Der Surrealismus wird hundert Jahre alt: Die vergessenen Werke

Salvador Dalí, Kabarettszene, 1922. Öl auf Leinwand, Privatsammlung von Francois Petit, Paris.

1. Salvador Dalí, „Kabarettszene“, 1922

Hat jemand eine Party erwähnt? Es gibt nichts Besseres, als in ein geschäftiges Kabarett einzutauchen, wo Figuren und Objekte in einer komplizierten Mischung aus Formen und Farben miteinander zu tanzen scheinen. In der parallelen und fiktiven Welt der Kunst kann all dies einfach genossen werden, indem man Salvador Dalís Meisterwerk „Kabarettszene“ aus dem Jahr 1922 betrachtet, das die lebhafte und chaotische Atmosphäre einer abendlichen gesellschaftlichen Veranstaltung einfängt. Tatsächlich hat der katalanische Meister eine Szene voller Figuren dargestellt, die um Tische herum sitzen und in Gespräche und Aktivitäten verwickelt sind, die ineinander überzugehen scheinen. Die Gesichter wirken wie Masken, „abstrakt“, fast ohne markante Details, während Objekte wie Flaschen zwischen den Figuren verstreut sind und eine Überlappung zwischen konkreten Elementen und geometrischen Formen erzeugen. In diesem figurativen „Chaos“ erscheint jeder Tisch als kleine Insel der Handlung, die Fragmente des täglichen Lebens einfängt, wobei die fragmentarische Anordnung der Szene deutlich kubistische Einflüsse widerspiegelt. Dennoch herrscht eine allgegenwärtige Aura des Mysteriösen und Unvorhersehbaren, die den kommenden Surrealismus andeutet.

Es ist offensichtlich, dass Dalí ab 1922 neue visuelle Sprachen erkunden wollte, beeinflusst von den Werken Pablo Picassos, mit dem er das Interesse am Kubismus teilte. Darüber hinaus suchte der junge Spanier zu dieser Zeit noch nach seinem eigenen persönlichen Stil, was Kunsthistoriker dazu veranlasste, „Cabaret Scene“ als Mittelpunkt zwischen impressionistischen Einflüssen und der späteren Entwicklung des Surrealismus zu positionieren. Wo können wir also seine ersten Schritte in Richtung der letzteren Bewegung erkennen? In diesem Meisterwerk beginnt Dalí, sich von der kubistischen Logik zu entfernen, die sich auf die Darstellung der Realität durch die Fragmentierung und geometrische Analyse von Formen konzentriert. Dalís Figuren sind keine realistischen Darstellungen von Menschen mehr, sondern fragmentierte Symbole, die in einen eher mentalen und fantasievollen Kontext gestellt werden. Diese Loslösung von der greifbaren Welt ist einer der Hinweise auf seine Annäherung an den Surrealismus, der beginnt, eine innere, fast unbewusste Vision darzustellen, die die traumhaften Kompositionen und surrealen Landschaften vorwegnimmt, die sein späteres künstlerisches Schaffen dominieren würden.

Joan Miró, Oberhaupt eines katalanischen Bauern, 1925. Ölmaltechnik und Buntstifte. Galleria Nazionale di Scozia, Edimburgo.

2. Joan Miró, „Kopf eines katalanischen Bauern“, 1925.

Joan Miró sagte einmal: „Es fällt mir schwer, über meine Malerei zu sprechen, denn sie entsteht immer in einem halluzinatorischen Zustand, der durch irgendeine Art von Schock ausgelöst wird, sei er objektiv oder subjektiv, und über den ich keine Kontrolle habe. Was meine Ausdrucksmittel betrifft, strebe ich zunehmend danach, den höchsten Grad an Klarheit, Kraft und plastischer Aggressivität zu erreichen, das heißt, zuerst eine körperliche Empfindung zu erwecken und dann die Seele zu erreichen.“

Tatsächlich ist der spanische Künstler für seinen einzigartigen Stil bekannt, der zwischen Surrealismus und Abstraktion schwankt und in dem biomorphe Formen, geometrische Zeichen und abstrakte oder halbabstrakte Objekte zum Vorschein kommen, die sein kontinuierliches Experimentieren und eine ausgeprägte Neigung zur nicht-figurativen Kunst widerspiegeln. Miró erkundete das Unterbewusstsein als „Spielplatz“ der Vorstellungskraft und brachte dabei oft seine katalanische Identität und seine Sehnsucht nach Freiheit zum Ausdruck.

Ein Beispiel hierfür ist „Kopf eines katalanischen Bauern“ (1925), das in der National Gallery of Scotland ausgestellt ist und eine symbolische und abstrakte Komposition zeigt, die einen katalanischen Bauern darstellt. Das Gemälde wird von einem großen roten Hut dominiert, der als Barretina bekannt ist und traditionell mit der spanischen Agrarkultur in Verbindung gebracht wird. Darunter heben sich stilisierte Elemente wie ein schlangenförmiger Bart und zwei runde Augen vor einem zart schattierten himmelblauen Hintergrund ab. Trotz ihrer formalen Einfachheit vermittelt die Figur ein starkes Gefühl von Identität und Verbundenheit mit der Heimat des Künstlers. „Kopf eines katalanischen Bauern“ veranschaulicht deutlich Mirós Hinwendung zu zunehmender Abstraktion, weg vom Kubismus und hin zu einer surrealistischen Sprache, die sich durch eine begrenzte, aber kraftvolle Palette auszeichnet, in der der blaue Himmel die stilisierten Formen hervorhebt und ein Gefühl von Leere und Mysterium hervorruft. Das Gemälde lässt auch die Themen Automatismus und Synthese erahnen, die einen Großteil von Mirós späteren Werken dominieren sollten.

Interessante Tatsache:

• Obwohl er dem Surrealismus zugeordnet wird, hat sich Miró nie völlig der Gegenstandslosigkeit verschrieben, sondern blieb stets erkennbaren Formen treu, die er mit einer zutiefst persönlichen Bildsprache kombinierte.
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  „Kopf eines katalanischen Bauern“ ist Teil einer Serie von vier Gemälden, die zwischen 1924 und 1925 entstanden und in denen Miró die Figur des katalanischen Bauern als Symbol seiner Identität und kulturellen Wurzeln erforscht.

Max Ernst, Aquis Submersus, 1919. Öl auf Leinwand. Städelsches Kunstinstitut und Städtische Galerie, Frankfurt.

3. Max Ernst, „Aquis Submersus“, 1919

„Malen ist für mich weder dekoratives Vergnügen noch die plastische Erfindung einer gefühlten Wirklichkeit; es muss jedes Mal sein: Erfindung, Entdeckung, Offenbarung.“ Dieses Zitat von Max Ernst leitet perfekt sein Gemälde „Aquis Submersus“ von 1919 ein, in dem die Malerei zu einem Medium der inneren Erforschung und Herausforderung traditioneller künstlerischer Konventionen wird.

In „Aquis Submersus“ präsentiert Ernst einen Raum zwischen Realität und Traum, angesiedelt in einem Swimmingpool, der von handgezeichneten Gebäuden umgeben ist. Diese Strukturen haben verschwommene Konturen und werfen mehrdeutige Schatten auf einen Himmel, der wie eine Wand wirkt. Eine Uhr schwebt im Himmel und spiegelt sich im Wasser, als wäre sie ein Mond. Damit bricht sie die Regeln der Physik und der visuellen Logik. In der Mitte des Pools taucht der umgedrehte Körper einer weiblichen Figur auf, wobei nur ihre Beine aus dem Wasser ragen und ein Bild des Tauchens oder Ertrinkens hervorruft.

Im Vordergrund steht eine Figur ohne Arme, die einer Tonstatue ähnelt und einen Schatten auf den Pool wirft. Diese Figur mit einem Schnauzbart, der an Ernsts Vater erinnert, blickt vom Wasser weg und verleiht der Komposition noch mehr Mysteriösität. Ernst fängt den Betrachter meisterhaft in einem Schwebezustand zwischen Leben und Tod, zwischen dem Realen und dem Traumhaften ein.

Neugier:

• Das Gemälde spiegelt den Einfluss italienischer metaphysischer Kunst wider, insbesondere der von Giorgio de Chirico, mit seiner Fähigkeit, durch statische und unnatürliche Szenen ein Gefühl der Entfremdung hervorzurufen. Doch schon in diesem frühen Stadium sind in Ernsts Werk surrealistische Akzente vorhanden, die ihn bald zu einem der Pioniere der surrealistischen Bewegung machen würden.
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  Ernst war stark von den Theorien Sigmund Freuds beeinflusst, und die Figur im Gemälde, entweder untergetaucht oder ertrunken, steht in Verbindung mit seinen psychologischen Erkundungen, bei denen Wasser oft das Unterbewusstsein und das Eintauchen in die tieferen Schichten des Geistes symbolisiert.

René Magritte, Die gebannte Zeit, 1938. Öl auf Leinwand. Art Institute of Chicago, Chicago.

4. René Magritte, „Die gebannte Zeit“, 1938.

„Wenn der Traum eine Übersetzung des Wachlebens ist, dann ist das Wachleben auch eine Übersetzung des Traums.“ Dieses Zitat von René Magritte fasst die traumhafte und paradoxe Vision perfekt zusammen, die sein Werk „Die gebannte Zeit“ aus dem Jahr 1938 durchdringt. Der Künstler, der für seine Erforschung des Mysteriösen im Alltag bekannt ist, führt uns in eine Welt ein, in der Träume und Realität verschmelzen und die Wahrnehmung des Betrachters herausfordern.

Das Meisterwerk zeigt eine Lokomotive, die aus einem Kamin in einem ruhigen bürgerlichen Esszimmer kommt. Der Zug, im Vergleich zum Kamin klein, rast mit unglaublicher Geschwindigkeit durch den Kamin, als käme er aus einem Eisenbahntunnel. Der Kontrast zwischen der dynamischen Energie des Zuges und der Stille des Raumes wird durch die statischen Elemente wie die Uhr und die Kerzenleuchter, die den Kaminsims schmücken, verstärkt. Der Boden ist mit Parkett ausgelegt, während ein großer Spiegel darüber die Gegenstände im Raum teilweise reflektiert.

Magrittes Stil zeichnet sich im Allgemeinen durch einen hochdetaillierten Realismus aus, bei dem jedes Element mit nahezu fotografischer Präzision dargestellt wird. Das Mysterium des Werks liegt jedoch in seinem Paradoxon: Die Lokomotive, die normalerweise mit der Natur und Geschwindigkeit assoziiert wird, erscheint in einem Raum, in einem geschlossenen Bereich, und bricht damit die Gesetze der Physik und Logik. Magritte nutzt diese „Krise des Objekts“, bei der gewöhnliche und vertraute Gegenstände aus ihrem üblichen Kontext gerissen und in fremde Situationen gebracht werden, um eine mysteriöse und unerklärliche Szene zu schaffen. So verkörpert „Die transfixierte Zeit“ die Essenz von René Magrittes surrealistischer Poetik: Sie enthüllt das in vertrauten Dingen verborgene Mysterium und schafft eine neue Realität, in der Träume und Wachheit verschmelzen und gewöhnliche Gegenstände zu Trägern verborgener Bedeutungen werden.

Yves Tanguy, Mama, Papa ist verwundet, 1927. Öl auf Leinwand. Museum of Modern Art, New York.

5. Yves Tanguy, „Les Amoureux“ (Die Liebenden), 1929

„Das Gemälde entwickelt sich vor meinen Augen und entfaltet im Laufe der Zeit seine Überraschungen. Dies gibt mir das Gefühl völliger Freiheit, und aus diesem Grund bin ich nicht in der Lage, im Voraus einen Plan zu entwickeln oder eine Skizze anzufertigen.“ Diese Worte von Yves Tanguy beschreiben perfekt seine kreative Vision, einen spontanen Prozess, der den freien und unvorhersehbaren Fluss des Unterbewusstseins widerspiegelt, ein Schlüsselprinzip des Surrealismus.

Durch denselben Prozess entstand „Les Amoureux“ (1929), ein Kunstwerk, das eine traumhafte Szene präsentiert, die von einem verschwommenen Hintergrund aus Grüntönen dominiert wird, der an eine Unterwasserlandschaft erinnert. In diesem Kontext scheinen die Hauptfiguren, amorph und abstrakt, in einer schwebenden Dimension zu schweben, als gehörten sie zu einer fremden Wasserwelt oder einem verlassenen, stillen Land. Diese Figuren, die in der Nähe einer fast flachen Ebene platziert sind, sind zufällig verteilt, entweder isoliert oder gruppiert, und rufen eine Atmosphäre hervor, die zwischen Traum und Albtraum schwankt. Im Vordergrund sticht eine schlanke Struktur hervor, die einem Baumstamm oder einer menschenähnlichen Figur ähnelt, während im Hintergrund andere undefinierte Elemente zu schweben oder in Richtung eines undeutlichen Himmels zu klettern scheinen.

Das Gemälde spiegelt somit den unverwechselbaren Stil von Tanguy wider, der für seine Fähigkeit bekannt ist, surreale und dennoch unglaublich realistische Landschaften mit präzisen und definierten Formen zu schaffen, die oft von den felsigen Landschaften der Bretagne inspiriert sind.

Frida Kahlo, Meine Großeltern, meine Eltern und ich, 1936.

6. Frida Kahlo, „Meine Großeltern, meine Eltern und ich“, 1936

AndréMasson, L'Enfantement (Geburt), 1955.

7. André Masson, „L'Enfantement“ (Geburt), 1955.

André Masson konstruiert in diesem Gemälde eine surreale und traumhafte Szene, die von halbabstrakten Formen bevölkert ist, die sich scheinbar frei auf einem intensiven blaugrünen Hintergrund bewegen. Die gewundenen und fließenden Linien, die die Figuren formen, suggerieren eine fast kosmische Energie, als ob die gesamte Komposition in eine kontinuierliche und grenzenlose Bewegung eingetaucht wäre. Über diesen biomorphen Figuren zeichnen Sterne und geschwungene Linien eine Verbindung zwischen Himmel und Erde und evozieren eine mythologische oder astrale Erzählung.

Masson ist in der Tat einer der Pioniere des Surrealismus und der automatischen Techniken, der dafür bekannt ist, seine Fähigkeit, das Unterbewusstsein anzuzapfen, mit formalen Experimenten zu verbinden. Die synthetischen Figuren im Gemälde spiegeln sein Interesse an organischer Abstraktion und Metamorphose wider, zentrale Themen seiner künstlerischen Produktion. Darüber hinaus ermöglicht ihm seine hier deutlich erkennbare Technik des automatischen Zeichnens, die Spontaneität von Gesten und Linien zu erforschen und Bilder zu schaffen, die direkt aus dem Unterbewusstsein zu kommen scheinen.

Aus der Analyse von „ Enfantement “ wird deutlich, dass der Meister nicht nur einfache visuelle Darstellungen schuf, sondern durch einen Fluss abstrakter und verdrehter Formen universelle Themen wie Leben, Sexualität, Gewalt und Tod ansprechen wollte. Der Einfluss der Philosophie Friedrich Nietzsches und Massons direkte Erfahrung mit der Gewalt des Ersten Weltkriegs sind in seinen Werken offensichtlich, die oft ein Gefühl von Chaos und Zerstörung, aber auch eine Suche nach existentieller Bedeutung widerspiegeln.

Giorgio de Chirico, Der Rote Turm, 1913. Sammlung Peggy Guggenheim.

8. Giorgio de Chirico, „Der Rote Turm“, 1913

„Um unsterblich zu werden, muss ein Kunstwerk immer die Grenzen des Menschlichen überschreiten, ohne sich um gesunden Menschenverstand oder Logik zu kümmern.“ Mit diesen Worten drückt Giorgio de Chirico seine künstlerische Vision aus, die durch einen Bruch mit der greifbaren Realität und eine Neigung zu Mysteriösem und Rätselhaftem gekennzeichnet ist. Diese Philosophie wird perfekt verkörpert in „Der Rote Turm “ (1913), einem seiner Meisterwerke der metaphysischen Malerei, in dem Logik und Vernunft beiseite geschoben werden, um eine surreale und traumhafte Atmosphäre zu schaffen.

„ Der Rote Turm “ präsentiert einen trostlosen, unwirklichen Raum, der von einem massiven, zylindrischen Turm dominiert wird, der sich in der Mitte der Szene erhebt. Die Komposition wird von zwei dunklen Arkaden an den Seiten eingerahmt, die den Blick des Betrachters auf den Turm lenken, den unbestrittenen Protagonisten des Werks. Das Fehlen klarer Elemente, die den Ort definieren, verstärkt das Gefühl der Entfremdung, obwohl auf der rechten Seite eine Reiterstatue erscheint, möglicherweise ein Hinweis auf das Denkmal von Carlo Alberto in Turin, was der Szene weitere Mehrdeutigkeit verleiht. Trotz der scheinbaren Einfachheit ist die Komposition mit unsichtbarer Spannung aufgeladen, als ob etwas Wichtiges passieren würde oder gerade geschehen wäre.

„Der Rote Turm“ ist ein paradigmatisches Beispiel für de Chiricos metaphysische Malerei, die sich durch irrationale Perspektive und langgezogene Schatten auszeichnet, Elemente, die dem Werk seine traumhafte und melancholische Atmosphäre verleihen. Darüber hinaus ist die Verwendung von leeren Plätzen, Säulenhallen und klassischer Architektur typisch für seinen Stil, in dem die Realität in eine Bühne für unsichtbare Dramen verwandelt wird. Das Fehlen einheitlicher Lichtquellen und die halluzinatorische Konzentration auf Objekte tragen zusätzlich zu einem Gefühl der Desorientierung und des Mysteriums bei, während die feierliche und stille Architektur ein Gefühl der Einsamkeit und schwebenden Erwartung hervorruft.

Es ist wichtig zu beachten, dass Giorgio de Chirico zwar oft mit den Surrealisten in Verbindung gebracht wird, seine Bewegung, die Metaphysische Malerei, sich jedoch sowohl in ihren Zielen als auch in ihrer philosophischen Vision grundlegend vom Surrealismus unterscheidet. Beide Tendenzen erforschen das Unbewusste und das Geheimnis, das sich hinter der sichtbaren Realität verbirgt, und folgen dabei ähnlichen, aber entschieden unterschiedlichen Wegen.