Berliner Graffiti im Vergleich zu Gauguin, Munch, Goya und Zurbarán

Es gibt verschiedene Herangehensweisen an das Erzählen von Kunstgeschichte, einige verfolgen den Zweck, beispielsweise die figurative Tradition eines bestimmten Landes zu veranschaulichen. In diesem Sinne könnte ich, wie die großen Kunsthistoriker lehren, die kreativen Impulse Deutschlands niederschreiben und Beispiele von der Vorgeschichte bis zur Gegenwart chronologisch sammeln. Diese Erzählung mit eher "klassischem" Setting erweist sich oft als unkreativ und eintönig, da sie sich eher "statisch" auf die zeitliche Abfolge von Meisterwerken, Meistern und künstlerischen Strömungen konzentriert und dabei oft vermeidet, interessantere Vergleichsbedingungen, die darauf abzielen, sogar Visionen aus, gelinde gesagt, gegensätzlichen Epochen direkt zu vergleichen. Ein ähnlicher, aber begrenzterer Ansatz, der folglich besser in der Lage ist, Reflexionen "aus dem Chor" darin aufzunehmen, erweist sich als derjenige, der der Analyse einer einzelnen historischen Periode einer nationalen Kunst gewidmet ist, ein Thema, das sich herausstellt offener sein für den "Dialog" mit früheren oder späteren Epochen. Der Modus, den ich gewählt habe, um über die oben genannte deutsche Kunst zu sprechen, versammelt sich andererseits in einem noch "intimeren" und begrenzteren Kontext, wie der Stadt Berlin, einem "Ziel", das es mir ermöglichte, meine ganze Aufmerksamkeit zu fokussieren über drei Meister der zeitgenössischen Straßenkunst, die ich auf ziemlich gewagte, originelle und innovative Weise mit Gauguin, Munch, Goya und Zurbarán „vergleichen“ konnte. Geht man davon aus, dass Berlin seit der Ära nach dem Mauerfall zu einer der wichtigsten Hauptstädte der weltweiten Straßenkunst geworden ist, ist es wichtig hervorzuheben, wie in den unterschiedlichsten Stadtteilen der deutschen Stadt die Werke berühmter Künstler, wie beispielsweise Herakut, Rosco, Dr. Drax, Pase, Akte One, Kobe, Os Gemeos, BLU und ROA, vervielfachen sich. Was die letzten drei betrifft, nutze ich diese Gelegenheit, um meine Geschichte damit zu beginnen, dass ich mit Os Gemeos beginne, die, wie die Übersetzung ihres eigenen portugiesischen Spitznamens vorwegnimmt, zwei brasilianische Zwillingsbrüder sind, deren sehr starke Blutsbande zu einer wertvollen künstlerischen Zusammenarbeit geführt haben ausschließlich von vier Händen konzipiert und realisiert. Wie kann man die Werke des Duos erkennen, wenn man, nachdem man den richtigen Ort gefunden hat, glücklich mit seinem Hündchen die Straße entlang schlendert? Ihre Arbeit, die sie selbst eher als Graffiti-Writing denn als Street Art bezeichnen, hat einen hohen Wiedererkennungswert! Tatsächlich fällt uns bei Os Gemeos als erstes die Verwendung extrem intensiver Farben ein, die, vor allem in Gelbtönen ausgeführt, dazu neigen, die Gesichter ihrer bizarren Charaktere zu färben, deren Haut freiwillig auf den Brasilianer anspielt Sonne. Neben der repräsentativen Verbindung zum Mutterland behandelt das Werk der Zwillinge eine Vielzahl von Themen, die von Liebe bis Sex, von Träumen bis Anarchie, von Unschuld bis Gesetzlosigkeit reichen. Um auf die Stilelemente zurückzukommen, sie werden gut veranschaulicht durch Der gelbe Mann, ein farbenfrohes Wandbild, das von der seltsamen Figur präsentiert wird, die, vielleicht ein entfernter Verwandter von Frankenstein, die ganze Wand eines Hauses im Bezirk Kreuzberg schmückt, wer hat wurde zu einer Berühmtheit für seinen kleinen, festäugigen Blick, der in einem "anomalen" "dreieckigen" Kopf enthalten ist, der von schrägen Schultern getragen wird und in extrem schlanken Gliedmaßen gipfelt. Bemerkenswert ist in diesem Zusammenhang, dass, obwohl die meisten Werke der Brüder in Gelb konzipiert waren, das Gesicht des Kreuzberger „Monsters“ zunächst grün war, da erst nach der Verwitterung das Werk paradoxerweise auf die Bühne gebracht wurde Lieblingsfarbe der vorgenannten Künstler. In der Kunstgeschichte ist die Erzählung über gelbe oder gelbgrüne Gesichter jedoch lang, so dass bekannte Beispiele für das eben Gesagte zu finden sind in Gauguins Gelber Christus (1889), Muchs Schrei (1893) , und Van Goghs Porträt mit verbundenem Ohr (1889).

Laetitia Infantino, Berliner Nacht , 2021. Acryl / Kohle auf Leinwand, 33 x 46 cm.

Folglich hatten die größten Meister der Vergangenheit wieder einmal teilweise die Zukunft der Kunst vorhergesagt, so sehr, dass ihre „Vorschau“ in der Geschichte von BLU, dem „italienischen Banksy“, fortgesetzt wird, der seine Identität noch nicht preisgegeben hat , schuf genau im Jahr 2007 am westlichen Ende der Oberbaumbrücke in Kreuzberg ein großes Wandbild, das ein Monster zum Thema hat, das, aus vielen kleinen rosafarbenen Menschen gebildet, darauf bedacht ist, ein seltsam weißes zu fressen. Allerdings zeigt die Szene nicht den Moment, in dem das kleine Wesen verschlungen wird, sondern den Moment, in dem es sich allmählich dem aufgerissenen Maul des Riesen nähert, ein Detail, das dem Werk einen Zustand der ewigen Schwebe verleiht. Die Interpretation des oben erwähnten Monsters mit dem Titel The Pink Man könnte wie folgt lauten: Viele kleine Männer vereinen sich und erzeugen einen Riesen, der in der Lage ist, den Schwächsten Schaden zuzufügen. Diese Art der umständlichen Assoziation des Menschen hat sich leider allzu oft in unserer Geschichte manifestiert, die uns in diesem Fall, wenn wir von Berlin sprechen, unaufhaltsam an die Verwüstung erinnert, die der Nationalsozialismus angerichtet hat. Zurück zu den „Sehern“ der Vergangenheit, der oben erwähnte Kannibalismus von BLU, obwohl er hauptsächlich mit rein mythologischen oder phantasievollen Themen verbunden ist, findet sich zum Beispiel in Goyas Saturn verschlingt seine Kinder (1819-1823) und Dalis Herbstlicher Kannibalismus (1936 ). Schließlich hat ROA, Streetart-Künstler, auch ein großer Fan der Anonymität, in Berlin, genau in der Oranienstraße, ein gigantisches Stillleben geschaffen, das einen toten Hasen, einen Storch und ein Reh zum Thema hat, die an einem Draht „hängen“. Dach der Fassade des Gebäudes, in dem sie untergebracht sind, an dessen unterem Ende ein Widder gelassen ruht, der sich seines bevorstehenden und ähnlichen Untergangs wahrscheinlich nicht bewusst ist. Die Behandlung eines solchen Themas, gelinde gesagt klassisch in der Kunstgeschichte, sollte uns nicht überraschen, da der Straßenkünstler aus Gent (Belgien) dafür bekannt ist, Tiere mit einer reinen biologischen Präzision darzustellen, die, ob lebend oder tot, als Tiere dienen Vorwand, um über die Vergänglichkeit unserer Existenz zu sprechen. Neben den klassischen Tierstillleben liefert uns die glorreiche Vergangenheit der Kunstgeschichte aber auch Beispiele von buchstäblich enthäuteten Kadavern, wie sie in Panayòtis Tetsis' Metzger (1955-56) oder sogar lebenden Skeletten, ähnlich zu sehen sind das Pferd im Triumph des Todes in der Regionalgalerie des Palazzo Abatellis (Palermo, Italien). Abschließend wird die Geschichte der Berliner Wandmalereien fortgesetzt, diesmal bereichert durch die Standpunkte von Artmajeur-Künstlern wie Markus, Loic Tarin und Joe Baxxter.

Antoni Dragan, Sonnenuntergang in Berlin , 2021. Acryl auf Leinwand, 90 x 160 cm.

Markus, Astronaut, 2022. Acryl auf Leinwand, 150 x 114 cm.

Markus: Astronaut

Wenn Sie durch Kreuzberg zurückschlendern, einem großen Berliner Viertel, in dem überwiegend Studenten, Künstler und eine große türkische Gemeinde leben, werden Sie höchstwahrscheinlich auf ein monumentales Kunstwerk stoßen, das zu den ikonischsten der Stadt gehört: das Astronaut-Kosmonauten-Wandbild, das in 2007, vom französischen Künstler Viktor Ash, einfach als Ash bekannt. Die Arbeit, die die Wände eines riesigen weißen Gebäudes als Stütze verwendete, zeigt einen schwebenden Astronauten, dessen Figur nach eigenen Angaben der Street-Künstler direkte Hinweise auf das von der UdSSR und den USA während der berüchtigten Zeiten begehrte Weltraumrennen nimmt Kalter Krieg. Diese Hauptinspirationsquelle verfolgt den Zweck, den Betrachter zu einer freiwilligen Flucht aus der historischen oder medialen Realität zu begleiten, um in einer beruhigend intimeren Dimension Trost zu finden. Darüber hinaus enthüllte Ash, dass der Wunsch von Astronaut Cosmonaut nach Eskapismus auch von Space Oddity und David Bowies Ashes to Ashes inspiriert war, Songs, die, wenn sie zusammen gespielt werden, die Geschichte eines Astronauten erzählen, der sich zuerst im Weltraum verirrt und findet sich später nur im Griff trippiger Halluzinationen wieder. In diesen Kontext passt gut der Protagonist von *Astronaut*, der, eingetaucht in einen "psychedelischen" Hintergrund, vielleicht in einer farbenfrohen mentalen Reise verloren ist, wahrscheinlich das Ergebnis einer der am meisten diskutierten Erfindungen von Dr. Hoffman.

Loic Tarin, Of Tiles and Temples , 2021. Malerei, Acryl / Sprühfarbe / Bleistift auf Leinwand, 50 x 50 cm.

Loic Tarin: Von Kacheln und Tempeln

Ein weiterer unbestrittener Protagonist der Berliner Mauern ist Elephant Playing with a Balloon, ein Wandbild des deutschen Künstlers Jadore Tonk alias SYRUS, der, um sein ikonisches Projekt zum Leben zu erwecken, die hintere Brandwand eines Gebäudes mit der Hausnummer 7 „beschmiert“ hat Wilhelmstraße (Berlin). So finden wir uns wieder im Kreativbezirk Kreuzberg wieder, diesmal allerdings vor einem „fröhlicheren“ türkisfarbenen Hintergrund, vor dem sich die schwere Gestalt eines ornamentbesetzten Elefanten abhebt, die von der leichten Figur eines „überragt“ wird kugelförmiger Ballon, der vom eigenen Rüssel im Wind gehalten wird. Die Bedeutung der Arbeit liegt wahrscheinlich in den Themen, die dem Künstler am Herzen liegen, wie dem Gegensatz zwischen Freiheit und Unterdrückung, Individualismus und Kollektivismus usw. Die richtige Wahl zwischen solchen Tendenzen, dh diejenige, die auf die Verwirklichung abzielt des Guten, entstehen laut Tonk durch das Zusammenspiel von Spiritualität, Traum, Realität und Vision „labile“ Dimensionen wie die Leichtigkeit eines Luftballons. Demgegenüber wirkt die Artmajeur-Malerei des Künstlers „weniger positivistisch“, sondern suggeriert eine veränderte Haltung des Tieres, das in diesem Fall wohl die Lasten der Welt auf sich genommen hat, weil es weitermachen will seine Schultern die schweren Zeichen einer Zivilisation, die sicherlich nicht so leicht vom Wind entfernt werden können.

Joe Baxxter, Angel Thief deluxe , 2022. Druckgrafik, digitale Malerei / Digitaldruck / Siebdruck auf Aluminium, 80 x 80 cm.

Joe Baxxter: Engelsdieb deluxe

Der attraktive Protagonist von Angel Thief Deluxe, verewigt durch Baxxters digitale Malerei, erinnert an ein Meisterwerk der Berliner Straßenkunst, denn abgesehen von Geld, Glanz und Eleganz der Frau, Elemente, die vor einem abstrakten Hintergrund voller Luxusmarken zum Leben erwachen. Das Bildnis trägt eine Sturmhaube, ein Paar Flügel und einen Heiligenschein. Vielleicht ist auch sie zu einem besseren Leben übergegangen, indem sie ihr schönes Gesicht verbarg, genau wie das Schicksal der beiden Protagonisten von Brothers, einem jetzt "nicht mehr existierenden" Wandbild, das von Blu um 2007 in der Cuvrystraße (Berlin) geschaffen wurde. Die Arbeit des italienischen Künstlers, die zwei Gestalten darstellte, die sich gegenseitig die Sturmhauben abnehmen wollten, während ihre freien Hände die Zeichen von West und Ost andeuteten, was eindeutig auf die ehemalige Teilung der Mauer anspielte, erlitt 2014 tatsächlich eine "künstlerische Euthanasie", die wahrscheinlich verhängt wurde darauf von Blu selbst. Die Form, die der Tod in Brothers annimmt, ist einfach: Der Künstler bedeckte das Wandbild vollständig mit Schwarz und zensierte es, um sich einem spekulativen Sanierungsplan zu widersetzen, der darauf abzielte, die Preise in der Gegend gerade wegen der Präsenz des Werks zu erhöhen. Wenn uns dieser künstlerische Verlust nicht wenig leid tut, so ist doch das Gefühl der Erlösung stark, das von einer Kunst gefördert wird, die, leider jetzt den Auktionshäusern und Museen ausgeliefert, in erster Linie geboren wurde, um sich den oberen Rängen unseres Systems entgegenzustellen.