Top 10: die skandalösesten Akte der Kunst

DAVID MICHELANGELO HUGO BOSS (2021)Druckgrafik von Tony Rubino.

Gegen die Zensur der Kunst

Meine Top Ten hat die besten nackten, derben, sinnlichen, manchmal erotischen und daher äußerst „skandalösen“, „dämonischen“ und manchmal „gefährlichen“ Meisterwerke für die Augen derjenigen Betrachter ausgewählt, die am anfälligsten für die Veräußerlichung der Verdrehungen von sind den menschlichen Körper, Charaktere, die meiner Meinung nach einen Zeitsprung in die Zeit des Braghettone wert sind, also von Daniele da Volterra (1509-1566), einem Künstler, der sich im späten 16. Jahrhundert genau den oben genannten Spitznamen verdiente , eine Art Herr Unterhose, wörtlich aus dem Italienischen übersetzt, da er nach dem Konzil von Trient aufgefordert wurde, die Nacktheit von Michelangelos Jüngstem Gericht in der Sixtinischen Kapelle zu verdecken, indem er dafür sorgte, dass sie hinter Hosen und Kleidern verborgen blieb. Den „Braghettone“-Herren und -Damen möchte ich auf die Inhalte hinweisen, die heutzutage im Internet und in den sozialen Medien verbreitet werden, Kommunikationskanälen, in denen jede Minute Bilder und Videos von Mädchen, deren Brustwarzen zu sehen sind, oder von Figuren, die beim explizitesten Twerking eingefangen wurden, oder in Mikro-Tangas in eher einladenden und zwinkernden Posen. An diesem Punkt scheinen das Glied des David, die Brüste der Olympia, die Gesäßbacken von Courbets Badegästen, stumm, statuarisch und vor allem nur dazu gedacht, beobachtet und betrachtet zu werden und nicht dazu, den Wunsch zu langen Privatgesprächen anzuregen, so schädlich zu sein unsere driftende Gesellschaft? Darüber hinaus denkt man nicht an die lange Arbeit, die hinter der Konzeption und Realisierung der oben genannten Meisterwerke steckt, sowie an den historischen künstlerischen Hintergrund, den sie repräsentieren, umso mehr, wenn man sie mit dem „ignoranten“ Hintern eines anonymen Durchschnittsmenschen vergleicht auf Instagram angezeigt. Nach diesem Ausbruch lasse ich Sie bei den Meisterwerken zurück und hoffe, dass die Geschichte hinter jedem Werk Ihnen begreiflich macht, dass es jenseits eines Genitalorgans, einer Brust und eines Gesäßes einen unschätzbaren intellektuellen Wert gibt, den die Nachwelt wissen sollte Es gibt keine Obszönität, wenn das, was zur Schau gestellt wird, erklärt, kontextualisiert, erzählt, analysiert und in seiner Schöpfungsabsicht gut erzählt wird. Es ist wohl die Oberflächlichkeit unserer Zeit, die Meisterwerke der Kunst in kommerzielle und bloße Fleischfetzen verwandelt hat, die zur Schau gestellt werden, um wer weiß welche erotischen Gedanken zu erregen, oder, meistens, um zu leeren Zeugnissen zu werden, die der Absicht dienen, einzuladen reine Geldausgabe.

Édouard Manet, Mittagessen im Gras , 1862-1863. Öl auf Leinwand, 208×264 cm. Paris: Musée d'Orsay.

Top 10

10. Édouard Manet, Mittagessen im Gras, 1862-1863

Halten Sie Ihre Augen zu, oder Sie, die noch in der Zeit sind, machen Sie sich bereit, Ihre Sünden zu bekennen, denn die Werke ab zehn stellen einen Abstieg in die Unterwelt dar, einen Ort, an dem ich Manet als eine Art Vergil zu meinem Mann erwählt habe erster Begleiter, eine Figur, die mich auf der Reise durch das Fegefeuer zur ewigen Verdammnis führen wird, symbolisch dargestellt durch Werk Nummer eins! Also gut, tut mir leid, ich habe mich etwas übertreiben lassen, ich werde gleich wieder ernst und eröffne diese Rangliste mit dem bereits erwähnten Werk „Breakfast on the Grass“ des französischen Meisters, einem Gemälde, auf dem eine nackte Frau vor zwei wohlhabenden Männern sitzt. tun Männer, die dunkle Kleidung tragen. Die weibliche Figur, die ihren Blick direkt auf den Betrachter richtet, hat eine entspannte Pose eingenommen, ohne sich des Skandals bewusst zu sein, den ihre Anwesenheit in der damaligen Öffentlichkeit auslöste, die, bereits verwirrt von der Bildtechnik der Künstlerin, dies sofort ahnen konnte Die junge Dame, die weder eine Nymphe noch eine Göttin war, muss eine schamlose Prostituierte gewesen sein, ein Thema, das zum Zeitpunkt der Entstehung des Gemäldes verboten war, da die Anwesenheit des Aktes nur durch Bezugnahme auf Mythologie oder Allegorie gerechtfertigt werden konnte. Abschließend ist es gut, bekannt zu machen, wie Manet sich bei der Umsetzung eines solchen „Affronts“ an Tizians Country-Konzert und wahrscheinlich auch an einigen Stichen von Marcantonio Raimondi aus dem 16. Jahrhundert aus Raffaels „Das Urteil des Paris“ orientierte, die als Inspirationsquelle dienten die in eine bewusst befremdende und provokante Komposition verwandelt wurden.

Édouard Manet, Olympia , 1863. Öl auf Leinwand, 130,5×190 cm. Paris: Musée d'Orsay.

9. Édouard Manet, Olympia, 1863

Auf Platz neun, wohl im Kreis des Fegefeuers der Lüsternheit angesiedelt, nun vielleicht auch von den Voyeuren der oben erwähnten sinnlichen Instagram-Videos bevölkert, findet ein weiteres Meisterwerk mit der Darstellung einer provokanten Prostituierten ihren Platz: Manets Olympia. Das Gemälde, das eine unbekleidete Frau zeigt, die auf einem Bett liegt und darauf bedacht ist, ihren Blick ohne jede Emotion dem Betrachter zuzuwenden, bietet eine weitere beispiellose Interpretation des weiblichen Akts, der direkt und kompromisslos die bürgerliche Moral seines Bildes in Frage stellt Epoche. Zusätzlich zu dem kalten und realistischen Bild der oben erwähnten Kurtisane kommt noch eine weitere Art von „Entweihung“ der Tradition hinzu, indem sie die Pose, die sie einnahm, größtenteils derjenigen entsprach, die in der klassischen Tradition der Figur der Venus zugeschrieben wurde, die jetzt in eine Rohform verwandelt wurde Assoziation mit Boshaftigkeit. Darüber hinaus war die Wahl des Titels des Gemäldes nie passender, da der Name Olympia unter Kurtisanen des 19. Jahrhunderts weit verbreitet war und auch mit der Anwesenheit der schwarzen Katze in Verbindung gebracht wurde, einem erotischen Symbol, das mit weiblicher Sexualität verbunden ist das Thema des Dienstmädchens, das dem Model genau das Blumengeschenk eines ihrer Kunden überreichen möchte. Schließlich deuten auch das ungemachte Bett und die sinnliche Orchidee in ihrem Haar sowie der ohne große Raffinesse getragene Schmuck darauf hin, dass die junge Frau ein beabsichtigtes „öffentliches Leben“ führte.

Francisco Goya, La maja desnuda, 1790-1800. Öl auf Leinwand, 97×190 cm. Prado-Museum, Madrid.

8. Francisco Goya, La maja desnuda, 1790-1800

Von Frankreich aus kommen wir nach Spanien, immer mit der Absicht, die „Braghettons“ der Welt zu engagieren, zu erziehen und zu „bekehren“. Diesmal bringen wir als Beispiel Francisco Goyas Maja desnuda, ein Gemälde, das eine nackte junge Frau zeigt, die mit einem extrem Selbstbewusst und ohne jegliche Bescheidenheit blickt sie den Betrachter an, während sie mit dem Kopf links vom Werk liegt und die Hände im Nacken verschränkt, um die Vorwölbung ihrer Brüste hervorzuheben. Nun fragen Sie sich vielleicht, und wenn nicht, übernehme ich das für Sie: Warum steht Maya auf Platz 8 und sorgt somit für mehr Skandal als Olympia? Die Antwort liegt ausschließlich im Schambein, wie das Werk des spanischen Meisters auf für die damalige Zeit eher beispiellose Weise zeigt, den Haaren der Leistengegend und der Linea nigra, also dem dünnen Hautstreifen, der den Venusberg verbindet der Bauchnabel. An dieser Stelle ist es notwendig, auf den Kontext einzugehen, in dem das Gemälde entstanden ist, nämlich auf das Spanien des 18. Jahrhunderts, ein Land, in dem Aktgemälde als Widerspruch zur christlichen Lehre verboten waren, so dass viele davon auf Befehl der Inquisition verbrannt wurden . Dennoch verfügte der Auftraggeber des Werkes, nämlich der waghalsige Manuel Godoy, ein spanischer Militär und Politiker, über eine reiche Sammlung solcher Meisterwerke, obwohl die Maya Desnuda, vielleicht das expliziteste dieser Werke, nur durch einen Überlagerungsmechanismus ausgestellt wurde. wobei den Bigottesten nur die bekleidete Version desselben Motivs gezeigt wurde, dargestellt auf dem etwas späteren Gemälde der Maja Vestida.

Amedeo Modigliani, Nu couché , 1917. Öl auf Leinwand, 60 cm × 92 cm. Privatsammlung von Liu Yiqian.

7. Amedeo Modigliani, Nu couché, 1917

Stellen Sie sich vor, Sie wären im Dezember 1917 in Paris und hätten in der Kälte, vielleicht sogar in der Schlange, inmitten der Menschenmenge gewartet, die sich zu Modiglianis erster Einzelausstellung versammelt hatte, die in der Galerie des Kunsthändlers Berthe Weill abrupt und unerwartet stattfand Aufgrund einer unheilvollen Razzia der Polizei, deren Zweck darin bestand, einige der ausgestellten Werke zu entfernen, die als unwürdig galten, wurde die Ausstellung vorzeitig unterbrochen. Und siehe da, unter all den Gemälden, die bei der Veranstaltung zu sehen waren und auf die der oben genannte Vorwurf fiel, konnte man auch die Darstellung einer jungen Frau mit dunklem Haar und auffälligem Make-up erkennen, die sie, träge auf einem roten Bett liegend, umdrehte blinder Blick auf den Betrachter: Ich spreche vom Liegenden Akt von 1917. Genau wie beim oben erwähnten Beispiel der Maja Desnuda lag der Gegenstand des Skandals auch für das Pariser Meisterwerk in der Anwesenheit von Haare, die bei dieser Gelegenheit nicht nur im Schambereich, sondern auch in den Achselhöhlen des Bildnisses sichtbar wurden und wahrscheinlich die Lebensgefährtin des Künstlers Jeanne Hébuterne oder Elvira La Quique, die berühmte Montparnasse-Prostituierte, Sängerin und Model, darstellten.

Edvard Munch, Pubertät , 1894-95. Öl auf Leinwand, 151,5 cm × 110 cm. Nationalgalerie, Oslo.

6. Edvard Munch, Pubertät, 1894-95

Würde man heutzutage eine nackte Figur darstellen, deren Knabenzeit in dem der Pubertät nahestehenden Alter angesiedelt wäre, würden wohl die schlimmsten Vorwürfe gegen den Schöpfer laut werden, der mit ziemlicher Sicherheit als perverser Liebhaber minderjähriger Mädchen herausgestellt würde. In Wirklichkeit konfrontiert Munchs thematisches Meisterwerk, das keineswegs mit der oben erwähnten Bosheit interpretiert werden sollte, den Betrachter mit einer offensichtlichen körperlichen Veränderung, die die gesamte Menschheit in jene Übergangszeit einbeziehen soll, die die Kindheit mit dem Erwachsensein verbindet. Tatsächlich zeigt Pubertät ein kleines Mädchen in der Intimität ihres kleinen Zimmers, das vor unserem eigenen Blick verlegen zu sein scheint und in der Lage ist, die Unreife ihres Körpers zu begreifen, die im Schambein verborgen, sich aber in den kleinen und unreifen Brüsten manifestiert , muss sich noch vollständig entwickeln. Gleichzeitig wirft ein solch unreifer Körper dank des Lichts, das von der linken Seite des Trägers kommt, einen unheilvollen und bedrohlichen Schatten, der, auf der rechten Seite des kleinen Raums platziert, die dramatische Zukunft des Gebäudes anzukündigen scheint Abbild oder um ihren bewusst gequälten inneren Zustand zu externalisieren. Es scheint, dass jedes kleine Mädchen, so wie es bereits weiß, dass es eine Frau werden wird, auch die Kraft seiner zukünftigen Sexualität vorhersieht, die in der Lage ist, Männer leiden zu lassen, die zunächst Freude daran empfinden und dann Schmerz und Verzweiflung empfinden.

5. Egon Schiele, Stehender junger weiblicher Akt mit orangefarbenen Strümpfen, 1914

„Kein erotisches Kunstwerk ist ein Stück Dreck, wenn es künstlerisch relevant ist, wird es erst durch den Betrachter zum Stück Dreck, wenn der Betrachter ein Schwein ist.“ Wenn Schieles Worte Sie in Ihrer schelmischen Identität entlarvt haben, dann lade ich Sie ein, wie die guten Geschmacksknospen, die Sie sind, in Einsamkeit über seinen expliziten „Stehenden jungen weiblichen Akt mit orangefarbenen Strümpfen“ (1914) nachzudenken. Oder, wenn Sie wie ich und wie der oben genannte Meister seinen künstlerischen Wert erkennen, ist seine Beschreibung bemerkenswert, die bereit ist, zusammenzufassen, wie der aufrechte und stolze Körper einer Frau präsentiert wird, die uns nicht im Geringsten mit ihrem Blick herabwürdigt in orangefarbenen halterlosen Strümpfen, die die Vision einer vielleicht einsamen, melancholischen und verlassenen Figur erzeugen, auf den ersten Blick grotesk und ungünstig. Gleichzeitig spiegelt eine solche Darstellungsweise die eher typische Verehrung des Meisters für das weibliche Geschlecht wider, der häufig auf die Darstellung von Frauen in passiven Haltungen verzichtete, um sie in direkten, etwas unbescheidenen, oft ineinander verschlungenen und provokanten Posen zu verewigen, die, wie Schiele selbst sagte , bleiben immer noch „immer Kunstwerke“, also Meisterwerke, die man in ihrem kunsthistorischen Wert betrachten kann, und nicht durch phantasievolle Rotlichtassoziationen, die, wie Circe es mit Odysseus‘ Gefährten tat, Menschen in Schweine verwandeln.

Gustave Courbet, Der Schlaf, 1866. Öl auf Leinwand, 135×200 cm. Petit Palais, Paris.

4. Gustave Courbet, Der Schlaf, 1866

Grad des Unfugs ist bei Nummer 4 angekommen: sehr hoch! Vielleicht könnten wir bereits beginnen, die sieben Posaunen zu hören, die die Engel von Dürers Apokalypse erklingen lassen, während die Verwüstungen auf dem Planeten Erde stattfinden, dem Reich schelmischer und lüsterner Kreaturen, begeisterter Betrachter erotischer Kunstwerke wie Courbets Schlaf, einem Ölbild Leinwand mit Darstellung zweier Frauen, die in einer sinnlichen Umarmung auf einem ungemachten Bett liegen, als hätten sie gerade einen verliebten Geschlechtsverkehr beendet. Das fragliche Gemälde, das aufgrund seines ausschließlich weiblichen Themas immer noch Erstaunen, wenn nicht sogar Schock hervorruft, ist der Gewalt des Puritanischen entgangen, da es für die Privatsammlung des türkischen Diplomaten Khalil Bey angefertigt wurde. Tatsächlich wurde der Schlaf erst 1988 zum ersten Mal der Öffentlichkeit gezeigt, nämlich auf einer New Yorker Ausstellung, die dem französischen Meister gewidmet war. Zum Schluss noch eine letzte Kuriosität: Das brünette Model auf dem Gemälde ist Joanna Hiffernan, ein Mädchen, das zum Zeitpunkt der Entstehung des Meisterwerks auch für James Whistlers „Das Mädchen in Weiß“ posierte.

Niki de Saint Phalle, Hon, 1966

3. Niki de Saint Phalle, Hon, 1966

Auf Platz drei unserer Rangliste finden wir jedoch Niki de Saint Phalle (1930-2002), eine französische Malerin, Bildhauerin, Filmemacherin und Modellbauerin, die 1966 für den großen Saal des Moderna Museet in Stockholm das Hon, das heißt, eine Skulptur eines riesigen Zwergs, der auf dem Rücken liegt und die Beine gefaltet und geöffnet hat, durch die der Betrachter hindurchgehen muss, um direkt vom Geschlecht aus einzutreten, um Vergnügungen verschiedener Art zu finden, die in verschiedenen platziert sind Teile des Werkkörpers. Ein solcher Weg wird in der Art einer großen Fruchtbarkeitsgöttin dargestellt, die es zu erkunden gilt und die bereit ist, Besucher, die ihn passieren, willkommen zu heißen und dann zur Welt zu bringen. Den nicht-pornografischen Charakter des gerade Beschriebenen unterstreicht die Tatsache, dass Nana eine mütterlicherseits schwangere Frau darstellt, die in hellen Farbtönen gefärbt ist und an die leuchtenden Farbtöne erinnert, die Ostereier schmücken. Im Gegensatz zu den oben erwähnten Werken sorgten die aufgeklärten und aufgeschlossenen Schweden der späten 1960er-Jahre dafür, dass das Werk, obwohl es einen gewissen Schock darstellte und nur drei Monate lang ausgestellt wurde, ohne jeglichen Protest aufgenommen wurde, so dass ganze Familien herbeiströmten um es zu sehen, und bringen ihre Kinder mit.

Gustave Courbet, Der Ursprung der Welt , 1866. Öl auf Leinwand, 46×55 cm. Musée d'Orsay, Paris.

2. Gustave Courbet, Der Ursprung der Welt, 1866

Gustave Courbet, Der Ursprung der Welt (1866): Vor unseren Augen offenbart sich die „obszöne“ Nahaufnahme des Schambereichs eines weiblichen Oberkörpers, der sich von den Oberschenkeln bis zu den Brüsten erstreckt, um seinen Platz auf einem „zerknitterten“ Laken, das uns an die Intimität eines Schlafzimmers denken lässt. An dieser Stelle scheint es notwendig zu sein, deutlich zu machen, dass es nicht das Thema an sich ist, das für Aufsehen gesorgt hat, sondern die Technik der Ausführung des Werks, die es ermöglicht hat, das Thema ohne Umwege äußerst realistisch und fast anatomisch zu behandeln auf historische oder klassische Stilmittel, um darzustellen, was, wie der Titel schon sagt, tatsächlich der Ursprung unserer Welt ist. Folglich ist es unmöglich, das Ölgemälde als pornografisches Bild zu betrachten, da es vielmehr ein Meisterwerk des Bildverkehrs darstellt, das durch das Studium der italienischen figurativen Tradition des Tonalismus konkretisiert wurde, die einen groben Realismus hervorbrachte, der auch heute noch Unbehagen hervorrufen kann , einer Zeit, in der sich eine Provokation von vor gut 157 Jahren als immer noch aktuell erweist. Jedenfalls handelte Courbet nicht allein, denn gerade zu seiner Zeit verbreiteten sich die ersten erotischen Fotografien, beispielsweise von dem Franzosen Auguste Belloc, der ähnliche Aufnahmen verwendete wie die, die dem Maler am Herzen lagen. Ich bin mir sicher, dass Sie jetzt die Fotos von Belloc googeln werden, viel Spaß!

DAVID (2022)Gemälde von Kosta Morr .

1. Michelangelo, David, 1501-1504

Der Marmor-David von 1501-1504 zeigt eine stolze, stehende Haltung, während er seinen Kopf nach links dreht, scheinbar darauf bedacht, in die Ferne zu blicken, wahrscheinlich über die Vollendung der kriegerischen Geste grübelnd, die er gegen den Riesen Goliath richten soll . Im Einklang mit der griechischen Tradition beschloss Michelangelo, diesen statischen Moment darzustellen, da die klassischen Helden, kraftvoll und muskulös, im Allgemeinen im Moment vor der Handlung verewigt wurden, also in einer Art Standbild, das in Dieser besondere Kontext bringt einen Spannungsaufbau mit sich, der sich erst im Moment der tatsächlichen Tötung entlädt. Ich weiß, dass Sie an diesem Punkt enttäuscht waren, weil Sie dachten, dass es auf Platz eins tatsächlich ein weitaus „obszöneres“ Werk als dieses gab, aber tatsächlich habe ich damit mein Ziel erreicht: der zeitgenössischen Welle der Zensur entgegenzutreten ! Tatsächlich war Michelangelos David, der in dieser Schlussfolgerung eher durch seinen künstlerischen Wert als durch seine dürftige Obszönität entlarvt wurde, in letzter Zeit der Protagonist von Zensurakten, die durch eine Reihe ungeheuerlicher Fälle, wie z. B , die in Florida und Glasgow stattfanden. An dieser Stelle verweise ich Sie auf die Einleitung, denn ich befürchte eine Zensur der figurativen Kultur, die eine unerschöpfliche Nahrungsquelle für die Fantasie darstellt, statt des Obszönen, und zwar so sehr, dass Michelangelo selbst für seinen David auf die älteren und älteren zurückgriff nackter Doriphoros von Polykletos. Nun: Auf wen werden die Künstler der Zukunft blicken, wenn die großen Vorbilder zu Unrecht zensiert werden?