Auf der Suche nach Innovationen: 10 asiatische Künstler, die Sie bei Artmajeur nicht verpassen sollten

Die Frau liegt auf der Couch (2018) Gemälde von Jianxing Li

Kunst ohne Grenzen: Künstlerische Innovation aus Asien

Die Kunst Ost- und Südostasiens zeichnet sich durch eine große Bandbreite an Stilen und Techniken aus, die sich über Jahrhunderte entwickelt haben. Sie bietet eine Vielzahl von Interpretationen, die von der Wiederbelebung alter Traditionen bis hin zu modernsten Formen des künstlerischen Ausdrucks reichen. Länder wie China, Japan, Südkorea und die Mongolei tragen jeweils ihre einzigartigen kulturellen und historischen Einflüsse bei und prägen die globale Kunstszene maßgeblich und bereichern sie weiterhin.

In der heutigen Kunstlandschaft erweisen sich diese Länder als fruchtbarer Boden für Innovation und Experimente mit traditionellen und modernen Medien. Japanische Künstler wie Takashi Murakami und Yayoi Kusama sowie chinesische Meister wie Ai Weiwei und sein kraftvoller künstlerischer Aktivismus sind nur einige der Namen, die internationalen Ruhm erlangt haben. Dazu gehören der südostasiatische Fotograf Dinh Q. Lê, der für seine Arbeiten bekannt ist, in denen er sich mit kollektivem Gedächtnis und Identität auseinandersetzt, und der bildende Künstler Arahmaiani, dessen Kunst sich hauptsächlich auf soziale Themen konzentriert.

Jetzt ist es an der Zeit, in die Werke von zehn Malern und Bildhauern auf Artmajeur einzutauchen, deren künstlerische Experimente mit bahnbrechenden Ansätzen, die man sonst nirgendwo in der Kunstwelt findet, neu definieren, was es bedeutet, ein asiatischer Künstler in der zeitgenössischen Szene zu sein.

SLOW DOWN V (2020)Gemälde von Bin Xu

Serenic Dialogues: Die ätherische Welt von Xu Bin

Xu Bin wurde 1969 in Guang'an in der chinesischen Provinz Sichuan geboren und hat sein künstlerisches Leben in ein kontinuierliches Experimentieren gelenkt, das von Innovation und Virtuosität geprägt ist. Nach seinem Abschluss an der Fakultät für Bildende Kunst der Southwest Normal University verfeinerte Xu sein Handwerk hauptsächlich in der Ölmalerei und ließ sich dabei von den lebhaften Paletten der Meister des Impressionismus und Postimpressionismus wie Monet und Seurat inspirieren. Im Laufe der Zeit interpretierte er gekonnt die Beispiele modernistischer Ikonen wie Matisse, Picasso, Dalí und Chagall und mischte sie mit Einflüssen aus chinesischen figurativen Traditionen. Aus diesem Zusammenfluss verschiedener Trends entstand seine eigentümlichste und reifste künstlerische Stimme.

Xu Bins Repertoire ist ein Kaleidoskop intensiver Farben, als ob sie durch einen Schleier aus Träumen gefiltert würden. Er verwendet häufig Rosa- und Lilatöne für Hintergründe und die Haut seiner Figuren. Auch Grün- und Blautöne kommen stark zum Vorschein und betonen die ätherische Aura seiner Kreationen. Seine Figuren tragen unverwechselbare, fast maskenhafte Züge, mit großen Mündern und langen Nasen, oft begleitet von übertriebenen Körperproportionen. Jede Figur, die einer traumhaften und beispiellosen Welt entstammt, scheint zwischen dem Schweben und der greifbaren Realität zu navigieren.

Xus Werke fangen nicht nur die Eleganz der in verschiedenen Kontexten dargestellten Figuren ein, sondern regen manchmal auch zu Reflexionen über drängende soziale Themen und kulturelle Metamorphosen an und fungieren als Spiegel der Gegenwart sowie als Fenster zu futuristischen Visionen von Leben und Technologie. Jedes Werk, unabhängig von den behandelten Themen, präsentiert sich als Ode an Eleganz, Vornehmheit und Einzigartigkeit und demonstriert Xu Bins ständiges Engagement für die Gestaltung einer Kunst, die sowohl reflektierend als auch persönlich ist.

„Slow down V“ ist ein Beispiel für den unverwechselbaren Stil des Malers: Die Komposition mit ihren lebendigen und verträumten Farben zeigt eine Frau, die auf einer Klippe liegt, eingebettet in eine heitere und ruhige Umgebung. Neben ihr sitzt ein nachdenklicher Vogel, als würde er aufmerksam ihren Worten lauschen. Die Frau und der Vogel scheinen in einen Dialog zu treten, wodurch eine intime und besinnliche Atmosphäre entsteht. Im Hintergrund schwimmt ein Boot auf dem Meer und vervollständigt die Szene mit einem Gefühl der Ruhe und Stille, fast so, als ob die Zeit stehen geblieben wäre.

Doch worüber könnten die Frau und der Vogel sprechen? Vielleicht über Liebe, angesichts der Intimität und Gelassenheit, die die Szene durchdringt? Wir können es nicht mit Sicherheit wissen, aber die zarte Atmosphäre und ihr sanft nachdenkliches Verhalten lassen uns glauben, dass es tatsächlich um Liebe gehen könnte.

Aoi Song, das Rad. Gemälde von Ma Guo Dong

Der Dualismus der Vorstellungskraft: Vergleich von Bin Xu und Ma Guo Dong

Der Vergleich zwischen Bin Xus „Slow down V“ und Ma Guo Dongs „Aoi Song, das Rad“ hebt zwei einzigartige und unterschiedliche künstlerische Welten hervor, in denen beide Maler Charaktere aus ihrer Fantasie erschaffen. Während Bin Xu uns in ein traumhaftes Paralleluniversum entführt, scheint Ma Guo Dong Episoden zu erzählen, die an Märchen oder „Comic-Vignetten“ erinnern. Obwohl Ma Guo Dong wie Bin Xu leuchtende Farben verwendet, verfolgt er einen eher narrativen, konkreten, dynamischen, lebendigen und abenteuerlichen Ansatz, der darauf abzielt, durch die Schaffung einer Ästhetik Gestalt anzunehmen, die kulturelle Symbolik mit zeitgenössischer visueller Sprache verbindet.

Dennoch gelingt es beiden Künstlern, ihren Werken eine so tiefe Bedeutung zu verleihen, dass der Vergleich zwischen Bin Xu und Ma Guo Dong zwei unterschiedliche, aber sich ergänzende Ansätze künstlerischen Schaffens offenbart, bei denen die Vorstellungskraft den roten Faden zwischen visuellen Erfahrungen und Reflexionen über die Realität bildet.

Und schließlich noch Ma Guo Dong, der zeitgenössische chinesische Maler, der für seine einzigartigen und lebendigen Werke bekannt ist. Er hat die Abteilung für künstlerisches Design am Taishan Medical College in Taian City (China) absolviert. Mit seinem unverwechselbaren Stil und chinesischen kulturellen Referenzen beschäftigt er sich mit Themen wie Leben, Licht und Hoffnung und verleiht seinen Werken tiefe Bedeutung und Vitalität. Seine Kunst, die sich auch durch die Verschmelzung und Integration symbolischer Elemente auszeichnet, wurde bei verschiedenen Gelegenheiten ausgestellt und von Galerien und international renommierten Künstlern gesammelt.

Der Frosch (2016) Skulptur von Dongbeom

ODE AN DIE GALLANTRIE (2022)Skulptur von Zhao Yongchang

Tiermotive in der zeitgenössischen Skulptur: Ein Vergleich zwischen Dongbeom Lee und Zhao Yongchang

Die bildhauerische Tradition Ost- und Südostasiens hat tiefe Wurzeln und hat sich im Laufe der Jahrhunderte entwickelt. Dabei bleibt eine starke Verbindung zu Symbolik und Spiritualität erhalten. Dieses Erbe beeinflusst auch heute noch zeitgenössische Künstler, die traditionelle Techniken mit neuen Ausdrucksformen verbinden. Sinnbildliche Beispiele für diese Kunst sind die Werke von Dongbeom Lee und Zhao Yongchang: „Der Frosch“ und „Ode an die Tapferkeit“. Beide Skulpturen stellen Tiere auf eine Weise dar, die die unterschiedlichen Visionen und kulturellen Einflüsse der Künstler widerspiegelt.

Beginnend mit „Der Frosch“ von Dongbeom Lee verwendet das Werk eine geometrische Figur mit an Mondrian erinnernden Farben, die so konzipiert ist, dass sie ein Tier in sich „einfängt“ und stützt und es so in eine Skulptur mit Sockel verwandelt. Der Frosch ist so positioniert, dass sein Kopf tiefer liegt als sein Körper, als wäre er beim Eintauchen in einen Teich „gefangen“ worden. Diese Anordnung schafft eine starke Verbindung mit dem Steinträger und suggeriert eine dynamische Interaktion zwischen Form und dem natürlich-tierischen Element und regt auch zum Nachdenken über das Gleichgewicht zwischen Künstlichem und Natürlichem an.

Andererseits erforscht Zhao Yongchangs Skulptur „Ode an die Tapferkeit“ eine andere Art der „Verflechtung“: die zwischen dem Körper eines Jungen und einem Drachenpferd. In diesem Werk unterwirft sich das große Tier der menschlichen Figur und spielt damit auf mythologische Geschichten an, in denen die Stärke und der Mut des Tieres oft der Vernunft und Gerechtigkeit des Menschen weichen. Die Szene fängt somit einen dynamischen und kraftvollen Moment ein und spiegelt uralte Themen wie Heldentum und Abenteuer wider.

Dann wird deutlich, dass in beiden Werken die Entscheidung, Tiere mit tiefer liegenden Köpfen darzustellen, nicht nur eine visuelle Verbindung mit dem Umweltelement der Zugehörigkeit herstellen sollte, sondern auch eine tiefere Reflexion anregen sollte, die uns dazu bringen sollte, die tatsächliche Rolle von Lebewesen in dem Kontext, in dem sie agieren, in Frage zu stellen. Dies gipfelt in Überlegungen, die uns dualistisch über den Gegensatz von Natürlichkeit und Künstlichkeit, Stärke und Weisheit sowie Freiheit und Kontrolle nachdenken lassen sollen.

UNBEDINGTES BEDÜRFNIS NACH HARMONIE (2013)Gemälde von Nomin

TOCHTER DES CHINESISCHEN ADEL (2023)Gemälde von Huixi Yu

YU003 (2023)Gemälde von Hang

Ich, ich (2022)Gemälde von Jianxing Li

Chinesischer Realismus und die Kunst von Jianxing Li

Jianxing Lis Werk „Ich, ich“ ist eine fesselnde Darstellung zweier Jungen, die in Sportkleidung auf Stühlen in einer Schulumgebung sitzen. Das Gemälde fängt einen Moment stiller Selbstbesinnung ein, der durch den meisterhaften Einsatz realistischer Farben und einer sorgfältig detaillierten Komposition noch intensiver wird. Die ernsten und nachdenklichen Gesichter der Jungen strahlen eine Tiefe des Nachdenkens aus, die den Betrachter zum Nachdenken einlädt. Die symmetrische Anordnung ihrer Körperhaltungen, kombiniert mit der geordneten Umgebung, vermittelt ein Gefühl von Harmonie und Ruhe. Jianxing Li verwendet sanfte Töne und diffuses Licht, um eine heitere und nachdenkliche Atmosphäre zu schaffen, fast so, als ob die Zeit angehalten hätte, damit die Jugendlichen in ihre Gedanken eintauchen konnten.

Aber woher kommt dieser sorgfältige Ansatz zur Wahrhaftigkeit des Bildthemas? Um dies zu verstehen, müssen wir uns das reiche Erbe des chinesischen Realismus ansehen, einer Tradition, die tief in der Kunstgeschichte des Landes verwurzelt ist. Dieser Stil zeichnet sich oft durch eine detaillierte und präzise Darstellung des täglichen Lebens und menschlicher Erfahrungen aus, die im 20. Jahrhundert erhebliche Popularität und konkrete Entwicklung erfahren hat. Tatsächlich haben chinesische Künstler unter dem Einfluss europäischer Meister nach und nach eine einzigartige Bildsprache entwickelt, die traditionelle Elemente mit modernen Techniken verbindet und Werke schafft, die die zeitgenössische Kultur und Gesellschaft getreu widerspiegeln.

Hier einige berühmte Beispiele: Der Maler Liu Xiaodong malt Bilder, die Momente des Alltags festhalten und dabei oft Themen des sozialen und kulturellen Wandels behandeln; Chen Yifei ist für seine realistischen Porträts und Landschaften bekannt, die sich durch große Liebe zum Detail und meisterhaften Einsatz von Licht auszeichnen; und Wang Yidong, der sich auf ländliche und traditionelle Themen konzentriert, verwendet detaillierten Realismus, um die Schönheit des einfachen Lebens zu erkunden. So tragen diese Künstler, darunter der bereits erwähnte Jianxing Li, dazu bei, den chinesischen Realismus lebendig und dynamisch zu halten.

Mitten im Leben4(2023)Gemälde von Lu Shou Hui

ASSYMETRIE DER NATUR (2022)Gemälde von Shuren

Chinesische und mongolische abstrakte Kunst

Die abstrakte Kunst in China und der Mongolei hat unterschiedliche Wege eingeschlagen, die die unterschiedlichen kulturellen und historischen Traditionen der beiden Länder widerspiegeln. In China begann sich die Bewegung im 20. Jahrhundert ernsthaft zu entwickeln und schöpfte aus europäischen Avantgarden, obwohl ihre Wurzeln auf die Tuschmalereitechniken der Tang- (618-907) und Song-Dynastien (960-1279) zurückgehen. In der Mongolei hingegen ist die Abstraktion ein jüngeres Phänomen, obwohl die künstlerische Tradition des Landes, die vom Nomadentum und Buddhismus beeinflusst ist, immer eine symbolische und stilisierte Darstellung der Realität bevorzugt hat. Erst in den 1990er Jahren, mit dem Ende des kommunistischen Regimes und der Öffnung der Mongolei zur Welt, begannen mongolische Künstler mit neuen Ausdrucksformen, einschließlich der Abstraktion, zu experimentieren.

Was die Maler von Artmajeur betrifft, ist „In the middle of life4“ von Lu Shou Hui, Teil der Serie „Middle Age“, eine abstrakte und symbolische Darstellung der Herausforderungen des mittleren Lebensalters. Tatsächlich erklärt der Künstler, dass der Entstehungsprozess des Gemäldes der Bearbeitung eines Stücks Ton ähnelte. Auf dieser Oberfläche hinterlassen Hände tiefe und dauerhafte Abdrücke, die die unsichtbaren Kräfte symbolisieren sollen, die den Lauf der Zeit auf der Haut eines Menschen prägen. In ähnlicher Weise stellen auch die Narben und Deformationen des Tons die Ängste, die Hilflosigkeit und den Schmerz dar, die die spätere Lebensphase charakterisieren.

In Bezug auf die Technik verwendet Lu Shou Hui traditionelle chinesische Malwerkzeuge wie Pinsel und Tinte, die er mit Elementen des westlichen abstrakten Expressionismus kombiniert, wie etwa den Regenbogenlinien der Komposition. Die Anwesenheit von Nadeln, die die Formen durchbohren, ist jedoch nicht zu übersehen und symbolisiert erneut die Angst, Verzweiflung und den Schmerz, die Menschen mittleren Alters oft bedrängen.

„Asymmetry of Nature“ von Shuren hingegen zeigt einen stilisierten Akt in symmetrischer Ausrichtung mit der Natur, wobei der weibliche menschliche Körper irgendwie „anders“ oder, genauer gesagt, abstrakt erscheint. Shuren, eine zeitgenössische mongolische Malerin, ist bekannt für ihre Leidenschaft, Frauen darzustellen und die Schönheit und Tiefe ihrer Seelen einzufangen. Ihre frühen Werke zeigten oft rundliche weibliche Figuren, die trotz ihrer traurigen und abwesenden Augen von einem Gefühl der Stärke durchdrungen sind.

In jüngster Zeit hat sich Shurens Stil jedoch in Richtung einer farbenfroheren und fröhlicheren Lebenseinstellung entwickelt, in der Frauen eine Botschaft der Widerstandskraft und vergänglichen Schönheit vermitteln und andeuten, dass die Gelassenheit immer wieder zurückkehrt, auch wenn sie Momente großer Turbulenzen erleben.

Es ist offensichtlich, dass beide Werke tiefgründige Themen durch Abstraktion behandeln, dabei aber ganz unterschiedliche Standpunkte und Themen behandeln. Diese Ansätze sind zwar unterschiedlich, ergänzen sich aber, da sie verschiedene Aspekte der menschlichen Erfahrung auf der Erde widerspiegeln.