Von Accessoires bis zum kompletten Outfit

In der Kunstgeschichte gibt es drei Meisterwerke, die zwischen der malerischen und der fotografischen Welt angesiedelt sind und darauf abzielen, dasselbe Motiv zu verewigen, das den Betrachter selbstbewusst anstarrt und dabei ein Detail trägt, dessen Farbgebung Gegenstand der vorliegenden Diskussion ist: Lila . Ich beziehe mich auf Self Portrait Dedicated to Sigmund Firestone (1940) und Self-Portrait with Necklace of Thorns of Frida Kahlo (1940) sowie auf Nickolas Murays Frida Kahlo With Magenta Rebozo (1939), Gemälde und Aufnahmen, in denen das Bildnis, d. h. Die mexikanische Malerin selbst trägt eine Art harmonisch gewebten lila Turban. Um die Präsenz dieses Zubehörs in den oben genannten Werken stärker zu kontextualisieren, wurde das erste Gemälde in einem etwas naiven oder primitivistischen Stil geschaffen, um Sigmund Firestone gewidmet zu werden, einem Förderer von Frida und ihrem Begleiter Diego, mit dem die beiden Künstler verbunden waren versprach, ein Porträt zu malen. Um das Meisterwerk kurz zu beschreiben, findet vor einem hellbraunen Hintergrund, in dem ein an der rechten Ecke des Trägers befestigter Buchstabe zu erkennen ist, das Selbstporträt von Khalo seinen Platz, die mit leicht nach rechts gedrehtem Kopf erscheint Sie trägt das chromatische Objekt, das uns interessiert: ein Stück lila Stoff, das den größten Teil ihres Kopfes und ihrer Haare bedeckt, während sie auf ihrem Gesicht einen ernsten und entschlossenen Ausdruck zeigt, während sie geradeaus blickt. Eine ähnliche Haltung zeigt sich im Selbstbildnis mit Dornenhalsband, einem Werk, in dem die für uns interessante violette Frisur als eine Art Schleife wieder auftaucht, auf der in diesem Fall zwei Schmetterlinge ruhen und mit den beiden Libellen zu kommunizieren scheinen. Blumen direkt darüber. Hinzu kommen ein Klammeraffe, eine schwarze Katze und ein Kolibri, ein Vogel, der auf der Dornenkette liegend verewigt ist, die der Künstler trotz der auffälligen Blutung an seinem Hals scheinbar leidlos trägt. Es ist genau diese rote Flüssigkeit, die die Gewohnheit der Malerin zum Ausdruck bringt, sich selbst darzustellen, um die Last ihrer tragischen persönlichen Wechselfälle auszutreiben, die, wie der stolze und gleichgültige Blick des Bildnisses zeigt, nun in einen weisen und reifen Prozess verwickelt sind Ausdauer und Akzeptanz. Schließlich erscheint derselbe „Turban“ auf dem ruhigeren Foto von Nickolas Muray von Frida, einer Frau, mit der der Fotograf in der Zeit von 1937 bis 1946 eine Liebesbeziehung hatte, aus der sich später eine Freundschaft entwickelte, die jedoch ausstarb erst mit dem Erscheinen von Kahlos Tod.

LILA GRÜN (2023)Gemälde von Paul Onobiono.

BEATRIZ (2022)Gemälde von Egidio Gariano.

Die Erzählung der Farbe Lila, die durch die Kleidung der Meisterwerke der Kunstgeschichte wiedergegeben wird, verläuft nach einer Höhepunktkonstruktion der Erzählung, die die Erweiterung der Präsenz dieses Farbtons von einem bloßen Detail zu einem Kleidungsstück mit einer auffälligeren Wirkung sieht Wirkung, wie etwa die der auffälligen Jacke der Protagonistin in zwei Gemälden von Matisse: Frau im lila Mantel, 1937 und Lila Robe und Anemonen (1937). Was Ersteres betrifft, so ist bekannt, dass die auf der Leinwand verewigte Frau Lydia Delectorskaya, die auch die Protagonistin von Purple Robe and Anemones ist, Modell, Atelierassistentin und schließlich Haushaltshilfe des französischen Meisters war, der sich im Allgemeinen für eher düstere Farben entschieden hatte -haarige und olivfarbene Mädchen waren die Protagonisten seiner Werke, während die oben genannte Frau für ihr langes goldenes Haar, ihre blauen Augen und ihre helle Haut bekannt war, so sehr, dass sie von Matisse selbst „die Eisprinzessin“ genannt wurde. In den Tagen, als Lydia dem Maler als Modell diente, beschuldigte Matisses Frau ihren Mann, mit Delectorskaya geschlafen zu haben, und forderte und erwirkte dessen Entlassung. Als Amélie Matisse jedoch den Meister verließ und weiterhin glaubte, dass er sie betrog, wurde Lydia wieder als Studioassistentin eingestellt. Abgesehen von Dreiecksbeziehungen ist das Meisterwerk von 1937 ein hervorragendes Beispiel für den Einsatz von Farbe und Licht durch den Maler, der darauf abzielt, die Emotionen auszudrücken, die er für das Leben selbst empfand, und nicht für das schicke Model, dessen lila Mantel sofort die gesamte Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich zieht. An dieser Stelle ist es gut, darauf hinzuweisen, wie sich Lila dem Blick des Betrachters auch durch zusätzliche künstlerische Kleidungsstücke aufdrängt, wie etwa die Röcke, Kleider und Jacken, die in Paul Signacs „Frau mit Sonnenschirm“ (1893) und Paul Gauguins „Vahine no te“ zu sehen sind vi (1892) und Ernst Ludwig Kirchners Straße in Berlin (1913).

PURPLE BLOSSOM YOGA (2022)Gemälde von Nata Shemshur.

Der Höhepunkt der Präsenz des violetten Farbtons wird jedoch in Paul Gauguins Porträt von William Molard (1894) erreicht, einem Meisterwerk, in dem sich die oben erwähnte Farbe, abgesehen von einigen chromatischen Details, buchstäblich vom Kopf bis zum Rumpf erstreckt des Protagonisten, der die „exzentrischeren“ Haarfarben unserer Zeit vorwegzunehmen scheint. Darüber hinaus zeigt es, wiederum in Bezug auf das oben genannte Medium, auf der Vorderseite das bekanntere Porträt des Künstlers (1893–94), während die Rückseite, die uns interessiert, das Bild von Gauguins Freund William Molard zeigt, einem mit ihm verbundenen Wagner-Musiker die europäischen Bohème-Künstler von Montparnasse, ein Umfeld, in dem der Maler im Pariser Winter 1893–94 häufig auftrat. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass das Vorstehende, wenn man die Geschichte von eher alltäglichen Charakteren ausführlich erzählt, gut hervorhebt, wie Purpur traditionell hauptsächlich zur Verzierung von Gottheiten, prominenten religiösen Persönlichkeiten und Kaisern verwendet wurde, wie man z. B. sehen kann Beispiel: aus dem Gemälde des 12. Jahrhunderts, auf dem der heilige Petrus den in Purpur gekleideten Bischof Hermagoras weiht; aus dem Genter Altar (1422) von Jan van Eyck, wo Päpste und Bischöfe lila Gewänder tragen; vom purpurgekleideten Engel aus Raffaels Auferstehung Christi (1483-1520); aus Fjodor Rokotows Porträt der Kaiserin Katharina der Großen von Russland; aus dem offiziellen Porträt von Georg VI.; usw. Abschließend wird die Geschichte der Farbe Lila in der Kunst sowie ihre Bedeutung im Rahmen der Betrachtung von Kunstwerken einiger Artmajeur-Künstler untersucht, wie zum Beispiel: Marc Marc Carniel, Susanne Kirsch und Ines Khadraoui.

KLEINE KRÄHE (2019)Gemälde von Marc Carniel.

Marc Marc Carniel: Kleine Krähe

Das Bild eines amerikanischen Ureinwohners steht still vor unseren Augen, bleibt aber in „Bewegung“, da Carniel mit seiner geschickten Pinselführung einen Hauch von Schattierung erzielt hat, der einer Figur Dynamik verleihen soll, die fast so labil wie eine Projektion wird und uns an die USA erinnert Abfolge historischer Perioden und Zivilisationen. Tatsächlich hat der Künstler einen „flüchtigen“ Indianerhäuptling verewigt, um von der fortlaufenden Entwicklung der Menschheit zu sprechen, indem er die „vergessenen Herrscher“ der „First Nations“ vergleicht, die klugerweise daran gewöhnt waren, der Erde zu danken, mit dem gewaltsamen Wunsch, sie zu besitzen mächtige Zeitgenossen. Angesichts der vorherrschenden Präsenz der Farbe Lila in der Komposition ist es auf jeden Fall möglich, das oben Gesagte näher zu erläutern, indem man sich auch auf die Bedeutung der letztgenannten Farbe bezieht, die im Lichtspektrum an den Antipoden von Rot steht. symbolisiert die Haltung der Identifikation mit dem Nächsten, betont die emotionale Seite und weckt den Wunsch, intensive Bindungen zu knüpfen, nicht nur auf der körperlichen, sondern auch emotionalen Ebene. Darüber hinaus ist bekannt, dass Lila Kreativität und Vorstellungskraft anregen kann und dazu führt, dass die Rationalität beiseite geschoben wird und eine ruhelose und suggestive Verführungsfähigkeit zum Vorschein kommt. Folglich scheint es, dass der Künstler von Artmajeur die perfekte Farbe gewählt hat, um eine Inspiration zum Ausdruck zu bringen, die auf Reflexion, Selbstbeobachtung und Analyse der Verbindung des Menschen mit der jetzt leidenden Erde abzielt.

FREAKY PURPLE (2022)Gemälde von Susanne Kirsch.

Susanne Kirsch: Freaky Purple

Violett und Auberginenviolett treffen in einem gewundenen und linearen abstrakten Dialog aufeinander, der darauf abzielt, zwei Fraktionen hervorzubringen, die, auf gegenüberliegenden Seiten des Trägers aufgereiht, die helleren Farbtöne gegen die dunkleren antreten lassen, nur um sich dann in der Mitte zu treffen und Waffenstillstand zu schließen der Leinwand und im rechten Teil, wo die zweite Farbart die erste energisch überlagert. Das erzählt uns Susanne Kirsch mit ihrem Freaky Purple, wobei es aus rein historisch-chromatischer Sicht gut ist, bekannt zu machen, wie Lila bereits in der prähistorischen Zeit, also während, in die Kunstwelt gelangte das Neolithikum, eine Zeit, in der die Künstler der Pech-Merle-Höhle und anderer französischer Stätten Manganstäbe und Hämatitpulver verwendeten, um Tierporträts oder die Umrisse ihrer eigenen Hände an Höhlenwänden anzufertigen. Später erfreute sich diese Färbung auch bei den phönizischen Bürgern von Sidon und Tyrus großer Beliebtheit, denen es Freude bereitete, mithilfe einer Meeresschnecke Purpur herzustellen, das dazu diente, Kleidungsstücken Leben einzuhauchen, die sowohl in der Ilias als auch in der Aeneis erwähnt wurden. Wie bereits vermutet, wurde die mühsam aus den oben genannten Tieren gewonnene Farbe jedoch hauptsächlich zur Bedeckung der Körper der Mächtigen verwendet, ein Trend, der, wenn auch mit Höhen und Tiefen, bis ins 18. Jahrhundert zu beobachten ist. Tatsächlich stellte William Henry Perkin später, konkret im Jahr 1856, den ersten synthetischen Farbstoff auf Anilinbasis her, der als Mauveviolett bekannt wurde und schnell in Mode kam, da er durch ein industrielles Verfahren entwickelt wurde, das ihn schließlich für jedermann tragbar machte.

SOME JAZY SOUNDS (2023)Gemälde von Ines Khadraoui.

Ines Khadraoui: Ein paar jazzige Klänge

In Khadraouis Gemälde nimmt eine abstrakte „Umarmung“ Gestalt an, die darauf abzielt, die Schattierungen von Lila mit denen von Rosa und Weiß zu vereinen, die sich wie weiche Blütenblätter von einem dunkleren schwarzen Hintergrund abheben, der sich hier und da zwischen ihnen manifestiert Helligkeit heller Farben. Welchen Nutzen könnte die Vision dieser Explosion violetter Farben für uns haben? Laut Farbtherapie verleiht Lila, das den Mittelwert zwischen Himmel und Erde, Leidenschaft und Intelligenz, Liebe und Weisheit darstellt, spirituelle und inspirierende Kraft, erleichtert Meditation, moderne Reizbarkeit, verlangsamt die Herztätigkeit, stimuliert die Zirbeldrüse und reguliert das Gleichgewicht zwischen Natrium und Kalium usw. Im künstlerischen Bereich hingegen ist bekannt, wie es die Fantasie anregt, und zwar so sehr, dass Leonardo da Vinci selbst enthüllte, wie meditative Erinnerung, die für die Schaffung von Meisterwerken von Nutzen war, bevorzugt wurde und verstärkt durch die Anwesenheit von violettem Licht. Apropos Innenarchitektur: Räume mit violetten Details, Kunstwerken und Wänden haben eine beruhigende Wirkung auf den Geist, sind aber gleichzeitig auch in der Lage, die Sinne zu stimulieren, sodass der Raum am besten für einen solchen Farbton geeignet ist wäre genau ein Wohnzimmer, ein Ort, an dem man sich unter anderem im kreativen Bereich sowie in magischen und esoterischen Praktiken versuchen kann. Wenn Sie Lila lieben, wissen Sie schließlich, dass Sie über eine große Vorstellungskraft, Kreativität und Sensibilität verfügen, sodass es auch für paranormale und unbewusste Aktivitäten prädisponiert ist.