Die Kunst des menschlichen Körpers zwischen Realismus und Surrealismus: Eine historische und künstlerische Analyse
Im Laufe der Kunstgeschichte hat der menschliche Körper unterschiedliche Bedeutungen und Darstellungen angenommen und spiegelte damit die kulturellen, sozialen und philosophischen Veränderungen jeder Epoche wider. Das Aufkommen des Realismus im 19. Jahrhundert und des Surrealismus im frühen 20. Jahrhundert bietet zwei diametral entgegengesetzte, aber zutiefst bedeutsame Visionen der künstlerischen Interpretation des menschlichen Körpers, die zwischen greifbarer Realität und dem Reich der Träume und des Unbewussten oszillieren.
Der Realismus wurzelte in einer Reaktion auf die romantischen und neoklassischen Ideale, die die Kunstszene der Zeit dominierten. Künstler wie Gustave Courbet und Honoré Daumier konzentrierten sich auf das alltägliche Leben und stellten die Arbeiterklasse oft in realen, nicht idealisierten Kontexten dar. Ihr Ansatz war direkt, oft ungeschönt und zielte darauf ab, Not und soziale Ungerechtigkeiten durch eine ehrliche und ungeschönte Darstellung der Realität aufzudecken.
In Daumiers „Rue Transnonain, le 15 Avril 1834“ wird der menschliche Körper beispielsweise in seiner dramatischsten Verletzlichkeit dargestellt. Das Bild eines unbewaffneten Zivilisten und seines Kindes, die während eines gewaltsamen Vorgehens der Regierung getötet wurden, vermittelt eine starke politische und soziale Botschaft und prangert Brutalität und die Entfremdung des Individuums an.
Im krassen Gegensatz zur harten Realität des Realismus entwickelte sich der Surrealismus zu einer Bewegung, die in die Tiefen des Unbewussten eindrang und Träume und Traumvisionen als zentrale Werkzeuge künstlerischen Schaffens nutzte. Beeinflusst von psychoanalytischen Theorien, insbesondere denen Freuds, revolutionierten surrealistische Künstler wie Salvador Dalí und Max Ernst die Darstellung des menschlichen Körpers und verwandelten ihn in ein Gefäß unterdrückter Wünsche, Ängste und Obsessionen.
Techniken wie Automatismus und automatisches Schreiben ermöglichten es Künstlern, rationales Denken zu umgehen und Bildern Gestalt zu verleihen, die sich oft der Logik und konventionellen Wahrnehmung widersetzten. In Werken wie „Die Barbaren“ von Ernst wird der menschliche Körper verzerrt und mit natürlichen und tierischen Elementen verschmolzen, was auf bizarre und manchmal beunruhigende Weise eine Verschmelzung zwischen dem inneren Selbst und der Außenwelt widerspiegelt.
Der Kontrast zwischen Realismus und Surrealismus in der Darstellung des menschlichen Körpers veranschaulicht einen grundlegenden Bruch in der künstlerischen Herangehensweise an Realität und Träume. Während sich der Realismus auf eine getreue und oft harte Wiedergabe der physischen Welt konzentriert, taucht der Surrealismus in die dunkelsten Winkel der menschlichen Seele ein und bringt eine innere Welt ans Licht, die normalerweise verborgen bleibt.
Dieser Bruch spiegelt nicht nur die kulturellen und philosophischen Spannungen der Zeit wider, sondern eröffnet auch ein neues Verständnis von Kunst als Mittel nicht nur der Repräsentation, sondern auch der Erforschung und persönlichen Transformation. Im Surrealismus ist der Körper nicht mehr nur physische Materie, sondern wird zum Symbol des inneren Kampfes und der Identität in einer Welt, in der die Grenzen zwischen dem Realen und dem Irrealen ständig in Frage gestellt werden.
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass der Gegensatz zwischen Realismus und Surrealismus in der Interpretation des menschlichen Körpers nicht nur die philosophischen und kulturellen Unterschiede zwischen den beiden Strömungen verdeutlicht, sondern auch unser Verständnis der Dynamik zwischen äußerer und innerer menschlicher Realität bereichert. Um diesen Dialog zwischen Außen- und Innenwelt weiter zu veranschaulichen, werden fünf Werke von ArtMajeur-Künstlern präsentiert. Diese zwischen Realismus und Surrealismus oszillierenden Werke veranschaulichen greifbar, wie Kunst die komplexen Realitäten des menschlichen Lebens erforschen und manifestieren kann, indem sie diese beiden unterschiedlichen, aber miteinander verbundenen künstlerischen Universen visuell gegenüberstellen.
Donna con fiori (2024) Gemälde von Anastasiia Goreva
Tränen der Pfingstrosen (2024) Gemälde von Vasyl Luchkiv
Die beiden Werke „Frau mit Blumen“ von Anastasiia Goreva und „Tränen der Pfingstrosen“ von Vasyl Luchkiv veranschaulichen die oben besprochenen Prinzipien des Realismus und Surrealismus.
In „Frau mit Blumen“ ist die Figur der Blumenverkäuferin fest in der alltäglichen Realität verwurzelt. Mit konzentriertem Gesichtsausdruck handhabt die Frau die Blumen – das zentrale Element ihres Gewerbes. Die Szene strahlt durch sorgfältige Details einen Hauch von Realismus aus: die Textur des hölzernen Hintergrunds, die präzise Wiedergabe der Blumen und Hände der Frau sowie ihre schlichte, funktionale Kleidung. Der Künstler verwendet eine lebendige Farbpalette für die Blumen, die sich deutlich vom neutralen Hintergrund und den gedämpften Tönen der Kleidung abheben und die greifbare und oft harte Realität der täglichen Arbeit widerspiegeln. Dieses Werk fängt einen Moment aus dem echten Leben ein und betont die Würde der Handarbeit und die menschliche Interaktion mit der Natur durch Blumen.
Im Gegensatz dazu taucht Tears of Peonies in eine traumhafte und surreale Atmosphäre ein. Das Bild der Frau mit geschlossenen Augen, versunken in Pfingstrosenblüten, vermittelt ein Gefühl von Frieden und einer Verschmelzung von Mensch und Natur. Ihr Haar verflechtet sich mit den Blumen und schafft so eine visuelle Verbindung, die Harmonie zwischen Mensch und Natur symbolisiert. Die Verwendung von Pastellfarben und die sanften Formen tragen zu einer traumhaften Atmosphäre bei. Hier verschmilzt physische Realität mit Abstraktion und Symbolik und spiegelt surrealistische Theorien zur Erforschung des Unbewussten und von Träumen als Vehikel emotionaler und psychologischer Wahrheit wider.
Friseur (2023) Gemälde von Awe Haiwe
"Blooming" (2025) Gemälde von Victoria
„Hairdresser“ fängt einen alltäglichen Moment ein – einen Friseur bei der Haarpflege einer Kundin – und interpretiert ihn dabei künstlerisch, indem er Realismus mit einem modernen Touch verbindet. Die Liebe zum Detail ist spürbar: vom konzentrierten Gesichtsausdruck des schlicht gekleideten Friseurs mit Maske bis hin zu den akkurat angeordneten Haarprodukten im Hintergrund. Die Verwendung kräftiger und etwas übertriebener Farben, wie das tiefe Rosa der Wände und das leuchtende Blau des Umhangs, verleiht der Szene eine Vitalität, die sich vom rein traditionellen, realistischen Stil abhebt. Dieser kräftige Farbeinsatz verleiht Energie und ein Gefühl von Modernität und spiegelt möglicherweise die dynamische und kreative Atmosphäre wider, die typisch für einen modernen Schönheitssalon ist.
Im Gegensatz dazu ist „Blooming“ von Victoria ein surreales und poetisches Porträt, in dem Mensch und Natur auf ätherische Weise verschmelzen. Die Frau, dargestellt mit einer großen Pfingstrose im Gesicht, vermittelt ein Gefühl von Geheimnis und tiefer Verbundenheit mit der Natur. Die Technik kombiniert realistische Elemente – wie die detaillierte Textur von Haut und Blütenblättern – mit einem surrealen Ansatz, der die Frisur als riesige Blume darstellt. Die sanften Farben und zarten Verläufe von Weiß, Hellblau und Blassgelb erzeugen eine traumhafte Atmosphäre, die durch den verschwommenen grauen Hintergrund noch verstärkt wird. Dieses Werk erforscht Themen wie Identität und Natur und spielt mit dem Kontrast zwischen der festen menschlichen Form und der flüchtigen, zarten Natur der Blume und regt so zu einer Reflexion über Schönheit und Vergänglichkeit an.
Beide Werke beschäftigen sich mit dem Thema Schönheit und Transformation durch das Medium Haarstyling, jedoch auf radikal unterschiedliche Weise. „Hairdresser“ zelebriert den Alltag und die greifbare Realität eines kreativen Berufs, während „Blooming“ in einen metaphorischeren und surrealeren Bereich eintaucht, in dem Haarstyling zum Symbol der Verschmelzung und Verflechtung von Menschlichem und Natürlichem wird. Während Awe Haiwe kräftige Farben verwendet, um eine ansonsten gewöhnliche Szene zu beleben, verwendet Victoria sanfte Töne, um die fließende und zarte Verbindung zwischen dem Menschlichen und dem Floralen zu betonen.
Les lavandiers (2018) Gemälde von Nicolas Maureau
Hoteldusche, Ichthyocentaur-Gemälde von Christopher Walker
„Les Lavandiers“ von Nicolas Maureau rückt einen historischen Beruf in den Vordergrund, der traditionell mit Frauen assoziiert wird, aber aus einer maskulinen Perspektive neu interpretiert wird. Der Künstler lässt sich von Wäschemännern des 19. Jahrhunderts inspirieren, einer wiederkehrenden Figur in der Malerei dieser Epoche, wie sie beispielsweise in den Werken von Jean-François Millet dargestellt wird. In diesem Gemälde zeigt Maureau zwei Männer beim Wäschewaschen – eine alltägliche Szene, die mit zeitgenössischem Anspruch neu interpretiert wird. Die realistische Darstellung der Dargestellten und ihrer Tätigkeit zeigt sich in der detaillierten Wiedergabe ihrer Muskeln und Körperhaltungen sowie in der sorgfältigen Bearbeitung der Stofftexturen. Obwohl das Gemälde eine alltägliche Tätigkeit darstellt, vermittelt es ein Gefühl von Kraft und Mühe und betont die Härte der Handarbeit durch die Präsenz von Wasser, das beinahe zum Symbol der Reinigung und Anstrengung wird.
Im Gegensatz dazu taucht „Hotel Shower, Ichthyocentaur“ von Christopher Walker in das Reich der Mythologie und Fantasie ein. Dieses Werk zeigt einen Ichthyocentaur – ein Fabelwesen, halb Mensch, halb Pferd, halb Fisch – in der alltäglichen Umgebung eines Hotels. Wasser spielt eine zentrale Rolle, wird jedoch spielerisch und surreal dargestellt: Die mythische Figur kämpft mit einer Hoteldusche und schafft so eine humorvolle und ironische Szene, die Wasser nicht nur als natürliches Element, sondern auch als moderne technologische Herausforderung nutzt. Die lebendige Farbpalette und die Einbeziehung fantastischer Elemente verstärken den skurrilen Charakter des Werks und thematisieren die Adaption und Melancholie mythischer Wesen in zeitgenössischen Umgebungen.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazin
