Corlig

The classification provides four or more codes placed on four axis (A - formalism, B - matériality, C - involvement body/mind, D - communication). These codes are positionning the artist in the art history.

A axis : FORMALISM
When looking at the work, what type of formalisation first strikes the eye? Is it more abstract or more figurative, etc ? (on a scale from more "immaterial" to more "realist").
A330 : Representative works Work with quiet figures
figures are formally and materially presented in a quiet way (Edward Hopper, Balthus, Edouard Pignon, P. Klossowski, Sam Szafran, A. Garcia Lopez, ...).


B axis : MATERIALITY
How does the materiality of what is shown come across?
(on a scale from more "immaterial" to more "real").
B210 : Materiality
in painting, but also with all other materials with the following possibilities: Structured with materials predominant
their thickness, composition or the way they are worked as structures (the way they are "built up") are here the most important aspect (Eugène Leroy, Bertrand Lavier, ...).
B200 : Materiality
in painting, but also with all other materials with the following possibilities: Structured with colours predominant
with their intrinsic or symbolic strength, (Monory's "blues", G.Fromanger's "reds") historical or social meaning etc., and their structuring, the colours here are the most important (Jules Olitsky, Peter Halley, ...).


C axis : INVOLVEMENT BODY/ MIND
With what body:mind ratio does the artist enter into his work?
Classify from the most "intellectual" (e.g."Concept Art"...) to the most "physical" (e.g. "Body Art", ...).
C160 : tending towards the corporeal / the senses via expression with "humanity" (the passage from Life to Death)
- in a literal manner (John de Andrea, Duane Hanson, Itsvan Sandorfi, ...)
- or a symbolic manner (James Ensor, G. Rouault, F. Gruber, Zoran Music, Rebeca Stevenson, Jan Vercruysse, ...), ...


D axis : COMMUNICATION
Does the artist have the deliberate intention to convey a message of any sort through his work?
(classified from the most "mystical" to the most "worldly").
D110 : via what is meant with various spiritual or less marked religious influences
(from Barnett Newman to Mark Rothko, from Roman Opalka to Arnulf Rainer, ...).

Der erklärende Text , der mit jedem der vier analysierten Kriterien verbunden ist ( A-Formalismus, B-Materialität, C-Engagement , D-Kommunikation ) gibt die Position des Künstlers in der Kunstgeschichte und erinnert eventuell an die Kunstrichtungen , denen sie sich anschließt , oder an die Namen der Künstler die sich in einer ähnlichen Betrachtungsweise ausgedrückt haben.

A : FORMALISMUS
Welcher Typ der Formalisierung eines Werkes enthüllt sich beim Betrachten vom ersten Augenblick an? Eher der Abstrakte, eher der Bildliche, etc? (geordnet vom "immateriellsten" zum "realistischsten").
A330 : Figurationen Sanfte Figurationen
Figuren, die hinsichtlich Form und Material von eher sanfter Beschaffenheit sind (Edward Hopper, Balthus, Edouard Pignon, P. Klossowski, Sam Szafran, A. Garcia Lopez, ...).


B : MATERIALITÄT
Beim zweiten Kriterium geht es um die Materialität von dem , was zu sehen gegeben ist. Geht es um Konzept pur , um Materienspiele , um entwendete Objekte , usw. (vom „Immaterialischsten“ zum „Realsten“ kodifiziet)
B210 : Materialität Strukturiert Vorrang der Materien
ihrer Dicke, ihrer Zusammensetzung oder ihrer eher strukturierten architektonischen Ausrichtung (die Art, wie die Materie "aufgebaut" ist) kommt hier die grösste Bedeutung zu (Eugène Leroy, Bertrand Lavier, ...).
B200 : Materialität Strukturiert Vorrang der Farben
mit ihrer innewohnenden, symbolträchtigen, historischen und sozialen Stärke ("das Blau" von Monory, "das Rot" von G.Fromanger) kommt den Farben hier die grösste Bedeutung zu (Jules Olitsky, Peter Halley, ...).


C : ENGAGEMENT
In welchem Verhältnis Körper/Geist drückt sich der Künstler in seinem Werk aus? Geordnet vom "Intellektuellsten" zum "Körperlichsten" , zum Beispiel vom „Conceptual Art“ zum "Body Art", ...
C160 : Stärker zur Körperlichkeit/ den Sinnen Durch den Ausdruck einer "Menschheit" (vom Leben bis hin zum Tod)
- sei sie faktuel Art (John de Andrea, Duane Hanson, Itsvan Sandorfi, ...)
- oder symbolisch (James Ensor, G. Rouault, F. Gruber, Zoran Music, Rebeca Stevenson, Jan Vercruysse, ...), ...


D : KOMMUNIKATION
Drückt der Künstler die feste Absicht aus, über seine Werke eine beliebige Botschaft vermitteln zu wollen?
(geordnet vom "spirituellsten" zum am ausgesprägtesten "Gesellschaftbezogenen").
D110 : über das Signifikat mit unterschiedlichen Spiritualitäten, oder weniger ausgeprägter Religiosität
(von Barnett Newman bis Mark Rothko, von Roman Opalka bis Arnulf Rainer, ...).

du 5 janvier au 5 avril 2008.
office de tourisme st chely d'apcher. lozere

L’œuvre de Corlig est à l’image de l’artiste : faite de sensibilité et d’émotion.
La créatrice avance lentement, mais avec détermination….presque dans l’anonymat, sans doute pas pour longtemps !....
L’ouvrage dévoile les doutes et parfois la solitude de l’auteur.
Attirée depuis toujours par le dessin, sa progression s’est affinée au fil du temps jusqu'à la ciselure.
S’il est un thème qui revient fréquemment dans ses compositions, c’est bien l’enfant et plus exactement la « condition » de l’enfant.
Son œuvre sans doute nourrie d’expériences fortes porte à l’évidence la trame enfouie de la vie du créateur, et intègre les traces à la fois vivantes et cachées, du temps et de la mémoire.
Nous sommes en présence d’une composition figurative.
Pour ce qui est de la matière l’artiste utilise parfois l’acrylique, cependant le pastel reste le médium privilégié.
Le dessin est le fondement du travail de Corlig, et nous sommes en présence d’une œuvre dont les compositions sont toujours bien équilibrées.
Les supports peuvent varier, mais la préférence demeure la toile de coton pour les travaux au pinceau et le « pastel mat » pour les ouvrages au pastel.
Avec « l’enfant de la rue » Corlig nous décrit un environnement sociologique, avec beaucoup d’affection et d’humanité.
« Seul au monde » expose le désarroi de l’enfance devant l’univers et sa saisissante tragédie.
Les couleurs sont plutôt atténuées, comme pour séduire sans choquer.
L’ambiance d’un milieu déshérité est bien restituée et l’artiste nous interpelle immédiatement.
Devant cet ouvrage le spectateur éprouve un choc émotionnel profond, qui se réfère à la condition fragile de l’enfant, à la pureté de l’enfant face à une société préoccupée par des valeurs parfois bien éloignées de l’humain.
Par son travail et sa démarche, Corlig nous mobilise, nous invite à nous interroger et à mettre notre conscience en éveil.
Avec « Chemin bordés d’épilobes », « Après la pluie » ou « Chemin du Causse » nous sommes invités à une promenade plutôt bucolique où les reflets de l’eau se partagent l’espace de création avec la forêt.
La palette, constituée de bleu, de vert, de gris et de marron se montre toujours prudente, les couleurs, bien choisies restent aussi pondérées que possible.
Quelques natures mortes et nus, toujours composés avec soin, viennent compléter des travaux qui devraient progressivement trouver sur le marché de l’art une place amplement méritée. 
A l’écart des tumultes, voire un peu isolée, l’artiste trouve dans son art une thérapie bienfaisante et libératrice.
Le spectateur quant à lui, saisi devant l’universalité des thèmes et la délicatesse de la démarche picturale, est porté à une réflexion philosophique sur la condition de l’être.

Jules Saint-Aubin
Critique d’art moderne et Contemporain

The artwork of Corlig reflects the artists’ personality, which is full of sensitivity and emotions.
The creator moves slowly with determination…nearly anonymously, but not for long!
The work reveals doubt and sometimes loneliness of the artist.
Attracted through always drawing, it takes time to get there.
If there is a theme which frequently returns in her compositions, then it is the child and more accurately, the « condition » of the child.
Her artwork is undoubtedly nourished by a shared experience bringing evidence of the framework, which has been buried by the life of the creator and integrates traces both alive and hidden of the time and memory.
We are in presence of a figurative composition, as regards to the matter, the artist sometimes uses acrylic, but the pastel remains the privileged medium.
The drawing is the base of her work and we can discover an artwork in which compositions are always well balanced.
Frameworks can vary, but the preference remains the cotton canvas for works with paintbrushes and mat pastel when working with pastel.
In the painting “Child of the Street”, Corlig describes a sociologic environment with a lot of affection and humanity.
“Alone in the world” exhibits the distress of childhood in front of the universe and of its seizing tragedy.
Colours are weakened, for seducing without offending.
The atmosphere of a deprived environment is well restored and the artist engages us immediately.
In front of her work, the spectator feels a deep emotional impact that reminds us of the fragile condition of a child in a society preoccupied by values, which are sometimes disconnected from human values.
With her work and approach, Corlig mobilizes and invites us, in order to interrogate us and make us consciously aware.
In “Path Epilobium Lined”, “After the Rain” or “Causse’s Path”, we are invited to a rather bucolic walk, where water reflections share the space of creation with the forest.
The pallet (constituted of blue, green, grey, and brown), is always kept safe, the colours chosen remain as balanced as possible.
Some still life and nude, which are always composed with care, complete a work that should gradually find a fully deserved place on the art market.
Well away from the turmoil (even a little isolated), the artist finds her art a beneficial and liberating therapy.
The spectator seizes in front of the universality of her themes and the delicacy of the pictorial approach, which leads towards a philosophic reflection of the human condition.

Jules Saint-Aubin
Modern & Contemporary Art critique

Corlig, une peinture sentimentale

L’enfance, la femme, la nature morte et le paysage…Sont les sujets de prédilection de Corlig.
Il s’agit d’une peinture sentimentale qui a besoin de contours. Qui a besoin de raconter quelque chose, de dénoncer …
Sûrement !
Surtout lorsqu’elle évoque le monde de l’enfance. Elle procède à la manière d’un photographe de reportage qui surprend la réalité intime et anecdotique d’une situation révoltante : Dans l’Homme au chapeau, l’enfant qui porte sur son dos nu et brûlé par le soleil son petit frère, qui a les cheveux noirs et raides qui est en train de se pencher pour allumer une cigarette… A-t -il dix ans ?
L’adulte au chapeau lui donne du feu.

Dans « Solidarité », une jeune fille reçoit de la bouillie. L’image est insoutenable. Les yeux noirs et tristes de l’enfant brillent tout simplement parce qu’ils sont noirs et tristes. Ailleurs, on voit un autre enfant qui tourne le regarde vers nous. Il porte une bonne charge de fagots…La vie lui vole son enfance chaque jour. La peinture devient ici l’image au service de la conscience. Une image qui s’adresse au cœur.

Corlig peint ce qui l’émeut. Elle organise des natures mortes qu’elle reproduit pour la beauté des formes organiques de fruits.
Leurs ventres juteux, leurs couleurs particulières, les couleurs de couleurs… Corlig cherche à en restituer les effets de lumière et les volumes.
Elle s’essaye aussi au paysage. Ce genre ambitieux qui au cours de siècles s’est révélé être tantôt un état d’âme tantôt un prétexte pour que les artistes réinventent avec leurs savantes combinaisons de couleurs la vérité de l’été, de l’automne…
Corlig entonne ses paysages à tâtons comme on entonne une villanelle. Chez elle l’hiver c’est l’illustration de l’hiver, populaire et heureuse. L’hiver couvre la nature de sa première neige encore très fine, un peu rêche et glacée. Les enfants se sont arrêtés de jouer, ils s’en vont en laissant derrière eux leur bonhomme de neige... Elle aime les chemins forestiers ou
bien les cours d’eau qui lui permettent de jouer avec la perspective et avec les reflets.

Loin du naturalisme ou de quelconque réalisme pictural, les nus de Corlig semblent peints d’après des modèles imaginés. Leurs corps quasi ritualisés et érotisants déploient leur nudité dans une mise en scène arrangée. Une femme de dos marche dans un champs de coquelicot. Sur un rocher, la tête penchée en arrière, elle est en train de prendre un bain de soleil. Ce sont des images naturistes de femme rêvée par la femme. Repliée dans son corps, elle s’offre à la seule nature pour se faire plaisir, pour se retrouver. Leur façon retenue et pudique de plier leurs jambes rappelle  les femmes fantasmées, les femmes de papier des années 60, dont l’image la plus aboutie est Reflet 1.

La femme qui peint observe son modèle avec candeur. Du bout de ses doigts Corlig maquille à tâtons la jeune femme qui regarde le spectateur reposant sur son ventre, en déshabillé coquin, sur un fond neutre blanc et jaune.

La peinture de Corlig flirte avec les émotions qui la taraudent, elle en fait des icônes. L’atmosphère bucolique que lui inspire un paysage où la présence des arbres peut être perçue comme une puissance rassurante. Et l’eau, le miroir de la nature, le bonheur de peindre.

Elle a beaucoup peint la mer avec son écume, lorsqu’elle se déploie furieuse ou bien lorsqu’elle se retire. Sur la beauté d’un corps nu de femme, elle pose un regard complice. Elle le regarde le monde de l’enfance avec une émotion particulière et beaucoup d’humanité.
Ileana Cornea février 2009

2009 :corlig expose les paysages, au restaurant "le provençal" à MENDE en LOZERE. exposition permanente

Analyse de l’œuvre de CORLIG

Classification : A330-B210-B200-C160-D110


Le texte explicatif associé à chacun des quatre critères analysés (A - formalisme, B - matérialité, C - investissement, D - communication) positionne l’œuvre de l’artiste dans l’histoire de l’art en rappelant éventuellement les courants artistiques auxquels elle se rattache, ou les noms des artistes illustres s’étant exprimés dans une approche voisine.

A : FORMALISME
Le premier critère porte sur le formalisme de l’œuvre : que voit-on quand on regarde une œuvre, quel type de formalisation se donne à voir de prime abord ? Est-ce plutôt abstrait, plutôt figuratif, plutôt..., etc (classé du plus "immatériel" au plus "réaliste").?
A330 : Figurations douces
figures formellement, matériellement, plutôt douces (Edward Hopper, Balthus, Edouard Pignon, P. Klossowski, Sam Szafran, A. Garcia Lopez, ...).


B : MATERIALITE
Le second critère porte sur la matérialité de ce qui est donné à voir. S’agit-il de pur concept, de jeu de matières, d’objet détourné etc. (classé du plus "immatériel" au plus "réel") ?
B210 : en matérialité structurée, avec prééminence des matières
leur épaisseur, leur composition ou leur travail architectonique plutôt structuré (comment les matières sont "baties"), sont ici le plus important (Eugène Leroy, Bertrand Lavier, ...).
B200 : en matérialité structurée, avec prééminence des couleurs
avec leurs force intrinsèque, symbolique (p.ex. "les bleus" de Monory, "les rouges" de G. Fromanger), historique, sociale, etc., et leur structuration, les couleurs sont ici le plus important (Jules Olitsky, Peter Halley, ...).


C : INVESTISSEMENT CORPS / ESPRIT
Le troisième critère porte sur « l’investissement » de l’artiste dans son œuvre. Avec quel ratio Corps / Esprit, l'artiste s'investit-il dans son œuvre ? Classé du plus "intellectuel" (p.ex. "l'Art Conceptuel", ...) au plus "physique" (p.ex. le "Body Art", ...).
C160 : plus vers la corporéité / les sens, par l'expression d’une "humanité" (allant de la Vie à la Mort)
- qu'elle soit factuelle (John de Andrea, Duane Hanson, Itsvan Sandorfi, ...)
- ou bien symbolique (James Ensor, G. Rouault, F. Gruber, Zoran Music, Rebeca Stevenson, Jan Vercruysse, ...), ...


D : COMMUNICATION
Le quatrième critère porte sur l’aspect « communication » : L'artiste a t-il une volonté délibérée de communiquer à travers ses œuvres un message quelconque ? (classé du plus "spiritualiste" au plus "sociétal").
D110 : via le signifié avec des spiritualités diverses, ou du religieux moins marqué
(de Barnett Newman à Mark Rothko, de Roman Opalka à Arnulf Rainer, ...).

totalement autodidacte et trés sensible à ce qui l'entoure, corlig nous fait partager ses sentiments. il n'y a pas de mots assez forts pour décrire ses pensées et ses révoltes, c'est donc par la peinture qu'elle s'exprime. Tous ces tableaux sont réalisés avec du pastel, la plupart avec son coeur et certains avec ses larmes.Inspirée par son vécu, la peinture est pour elle un exutoire, son but étant de sensibliser les gens, faire naitre differentes émotions.

selectionée par le comité interne pour exposer à la biennale internationale d'arts contemporains à Florencce en italie du 5 au 13 décembre 2009.

esposition prévue du 5 au 13 décembre 2009, lors de la biennale internationale d'arts contemporains à florence en italie.

parution dans marianne maison n°111 décembre 2008