Name: ARTMAJEUR
Brand: ARTMAJEUR
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Den Körper in seinen Fragmenten erforschen Der mit Fleischfarbe getränkte Pinsel oder die „kältere“ Kamera werden eingesetzt, um den Körper in seinen Fragmenten zu erforschen. Die Menschheit wird dekonstruiert und bevorzugt die Hervorhebung von Details gegenüber der eher klassischen Gesamtansicht, die in den berühmtesten Akten der Kunstgeschichte ausführlich veranschaulicht wird. Wenn man nun die gesamte Körpersprache aufgibt, wird es möglich sein, zu verstehen, wie auch nur ein einzelner Fuß, eine einzelne Hand oder ein einzelnes Bein kommunizieren kann, sodass wir die Art der Situation verstehen, in der sich die dargestellte Person fühlt und in der sie sich befindet. Dann beginnen wir zu zeigen Werke, die lediglich Füße, Beine und Hände darstellen und dann erst am Ende der Geschichte zum beredtesten Gesicht gelangen. Letzteres ist, bereichert durch die Ausdruckskraft der Augen, in der Lage, uns tiefer in das Innere des Dargestellten zu führen, einen Ort, der weiter von der äußeren Dimension entfernt ist, auf die seine Gliedmaßen auf oberflächlichere Weise verweisen.

Füße

FEET IN THE SUN (2021)Foto von Jean Ponomarevsky

MEMORIES OF PEACETIME (2023)Foto von Oleksandra Padushyna

Jean Ponomarevsky und Oleksandra Padushyna

Die Geschichte der Fragmente des menschlichen Körpers beginnt mit den Füßen von Jean Ponomarevsky und Oleksandra Padushyna, ersterer Fotografin, letztere Malerin. Warum wollte ich ihre Werke visuell nebeneinander anordnen, ohne Textunterbrechung? Ich wollte ihre Ähnlichkeiten noch deutlicher machen und Ihnen auch die Möglichkeit geben, den Blick zu richten und schnell von einem zum anderen zu wechseln. Dann wird deutlich, dass die beiden Werke einen ähnlichen Rahmen aufweisen, der darauf abzielt, uns vorzustellen, dass es dieselbe Person war, die ihre unteren Gliedmaßen verewigt hat. Dennoch gibt es auch wesentliche Unterschiede zwischen den beiden Werken: Ist der Blickwinkel des Fotografen hoch, so als ob die Aufnahme mit hochgelegten Beinen des Models auf einem Bett gemacht worden wäre, zielt der Blickwinkel des Malers direkt auf den Boden, genauer gesagt, zum Meerwasser. Darüber hinaus unterscheidet sich auch der Einsatz von Licht, so dass das Licht im Foto durch ein Fenster gefiltert zu sein scheint und es ausschließlich im zentralen Bereich der Aufnahme, also auf den Füßen und dem Hintergrund, konzentriert. In Oleksandra Padushynas Interpretation erscheint die Meeresumwelt jedoch stets wie von der Sonne geküsst. Dies alles führt zu kohärenten Dialogen, bei denen ein Innenraum eher für eine intime Atmosphäre geeignet ist, während der Außenbereich weniger geschützt erscheint. Abschließend noch zu den beiden Artmajeur-Künstlern: Ivan Ponomarevsky, ein 1974 in Georgien geborener Fotograf, nahm mit acht Jahren erstmals eine Kamera in die Hand, während die Aquarellistin Oleksandra Padushyna in Deutschland lebt und gerne im Freien malt und dabei vor allem das Wasser von Flüssen einfängt , Meere und Seen. Kommen wir zu den Beinen!

Beine

BALLETTBEINE (2020)Fotografie von Mariia Kulchytska

RED BEG (2024)Foto von Saint.E

Mariia Kulchytska & Saint.E

Ich öffne eine kurze Klammer, um zu verdeutlichen, wie wichtig innerhalb dieser Erzählung auch die Anordnung der Bilder ist, und für die Beine dachte ich, wie im Fall der Füße, daran, zwei Werke gegenüberzustellen, ohne sie durch eine Beschreibung aufzuschlüsseln. Meine Wahl ist auf die Tatsache zurückzuführen, dass ich mir die schnelle Abfolge der Werke von Mariia Kulchytska und Saint.E vorgestellt und darüber nachgedacht habe, wie dadurch eine Illusion von Bewegung entsteht. Tatsächlich wird es so sein, als würde man sich das gleiche Modell vorstellen, das zu Beginn seine Beine eng zusammenhält und sich dann dazu entschließt, sie zu bewegen und auseinanderzuspreizen, um so einen neuen visuellen Kontext zu schaffen. Beginnen wir nun mit der Beschreibung der ersten Aufnahme, die darauf abzielt, die hängenden Beine einer Ballerina, die ihre Gliedmaßen nahe beieinander hält, zeitlich einzufrieren, um sie im Zentrum des fotografischen Mediums zu positionieren, wo der Brennpunkt des Interesses liegt Die Aufnahme konzentriert sich und strahlt die ganze Disziplin aus, die dem klassischen Tanz innewohnt. Auf der anderen Seite steht Saint.E mit seiner größeren Übertretung und Wagemut, die in den Zügen eines roten Mannes Gestalt annimmt, der neben den gespreizten Beinen an den beiden Enden des Werkes auch den verführerischen Hintern eines Mannes zeigt Model in High Heels. Der Vergleich zwischen den beiden Künstlern offenbart somit zwei unterschiedliche Herangehensweisen an die Kunst, die darauf abzielen, unterschiedliche Persönlichkeiten auszudrücken: der eine konservativer, ausgewogener und klassischer, der andere respektloser und provokativer. Jetzt kommen wir tatsächlich dazu, etwas mehr über die beiden Fotografen zu erzählen: Maria Kulchitskaya ist eine professionelle Ballettfotografin mit kunsthistorischem Hintergrund, Saint.E hingegen ist eine Fotografin, die sich leidenschaftlich für Porträts und künstlerische Akte interessiert und sich weiterentwickelt hat ein besonderes Interesse an der Erforschung des körperlichen Ausdrucks und der menschlichen Schönheit. Wir sind an der Wende angelangt und da die ausgewählten Werke keine besondere Verwandtschaft aufweisen, werden sie einzeln untersucht, was sich wiederholen wird, wenn ich zu den Gesichtern komme.

Hände

HAND (2021)Fotografie von Ivan Cordoba

Beginnen wir mit der Hand von Ivan Cordoba und versuchen wir, sie gemeinsam zu interpretieren, wobei wir uns mit einer gesunden Portion Vorstellungskraft ausstatten. Auf den ersten Blick erinnert es mich an die Geste eines Menschen, der, bevor er in den Abgrund stürzt, einen letzten Kontakt mit der irdischen Welt sucht. Es könnte aber auch das Ende einer herzlichen theatralischen Geste sein oder die Choreographie eines Tänzers in Bewegung. Sicherlich möchte das „Fragment“ des Dargestellten unsere Aufmerksamkeit erregen, aber warum? Was will uns diese Hand sagen? Ich kann die Bedeutung dieser Geste mit größerer Sicherheit verstehen, wenn ich mich auf die Worte beziehe, die der Künstler ihr gewidmet hat: „Diese Fotografie verkörpert die Essenz von Schönheit und Anmut mit bemerkenswerter Zartheit. Im Kern erzählt dieses Bild eine Geschichte von erlesener Einfachheit.“ , wo eine Hand, zart und göttlich, im Mittelpunkt der Erzählung steht. Der Kontrast zwischen der Klarheit des Hintergrunds und den Schatten, die das Hauptmotiv wirft, macht alles noch klarer und deutlicher und soll es in seinen Formen und seiner Botschaft modellieren und zerlegen. Tatsächlich „spiegelt jede Kurve und Kontur des Glieds unzählige Geschichten wider, die im Laufe der Jahrhunderte geflüstert wurden.“ Die langen und schlanken Finger ragen in den Rahmen hinein und ähneln den ätherischen Zweigen eines zarten Baums. Ihre Eleganz fordert die schönsten Kreationen von heraus Natur." Es scheint nun zu verstehen, dass diese Vision geboren wurde, um die Natur des Mannes, seine Form, seine Schönheit, seine lange Geschichte durch die ästhetische Synekdoche der gewundenen Formen einer Frauenhand zu betrachten. Diese Absicht wird vollkommen erreicht, wenn wir innehalten, um das Thema mit Bewunderung zu betrachten, gefangen im Verständnis dessen, was nicht zu sehen ist, und gleichzeitig verloren in dem, was wir sehen: ein Fragment der gesamten Menschheit.

HANDS (2023) Gemälde von Diana Knepper

Ich diskutiere weiter mit den Händen und befürworte nun einen Vergleich, da in Diana Kneppers Expressionismus nicht mehr nach ästhetischer Befriedigung gesucht wird, sondern nach einer expliziten und aufschlussreichen Anspielung auf eine bestimmte Bewegung der Seele. In diesem Zusammenhang fallen mir die daraus resultierenden Anzeichen von Zittern ein. Ich stelle mir vor, dass die abgebildete Person eine der vielen Prüfungen des Lebens durchgemacht hat und danach starken Stress erlebt hat. Ich wage mir vorzustellen, wie sie zusehen, wie ihre großen rosafarbenen Hände schwitzen und sich zwanghaft bewegen, während sie versuchen, sie mit ihren Gedanken aufzuhalten. Gleichzeitig denken sie möglicherweise auch einfach darüber nach und denken zwanghaft an das zurück, was sie gerade erlebt haben. Wenn wir nun über die Künstlerin sprechen, erkennt Diana in der Malerei tatsächlich ein Mittel zur Selbstfindung, das darauf abzielt, sie von einer oberflächlichen Sicht auf die Existenz zu distanzieren. Auf dieser Reise wurde sie vom Beispiel großer Meister unterstützt und tauchte in die Welt von Van Gogh, Monet, Sorolla, Picasso und Modigliani ein, Vorbilder, die ihr Werk in der Mitte zwischen der Emotionalität des Postimpressionismus oder Expressionismus und den Pinselstrichen positionieren des Impressionismus.

Begegnungen

EVOLUTION #2 (2013) Fotografie von Pietro Cenini

Auf Artmajeur habe ich nach Werken gesucht, bei denen alles, was ich bisher beschrieben habe, zusammentreffen könnte. Als Reaktion darauf fand ich zwei Werke, ein Foto und eine Zeichnung, in denen Füße, Hände und Beine gleichzeitig verewigt sind. Beginnend mit Ceninis Aufnahme sehen wir eine „Ansammlung“ von Beinen, Händen und Füßen, die auf die Pose des Models zurückzuführen ist, die, wie der Fotograf selbst verrät, von der vierbeinigen Haltung inspiriert wurde, die der Mensch während seiner Zeit einnahm Evolution. All dies, schwarz auf weiß erzählt, führt uns noch weiter in die Vergangenheit zurück und lässt uns in ursprüngliche Instinkte sowie animalische Gesten und Schreie eintauchen. Für Cenini, den in den USA ausgebildeten italienischen Fotografen, sieht er Kunst als ein Mittel, um Innerlichkeit sowie Emotionen und Stimmungen einzufangen, die oft dem Blick verborgen bleiben. Sein Ziel ist es, all dies sichtbar zu machen und dabei auch auf alternative Wahrnehmungen dessen hinzuweisen, was allgemein offensichtlich erscheint. Wenn wir uns seine Werke ansehen, können wir uns daher vorstellen, sie mit Geräuschen und Gerüchen zu ergänzen, um alles noch authentischer, fast realer zu machen. Aus technischer Sicht kombiniert der Künstler neben der Tatsache, dass der Postproduktionsprozess für ihn aufwändig ist, häufig mehrere Aufnahmen, ein Merkmal, das im Endergebnis jedoch selten sichtbar ist.

HANDS-4 Zeichnung von Katerina Evgenieva

Nun verlagert sich der Fokus vom Vierbeiner hin zur Evolution, da Evgenievas Zeichnung einfach ein Modell unserer Zeit darzustellen scheint, das gebeugt erscheint, um ihre Knöchel zu umarmen. Diese, wahrscheinlich schüchtern und verlegen durch den Kontakt, scheinen sich leicht nach links zu neigen, gefolgt von der Liebkosung geschmeidiger und schlanker Hände, die sie sanft einfangen. Die durch die oben erwähnte Begegnung erzeugte, recht erotische Serpentinenlinie stellt das Hauptmotiv des Werks dar und zielt darauf ab, in die Mitte des Mediums gestellt zu werden. Diese sinnliche Szene wird nicht nur vom Betrachter wahrgenommen, sondern auch von den vom Kontakt ausgeschlossenen Armen, Beinen und Knien sowie den Zehenspitzen. Schließlich wird deutlich, wie Katerina Evgenieva, eine 1977 geborene bulgarische Malerin, eine scheinbar alltägliche Szene, etwa das Berühren von Körperteilen, in eine erotische und krummlinige Komposition verwandelt hat, die vielleicht darauf abzielt, den Kult der Selbstliebe zu wecken.

Gesicht

GOLDEN MEAN #9 (2022) Gemälde von Jonathan Mcafee

Wir sind in diesem Fall beim Gesicht eines blonden Mädchens angelangt, das die Haare hinter den Ohren trägt und in der Mitte teilt, dargestellt, während es uns ohne zu zögern direkt in die Augen blickt. Sie ist selbstbewusst, aber vielleicht ist ihr nicht aufgefallen, dass sie etwas Farbe im Gesicht hat. Spaß beiseite: Es sind genau diese Farbkleckse, die oft auf den Gesichtern der Dargestellten angeordnet sind und die Werke von Jonathan Mcafee einzigartig machen. Aber hören wir uns an, was der Künstler dazu zu sagen hat: „Golden Mean #9“ ist Teil meiner fortlaufenden Erforschung der Farbe, während ich mit der Schichtung meiner Pinselführung experimentiere und verschiedene Elemente und Malstile kombiniere. Mit diesem Ansatz erstelle ich mein ausdrucksstarkes Porträt Gemälde und dann mit einfachen Kratzern und Linien darüber zeichnen. Darüber hinaus zeichnet sich der Amerikaner Jonathan McAfee durch seinen unaufhaltsamen Willen aus, die menschliche Form und sein Ausdruckspotenzial zu erforschen, um die psychologischen Aspekte der Subjekte offenzulegen, die sich nicht nur in ihren physischen Eigenschaften widerspiegeln, sondern auch in den Konzepten von Identität, Erinnerung, und Emotion. Um all dies zu erreichen, sucht er ständig nach der Interaktion zwischen Farbe und Leinwand sowie nach der Wiedergabe von Bewegung und Energie durch den Einsatz manchmal dicker und gestischer Pinselstriche.

SILBERRINGE ÖLGEMÄLDE (2024) Gemälde von Varvara Maximova

Wenn wir das Gemälde von Varvara Maximova betrachten, fallen uns als Erstes die weichen und sinnlichen, leicht geöffneten Lippen auf. Gleich danach geht es weiter mit der Betrachtung des intensiven Blicks. Schließlich bemerken wir auch einige Finger, die silberne Ringe tragen. Was haben diese beiden Körperteile gemeinsam? Die Farbe! Tatsächlich fällt der Blick bei „unvollendeten“ Werken meist zunächst auf die „fertigen“ Teile. Aber was versteht man unter „Gemälde, die nicht fertig sind, aber dazu bestimmt sind“? Dieses Konzept bezieht sich auf Kunstwerke, bei denen der Künstler sich dafür entschieden hat, das Stück absichtlich unvollendet zu lassen, es aber vom Betrachter dennoch als vollständig oder abgeschlossen interpretiert werden soll. Dies kann aus verschiedenen künstlerischen Gründen geschehen, etwa um ein Gefühl des Mysteriums zu erzeugen, den Betrachter einzuladen, sich an der Interpretation des Werks zu beteiligen, oder um ein Gefühl von Bewegung oder Übergang auszudrücken. Dieser Ansatz kann dem Kunstwerk konzeptionelle und emotionale Tiefe verleihen und der Fantasie des Betrachters Raum lassen, das Bild entsprechend seiner Interpretation zu vervollständigen. Was nun Varvara Maximova betrifft, so widmet sich die zeitgenössische Künstlerin ausschließlich dem Genre der Porträtmalerei, mit der sie verschiedene Arten von Frauen würdigt und mehrere Modelle der Weiblichkeit fördert.