Die Wüste beschrieben von Michael Heizers Land Art

Die Landschaften aus Dünen, kahlen, hoch aufragenden Gipfeln, Felsformationen und glatten Schluchten, die Wüsten auszeichnen, könnten einfach mit den Worten von National Geographic beschrieben werden. Genau genommen identifiziert das bekannte amerikanische Magazin die erwähnte Weite des trockenen Geländes als ein spezifisches Ökosystem, das, obwohl es von seltenen Niederschlägen und extremen Temperaturen geprägt ist, tatsächlich von einer großen Vielfalt an Flora und Fauna belebt wird, deren Besonderheiten und Lebensweisen gut sind sich an die oben erwähnte klimatische "Sterilität" anpassen. Tatsächlich wachsen Pflanzen in der Regel weit auseinander, um möglichst viel Wasser zur Verfügung zu haben, während Tiere der Hitze entkommen, indem sie kühle Baue in den Boden graben, Orte, an denen sie tagsüber ruhen, um in der kühleren Zeit Nahrung beschaffen zu können Nacht. Diese erschöpfende Darstellung rein wissenschaftlicher Natur kann durch eine kunsthistorische Perspektive bereichert werden, die uns die Land Art von Michael Heizer bietet, einem amerikanischen Meister, der Ende der 1960er Jahre New York verließ, um in die Wüsten Kaliforniens zu reisen Nevada, wo er begann, großformatige Werke zu produzieren, die er mit Film- und Fotoausstellungen dokumentierte. Gerade in solch trockenen Kontexten entstanden Werke wie Double Negative (1969–79) und The City (1972–2022), in denen die stilistischen Merkmale Heizers, dessen künstlerische Auseinandersetzung von einer Leidenschaft für antike Zivilisationen geprägt ist, die Rhythmus zwischen positiven und negativen Volumina, Höhensprünge, Maßstabsänderungen, die überwiegende Verwendung natürlicher Materialien und die Wahl von Wüsten- oder sehr dünn besiedelten Wohnstandorten werden deutlich. Apropos Doppelnegativ , dieses Landkunstwerk stellt das erste große Unternehmen des besagten Meisters dar, bestehend aus zwei Gräben, die am östlichen Rand von Mormon Mesa (Overton, Nevada) gegraben wurden. Daher ist eine solche „Skulptur“ das Ergebnis eines reinen Subtraktionsakts, der durch den Einsatz von Sprengstoff und schwerem Gerät erreicht wurde, mit dem Ziel, zwei geometrische Schnitzereien in der Erde zu schaffen, die von den Betrachtern erkundet werden können die Landschaft durch die Betrachtung der Kunst. Infolgedessen wird das Publikum von Double Negative angeregt, die bestehende Beziehung zwischen der Erde und Kreativität zu betrachten, aber auch über den trivialen menschlichen Versuch nachzudenken, der Umwelt seinen Willen aufzuzwingen, da das Landkunstwerk sich ändern oder verschwinden kann zeigt im Laufe der Zeit die ganze Unsicherheit menschlichen Eingreifens. Was The City betrifft, so stellt ein solcher Skulpturenkomplex eines der größten Kunstwerke der Welt dar, das 1970 begonnen und 2022 fertiggestellt wurde und sich in einem riesigen Gebiet des abgelegenen Lincoln County im trockenen Nevada befindet Wüste. Dieses monumentale Werk besteht aus Erdhügeln, Betonpyramiden und Hieroglyphen und zielt darauf ab, eine „ideale“ Stadt zu schaffen, deren Absicht es ist, präkolumbianische und ägyptische Konstruktionen zu „aktualisieren“. Tatsächlich bezieht sich Heizers Kreation ausdrücklich auf das kulturelle Erbe von Luxor (Ägypten), aber auch auf das von Yucatan, einem Ort, an dem sich der Künstler sicherlich von Maya-Bauten und insbesondere vom archäologischen Komplex von Chichen Itza inspirieren ließ. Solche "Quellen" ermöglichten es dem Amerikaner, die große Tradition der Städte der Vergangenheit mit einer moderneren, minimalistischeren und industrialisierteren Sichtweise zu verbinden, die durch die Konzeption von Konstruktionen aus Grundmaterialien wie Ton, Sand und Gestein, wurden mit minimalinvasiven Mitteln geerntet, um einheimische Pflanzen und Tiere ungestört zu lassen, im Einklang mit dem ältesten Zweck der Land Art.

Suren Nersisyan, Saguaro-Kakteen in der Wüste , 2022. Öl auf Leinwand, 76,2 x 61 cm.

Yaël Moon, Venus V , 2017. Acryl auf Leinwand, 100 x 100 cm.

Die Wüste: von Land Art zu Malerei und Skulptur

In der oben erwähnten Erzählung wurde die Aktualität der Wüste aus der Sicht der Land Art erzählt, einer in den 1960er Jahren in den Vereinigten Staaten entstandenen zeitgenössischen Kunstform, die die Grenzen des traditionellen bildnerischen und skulpturalen Mediums aufgab, um dies zu tun Arbeit direkt auf dem Land, Schaffung von Kreationen in monumentalem Format, hergestellt durch die Verwendung natürlicher Materialien und Elemente, mit dem Ziel, ein Werk in der Landschaft und mit der Landschaft zu konstruieren. Dieser Ideologie vorgelagert ist auch ein Grundbegriff: Der Mensch wirkt auf die sich ständig verändernde Landschaft ein, um die ganze Vergänglichkeit seines Handelns zu erkennen und zu demonstrieren. Trotz der Beständigkeit dieser Sichtweisen haben die zeitgenössischen Interpreten der Land Art nach und nach auf immer persönlichere Weise mit der Landschaft interagiert, das heißt, manchmal Materialien verwendet, die an dem Ort, an dem sie tätig waren, nicht vorhanden waren. Jedenfalls werden nicht nur die Werke der vorgenannten Kunstform geschaffen, um einen bestimmten Ort zu zelebrieren; Tatsächlich haben die Gemälde und Skulpturen von Artmajeur-Künstlern auch die Geschichte der Wüste erzählt, wie die Ansichten von Petra Ackermann, Andrey Gorenkov und Artūras Tamašauskas belegen.

Aurelia Steffanetti, Don't touch , 2020. Acryl auf Leinwand, 100 x 80 cm.

Daria Kamishanova, Blühender Kaktus , 2020. Aquarell auf Papier, 30 x 21 cm.

Petra Ackermann, Wüstensturm , 2010. Ölgemälde, 80 x 80 cm.

Petra Ackermann: Wüstensturm

Ackermanns Gemälde führt uns zu einem der bekanntesten Symbole der westlichen Vereinigten Staaten, nämlich Monument Valley (Utah), ein Wüstenplateau fluvialen Ursprungs, gekennzeichnet durch aus Fels und Sand geformte Spitzen, die die Form von rötlichen Türmen haben, soll die ältesten Zeugen von Erosionserscheinungen darstellen. Im gleichen Zustand nahm eine weitere kreative Erzählung Gestalt an, nämlich die von Sun Tunnels von Nancy Holt, die darauf abzielte, die leuchtenden Besonderheiten der Landschaft der Great Basins Desert (Utah) hervorzuheben, einem Ort, der von weiten Tälern geprägt ist, die von parallelen Bergketten begrenzt werden. grundsätzlich in Nord-Süd-Richtung ausgerichtet. Genau in diesem Zusammenhang wollte der amerikanische Künstler vier Betonzylinder platzieren, die in Form eines offenen Kreuzes angeordnet und so ausgerichtet sind, dass sie während der Sommer- und Wintersonnenwende die Sonne am Horizont umrahmen, den Zweck verfolgen, die Erde zu vereinen und der Himmel in einer einzigen Dimension, mit Kunst als Bezugspunkt. Tatsächlich glaubt Holt, dass nur letzteres in der Lage ist, eine stabile Position in einem Ödland einzunehmen, in dem sich selbst der Mensch nicht niederlassen kann, außer für sehr kurze Zeitfragmente.

Andrey Gorenkov, Nashorn voller Wolken , 2020. Öl auf Leinwand, 50 x 70 cm.

Andrey Gorenkov: Ein Nashorn voller Wolken

Der poetische Titel von Gorenkovs Werk ist eine perfekte Einführung in die surreale Welt des Künstlers, in der sich in einer Wüstenlandschaft, die der des oben erwähnten Monument Valley ähnelt, ein optisches Phänomen abspielt, das der Maler als eine starke Fata Morgana rechtfertigt, die durch die Hitze verursacht wird Wüstenluft. Tatsächlich zeichnet sich das Gemälde durch die „leichte und transparente“ Vision eines Nashorns aus, eines Tieres, dessen Körper einen Blick auf einige Berge gewährt, einen Teil einer Landschaft, die der „Haupt“-Landschaft des Werks ähnelt. In der Kunstgeschichte hat sich eine wichtige surreale Geschichte in einer Wüstenlandschaft abgespielt; Tatsächlich bewegen sich in Salvador Dalis The Elephants (1948) zwei Tiere mit sehr langen und dünnen Beinen von den Seiten des Gemäldes in Richtung Mitte und bewegen sich in einem extrem trockenen und sehr dünn besiedelten Wohnumfeld, in dem wir nur zwei Menschen finden Gestalten, die aufeinander zuzugehen scheinen. Gerade die erwähnten Elefanten mit Obelisken auf dem Rücken erweisen sich als wiederkehrendes Thema im Werk des Spaniers, das sich auch in anderen Meisterwerken wiederfindet, wie zum Beispiel Dream Caused by the Flight of a Bee (1944) und The Temptation of St. Antonius (1946). Schließlich spielen die körperlichen Besonderheiten solcher Säugetiere auf den Kontrast zwischen Robustheit und Zerbrechlichkeit an, während die Obelisken eine klare Referenz von Dali an das Werk des italienischen Meisters Gian Lorenzo Bernini zu sein scheinen.

Artūras Tamašauskas, Cactus , 2018. Skulptur aus Metall und Aluminium, 40 x 30 x 22 cm / 2,50 kg.

Artūras Tamašauskas: Kaktus

Die typische Wüstenvegetation besteht aus xerophilen Pflanzen, Lebensformen, die eine trockene Umgebung bevorzugen, weil ihre Blätter ohne Chlorophyll lange Dürreperioden überstehen und bei Feuchtigkeit Wasser speichern können. Sukkulenten wie der Kaktus, das unbestrittene Symbol der Wüstenflora, sind in der Lage, große Mengen Wasser im Stängel oder in den unterirdischen Organen zu speichern und übermäßige Transpiration in hartem, undurchlässigem Gewebe zu eliminieren. Diese Besonderheiten, zusammen mit der eigentümlichen und sympathischen Ästhetik der besagten Pflanze, haben den Kaktus zu einem äußerst beliebten Thema gemacht, sowohl in der Mode als auch in Kunst und Design, wo er als Anspielung auf äußerst tiefgreifende Werte angesehen wird, die sich hauptsächlich auf seine Fähigkeiten konzentrieren sich anzupassen, eine Tugend, die bei feindlichen Situationen notwendig ist, wie z. B. widrigen Bedingungen, unter denen eine solche Pflanze gedeihen kann. Die Arbeit des Artmajeur-Künstlers, die wahrscheinlich von den oben genannten Bedeutungen inspiriert ist, erinnert an den ikonischen Cactus von Franco Mello und Guido Drocco, ein 1972 für Gufram hergestelltes Designobjekt, das, obwohl es als Kleiderbügel konzipiert wurde, ein "Totem" darstellt gleichzeitig eine "Skulptur". Ein solcher Kaktus, wie der von Artmajeur, präsentiert sich als ironisches, neugieriges, verspieltes und respektloses Objekt mit einer ziemlich entwickelten emotionalen und kommunikativen Funktionalität.