SPADE (2024) Schilderij van Francesco D'Adamo
De meest populaire stijlen en genres op Artmajeur zijn: Pop-art, Street Art, Abstracte kunst, portretten en landschappen. Wil je weten waarom de meeste verzamelaars voor deze trends of onderwerpen kiezen? Het antwoord ligt in dezelfde interpretatie van de kunstgeschiedenis, die zal worden geïllustreerd door vijf thematische werken te kiezen, gemaakt door Artmajeur-schilders. Deze zullen worden beschreven en geanalyseerd, totdat we uitkomen bij de reden waarom ze extreem populair zijn. Laten we beginnen met het volgen van de aangekondigde volgorde, ons wijden aan een Pop-schilderij, en dan verder gaan met de rest...
Pop-art
GERECYCLED LENIN #10 (2024) Schilderij van Oleksandr Balbyshev
Beschrijving van het kunstwerk: De schilder en beeldhouwer Oleksandr Balbyshev heeft een portret van Lenin uit het Sovjettijdperk gebruikt, dat hij heeft aangepast door eroverheen te schilderen. In feite is het gezicht van de politicus alleen vanaf de neus herkenbaar, aangezien de onderste delen volledig bedekt zijn met oranje verf. Zelfs de zichtbare delen van de afgebeelde figuur zijn echter opnieuw geïnterpreteerd, omdat ze kleurrijke cirkels herbergen, die alleen zijn gerangschikt waar zijn figuur wordt onthuld. De ernst van het onderwerp neemt af, aangezien de aanpassingen behoorlijk levendig, opgewekt en ironisch overkomen, klaar om elke potentiële politieke boodschap waar de afgebeelde figuur op zou kunnen zinspelen, te bagatelliseren.
Waarom is het pop-art? Pop-art, een beweging uit de late jaren vijftig en vroege jaren zestig, staat erom bekend de traditionele kunst uit te dagen door beelden uit de populaire en massacultuur in haar taal op te nemen, zoals reclame, massamedia, het sterrenstelsel, strips en alledaagse culturele objecten. Het doel was om de grenzen tussen ‘hoge’ kunst en ‘lage’ cultuur te vervagen, wat suggereert dat er geen hiërarchie bestaat en dat kunst inspiratie kan putten uit elke bron. Een van de bepalende aspecten van pop-art is het gebruik van afbeeldingen van beroemde mensen, die werden getransformeerd in iconische figuren, idoolachtige onderwerpen die de fascinatie van de beweging voor roem, consumentisme en persoonlijkheidscultus konden weerspiegelen. Andy Warhol, misschien wel de beroemdste kunstenaar die met dit aspect van de pop-art wordt geassocieerd, staat bekend om zijn zeefdrukschilderijen van beroemde persoonlijkheden, waaronder onder meer Marilyn Monroe, Elvis Presley en Elizabeth Taylor. Warhols techniek omvatte het meerdere keren herhalen van hetzelfde beeld, vaak met verschillende kleurenschema's, wat niet alleen de commodificatie van het individu benadrukte, maar ook reflecteerde op de aard van roem en de rol van de media bij het ontstaan ervan. Zijn aanpak deconstrueerde het concept van beroemdheid en presenteerde deze figuren als consumeerbare producten voor het publiek. Wat heeft Lenin van Oleksandr Balbyshev hiermee te maken? Net als acteurs en zangers, die dezelfde doelen nastreefden, portretteerde Warhol ook veel politici, zoals Richard Nixon, Mao Zedong, John F. Kennedy, koningin Elizabeth II en Ronald Reagan. Met behulp van mediabeelden als basis voor deze portretten benadrukte Warhol de interactie tussen politiek, mediarepresentatie en publieke perceptie. Het is echter belangrijk om enkele verschillen tussen Andy's benadering en die van de Artmajeur-kunstenaar te verduidelijken. Terwijl de eerste karakters uit zijn tijd voorstelt om in mythen te transformeren, spreekt de laatste over een figuur die al zeer gevierd wordt. Dit feit betekent dat het niet langer de kunst is die iemand tot icoon kiest, omdat het afgebeelde onderwerp al eeuwige roem heeft verworven. Ondanks dat Lenins figuur dwangmatig opduikt in Balbyshevs artistieke onderzoek, zinspeelt het tenslotte niet op gemechaniseerde productie, aangezien het wordt weergegeven in duidelijk gedifferentieerde werken, variërend van schilderkunst tot beeldhouwkunst, maar ook vanuit meerdere unieke en innovatieve perspectieven.
Waarom is pop-art populair onder verzamelaars? Het is heel simpel: wat ons aantrekt, lijkt op ons, wat we leuk vinden is voor ons gemakkelijk te begrijpen. Het lijkt dus voor de hand te liggen dat pop-art de cultuur van massaconsumptie, media, reclame en beroemdheden weerspiegelt en bekritiseert, die vandaag de dag nog steeds wijdverspreid is. In feite wordt de hedendaagse wereld letterlijk overspoeld met consumptiegoederen, merkimago's en zelfs meer alomtegenwoordige media dan voorheen, zozeer zelfs dat sociale mediaplatforms, 24-uursnieuwscycli en digitale reclame een onophoudelijke stroom hebben gecreëerd. Deze stroom, bestaande uit figuren en boodschappen, staat klaar om nog dwangmatiger en hectischer de mediabeelden op te roepen die de vroege kunstenaars van de pop-art inspireerden. Een ander aspect dat grote aantrekkingskracht uitoefent op verzamelaars is de esthetiek van levendige kleuren en gedurfde lijnen, verrijkt met een altijd toegankelijke en onmiddellijk herkenbare iconografie. Daarnaast kan ook het ironische en satirische aspect worden genoemd, dat de kijker een interpretatie van de werkelijkheid kan bieden die relevant blijft naarmate het consumentisme en de mediacontexten evolueren. Ten slotte blijft de visie van de beweging populair vanwege de onveranderde waarde ervan binnen het artistieke historische verhaal, aangezien pop-art een ontwrichtende trend was die de vraag stelde waar kunst over zou kunnen gaan, hoe het gemaakt zou kunnen worden en voor wie.
Straatkunst
RENAISSANCE 2 (2023) Schilderij van Kassim Baudry
Beschrijving van het kunstwerk: Kassim Baudry bereidde de achtergrond van zijn canvas voor door het zwart te verven, nam vervolgens een spuitbus om er dwangmatig het woord "ART" op te reproduceren, soms "geknipt" en "gereduceerd" tot "RT". Deze tekst, in de kleuren rood, blauw of crème, wordt vaak onderbroken, of beter gezegd verborgen, achter de aanwezigheid van een ons bekende afbeelding, die met behulp van de stenciltechniek tot stand is gekomen. Ik verwijs naar de heilige figuur van de Maagd Maria, wiens aanwezigheid in deze context wordt gerechtvaardigd door de woorden van de kunstenaar: "Het werk mengt religieuze iconografie en stedelijke kunst en biedt een sterk contrast tussen classicisme, de sereniteit van de vrouwelijke figuur en de wilde kant van graffiti.” Waarom behoort de Madonna, ook al wordt ze opnieuw geïnterpreteerd in een hedendaagse toonsoort, altijd tot een oudere taal? De manier waarop ze zichzelf op de drager presenteert, reproduceert op effectieve wijze memorabele voorbeelden uit de kunstgeschiedenis, zoals die van Sassoferrato, Leonardo da Vinci of Raphael. Met name de gewaden waarmee Baudry de Maagd heeft bedekt, doen denken aan de Madonna in gebed van de eerste schilder, terwijl de neerwaartse blik van de vrouw doet denken aan de Madonna van de Anjer en de Madonna van het Puttertje van de andere twee meesters. Maar waarom kijkt de Maagd naar beneden? In werkelijkheid is ze, wanneer ze haar aandacht niet op de toeschouwer of naar boven richt, volledig gefocust op het observeren van haar zoon, die in het werk van de Artmajeur-kunstenaar afwezig is.
Waarom is het straatkunst? Straatkunst is een uitgebreide en dynamische kunstvorm die stedelijke landschappen wereldwijd heeft getransformeerd. Geboren uit de graffitibeweging en aan het eind van de 20e eeuw bekendheid verwervend, omvat straatkunst een verscheidenheid aan technieken, media en thema's, vaak gekenmerkt door de publieke toegankelijkheid en betrokkenheid bij sociale en politieke kwesties. Kunstenaars in deze kunstvorm gebruiken verschillende technieken en materialen, waaronder spuitverf, stencils, stickers, posters en installaties. Deze uitvoeringswijzen maken een snelle en vaak tijdelijke creatie van werken mogelijk, wat cruciaal is in een stedelijke omgeving die voortdurend in beweging is. Straatkunst behandelt een breed scala aan thema's, van mensenrechten tot sociale rechtvaardigheid, van het milieu tot politiek. Veel werken weerspiegelen actuele kwesties en proberen reflectie en debat te stimuleren. Sommige kunstenaars, zoals Banksy, staan bekend om hun kritische en satirische benadering, waarbij ze sociale en politieke normen uitdagen. Zoals zojuist beschreven herkennen we verschillende aspecten van Kassim Baudry's Renaissance 2 die erop gericht zijn technische en thematische eigenaardigheden te bevatten, variërend van graffiti tot de eerder genoemde stencils, tot de Maagd Maria. Het is niet de eerste keer dat straatkunst zich in een religieuze context uitdrukt, zoals blijkt uit de door Rome verspreide werken van Maupal, gericht op het vereeuwigen van de paus als superheld, of uit Banksy's beroemde kerststal met de titel Scar of Bethlehem. Het doel is altijd hetzelfde: laten zien hoe straatkunst kan dienen als platform om religieuze overtuigingen en instellingen in vraag te stellen en te bekritiseren. Door zich religieuze symbolen en motieven toe te eigenen, gaan straatartiesten een dialoog aan over de rol van religie in de hedendaagse samenleving, waarbij ze kwesties als macht, moraliteit en sociale rechtvaardigheid aankaarten. Het subversieve karakter van straatkunst maakt de expressie van afwijkende stemmen en alternatieve perspectieven mogelijk, wat bijdraagt aan voortdurende debatten over geloof, spiritualiteit en de menselijke conditie. Daarom kan deze context ons ertoe aanzetten om met nieuwe ogen naar de Maagd van Kassim Baudry te kijken en haar te interpreteren als de meest transgressieve versie van de Madonna, beschermer van alle straatartiesten wereldwijd.
Waarom is Street Art populair onder verzamelaars? Straatkunst is om verschillende redenen steeds populairder geworden onder verzamelaars, variërend van de opkomst van prominente kunstenaars als Banksy tot de provocerende en hedendaagse thema's die ermee worden onderzocht. Eerst en vooral heeft de opkomst van beroemde stadskunstenaars ongetwijfeld bijgedragen aan het succes van straatkunst onder verzamelaars: Banksy heeft met zijn subversieve en tot nadenken stemmende werken brede bijval gekregen, en zijn anonimiteit, gecombineerd met zijn gedurfde uitspraken over sociale kwesties. , heeft hem tot de status van cultureel icoon verheven. Meer in het algemeen maakt de neiging van straatkunst om actuele sociale, politieke en culturele kwesties aan te pakken deze kunst bijzonder aantrekkelijk, in tegenstelling tot traditionele kunstvormen, die vaak te ver verwijderd lijken van de hedendaagse realiteit. Thema's als sociale rechtvaardigheid, milieuactivisme, identiteitspolitiek en het stadsleven resoneren sterk bij het publiek, waardoor verzamelaars op zoek gaan naar werken die tot hun persoonlijke waarden en overtuigingen spreken. Bovendien draagt het inherent rebelse en anti-institutionele karakter van straatkunst bij aan de aantrekkingskracht van deze artistieke expressie, omdat straatkunstenaars vaak buiten de grenzen van de traditionele kunstwereld opereren en galerijen en musea omzeilen om rechtstreeks met het publiek in stedelijke omgevingen te communiceren. Deze uitdaging van traditionele artistieke normen en institutionele grenzen geeft straatkunst een gevoel van authenticiteit en echtheid dat weerklank vindt bij een steeds groter wordend publiek dat op zoek is naar werken die de status quo uitdagen.
Abstracte kunst
COMPOSITIE 24. LICHT (2024) Schilderij van Sergiy Dekalyuk
Beschrijving van het kunstwerk: Niets van wat we zien kan ons leiden tot een directe confrontatie met de werkelijkheid, behalve dat wat gekoppeld is aan de ervaring van het merkteken. Denk aan Sergiy Dekalyuk die van plan is te schilderen en te "krabbelen" op de steun van Composition 24 Light, om willekeur, nauwkeurigheid, berekening en spontaniteit van het gebaar te combineren: dit alles moet een samenhangend, harmonieus en aangenaam resultaat voor het oog opleveren , zonder inspiratie te putten uit de schoonheid van de werkelijkheid. Het resultaat is een compositie die mij de ene keer doet denken aan de graffiti van Basquiat en de andere keer aan de voorbeelden van Willem de Kooning en Franz Kline, allen exponenten van het abstract expressionisme.
Waarom is het abstract expressionisme? Het abstract expressionisme ontstond halverwege de 20e eeuw om de nadruk te leggen op spontane en gebarenexpressie en de verkenning van de innerlijke psyche van de kunstenaar. In de kern verwierp het abstract expressionisme het idee van kunst als louter representatie van de externe realiteit en concentreerde het zich in plaats daarvan op het communiceren van de innerlijke ervaringen, emoties en onderbewuste gedachten van de kunstenaar. Schilders probeerden hun innerlijke onrust, angst en existentiële zorgen uit te drukken door middel van dynamische en expressieve penseelvoering, gedurfde kleuren en niet-representatieve vormen. De technieken die door abstract-expressionistische kunstenaars werden gebruikt, liepen sterk uiteen, maar omvatten gewoonlijk spontane penseelstreken, druppels of gieten van verf op het canvas, en het gebruik van onconventionele gereedschappen om de verf te manipuleren. Deze methoden stelden hen in staat diep persoonlijke en emotioneel geladen werken te creëren die zowel het creatieve proces als het eindproduct benadrukten. Wat wordt beschreven, kan worden gevonden in het werk van de eerder genoemde kunstenaar van Artmajeur, die uitsluitend via zijn emotionele en intuïtieve karakter wil werken, om zijn subjectieve ervaring naar voren te brengen en de inhoud van zijn psyche te onthullen en te delen met de kijker.
Waarom is abstracte kunst populair onder verzamelaars? Abstract expressionisme is een vorm van abstracte kunst. Deze laatste vertegenwoordigt een stijl die door verzamelaars algemeen wordt gewaardeerd omdat deze afwijkt van de werkelijkheid en daarom buiten de meer gevoelige tijdelijke modes van het figurativisme valt. Bijgevolg betreed je een universum waar kleuren en markeringen de enige elementen zijn die er toe doen, en die zich altijd perfect kunnen aanpassen aan de moderne en energieke inrichting van onze hedendaagse huizen. Deze vrijheid van interpretatie en expressie stelt verzamelaars in staat werken te vinden die perfect in hun omgeving passen en een vleugje levendigheid en dynamiek toevoegen aan de huiselijke ruimte. Bovendien biedt abstractie een breed scala aan interpretaties en betekenissen, waardoor verzamelaars schilderijen kunnen vinden die hun persoonlijke smaak volledig weerspiegelen en hun verbeeldingskracht en creativiteit stimuleren. Ten slotte maakt het vermogen van abstractie om emoties en sensaties op te roepen zonder specifieke objecten of scènes te representeren het aantrekkelijk voor degenen die kunstwerken verlangen die zowel de geest als de ziel kunnen stimuleren en de oppervlakkigheid overstijgen.
Portret
VANESSA (2023) Schilderij van Adeline Dutel
Beschrijving: Portretten kunnen min of meer getrouwe weergaven zijn van het model, maar in ieder geval streven ze ernaar de essentie, houding en innerlijkheid ervan vast te leggen, waarbij ze vorm krijgen op verschillende dragers, met respect voor de meest uiteenlopende technieken en stijlen. In het geval van Vanessa neemt Dutels werk de vorm aan van een ‘realistisch’ portret, waarvan de contouren een vrouwelijk gezicht vormen. Wat verder gaat dan een eenvoudig figuratief verhaal is de drager waarop de vrouw is afgebeeld, gemaakt van verschillende lagen papier, die er onregelmatig uitziet en de vorm aanneemt van een veelvoud van dicht bij elkaar geplaatste rozen. Deze keuze wordt uitgelegd in de eigen woorden van de kunstenaar over Artmajeur, die bekent: "Ik werk graag met verschillende media; elk materiaal heeft zijn eigen geschiedenis, diepte en uniciteit. Deze serie bloemen van vloeipapier is bijzonder interessant vanwege het reliëf dat het met zich meebrengt. naar het gezicht en de verschillende interpretaties van het portret, afhankelijk van waar je ernaar kijkt."
Waarom zijn portretten populair onder verzamelaars? Het genre portretkunst is onder verzamelaars voortdurend enorm populair gebleven, en deze blijvende aantrekkingskracht kan worden toegeschreven aan de tijdloze fascinatie voor de mensheid zelf. De kern van het portret is de representatie van mensen: hun essentie, emoties en bestaan. Voor individuen blijft de menselijke vorm, met zijn complexiteit en nuances, een eindeloze bron van intriges en interesse. Of het nu gaat om het vastleggen van een vluchtige uitdrukking van vreugde, een moment van introspectie of het gewicht van opgebouwde ervaringen, portretten hebben de kracht om empathie, verbinding en contemplatie bij kijkers op te roepen. Het is deze diepe verbinding met de menselijke ervaring die het portret eeuwig relevant en boeiend maakt. Sinds de oudheid hebben kunstenaars uit alle tijdperken geprobeerd de essentie van de mensheid vast te leggen door middel van portretten, waardoor individuen en hun verhalen voor toekomstige generaties worden vereeuwigd. We kunnen dus stellen dat: zolang de mensheid bestaat, de portretkunst zal blijven boeien en inspireren, als spiegel van ons gedeelde bestaan zal dienen en hulde zal brengen aan de schoonheid en complexiteit van de menselijke geest.
Landschap
FALAISES DE SEVEN SISTERS, SUSSEX, VK (2023) Schilderij van Laurent Gilbert
Beschrijving: Gilberts landschap toont een kust met hoge kliffen, maar met sterk expressionistische kleuren, klaar om af te wijken van de realiteit, om de lucht te kleuren met emoties, deze zwart te maken, terwijl het zand paars wordt en de zee blauw blijft. Dan komt de titel van het werk tussenbeide om ons opnieuw met de waarheid te verbinden, klaar om te onthullen wat er is afgebeeld: The Seven Sisters, een reeks krijtrotsen met uitzicht op het Engelse Kanaal, gelegen in de South Downs in East Sussex, tussen de steden Seaford en Eastbourne in Zuid-Engeland. Ze zijn erg populair, zozeer zelfs dat ze zijn gebruikt in film- of televisieproducties, zoals in "The White Cliffs of Dover". Niettemin zijn de kliffen relatief onaangetast gebleven door menselijke activiteit en vertonen ze een voortdurende en volledig natuurlijke erosie.
Waarom zijn landschappen populair onder verzamelaars? Allereerst denk ik aan het succes van het impressionisme, een uiterst beroemde stroming, vooral bekend om zijn landschappen, gecreëerd door schilders die buiten schilderden. Bijgevolg kan ik ook veronderstellen dat veel verzamelaars het genre in kwestie juist waarderen omdat ze zich landschapsschilders voorstellen in de gelijkenis van de bebaarde Monet, allemaal amusant van plan om de natuur in de open lucht vast te leggen, misschien zelfs in de regen of storm. Ik voeg aan wat zojuist is gezegd de oudste romantische idealen toe, gericht op het zoeken naar troost in landschapskunst, dat wil zeggen een middel om de mens in contact te brengen met de schoonheid en grootsheid van de natuur. Aan dit alles wordt het verlangen naar avontuur en verkenning toegevoegd dat inherent is aan de kijker, samen met het verlangen om bekende landschappen te zien gerealiseerd door het penseel, die herinneringen kunnen herbergen. Zo ontstaan visuele herinneringen aan geliefde plekken, ook bedacht als verzet tegen de hectische en verstedelijkte wereld, waaruit de kunst ons vaak laat ontsnappen.
Olimpia Gaia Martinelli
