sie in Assemblagen, Installationen, Fotografien usw. einzubeziehen. Wir Unterbrechen Sie diese lange, alte und zukünftige Geschichte, um sich den Werken zuzuwenden, die zwischen dem späten 19 Produkte", die von der Masse hoch geschätzt werden.

Murakami mit einem Exemplar aus seiner Flower-Ball-Serie. @soulr.co

10. Takashi Murakami, Flowerball Pink, 2007

Kurz gesagt und ohne Bezug auf die Absichten, Ausbildung und Einflüsse, die Murakamis Arbeit zugrunde liegen, ist Flowerball Pink (2007) ein kreisförmiger Druck, der mit einem intensiven und „überfüllten“ Spritzer leuchtender Blumen gefüllt ist, die jeweils mit einem Smiley versehen sind Gesicht, schaffen ein Gefühl von illusorischer Dreidimensionalität, das die gesamte Flower Ball-Serie beleben soll, zu der der oben erwähnte Druck genau ein Teil ist. Wenn man diese prägnante Beschreibung der fehlenden Details hinzufügt, entstehen Murakamis beliebte Blumen, die ebenso ein Grundpfeiler der Karriere des Künstlers sein können wie Campbells Suppendosen für Warhol, aus einer originellen Neuinterpretation der traditionellen japanischen Malerei, in der Blumen oft dargestellt wurden. Zu dieser alten Ikonographie kommt die sorgfältige Beobachtung der Welt von Manga, Anime und japanischer Subkultur hinzu, Generatoren von kommerziellen Objekten, die von Takashi durch das Verwischen der Grenzen zwischen Konsum und Kunst in Kunst verwandelt werden, eine Haltung, die einmal mehr widerhallt Absichten der Pop-Art der 1950er Jahre. Trotz solcher Affinitäten gehen Murakamis Zeichnungen über die bloße Gegenüberstellung von Hoch- und Niederkultur hinaus, da hinter dem oben erwähnten strahlenden Lächeln verborgene Tränen zu sehen sind, die in der Lage sind, diesen reifen Mut zu formen, der in der Lage ist, Leiden hinter einer würdevollen Manifestation von Gelassenheit zu verbergen. Tatsächlich ist letztere Beobachtung mit einer schmerzlichen Äußerung des Künstlers gegenüber der New York Times verbunden, in der er gestand, dass seine Smiling Flowers nichts anderes als eine stumme Manifestation der unterdrückten Emotionen sowie der kollektiv erlebten Traumata seien von den Japanern im dramatischsten Moment ihrer Geschichte: den Bombenanschlägen von Hiroshima-Nagasaki im Jahr 1945.

Blumenskulptur von Yayoi Kusama. @kusama_archive

9. Yayoi Kusama, Bereit zur Blüte am Morgen, 1989

Wieder widerspricht sie sich nicht! Yayoi Kusama, eine zeitgenössische japanische Künstlerin, die sehr bekannt ist für ihre zwanghafte Verwendung von dichten Tupfenmustern, Dekorationen aufgrund ihrer Inspiration, die unaufhaltsam von den dramatischen und runden Halluzinationen gezogen wird, unter denen die Künstlerin seit ihrer Kindheit leidet, überrascht uns nicht wenn sie beschließt, ihr am meisten geschätztes Motiv wiederzuverwenden, um einem sich wiederholenden roten Hintergrund Leben einzuhauchen, der darauf abzielt, sich in den Punkten zu materialisieren, die die beiden Blumen umgeben, die auf die Silhouette im Vordergrund abzielen. Wenn Sie die soeben offenbarte Besessenheit, in diesem Fall durch die Darstellung der Blumenwelt manifestiert, erstaunt hat, dann kennen Sie das Werk des japanischen Künstlers nicht, der sich bei anderen Gelegenheiten ebenso zwanghaft der Blumenwelt genähert hat als sie beispielsweise während der Triennale der National Gallery of Victoria (Melbourne, 2018) den Besuchern erlaubte, eine Vielzahl von Gerberas frei auf allen verfügbaren Oberflächen in einem Raum zu platzieren. Diese Arbeit mit dem Titel „Flower Obsession“ erklärt sich wiederum durch die Wiederholung der oben genannten Visionen, obwohl es in diesem speziellen Fall die Künstlerin selbst ist, die den Ursprung der Installation offenbart: „Alles begann mit einer Halluzination. Eines Tages Als ich als Kind ein rotes Blumenmuster auf der Tischdecke sah, blickte ich nach oben und die Decke, Fenster und Säulen schienen mit dem gleichen roten Blumenmuster verputzt zu sein, ich sah den ganzen Raum, meinen ganzen Körper und das Universum rot bedeckt Blumen, und in diesem Moment wurde meine Seele gelöscht ... Das war keine Illusion, sondern die Realität selbst.

Andy Warhol, Blumen, 1964.

8. Andy Warhol, Blumen, 1964

Vor 1964 fehlte Warhols Repertoire etwas unglaublicherweise fast unverzeihlich die Herangehensweise an ein primär naturalistisches Thema wie beispielsweise Blumen! Wie war es dem Pittsburgh-Künstler gelungen, ein so wiederkehrendes Genre in der Kunstgeschichte zu vergessen, vielleicht um es in ein sich wiederholendes Konsumobjekt zu verwandeln, das der Masse zwanghaft angeboten werden sollte? Tatsächlich zeigte Andy nie ein unabhängiges Interesse an dem oben genannten Thema, so sehr, dass seine Analyse durch die Intervention von Henry Geldzahler, Kurator für zeitgenössische Kunst, veranlasst wurde, der Warhol während der Weltausstellung 1964 in New York zur Bereicherung drängte seine Produktion mit dem natürlichen Element schlechthin. Schließlich kam Andy jedoch mit einem solchen Sujet in Kontakt, insbesondere mit Hibiscus, das in einem Stil hergestellt wurde, der darauf abzielte, impressionistische und abstrakte Techniken zu kombinieren, die Absicht verfolgte, der innersten und vielleicht auch am wenigsten exponierten Seele des Künstlers eine Stimme zu verleihen und kontrovers, da es oft durch den Anschein des konsumistischen Narrativs verdeckt wird. So weit, so gut, so sehr, dass Warhol die Thematik mehrfach interpretierte, doch eines Tages kam die bittere Wahrheit ans Licht: Die „Flowers“-Siebdrucke greifen eindeutig das Bild der Hibiskusblüten aus den Fotografien der Künstlerin Patricia Caulfield auf , von Warhol nicht in Frage gestellt, ging direkt zur Klage!

7. Roy Lichtenstein, Schwarze Blumen, 1961

Wir sind bei der siebten Position angelangt, die von einem der Hauptkünstler der Pop-Art eingenommen wird, zusammen mit dem oben besprochenen: Ich spreche von Roy Lichtenstein, der für seine von Zeitungs- und Comicdrucken inspirierten Werke bekannt ist, insbesondere diejenigen, die , hergestellt anhand des Ben-Day-Punkts, illustrierte das Leben der Zeit und ging vor allem durch Meisterwerke wie Whaam! in die Geschichte ein. (1963) sowie solche mit schönen blonden Damen, die eher herablassend fast so weit gingen, auf Kommando zu weinen und zu lächeln. Wer hätte gedacht, dass wir in dieser Produktion, in der wir auch Werke mit Donald Duck und Micky Maus als Sujets sowie Remakes bekannter Meisterwerke aufnehmen können, auch Blumenstillleben finden könnten? An dieser Stelle stelle ich Black Flowers vor, ein Werk, das trotz seiner Datierung auf 1961, also am Beginn der Karriere des Künstlers, bereits einige reifere Stilmerkmale Lichtensteins zurückbringt, die, unauslöschlich geprägt von der Welt der Comicstrips, kommen in diesem Fall dazu, die chromatische Schönheit von Blumen zu untergraben, sie in einem ungewöhnlichen Schwarz-Weiß einzufangen, das darauf abzielt, sich über einer Vase in Form einer geriffelten Säule zu erheben, ein Detail, das die Vereinigung zwischen den ermöglicht Klassik und Zeitschriftenwelt.

Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924. Öl, 73,7 x 45,7 cm.

6. Georgia O'Keeffe, Rote Canna, 1924

Es war einfach unmöglich, in diesen Top 10 die Arbeiten von O'Keeffe nicht aufzunehmen, einer amerikanischen Künstlerin, die vor allem für ihre Blumenbilder bekannt ist, die in Nahaufnahme oder im großen Maßstab einige ihrer bekanntesten Meisterwerke darstellen. aus der Mitte der 1920er bis in die 1950er Jahre. Innerhalb dieser umfangreichen Blumenproduktion wollte ich als repräsentatives Werk Red Canna (1924) auswählen, eine Leinwand, die eine „vergrößerte“ und somit aus der Nähe betrachtete Darstellung einer Schilflilie darstellt, deren Perspektive die Absicht verfolgt, uns mit ihr vertraut zu machen und sie zu schätzen Schönheit, Reichtum und Zartheit einer offenen Blume, interpretierbar, parallel, erotisch und sinnlich mit der Nahaufnahme des verborgensten Teils der Weiblichkeit, einer "Dimension", die von Beobachtern oft in einem Großteil von O'Keeffes Blumenrepertoire erkannt wird . Tatsächlich liegt der Unfug genau im Auge des Betrachters, denn die Malerin erklärte ungestüm, dass ihr Werk buchstäblich missverstanden worden sei, und wurde zum Symbol einer maskulinistischen Interpretation, formuliert von einem überwiegend männlichen Kunstkritiker, der eine sexuelle Vorstellung von verewigt hatte ihre Arbeit, die eigentlich ganz anders war als ihre ursprünglichen Absichten.

Henri Matisse, Sprührosen vor dem Fenster, 1925. Öl auf Leinwand, 80×65 cm. Privatsammlung. @ Gemälde_i_Liebe.

5. Henri Matisse, Blumen, 1907

Matisse, ein führender Vertreter der Fauves, zeichnete sich wie die anderen Vertreter der letzteren künstlerischen Strömung durch die Popularisierung vereinfachter Formen, die Abschaffung von Perspektive und Hell-Dunkel und die Verwendung von hellen, unnatürlichen und reinen Farben aus. Das Blumenstillleben Flowers, datiert 1907, mit seinen weniger "aggressiven" und etwas "naturalistischeren" Farben als die oben genannten, zählt mehr als das Erstaunen durch leuchtende Farbtöne zur angestrebten Bewegung des ausdrucksstarken Pinselstrichs Konstruktion flacher und grafischer Formen, die sich dem eher "klassischen" Thema des Stilllebens nähern. Wenn dies die Beschreibung ist, die auf Flowers (1907) zutrifft, ist es gut hervorzuheben, wie er während der langen Karriere des Künstlers immer wieder zum Thema Blumen zurückkehrte und sie in mehr oder weniger entwickelten Kontexten interpretierte, einschließlich Innenszenen und Landschaften, wie zum Beispiel Purple Robe and Anemones (1937) und Interior with Dog (1934).

Katsushika Hokusai, Gimpel auf Trauerkirsche, 1840.

4. Katsushika Hokusai, Dompfaff auf Trauerkirsche, 1840

„Ein einzelner Vogel badet / seine Federn und fliegt davon: / Morgenkirschbaum“: Dies ist die Übersetzung der Inschrift auf dem Druck Dompfaff auf Weinkirsche (1840), der die siebzehn Silben zeigt, die Bunrai'an Setsuman, a Haiku-Dichter von Setsumon, einer Schule, mit der Hokusai verbunden war und auf die auch für den Text auf dem Gemälde Pines and Mt Fuji verwiesen wird. Apropos Kirschblütenbaum, der im gleichen Zitat erwähnt wird, dieser ist der unbestrittene Protagonist der Arbeit, der inmitten von Blüten und Knospen zusammen mit einem Gimpel präsentiert wird, einem flüchtigen Wesen, das in Japan das bekannte Aushängeschild einer Zeremonie ist findet jedes Silvester in den Tenjin-Schreinen statt. Bei dieser Gelegenheit muss man mit dem Gimpel des vorigen Jahres bewaffnet zum heiligen Ort gehen, um ihn durch den Gimpel des neuen Kurses zu ersetzen, der gesegnet seinen Besitzer vor den Unglücken des folgenden Jahres schützen wird. Das wohlwollende Tier hingegen, realistisch umgesetzt in Hokusais Druck, ist eindeutig ein männliches Exemplar, wie auch an der rosafarbenen Zeichnung zu erkennen ist, die sich von der Wange bis zum Hals des Vogels erstreckt. Schließlich bilden die Blumen, das preußische Blau, der Vogel und die Inschriften ein harmonisches Ganzes, das uns von der höchsten künstlerischen Tradition sowie den Bräuchen und der Kultur Japans erzählen kann.

Gustav Klimt, Die Sonnenblume , 1906 - 1907. Öl auf Leinwand, 110 x 110 cm. Privatsammlung.

3. Gustav Klimt, Sonnenblume, 1906

Vergessen Sie „Der Kuss“ (1908), „Die Judith“ (1901) und „Die drei Lebensalter der Frau“ (1905), Werke, die uns zu der Annahme verleitet haben, dass Klimt vielleicht geschickter und mit Sicherheit mehr daran interessiert war, die menschliche Figur darzustellen als die Natur , oder Stilleben. Während die erste Hypothese angesichts des Eklektizismus des Künstlers sicherlich falsch ist, scheint die zweite ziemlich plausibel, da sich herausstellt, dass die Sonnenblume von 1906 ein Motiv ist, das ungewöhnlich frei von den typischsten anthropomorphen Elementen ist. Auf jeden Fall scheinen Klimts erwähnte Blumen Menschen sehr ähnlich zu sein, da sie aufrecht in einem Garten stehen, in dem sie leben, und sich dennoch als weit davon entfernt befinden, zusammen mit Früchten und anderen Blumen im Raum einer Vase gebunden zu sein Exemplare. Aus diesem Grund, wenn wir wirklich pünktlich sein wollen, scheint das Meisterwerk, anstatt vollständig in das Genre der Stillleben zu fallen, dem Landschaftsgenre ähnlich zu sein, in dem die Sonnenblumen die Bewegungen der Protagonisten des oben genannten übernehmen -erwähnten Meisterwerke besonders, die den Griff der Liebenden in Der Kuss mit ihren Blättern in einer ähnlichen Umarmung widerspiegeln.

Claude Monet , Ninfee , 1919. New York: Metropolitanmuseum der Kunst.

2. Claude Monet, Seerosenteich, grüne Harmonie, 1899

Auf halbem Weg zwischen „Stillleben“ und Landschaft befindet sich auch Monets lange Serie von Seerosen, die, während sie im Freien aufgestellt und noch lebendig sind, ebenso zu Modellen werden wie die eher „heimeligen“ Vasen, Obst- und Blumenarrangements. Dieser Zyklus von mehr als 250 Gemälden, der zwischen 1890 und 1926 entstand, erzählt tatsächlich von der Distanzierung des Meisters von einigen Besonderheiten der Bewegung, die er selbst repräsentierte: dem Impressionismus. In der Tat, wenn eine der Eigenheiten der letzteren darin bestand, "en plein air" zu malen, um in einem einzigen Bild, das ganz aus dem Augenblick heraus entstand, den Eindruck eines genauen Moments festzuhalten, verfehlte der Meister dies diese Arbeitsweise aus zwei Gründen: die Größe seiner letzten Leinwände und die Wintersaison. Bei ersterem wurden die großen Medien ausschließlich in seinem Atelier aufbewahrt, einem Ort, an dem er seine vom Leben festgehaltenen Eindrücke fragmentieren und sie dann zu einer Abfolge zusammenhängender Momente zusammensetzen konnte. Für die Wintersaison hingegen bedeutete das kalte Wetter, dass der Künstler mit Hilfe mobiler Staffeleien seine Arbeit im Freien beginnen und sie dann in seinem Atelier beenden konnte, wo er sich einen gekonnten Überblick verschaffen konnte.

Vincent van Gogh, Sonnenblume , 1889. Öl auf Leinwand, 95 x 73 cm. Amsterdam: Van-Gogh-Museum.

1. Vincent Van Gogh, Sonnenblumen, 1889

Und der Gewinner ist: Vincent! Ich muss die Wahrheit sagen, ich hatte schon immer ein Faible für unruhige Geister, aber in diesem Fall stellen seine Sonnenblumen wirklich ein unausweichliches Stillleben-Meisterwerk für die Kunstgeschichte dar, da sie die perfekte Synthese der äußeren Realität des Künstlers erreichen und innere Welt. Tatsächlich ist das Gemälde, das einen Sonnenblumenstrauß zeigt, der in einer bauchigen Vase gesammelt und auf einer Ebene genau vor einer hellen Wand ausgestellt ist, ein bekanntes Beispiel für das figurative Experimentieren eines Meisters, der die Malerei als gelebt hat eine tägliche existenzielle Therapie, das heißt sowohl eine künstlerische Beschäftigung als auch ein Filter, mit dem man sich der Realität stellen kann. Darüber hinaus wurde die Sonnenblumenserie mit der Absicht hergestellt, seinem Freund und Kollegen Paul Gauguin so sehr zu danken, dass sie das Zimmer schmücken sollte, das Vincent für ihn in Arles im Gelben Haus eingerichtet hatte, wo der Franzose wohnte schloss sich ihm an. Auch der holländische Meister liebte diese Blume so sehr, dass er sich mit ihr identifizierte und sie „ganz und gar Vincent“ nannte. Schließlich ist es auch wichtig anzumerken, dass die von Van Gogh in die Vasen gestellten Sonnenblumen manchmal vierzehn oder fünfzehn sind, wie es seinem Bruder Theo offenbart wurde, um sich auf die Zahlen der Apostel Christi zu beziehen, die den Figuren von Theo hinzugefügt wurden und Paul Gauguin, zu denen auch die Anwesenheit von Vincent selbst hinzugefügt werden könnte.