Es dreht sich alles um Geld: Reichtum, der durch Kunst zur Schau gestellt wird

Tony Rubino, Rubino Money Calling Gangster Entrepreneur Christmas , 2022. Gemälde, Acryl / Lithografie auf Leinwand, 50,8 x 50,8 cm.

Um über Geld zu sprechen oder sich einfach die Mühe zu machen, es protzig und elitär zur Schau zu stellen, ist es nicht nötig, vor der Bushaltestelle die Mammut-Brieftasche zu öffnen, um dem wartenden Nachbarn die renommierte American Express Centurion Card zur Schau zu stellen. Tatsächlich ist es möglich, durch mehrere weniger direkte und "vulgäre" Mittel auf Ihren absoluten Wohlstandszustand anzuspielen. Gerade die Kunstwelt liefert uns interessante Denkanstöße, indem sie, bevor sie zu Warhols stilisierter Darstellung des amerikanischen Dollars gelangte, durch die Darstellung reich gekleideter Subjekte, die in prächtigen Innenräumen platziert und von Symbolen umgeben sind, explizit gemacht wurde Anspielung auf leichte, fürstliche Lebensverhältnisse. All dies wurde mit großer Klasse umgesetzt, wobei die zeitgemäßere, wenn auch spöttische und ironische Haltung der Zurschaustellung von Fallenstellern abgelehnt wurde, Subjekte, die in der Lage sind, den Menschen die grünen Mittel ihres Reichtums ins Gesicht zu schieben, ganz zu schweigen von anderen Körperteilen. Um Letzteres nicht zu verteidigen, muss man auf jeden Fall sagen, dass jede Epoche ihre eigenen Formen der Manifestation von Reichtum gekannt hat, die derzeit subjektiv, relativ und unermesslich vielfältig bleiben. Abgesehen von eher zeitgenössischen Trends, ist es, um zur Erwähnung des oben erwähnten Themas zurückzukehren, wie es von der traditionelleren Kunstgeschichte verstanden wurde, obligatorisch, auf zwei italienische Meisterwerke zu verweisen, die darauf abzielen, zwei berühmte Frauen so zu verewigen, wie sie waren darauf bedacht, prächtige Exemplare von Kostbarkeit zur Schau zu stellen, die auf ihre majestätische Abstammung anspielen: Agnolo Bronzinos Porträt von Eleanor von Toledo mit ihrem Sohn Giovanni (1545-46) und Sandro Botticellis Porträt einer jungen Frau (1475). In Bezug auf das erste Öl auf Holz ist es gut hervorzuheben, wie die Identität seines jüngsten Abbilds erst 1949 enthüllt und offiziell gemacht wurde, als sich die Kunsthistorikerin Luisa Becherucci auf die alten Worte des berühmten Giorgio bezog Vasari, erkannte in der Anstandsdame der Herzogin den Nachkommen Giovanni. In diesem Zusammenhang scheint die Frage berechtigt: Wie hatte der Bronzino die Möglichkeit, mit solch einem prominenten Adel in Kontakt zu kommen und ihn zu verewigen und sogar zum Hofmaler von Cosimo I. zu werden? Der letztgenannte Herzog, ein fähiger Talentvermittler, konnte sich Bronzinos Genie nicht entgehen lassen, das er bei der Realisierung der Fresken in der Eleonora-Kapelle im Palazzo Vecchio, die zwischen 1541 und 1545 datiert werden können, erproben konnte. Zurück zu das "reiche", sehr reiche ($$$), Porträt, das in Frage kam, musste notwendigerweise dem Rang von Eleonora von Toledo gerecht werden, einer spanischen Adligen und Tochter des Vizekönigs von Neapel, die die erste Frau der vorgenannten war Cosimo I de' Medici, zweiter und letzter Herzog der Florentiner Republik und später erster Großherzog der Toskana, eine Rolle, die sie bis zu ihrem Tod im Jahr 1574 ausübte. In dem Meisterwerk von ca. 1545, das als eines der höchsten gilt Ausdruck der florentinischen Renaissance-Porträtmalerei des 16. Jahrhunderts, Eleonora di Toledo sitzt frontal, während sie all ihre finanzielle Leichtigkeit zur Schau stellt, ohne sich mit wedelnden „großen Dollars“, Champagnerflaschen, schicken Autos und extravaganten Banketten zu bewaffnen, aber sehr nüchtern , se Auf raffinierte und elegante Weise ein kostbares Kleid mit feinster Damaststickerei, begleitet von einer feinen Perlenkette, die mit zwei Windungen ihr dezentes Dekolleté umschließt.

Bronzino, Porträt von Eleonore von Toledo , c. 1545. Öl auf Holz, 115 × 96 cm. Florenz: Galerie der Uffizien.

Die realistische Wiedergabe dieses Luxus, der uns allen eine Vorstellung von seiner kostbaren Herstellung gibt, ist Bronzinos manieristischem Stil zu verdanken, der darauf abzielt, Figuren sowie Details von großer Genauigkeit und Schärfe der Umrisse zum Leben zu erwecken. Ein weiteres Meisterwerk der Kunstgeschichte, ebenfalls bereichert durch die üppige Präsenz von Perlen, die sich in diesem Fall sogar vermehren und verschiedene Orte auf dem Träger einnehmen, ist das bereits erwähnte Porträt einer jungen Frau (1475) von Sandro Botticelli. Bevor wir uns jedoch mit der bloßen Beschreibung des oben genannten Luxus befassen, ist es gut, die bis heute als wahrscheinlichste Identität des Abbilds zu enthüllen, das mit ähnlichen somatischen Merkmalen wie Venus (1482-85) Spring (ca. 1848) und Ideal Lady (1475-1480) des toskanischen Meisters könnten auch diesmal Simonetta Vespucci sein. Letztere, die den Spitznamen „Unvergleichliche“ trägt, repräsentierte eine der berühmtesten Adligen der Florentiner Renaissance, deren unvergleichliche Schönheit in den Werken vieler Künstler der damaligen Zeit auftauchte, obwohl sie dies nur mit Botticelli tat, so der Klatsch der Zeit auch eine zweifelhafte emotionale Bindung schmieden. Da aber der unbestrittene Gegenstand unserer Aufmerksamkeit nicht der Charme dieser Frau, sondern ihr Geld ist, kommen wir zur Sache und beschreiben, wie das Meisterwerk von 1475 in der Dreiviertelpose, in der Vespucci dargestellt ist, zur Geltung kommt ein auffälliges Medaillon, das sie um den Hals trägt, wahrscheinlich die umgekehrte Kopie eines alten Erbstücks, in dem die Züge von Apollo und Marsyas reproduziert sind. Darüber hinaus könnte die Kostbarkeit eines solchen Juwels sogar noch gesteigert werden, wenn es, wie viele Quellen vermuten lassen, zuvor Lorenzo de' Medici gehört hätte. Das Mädchen, das mit diesem Prunk nicht zufrieden war, verschwendete wer weiß wie viel Zeit damit, ihr dichtes Haar zu einer raffinierten Frisur zu arrangieren, in die eine Vielzahl von Perlen eingewebt waren, die in einem komplexen, reich verzierten Kopfschmuck gipfelte. Schließlich ersparte der Reichtum der Kunstgeschichte dem Betrachter nicht den Zugang zu den luxuriösesten Interieurs, wie sie beispielsweise in Erzherzog Albert und Isabella beim Besuch einer Sammlung (um 1621-1623) von Jan Brueghel und Hieronymus Francken II beschrieben wurden und im Familienporträt von Louis XIV mit Madame de Ventadour (8. Jahrhundert) von Nicolas de Largilliere.

Botticelli, Porträt einer jungen Frau , 1475-1480. Frankfurt: Städel Museum, Frankfurt.

Abschließend, wenn Sie jetzt denken, dass Reichtum etwas ist, das ausschließlich die Welt der Lebenden betrifft, dann irren Sie sich gewaltig! Tatsächlich hat das Vanitas-Genre neben unheimlichen Skeletten, toten Tieren und verbrauchten Kerzen oft knalligen Schmuck beherbergt. Im letzteren Zusammenhang, beispielhaft dargestellt durch das Stillleben von Brueghel Jan dem Jüngeren mit dem Titel Still Life with Cup and Vase of Flowers and Box with Jewels (ca. 1620), taucht die wahrhaftigste moralische Essenz des Genres auf, die darauf abzielt, uns Folgendes denken zu lassen bis zu unserem Untergang wird es das Skelett sein, das sich mit unseren Juwelen schön macht und sich für die Ewigkeit dessen erfreuen wird, was wir uns mit den Opfern eines Lebens verdient haben. Nach diesen jüngsten beunruhigenden Enthüllungen erwidert die zeitgenössische Kunst und schlägt leichtere Themen vor, die darauf abzielen, den „Gott“ Geld zu feiern, durch beispiellose Standpunkte, die durch die Arbeit von Artmajeur-Künstlern wie Esteban Vera, Art Vladi und Dominik Rutz gut veranschaulicht werden.

Wo$H, B86516208A , 2022. Malerei, Sprühfarbe / Acryl / Marker / Harz / Collagen auf MDF-Platte, 85 x 85 cm.

Esteban Vera, Money , 2019. Malerei, Acryl / Sprühfarbe auf Leinwand, 90 x 110 cm.

Esteban Vera: Geld

Veras Gemälde verewigt, wie vom Künstler selbst erklärt, die Ikone des berühmtesten und meistverkauften Brettspiels aller Zeiten, nämlich Monopoly, verkörpert durch einen schlanken schnauzbärtigen kleinen Mann, der ursprünglich Rich Onkel Pennybags genannt wurde, buchstäblich der reiche Onkel mit der Tüte voller Münzen, nahm schließlich 1999 die Bezeichnung Mr. Monopoly an. Die Gesichtszüge der bekannten Figur, entworfen vom Karikaturisten Dan Foz, wurden von dem berühmten Finanzmagnaten John Pierpont Morgan (1837-1913) inspiriert ähnlich verwendet, um sich hinter einem dicken Schnurrbart zu verbergen, Bartpartien zu seiner Zeit äußerst modisch. Mr. Monopoly ist zusammen mit der großen Berühmtheit, die das Spiel gesammelt hat, im Laufe der Jahre zu einem wahren Star geworden, so sehr, dass Forbes ihn 2006 in seine Liste der 15 reichsten fiktiven Charaktere aller Zeiten aufgenommen hat und ihn damit an die Spitze gesetzt hat von Bruce Wayne, dh dem extrem wohlhabenden Geschäftsmann hinter der Batman-Maske. An diesem Punkt angelangt, stellt sich die Frage: Wie kam die Welt von Monopoly in die Kunst? Gab es vielleicht einen Vorläufer, der die Schaffung des originellen und beispiellosen Werks des Künstlers von Artmajeur begünstigte? Die Antwort ist ja! Der Vorläufer der Verbreitung dieses Monopoly-Kunstthemas ist Alec Monopoly, ein Mann, der im Allgemeinen mit Kopftuch und Hut maskiert, aber streng mit einer Sprühdose bewaffnet ist und mittlerweile zu einem goldenen Kind der zeitgenössischen Straßenkunst geworden ist. Seine Werke, die weltweit zu den begehrtesten gehören, haben jedoch einen „schändlichen“ Ursprung: Der Künstler begann mit der Darstellung von Mr. Monopoly, weil er sich auf dem Höhepunkt der Finanzkrise 2008 eine Rückkehr wünschte Wohlstand an der Wall Street und verbrachte einen Großteil seiner Zeit damit, sich genau dem monetären „Positivismus“ von Monopoly zu widmen. Art Vladi, Geld , 2016. Malerei, Acryl auf Leinwand, 100 x 100 cm.

Art Vladi: Geld

Vladis Gemälde mit dem Titel „Geld“ spielt direkt auf diese Art von Papier „Benzin“ an, das darauf abzielt, die gesamte Bewegung unserer Welt zu befeuern, mit der Melodie von „klimpernden“ Brieftaschenöffnern und -schließern. Innerhalb der figurativen Erzählung erfolgt die Erwähnung des "Gotts" Geld jedoch durch eine einfache Inschrift, die ihren Platz über dem aufgerissenen Maul eines Krokodils findet, umgeben von einem farbigen Hintergrund, der mit anderen "Tags" bedeckt ist. Soll dieser ganze Kontext auf eine gewisse Aggressivität anspielen, die dem Mann innewohnt, der sich für große Geldgeschäfte anbietet? Eine solche Hypothese könnte zuallererst durch das weit aufgerissene Maul des ältesten Cousins des Dinosauriers zusammen mit dem Vorhandensein von Anhängern gerechtfertigt sein, die darauf hinweisen sollen, die beste Version von uns selbst zu erreichen, die zweifellos durch erfolgreiche Einnahmen erreichbar ist. Jedenfalls könnte man den bisher erfassten „Druck“ auch weniger intensiv interpretieren, gerade indem man bedenkt, dass die Krokodile selbst auch im entspannten Zustand den Mund offen halten, um ihre Körperwärme zu stabilisieren. Was die Kunstgeschichte betrifft, ist die Kombination von Krokodil und Geld, insbesondere von Luxusgütern, auf eine "realistischere" Weise in Tyler Shields ikonischem Foto mit dem Titel "Gator", einer Aufnahme, zum Tragen gekommen , das in mehreren Varianten einen Alligator unsterblich macht, der darauf bedacht ist, einer Frau die Handtasche aus der Hand zu reißen, und auf die ganze Zerbrechlichkeit und Prekarität anspielt, in die der Lebensstil der Reichen eingetaucht ist.

Dominik Rutz, Stilbruch #1 Geld , 2022. Malerei, Harz/Lack/Pigmente auf Holz, 70 x 50 cm.

Dominik Rutz: Stilbruch #1 Geld

Rutz' Gemälde verwendet eine nicht identifizierbare Anzahl von Banknoten, die, übereinander gelegt, auf einen solchen Reichtum anzuspielen scheinen, dass der Bildträger äußerst reduziert und unzureichend ist, um sie aufzunehmen. Dieser Angriff wird vom Holz selbst beantwortet, das, indem es sich rot färbt und ein x in seinem unteren rechten Teil beherbergt, gegen die Vorherrschaft des Dollars zu rebellieren scheint und auf ihn als das hinweist, was er wirklich ist: Träger von Kriegen, Blut und Selbstsucht. Nach diesen persönlichen Interpretationen ist es ein Muss, auf etwas Konkreteres zu verweisen, nämlich auf die populären Künstler der Kunstgeschichte, die wie Rutz Geld für ihre künstlerische Untersuchung verwendet haben, wie zum Beispiel Mister E und David LaChapelle. Ersterer ist ein amerikanischer Künstler, der für seine kreative Verwendung von 100-Dollar-Scheinen bekannt ist, die er hofft, von Ikonen des Bösen zu gesünderen Trägern von Ambitionen zu machen. In Bezug auf die eigenen Worte von Herrn E. offenbart er: „Durch meine Arbeit möchte ich die schöne Seite des Geldes zeigen. Geld steht für Freiheit; es sollte die Menschen dazu inspirieren, hart zu arbeiten und alle zu motivieren. Geld kann es den Menschen ermöglichen, das zu haben die Freiheit zu tun, was sie wollen, wohltätig zu sein, ohne Stress zu leben." Apropos LaChapelle: Der amerikanische Fotograf und Videokünstler, der vor allem für seine hyperrealistischen, hochgesättigten und oft kontroversen redaktionellen Porträts von Prominenten bekannt ist, hat sich in seiner Serie „Negative Currencies“ mit dem „Gott“ Geld auseinandergesetzt. Letztere untersucht Dollar, Euro etc. und verwandelt sie in eine Art fotografischen Negativfilm, in dem beide Seiten der Geldscheine gleichzeitig sichtbar sind. Solche Hilfsmittel werden vom Künstler verwendet, um die Menschen zum Nachdenken anzuregen, da seine Banknoten, obwohl sie schön und hell sind, sie daran erinnern sollen, dass Geld der Hauptgrund für Spekulationen in der Welt ist, in der wir leben.