Ein Haus mit kahlen Wänden, ein charakterloser Schreibtisch, ein kaltes Bücherregal und ein Garten ohne Persönlichkeit, anonym. Dies ist das Ausgangsszenario unseres Protagonisten, der plötzlich ein fast existentielles Gefühl der Leere verspürt. Diese Lücke ist nicht nur physisch, sondern auch symbolisch: das Fehlen von Objekten, die von ihm sprechen, die seine Geschichte, seinen Geschmack, seinen Stil erzählen. Die Räume sind zwar funktional, spiegeln aber nicht wider, wer er wirklich ist. In diesem Moment entsteht der Wunsch, sie zu füllen, ihnen durch skulpturale Arbeiten eine Seele einzuhauchen, die nicht nur die Umgebung bereichern, sondern auch anderen seine Identität vermitteln.
Der Protagonist, Herr Giuseppe, ist von dem Wunsch getrieben, seinem Zuhause Bedeutung und Identität zu verleihen. Er beginnt, Bücher über das Sammeln zu lesen und die berühmtesten Beispiele von in Alltagsräume integrierter Kunst zu studieren. Er entdeckt, dass Peggy Guggenheim, die visionäre Sammlerin des 20. Jahrhunderts, den Garten ihrer venezianischen Residenz in eine Freiluftgalerie verwandelte, in der bildhauerische Meisterwerke wie Marino Marinis Angelo della città ausgestellt sind. Ebenso beeindruckt ihn die Beschreibung der Bibliothek des Sammlers Jacques Doucet, der modernistische Kunstwerke wie die Skulpturen von Brancusi zu seinen seltenen literarischen Ausgaben zählte.
Inspiriert von diesen erhabenen Geschichten beschließt er, in ihre Fußstapfen zu treten. Tag und Nacht widmet er sich der Vorstellung, Auswahl und Anordnung von Skulpturen und sucht nach der perfekten Platzierung für jeden Raum in seinem Haus. Der Garten füllt sich mit Figuren, die mit der Natur kommunizieren, kleine Skulpturen erscheinen auf dem Schreibtisch, um kreatives Denken anzuregen, die Bücherregale beginnen mit künstlerischen Objekten, die die Monotonie durchbrechen, seine Persönlichkeit zu erzählen, und an den Wänden tauchen Reliefs und Wandgemälde als Protagonisten der Umgebung auf.
So beginnt eine Reise voller Versuch und Irrtum, bei der er die Werke jeden Tag neu anordnet und mit Kombinationen und Atmosphären experimentiert, bis er eine perfekte Harmonie erreicht. Erst dann, wenn er zufrieden ist, beschließt er, seine Geheimnisse mit uns zu teilen.
Kunst im Freien: Skulpturen, die Gärten in Galerien verwandeln
Apollo Belvedere (Onyx) (2018) Skulptur von Denis Defrancesco
- "Apollo Belvedere (Onyx)" von Denis Defrancesco
Diese Skulptur interpretiert den berühmten Apollo von Belvedere in einem zeitgenössischen Stil neu, mit einer Mähne aus roten Spiralröhren, die die klassische Form der weißen Onyxbüste herausfordern. Der Sockel aus Plexiglas und Edelstahl verstärkt den Kontrast zwischen Antike und Moderne und verleiht ihm einen respektlosen Pop-Touch.
Stellen Sie es sich im Zentrum eines futuristischen, geometrischen Gartens mit geformten Blumenbeeten, minimalistischen Pflanzen und reflektierenden Springbrunnen vor. Es ist perfekt für eine Umgebung, die die Verschmelzung von Klassizismus und zeitgenössischem Stil feiert, ähnlich wie die Gärten der Villa Adriana, die von einem modernen Architekten neu gestaltet wurden.
Giuseppe, der oben erwähnte „Protagonist“, erzählte mir, dass er von den Gärten der Fondation Maeght inspiriert wurde, einem Ort, an dem die Werke von Miró und Giacometti mit der umgebenden Natur verschmelzen und so ein einzigartiges Gleichgewicht zwischen Tradition und Moderne schaffen.
Cabrade (2023) Skulptur von Romain Tran-Thi-Bip
- „Cabrade“ von Romain Tran-Thi-Bip
Diese Skulptur stellt ein geometrisches und dynamisches Pferd dar und besteht aus thermolackiertem Metall. Die scharfen Linien und die schimmernde Oberfläche lassen es zu einem Statement von Stärke und Bewegung werden und eignen sich perfekt, um in einem großen Raum die Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen.
Ich stelle es mir in einem großen, rustikalen und doch eleganten Garten vor, umgeben von sanften Rasenflächen und majestätischen Bäumen. Eine Installation, die an Reiterstatuen der Renaissance erinnert, jedoch mit einem ultramodernen Touch, und perfekt mit der umgebenden Natur interagiert.
Giuseppes Vorschläge sind von den Gärten von Chatsworth House inspiriert, wo zeitgenössische Werke neben der klassischen Landschaft koexistieren, wie etwa Barry Flanagans berühmter galoppierender Hase.
Alexander der Große 24 Karat Gold (2024) Skulptur von Antoni Dragan
- „Alexander der Große 24k Gold“ von Antoni Dragan
Eine Büste Alexanders des Großen, die mit goldenen Details glänzt und bei unterschiedlichen Lichtverhältnissen ihr Aussehen verändert. Die Kombination aus historischen Elementen und moderner Technologie macht diese Skulptur zu einer Hommage an die griechische Epik mit einem Hauch von Theatralik.
Perfekt für einen mediterranen Garten voller Olivenbäume, Zypressen und Trockensteinmauern. Seine Helligkeit und sein Bezug zum antiken Griechenland verschmelzen mit der warmen, historischen Atmosphäre der Landschaft und erzeugen eine Aura zeitloser Mythologie.
Der „Protagonist“ wurde von den berühmten Gärten der Getty Villa in Malibu inspiriert, wo klassische Statuen und Büsten in einen modernen Kontext eingebettet sind und dabei der historische Charme bewahrt bleibt.
Kunstwerke für Wände: Wenn die Wand eine Geschichte erzählt
Emerald (2017) Skulptur von Julee Latimer
- „Emerald“ von Julee Latimer
Diese Wandskulptur mit ihren Glas- und Spiegelmosaiken in Smaragdgrün- und Violetttönen erinnert an die Eleganz der abstrakten Natur, die von menschlicher Kreativität bestimmt wird. Das Werk zelebriert das Konzept der Vergänglichkeit und findet Schönheit in einer einfachen Handlung, wie dem Zerknüllen eines leuchtenden Blattes und dem anschließenden Einfrieren in eine ewige Form.
Giuseppe, dessen Leidenschaft für Kunstgeschichte und Design bekannt ist, bemerkt: „Emerald erinnert mich an die Arbeiten von Antoni Gaudí, insbesondere an die Mosaike im Parc Güell, wo jede Fliese mit der Umgebung interagiert. Latimer macht etwas Ähnliches, aber in einem intimeren Maßstab: Diese Skulptur ist perfekt für einen hellen Raum oder eine Heimgalerie, wo das Licht mit den Oberflächen spielen und neue Reflexionen zum Leben erwecken kann. Ein Stück, das jede Wand in ein Sinneserlebnis verwandelt.“
Running Out - Gold (2022) Skulptur von Santicri
- „Running Out – Gold“ von Santicri
Ein Wasserhahn, aus dem Gold tropft: Diese Skulptur ist nicht nur ein Kunstwerk, sondern auch eine Reflexion über zeitgenössische Themen wie übermäßigen Konsum und die Kostbarkeit natürlicher Ressourcen. Der goldene Tropfen mit seiner glänzenden und schwebenden Form ist sowohl ein Symbol für Luxus als auch eine Warnung vor der Zerbrechlichkeit unseres Planeten.
Giuseppe bemerkt nun mit nachdenklichem Gesichtsausdruck ernsthaft: „Es gibt einen starken Bezug zu Duchamps konzeptueller Provokation, insbesondere zu seinem ‚Brunnen‘. Aber hier geht Santicri noch weiter: Er entzieht einem Alltagsgegenstand nicht nur den Kontext, sondern erhebt ihn zu einem zeitgenössischen Symbol. Dieses Werk würde sich ideal in einem minimalistischen Raum wie einer großen Küche oder einer rohen Betonwand machen, wo der Kontrast zwischen der Ironie des Gegenstands und seiner kostbaren Ästhetik voll zur Geltung kommen kann.“
Incrustration sentimentale 3 (1998) Skulptur von Ielizaveta Portnova
- „Incrustation sentimentale 3“ von Ielizaveta Portnova
Die organischen, geschichteten Formen dieser Keramik-Wandskulptur erinnern an uralte Fossilien oder von der Zeit erodierte Felsen. Mit ihrer einzigartigen Sprache gelingt es Portnova, imaginäre Archäologie und die natürliche Welt miteinander zu verschmelzen, was den Betrachter dazu veranlasst, die Grenze zwischen dem Künstlichen und dem Organischen zu hinterfragen.
Der „Protagonist“ mit seiner Liebe zu historischer Keramik meint: „Diese Skulptur trägt die Aura der Kreationen von Lucio Fontana in sich, der Keramik als unkonventionelles Medium für zeitgenössische Kunst erkundete. Portnova fügt jedoch eine narrative Dimension hinzu: Jede Schicht scheint eine Geschichte zu erzählen, ähnlich wie geologische Schichten. Dieses Stück würde seinen idealen Platz in einer Bibliothek oder einem Arbeitszimmer finden, wo es mit den strengen Linien der Regale interagieren und einen Hauch sanfter Unvorhersehbarkeit hinzufügen könnte.“
Schreibtischskulpturen: Symbole für Kreativität, Stärke und Harmonie
Going beyond (2020) Skulptur von Dmitriy Shevchuk
- „Going Beyond“ von Dmitriy Shevchuk
Diese Bronzeskulptur zeigt einen nach vorne gebeugten Mann, der fast in geometrischen Rahmen gefangen ist, aber dennoch entschlossen ist, sich von den auferlegten Grenzen zu befreien. Shevchuk nutzt Ironie, um ein tiefgründiges Konzept zu untersuchen: das menschliche Bedürfnis, seinen Horizont zu erweitern und Konventionen zu überwinden. Jedes Detail der Statuette ruft eine Bewegung nach außen hervor und lädt zum Nachdenken ein.
Giuseppe bemerkt: „Dieses Werk erinnert an die Ästhetik des italienischen Futurismus, insbesondere an die Idee der kontinuierlichen Bewegung und der Zerlegung des Raums, die typisch für Künstler wie Umberto Boccioni ist. Auf einem Schreibtisch wird diese Skulptur zu einer perfekten Metapher für diejenigen, die ständig versuchen, ihre eigenen Grenzen zu überschreiten, und symbolisiert intellektuelle und kreative Dynamik.“ Giuseppe fügt hinzu, dass in Arbeitszimmern der Renaissance oft kleine Bronzen ausgewählt wurden, um das Denken anzuregen und ideale Tugenden darzustellen, wodurch der Arbeitsplatz in einen Ort der Inspiration und Reflexion verwandelt wurde.
Der neue mächtige Austausch (2015) Skulptur von Lorenzo Ghiglieri
- „Der neue mächtige Austausch“ von Lorenzo Ghiglieri
Diese Bronzeskulptur stellt einen Bären und einen Stier dar, ikonische Symbole des Finanzmarkts. Ghiglieri fängt die Spannung und Bewegung eines ewigen Kampfes ein und erhebt diese beiden Tiere zu universellen Metaphern für Stärke und Widerstandskraft. Der Holzsockel verleiht einen Hauch klassischer Eleganz und gleicht die rohe Kraft der Figuren aus.
Giuseppe fügt über das Stück nachdenklich hinzu: „Diese Skulptur ist nicht nur eine Hommage an den Markt, sondern auch an die Dualität, die jeden Aspekt unseres Lebens bestimmt. Sie erinnert mich an die Tierikonographie in mittelalterlichen Manuskripten, in denen jedes Tier Tugenden oder Laster symbolisierte. Sie auf einem Schreibtisch in einem modernen Arbeitszimmer zu platzieren, würde bedeuten, sich der täglichen Herausforderung zu stellen, Stärke und Vorsicht auszubalancieren.“
Flow (2024) Skulptur von Aleksey Wroblewski
- „Flow“ von Aleksey Wroblewski
Inspiriert von der Yoga-Praxis stellt diese Skulptur aus Harz und Bronze einen menschlichen Körper in einem Zustand vollkommener Balance und Konzentration dar. Die schlanke und längliche Figur scheint fast zu schweben und fängt den mentalen Zustand des inneren Friedens ein, der mit der Meditation einhergeht.
Giuseppe: „‚Flow‘ erinnert an die klassischen Skulpturen des antiken Griechenlands, die den menschlichen Körper als Symbol für Harmonie und Vollkommenheit idealisierten. In diesem Fall verlagert Wroblewski den Fokus jedoch von der körperlichen Vollkommenheit auf den Geist und fügt eine moderne Sensibilität hinzu, die es ideal für einen Schreibtisch macht, an dem man Inspiration und Gelassenheit sucht. Es ist ein Stück, das zu einer kontemplativen Pause einlädt.“ Giuseppe erinnert daran, dass in Wunderkammern der Renaissance Darstellungen des menschlichen Körpers oft als Metaphern für das Universum verwendet wurden, und diese Skulptur könnte perfekt in diese Tradition passen.
Kunst und Bücherregale: Skulpturen, die Ihren Lesebereich aufwerten
Praying HANDS (2017) Skulptur von Meryem Doğan
- „Betende Hände“ von Meryem Doğan
Diese bronzene Reproduktion von Albrecht Dürers berühmten „Betenden Händen“ fängt die spirituelle Tiefe des Originals ein, das als Hommage an Hingabe und menschliche Anstrengung konzipiert wurde. Doğan fordert uns mit ihrer zeitgenössischen Sensibilität auf, den weltlichen Glauben an die unzähligen Ressourcen des Lebens niemals aufzugeben, und betont die menschliche Fähigkeit, selbst in den schwierigsten Zeiten Sinn und Kraft zu finden.
Giuseppe meint: „Diese Skulptur ist nicht nur eine Würdigung von Dürers Religiosität, sondern auch eine Erinnerung an die Idee des Gebets als universelle Geste der Verbundenheit. In einem Bücherregal können die gefalteten Hände zu einem Symbol der Reflexion und Selbstbesinnung werden und in einen Dialog mit den umgebenden Büchern treten. Es ist interessant festzustellen, dass Dürers Originalzeichnung, bekannt als Betende Hände oder Studie der Hände eines Apostels , ursprünglich eine Vorbereitung für die Mitteltafel des Heller-Altars war, ein Werk, das leider 1729 durch einen Brand zerstört wurde. Dürer schuf diese Studie auf kostbarem handgeschöpftem blauem Papier, wahrscheinlich als Erinnerung an seine Erlebnisse in Italien, und nahm sie mit nach Nürnberg.“
Golden Beauty David (2024) Skulptur von Dervis Yusuf Akdemir
- „Golden Beauty David“ von Dervis Yusuf Akdemir
Diese zeitgenössische Büste von Michelangelos David verbindet klassischen Charme mit goldenen Details, die ihre Modernität betonen. Die Skulptur mit ihrem mattschwarzen Finish und den goldenen Rissen steht für eine kühne und anspruchsvolle Ästhetik, ideal für alle, die einen Blickfang für ihr Bücherregal suchen.
Giuseppe fügt hinzu: „Akdemirs David interpretiert Michelangelos Werk nicht nur visuell neu, sondern bereichert es auch konzeptionell, indem er an japanisches Kintsugi erinnert, bei dem Brüche zu einem integralen Bestandteil der Schönheit des Objekts werden. Diese Skulptur, in einem Bücherregal platziert, kann den Wert von Wissen symbolisieren, das oft aus Unvollkommenheiten und überwundenen Herausforderungen entsteht.“
Giuseppe fährt mit einer tieferen Betrachtung fort: „Michelangelos David war von Anfang an eine außerordentliche Leistung. Der massive Marmorblock, der bereits von anderen Künstlern wegen seiner schlechten Qualität und Zerbrechlichkeit abgelehnt wurde, stellte eine beispiellose technische Herausforderung dar. Mit Kühnheit und Genialität verwandelte Michelangelo diese Unvollkommenheiten in ein Meisterwerk. Er arbeitete unter fast asketischen Bedingungen und zäunte den Arbeitsbereich ein, um den kreativen Prozess privat zu halten. Jedes Detail des David drückt Stärke und Anmut aus und er wurde nicht nur als religiöses, sondern auch als politisches Symbol konzipiert: eine Allegorie einer guten republikanischen Regierung, die über Widrigkeiten triumphiert.“
Venus Panthère Rose Nr. 1 (2024) Skulptur von Nicolas Poirier
- „Venus Panthère Rose Nr. 1“ von Nicolas Poirier
Mit Fragmenten alter Zeitungen und einem Hauch von Rot verbindet diese Skulptur Nostalgie mit Sozialkritik. Poirier schafft eine Büste, die an Werke aus der Antike erinnert, jedoch mit einem zeitgenössischen Twist: Das Chaos moderner Informationen materialisiert sich in einem Kunstwerk, das zum Nachdenken einlädt.
Giuseppe kommentiert: „Diese Skulptur erinnert mich an die Bedeutung der Karyatiden in griechischen Tempeln, wo menschliche Figuren die heilige Struktur stützten. Hier jedoch scheint Poirier die Bedeutung der Informationen in unserem täglichen Leben darzustellen. In einem Bücherregal platziert, wird sie zu einer Metapher für Erinnerung und Identität, eine Einladung, darüber nachzudenken, was wir bewahren möchten und wie wir unsere persönliche Erzählung aufbauen.“
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazin
