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东方艺术：来自不同文化的广泛创意

来自亚洲各地的各种艺术传统构成了亚洲艺术的历史。中亚、东亚、南亚、东南亚和西亚是亚洲大陆最突出的部分。

东亚艺术包括中国、日本和韩国的文化，而中亚艺术则以欧亚草原突厥民族的创作为主。东南亚艺术包括泰国、老挝、越南、新加坡、印度尼西亚和菲律宾的艺术，而南亚艺术是指印度次大陆的艺术。近东或西亚的艺术包括古代美索不达米亚艺术和现代伊斯兰艺术。

亚洲艺术的演变在许多方面与西方艺术相似。文化通过丝绸之路的艺术转移、发现和殖民时代的文化交流、互联网和当前的全球化等方式融合在一起。如果排除石器时代的艺术，美索不达米亚的艺术是亚洲最早的艺术。

中亚艺术

当代的吉尔吉斯斯坦、哈萨克斯坦、乌兹别克斯坦、土库曼斯坦、阿塞拜疆、塔吉克斯坦、阿富汗、巴基斯坦以及现代蒙古、中国和俄罗斯的一些地区都被认为是中亚地区的一部分，该地区拥有丰富的历史和各种各样的艺术传统。从古代到中世纪的中亚艺术展示了该地区多样化的人口和文化遗产。中亚的文化遗产以惊人的方式反映了该地区的多元文化构成，该地区的艺术文物就是明证。斯基泰艺术、希腊佛教艺术、塞林迪亚艺术，甚至现代波斯文化都是这段曲折历史的一部分，其中还包括艺术在丝绸之路上的传播。

从公元前 2 世纪末到最近，在定居社区边缘实行混合经济的移徙牧民将中亚（从里海到中国中部，从俄罗斯南部到印度北部）的草原称为家园。这些游牧民族的史前“动物风格”艺术不仅揭示了他们的动物形态神话和萨满教仪式，还揭示了他们将定居文化的象征融入自己的实践的开放性。

世界各地的文化在中亚交汇融合，成为连接中国与地中海的古丝绸之路的神经中枢。公元前三千年和二千年不断发展的社区是连接中亚与印度河流域、美索不达米亚和埃及的庞大贸易网络的一部分。

近几个世纪以来，伊斯兰艺术对西方艺术产生了重大影响，但古老的文化从广泛的来源中汲取灵感，包括中国、波斯和希腊的艺术，以及在游牧民族中出现的动物风格。草原。

东亚艺术

东亚的文化实践包括中国、韩国和日本的视觉艺术、文学和表演艺术。由于没有实际用途，不涉及体力劳动，在中国，只有书画被赋予了“真正的美术”的地位。雕塑，连同青铜铸造和雕刻，以及陶瓷、纺织、冶金和漆器的生产，都被视为工艺品。中国传统建筑几乎通常由木材制成，并具有平台、柱和门楣框架、屋顶支撑支架和沉重的倾斜屋顶。

佛教图像学、日本本土主题和传统以及中国视觉艺术等三个因素对日本视觉文化产生了重大影响。建于七世纪的 Hry Temple 是第一个使用不对称布局的建筑，这种布局后来成为日本建筑的特征。发展成为标志性浮世绘版画的彩色木刻版画以及 16 至 18 世纪的屏风和面板画是日本画家专注于自然抽象的典型例子。在建筑和雕塑中使用石头以及开发精美的青瓷釉是韩国对艺术最独特的两项贡献。

在世界文学中，中国的不间断历史最长（3000多年）。它的历史与它与韩国和日本共享的书面语言的历史错综复杂地交织在一起。民谣、传说、面具剧、木偶剧文本和 p'ansori（“故事歌唱”）文本都是韩国丰富的口述历史的一部分，该国还拥有强大的诗歌书面传统（尤其是 hyangga 和 sijo 形式） .由于日本和韩国都没有自己的书面语言，两国的文学传统大量借鉴了中国（尽管日本的音节系统出现了大约 1000 年，韩文是在 15 世纪发展起来的）。日本的诗歌，尤其是俳句形式的诗歌，以其细腻的敏感性而闻名于世，它的历史可以追溯到 7 世纪，连同该国的许多文学宝藏，如源氏物语。

东亚音乐和西方音乐一样，创造了基于12音词汇的五声音阶，但其基础却截然不同。东亚乐团的规模相对较小，该地区的作曲家通常优先考虑旋律和节奏而不是谐波复杂性。值得注意的是，在东亚国家，音乐、舞蹈和戏剧往往是联系在一起的，在东亚舞蹈和戏剧的相关类别中，没有明显的形式演变的证据。游行队伍、舞剧（京剧或“京剧”和其他类型的中国戏曲）、皮影戏、木偶戏以及音乐和舞蹈的对话剧只是东亚表演艺术（例如日本歌舞伎）。巴什、薄居易、杜甫、安藤博重、鲁迅、紫式部的作品也值得研究，花道、Jgan式折纸、卷轴画、新电造、松阴造、数寄屋式、 Tempyu风格和Tori风格的建筑。

南亚艺术

印度、巴基斯坦、孟加拉国和斯里兰卡的艺术通常被称为南亚。大量以梵语、普里克语和地区语言编写的古代文本文献有助于将印度次大陆的人们聚集在一起，共同的文化和伦理观点也是如此。尽管几个世纪以来该地区被划分为千变万化的政治模式，但整个次大陆具有共同的音乐和舞蹈传统、仪式仪式、宗教习俗和文学思想。

南亚史诗，如 Rmyaa 和 Mahbhrata，提供了对该地区众多民族之间复杂关系网络的洞察。有明确的证据表明，远隔地区的众神和英雄之间存在家族关系，许多地名本身都暗示了共同的祖先。还为在该地区建立统一的政治秩序做出了不懈努力。例如，在公元前三世纪，青冈天皇控制了该地区的大部分地区。公元十一世纪，柴的拉金德拉一世占领了印度和东南亚的大部分地区；在公元 16 世纪，伟大的莫卧儿阿克巴也做了同样的事情。在整个南亚历史上，边界不断扩大和缩小，正式加入和分离为完整的地区，但文化始终保持一致。

由于其共享的物理环境，该地区的山脉和河流的美丽得到了广泛的赞赏。沿着北部边界延伸的喜马拉雅山是世界上最高的山脉，代表了宏伟、纯洁和原始雪的文化理想。雅鲁藏布江和印度河等河流因其提供的丰富水源而在各自地区被誉为“母亲”。

人们普遍认为，水精灵和森林精灵，分别被称为 ngas 和 yakas，栖息在该地区的湖泊和泉水中。克什米尔早期王朝的名字，Karkoa，本身就是nga崇拜的象征。在不同地点出土的古代宗教文物，例如 ngas 和 yakas 的雕像，暗示着一种共同的虔诚精神，以及多年来口头传播而没有失去其原始语调的宗教文本。在巴基斯坦的犍陀罗、布尔胡特和阿马瓦特等城市都可以找到描绘类似古典舞蹈的雕塑。

在南亚，必须精通多种不同的艺术，然后才能专攻其中一种。由于雕塑与绘画和舞蹈一样，描绘了整个世界，因此没有先掌握另一种艺术形式，就不可能精通每种艺术形式。舞蹈是通过动作和节奏来表达的一种形式；因此，对音乐节奏的理解至关重要。人们认为文学和修辞知识对于激发音乐和舞蹈中的情感很重要；在音乐、舞蹈、雕塑或绘画中表达的味道（rasa）需要对书面文字有一定的了解。因此，艺术在许多层面上相互关联。

南亚的艺术不仅是为了他们自身的利益而作为一种受人尊敬的休闲活动，而且也是一种对更高权力的奉献和崇拜的行为。有文献提到王子检查艺术品的缺陷。艺术家在理论和实践上的成就和抱负体现在一个单一的铭文中，上面提到了建于八世纪的 Pattadakal 的 Mallikrjuna 寺庙的 stra-dhra（“建筑师”）的名字。

南亚文化长期以来赋予艺术家特权地位。宫廷里挤满了诗人、音乐家和舞者。一位才华横溢的舞者得到了 Rjendra Ca 的称赞，Tiruvoiyr 寺庙的建筑师也得到了 Rjendra 的支持，他在题词中对建筑和艺术的广泛理解受到了称赞。然而，民间艺术与高级艺术之间有着密切的联系。例如，部落群舞与西方古典艺术、舞蹈和音乐之间存在相似之处。印度次大陆有着丰富的艺术历史，圆形雕塑（citra）和浮雕雕塑（ardhacitra）都占有重要地位。

Citrbhsa，意为“雕塑的外观”，是第三高的艺术形式。 5 世纪诗人克利萨（Klidsa）的戏剧中的一首诗解释了眼睛如何在绘画建模中描绘的高度和深度上翻滚，展示了明暗对比（即使用明暗来表达造型）的影响是多么重要.大师们最看重一幅画的线稿，一定要画得稳重优雅，其次才是别人看重的明暗和造型的刻画，还有迎合女性品味的装饰元素，以及色彩的绚丽。 , 这符合普通口味。你能用这么少的图画表现出这么多的形式，真是令人印象深刻。在南亚绘画和雕塑中有许多成功的肖像画文学例子，展示了肖像画在该地区视觉艺术中的中心地位。写于六世纪的 Viudharmottara 将肖像画分为四类：自然、抒情、复杂和混合。它还根据头发和眼睛的形状和颜色对不同类型的人进行分类。其中包括对许多艺术观点的概述，以及对透视缩短基础知识的解释。就像一首诗反映诗人一样，人们认为绘画和雕塑将具有其创作者的特征。

尽管南亚长期以来一直受到外国影响，但该地区总能找到将这些元素结合到本土实践中的方法，产生独特的综合而不是单纯的复制。这也反映在巴基斯坦犍陀罗地区的艺术作品中，当时（公元前 4 世纪）该地区沉浸在希腊罗马文化中。将印度图案和风格融入占主导地位的西方风格是这个时代雕塑的标志。

公元一世纪贵霜入侵后，外部影响明显涌入，但最终土著文化取得了胜利。莫卧儿帝国从 16 世纪开始统治南亚，由来自中亚的穆斯林组成，通过对其臣民实行占主导地位的印度教育，在文化上统一了该地区。穆斯林艺术在莫卧儿第二位皇帝胡迈恩（Humayn）的统治下蓬勃发展，他从波斯国王的宫廷中引进了艺术家，创造了融合印度和波斯风格的历史。

每个地区的艺术都反映了自己的政治结构、道德和伦理规范以及社会结构。早在公元前三世纪，统治者就表现出为人民服务的意愿，几乎像对待后代一样对待他们。 4-6世纪北印度笈多帝国的华丽硬币将君主的理想描绘为无与伦比的弓箭手，统一者，高大庄严的高贵精神，为臣民福祉的牺牲者，以及他的英雄人们（想象他骑着一头庄严的大象）。描绘正义征服和正义战争的艺术品。战争和征服、象征性的马祭、国王会议、外交招待会、和平谈判、寺庙建设、美术欣赏（包括舞蹈和音乐）以及国王的加冕，这些只是广泛描述的众多政府活动中的一部分。系列雕塑描绘了 4 至 9 世纪南印度帕拉瓦王朝的历史。

类似于强调佛法、指导义务的惯例或法律的雕塑如何反映道德态度，描绘道德行为的雕塑也是如此。将不杀生原则或非暴力对待他人的原则形象化的一种常见方式是通过鹿的形象，而圣地的理想通常被描绘为鹿可以自由漫游的地方。艺术品经常描绘主题陶醉于自己或他人的牺牲的场景。世界上最早的寓言集之一《帕卡密宗》中的故事以直截了当但有效的方式描绘在雕塑中。南亚艺术始终如一地描绘了几代人渗透到次大陆社会结构中的虔诚、信仰和对道德的尊重。

东南亚艺术

东南亚的艺术包括书面、口头和视觉形式。尽管印度文化对该地区的发展产生了重大影响，但在此之前存在一些共同特征。并非源自印度的艺术风格，如蜡染织物、加麦兰管弦乐队和哇扬木偶剧院，仍然很受欢迎。土生土长的湿稻（或稻谷）种植、冶金、航海、祖先崇拜和山祭都很普遍。

东南亚包括广阔的印度支那半岛以及该地区的其他岛屿，通常被称为东印度群岛。东南亚可以分为两个不同的部分：大陆和岛屿。缅甸（缅甸）、泰国、老挝、柬埔寨、越南、马来西亚、新加坡、印度尼西亚和菲律宾是构成该地区的政府实体。虽然菲律宾最初并不被认为是东南亚的一部分，但由于它靠近中国和日本，并且与东南亚文化有着密切的文化相似性，它现在被普遍认为是该地区的一部分。

整个东南亚都有相似的气候和地形，这塑造了该地区的历史和文化。在文化上，住在山里的人往往与住在山谷里的人分道扬镳。

最初人们认为，东南亚人民在史前时代就缺乏独创性，在与其他文化的互动中，他们更“接受”而不是“创造性”。后来在缅甸和泰国的发掘和发现促使一些学者反对公认的史前文明从中国转移到东南亚的理论。相反，他们认为，东南亚大陆的人民与古代中东人民大约同时在种植植物、制作陶器和青铜器，因此文明在一千年前从东南亚大陆传播到中国。因为他们总是对创造美好事物的实际工作更感兴趣，东南亚人没有丰富的艺术理论、文学或戏剧批评遗产。

由于人们，特别是在大陆的西半部，人们从事非耐用材料的工作，因此无法逐步追溯东南亚艺术形式的创造和演变。鉴于该地区茂密的森林历史，有理由认为木材将是最早出于美学原因使用的材料。尽管他们新发现了对金属和石头的熟练程度，但他们从未放弃传统的木雕实践，即使在石雕和石制建筑的伟大时代过去（大约 13 世纪）之后，木雕仍然继续蓬勃发展。在缅甸西部掸邦的萨尔温江沿岸，考古学家发现了史前洞穴壁画，这些壁画与后来房屋柱子上的纳迦雕塑有着惊人的相似之处。类似于太阳符号在整个东南亚都可以作为艺术主题，以及纳迦房屋屋檐下的雕刻如何暗示对获得人头的敬畏、胜利和喜悦，东南亚后来的审美传统与一对人的手张开手掌拿着太阳和一个人的头骨的洞穴壁画。洞穴壁画证明该地区的艺术一直与其魔法宗教的过去交织在一起。

以前人们认为，在河内附近的东山采用的青铜鼓铸造技术起源于中国。然而，泰国的新发掘表明，鼓和所谓的东山文明都起源于东南亚大陆。无论如何，克伦人铸造了数千年直到 20 世纪初的青铜鼓，显示了东南亚美学遗产的连续性。金属加工必须很早就发展起来，因为东南亚大陆的山脉提供了金、银和其他金属。东南亚的山区人民在制作和使用精美的银纽扣、腰带和珠宝方面有着悠久的历史。纺织图案遵循相同的审美血统。歌曲、舞蹈和其他形式的音乐表达传统上用于部落仪式。

在整个东南亚统治者的支持下，艺术蓬勃发展。大约在基督诞生的时候，部落部落开始正式组织成城市王国或村庄的联合体，这些人在多年定居后作为稻米生产者生活。在这种观点下，国王只不过是部落的最高酋长。由于部落已经有了崇拜神灵的传统，君主们寻找一个新的神灵，成为每个人的奉献对象。这种对新的民族神灵的向往促成了东南亚对印度教和佛教神灵的开放。东南亚的国王负责传播新的宗教，因此该地区的寺庙从一世纪到十三世纪是黄金时代。

寺庙成为文化活动的中心，它们的墙壁成为建筑、雕塑和宗教壁画的画布。印度教神圣文本的语言梵文学者是印度支那东部和岛屿古代帝国的朝臣，在那里他们创造了当地的梵文文学。只有通过伟大的印度教史诗《摩诃婆罗多》和《罗摩衍那》，这种文学努力才得以普及到普通民众。当梵文经文遥不可及时，关于印度教神、魔鬼和有权势的人的故事对于向普通人解释印度教至关重要。在 8 世纪之前繁荣的 Pyu-Burmese 帝国的整个半岛上，没有出现这样的发展，原因有两个：首先，印度教在缅甸从未被广泛接受，其次，更开放的缅甸社会也没有发展出这样的制度。神王也不是世袭贵族。

后来的异教国王被巴利语专家包围，但巴利语的研究不是在宫殿而是在全国各地的寺院进行，甚至将佛陀的教义带到最偏远的村庄。来自世界各地的佛教僧侣和学者前往异教徒学习巴利语，而柬埔寨和爪哇的国王宫廷仍然只是梵文研究的区域中心。 Jataka（佛陀诞生）故事被用来向无法阅读巴利文经典的普通人解释佛教，就像印度史诗被用来向大众解释印度教一样。柬埔寨和爪哇的寺庙都装饰着雕刻和壁画，描绘了本生经的场景，很像那些描绘伟大史诗中的事件的壁画。

满者伯夷王朝之后伊斯兰教传入东南亚岛屿，在已经存在的土著和印度教佛教文化之上建立了第三个文化层。一个新的缅甸帝国在旧时代的灰烬中发展起来，并肩负着在东南亚大陆传播佛教的使命。 18世纪缅甸人入侵暹罗带来了印度文化，这有助于促进缅甸戏剧的发展。被中国重新征服后，半岛另一边的越南越来越受到中国文化的影响。在短暂的伊斯兰文化鼎盛时期之后，东南亚岛国的土著人民被迫屈服于外国统治。只有在缅甸和暹罗这两个从多年战争中崛起为强大王国的政府中，本土艺术才继续蓬勃发展。

宗教和民族历史长期以来一直是东南亚艺术的核心。除了佛陀和印度教众神的生平和性格外，宗教教义并不是主要的兴趣点。大帝国灭亡后，他们对荣耀和力量的记忆犹存，国家历史上出现了一个新主题：对过去传奇英雄的崇敬。

虽然佛像随着时间的推移而演变，但它仍然是艺术家们的热门主题。除了以艺术家自己的当代场景作为背景来引入当地色彩外，在壁画和浮雕中描绘他前世的场景，也是为了向人们传授佛教伦理，因为本生经强调了某些道德美德。佛前世。

印度史诗中事件的描述也是如此，它为艺术家提供了类似的机会并起到了类似的作用。随着时间的推移，佛教和印度教的神与女神、英雄与公主、隐士与魔术师、恶魔与龙、飞马与飞女等等，与相似的本土人物融合在一起，民间故事情节也被融入其中。首要的宗教主题。

当纳迦从佛教和印度教经典中被挪用并与国家类似物融合时，纳迦（一种超人的精神）的不同表现形式出现在世界不同地区。缅甸的纳迦头上有一个独特的纹章。对于孟族来说，纳迦是一条鳄鱼，但对于高棉人和印度尼西亚人来说，它是一条九头蛇。

尽管东南亚的恶魔被归为巴利梵语yakkha或yaksha，但它们独特的身份在每个国家的雕塑和绘画中都得到了保留。尽管对季风森林不熟悉，但由于与印度教诸神和佛教神话有关，狮子仍然成为流行的本土象征和主题。即使在高棉帝国放弃了将蛇龙作为生育之神崇拜的习俗之后，九头龙已经成为保护和王权的象征，石龙在皇家宫殿和神圣的寺庙中守夜。佛教徒不赞成纳迦崇拜。

纵观缅甸和孟族艺术史，纳迦一直被描绘成对佛陀的附属角色，经常用他的线圈为佛陀做一个座位，或者抬起他的大兜帽来保护他免受元素的影响。孟寺的守护者形象传统上被描绘成一头有两个身体和一个人头的狮子，而缅甸寺庙的守护者形象传统上被描绘成一头有冠的狮子。尽管泰族声称继承了高棉和蒙娜迦艺术传统，但善良的恶魔在这些文化中担任寺庙守护者。

印度动物成为进入艺术的古代象征和动物形象的一部分。例如，蒙斯人选择红色的sheldrake作为他们的标志，缅甸人将太阳改成他们最喜欢的鸟孔雀，理由是在佛教神话中孔雀与太阳有关，而在印度尼西亚，神话中的鸟叫嘉鲁达，毗湿奴的车辆，与当地的鹰合并。这些鸟类的描绘已被用作装饰品。曾经装饰东南亚房屋茅草屋顶和木墙的动物的程式化版本进入了更华丽的宫殿和寺庙。来自季风森林的树木、水果和花朵的设计与印度花卉图案和古代几何图案相结合。

东南亚艺术与任何其他地区的艺术完全不同，印度除外。尽管缅甸在历史上一直是与中国的重要贸易纽带，但中国的影响在缅甸传统艺术中却出人意料地消失了。泰族晚到东南亚，带来了一些中国艺术传统，但他们很快就放弃了这些做法，转而支持高棉和孟族的做法。今天，这些早期接触的唯一痕迹可以在寺庙的建筑特征中看到，特别是锥形屋顶和漆器。

由于越南是中国千年的殖民地，中国文化影响了越南艺术。现代越南南部印度教的考古证据可以追溯到 15 世纪越南占领的古代占婆王朝时期。在越南北部的佛像中可以看到中国的影响。对比柬埔寨和印度尼西亚的寺庙墓葬与越南皇帝的墓葬，或越南富丽堂皇的佛像与柬埔寨和缅甸苦行优雅的佛像对比，揭示了东亚和亚洲艺术在审美目标和风格上的根本差异。东南亚的那些。伊斯兰艺术拒绝动物和人类形象，并试图揭示日常世界虚幻之美背后的现实，同样与东南亚艺术几乎没有共同之处。东南亚艺术忽视了印度教和佛教的教义，即感官世界是虚幻的和无常的。

在东南亚艺术中，现实与幻想并存，积极的人生观渗透在每一件作品中。一些人指出，古典高棉和印度尼西亚艺术侧重于表现众神的日常生活，但在东南亚的视角下，众神的日常生活与他们自己的日常生活相同：快乐、朴实和神圣。东南亚艺术不仅没有反映欧洲“为艺术而艺术”的观念，也没有反映欧洲将艺术分为世俗和宗教两类。一个缅甸人的大腿上纹着与一座宏伟的寺庙和一个漆盘相同的图案。这位东南亚艺术家不需要使用模型，因为与他的欧洲同行不同，他并不关心每个解剖方面的准确性。奇妙元素的使用和对人类生活美好事物的强调是东南亚艺术与众不同的地方。

专注于日本艺术

与日本艺术有关的艺术形式和媒体种类繁多'，从古代陶瓷和雕塑到丝绸和纸张上的水墨画和书法、浮世绘和木刻版画、陶瓷和折纸。当代漫画和动漫。从公元前10千年人类在日本存在的最初迹象到今天，日本有着丰富而多样的历史。

日本既经历了外国思想的迅速涌入，也经历了与世界其他地区的长期隔离。日本人在吸收和适应其他文化方面有着悠久的历史，他们认为这些方面在美学上令人愉悦。在 7 世纪和 8 世纪，日本为响应佛教的传播而创造了精致的艺术。随着日本人在 9 世纪远离中国并发展出自己独特的表达方式，世俗艺术获得了突出地位。从那时起直到 15 世纪后期，宗教和世俗艺术都蓬勃发展。当日本爆发宁战（1467-1477）时，它迎来了一个多世纪的政治、社会和经济动荡。在德川幕府的清洗中幸存下来的艺术品大部分是世俗的，宗教在日常生活中的作用要小得多。西式风格的突然引入是明治时代（1868-1912 年）的一件大事。

在日本，业余爱好者和专家都将绘画作为主要的艺术表现形式。日本人特别重视绘画的价值观和美学，因为直到现代，他们才使用画笔而不是钢笔。在江户时代，木刻版画成为一种主要的艺术形式，用于创作其充满活力的版画的方法得到了改进，以满足日益增长的流行文化的需要。由于日本传统佛教的宗教意义在此期间逐渐减弱，日本人发现雕塑不再是表达其创造性愿景的一种不那么吸引人的媒介。

人们普遍认为，日本陶器具有最高的艺术品质，其中包括一些来自日本的最早的器物；日本的瓷器出口在不同时期都是一项重要的经济活动。以莳绘精美装饰的日本漆器长期以来一直是出口到欧洲和中国的热门产品，并且这种趋势在整个 19 世纪一直持续。传统的日本建筑突出了天然材料和室内外生活的融合。

日本版画

浮世绘或日本木版画在西方越来越受欢迎。他们的名字来自描述他们主题的短语“漂浮世界的图片”。佛教认为幸福转瞬即逝，只有没有欲望才能获得启蒙，这为他们飞翔、失重的画面提供了灵感。

封建日本的幕府将军在日本版画的发展中发挥了重要作用，日本版画始于江户地区（现代东京）。根据字面意思是“与世隔绝或封闭的国家”的 Sakoku 政策，日本将自己与世界其他地区隔绝。 1853年，美国将军佩里访问日本，与明治政府谈判。许多浮世绘的版画在佩里访问江户时蓬勃发展，这是一种当代艺术形式，可以在城市的人行道上出售。

浮世绘中经常描绘日本历史和传说中的场景，还有歌舞伎表演者的肖像、剧院场景、恋爱中的情侣、著名的妓女和风景。来自西方的旅行者立刻喜欢上了浮世绘版画，因此他们将它们带回家也就不足为奇了，向世界介绍了日本独特的艺术风格。

浮世绘艺术版画是在将图像向后雕刻到木块上后，将上墨的木版压在纸上制成的。最初开始打印时，一切都是黑白的。 Okomura Masanobu 和 Suzuki Harunobu 是彩色木版印刷领域的先驱，每一种颜色都需要单独的块。

需要用于轮廓的关键块和每种色调的单独块。此外，由于可以从单个块进行少量打印，因此需要雕刻大量块以打印大量副本。这位艺术家只是参与日本艺术版画制作的众多专业人士之一。其他包括设计师、模具规划师、模具切割师和模具压力机。

大约在 1912 年，被称为浮世绘分支的版画运动开始消亡，但很快形成了另外两个版画学校来填补这一空白。 Sosaku Hanga和Shin Hanga是他们的两个名字。关于印刷过程有两种思想流派：Sosaku Hanga，认为艺术家必须在每一步中发挥核心作用，而Shin Hanga则更传统，认为出版商是最核心的，所以不同艺术家可以负责设计、阻止和打印。

为了买卖浮世绘版画，了解一些日本术语很重要，以便正确欣赏和欣赏这种迷人的艺术形式。当提到日本版画时，术语“atozuri”表示它是在初始运行结束后打印的，但仍使用原始木版画。 Shozuri 版画是第一版，而 fukkoku 版画是副本。直到 20 世纪下半叶，艺术家签名和印刷版号通常不包括在日本版画制作过程的最后步骤中。相反，每张印刷品都有一个印章，上面写着它的创作者、出版商和雕塑家。

然而，随着欧洲人了解日本独特的文化，日本出现了一种时尚，在 1860 年代后期，大量日本艺术版画被运往欧洲大陆。日本的出版社很快意识到他们需要生产更著名的木刻版画的复制品以满足不断增长的需求。

由于邮票和其他边缘因素，很容易分辨哪些印刷品是真实的，哪些是复制品。文档的原创性通常可以通过其纸张和颜色条件来确定。由于一般的艺术品收藏家可能无法阅读日本文字，因此在购买正宗的日本艺术品之前，他们应该征求专家的意见。

专注于中国花艺意义

从新石器时代开始，中国的艺术家就在他们的作品中描绘了植物。花、鸟、虫被用于装饰，不仅是因为它们美丽，还因为它们是美丽的。它们还具有丰富的意义。宋代（960-1279）期间，题为“鸟与花”的绘画数量激增，巩固了花卉意象作为中国艺术突出主题的地位。除了卷轴画，这个主题还可以在各种各样的三维艺术品上看到，包括瓷器、漆器、玉雕、纺织品、家具等。

在我们准备迎接春天之际，我们将通过从 19 世纪 AGGV 的亚洲艺术收藏中挑选的画作来审视花卉在中国艺术中的象征意义。这张专辑的艺术作品都是根据花卉和蝴蝶的实际动植物进行的现场展示。这种组合很可能在 18 世纪首次出现在特别委托作为生日礼物赠送的商品上。蝴蝶拒绝可以用来同时表达多个良好的祝愿。这些物品也与长寿有关，是伟大的生日象征。蝴蝶，在道教中，代表着精神的无拘无束。花代表了许多积极的事物，它们在这些艺术品中的加入只是增加了它们的积极内涵。

根据中国民间故事，两个恋人在战争中悲惨地分开，罂粟代表浪漫关系中伴侣之间的忠诚和忠诚。故事围绕着罂粟展开，罂粟生长在她的士兵丈夫去世后妻子投身的地方。

花开富贵的说法，寓意农历新年（1月下旬至2月中旬）开花的山茶花，用来美化家居，迎接来年的好运。由于欧洲对玫瑰的喜爱由来已久，这朵花经常被描绘在打算在其他地方出售的物品上。由于月季常年开花，故有“常春花”之称。

牵牛花。牵牛花的管状花朵，绽放出明亮的紫色，最初在15世纪被用作明朝青花物品的装饰元素。据说这种花象征着婚姻的幸福。中国有许多种杜鹃花，每种花都有独特的花期。与蝴蝶相结合，杜鹃花具有 "艺术中的创造性人才 "的内涵，代表了艺术中如此普遍的女性之美。

好奇心：什么是东方主义？

东方主义是指模仿或定型东方元素的做法，存在于艺术史、文学和文化研究领域。西方作家、设计师和画家最常为这些描绘负责。在 19 世纪流行的各种学术艺术子流派中，专注于展示中东的东方主义绘画是最突出的之一。同样，当时的西方文学对东方的异国情调表现出浓厚的兴趣。

自爱德华·赛义德（Edward Said）的《东方主义》于1978年出版以来，在学术界，“东方主义”这个词已经司空见惯。这个词用来描述西方对亚非文化的居高临下的看法。根据赛义德的说法，西方将这些文化本质化为停滞不前和不发达，创造了一幅可以研究、描绘和复制的东方文化图景，为帝国权威服务。正如赛义德所指出的，这种谎言建立在西方社会是进步的、聪明的、适应性强的和优越的假设之上的。这使西方人可以自由地将“东方”文化和人民想象为既异国情调又危险的人。

“东方主义”一词在艺术史中被用来描述整个 19 世纪西方艺术家创作的作品，这些艺术家专注于东方主题和主题，这是他们对西亚探索的结果。当时，艺术家和学者经常被嘲笑地贴上“东方主义者”的标签，这个词由法国艺术评论家朱尔斯·安托万·卡斯塔尼亚里（Jules-Antoine Castagnary）普及。以让-莱昂热罗姆为名誉主席的法国东方画家协会成立于 1893 年，尽管社会普遍反对这一流派；相比之下，在英国，“Orientalist”仅仅意味着“艺术家”。

随着法国东方画家协会的成立，艺术家的观点在 19 世纪末发生了转变，该协会使成员能够认识到自己是更大艺术运动的一部分。尽管在 19 世纪运动的鼎盛时期出现了许多不同的东方主义绘画风格，但“东方主义绘画”一词通常用于指代学术艺术的一个子流派。许多艺术史学家将东方画家分为两类：直接观察绘画的人和在工作室中创造奇幻场景的人。人们普遍认为，东方主义运动中最杰出的人物是法国艺术家，如欧仁·德拉克罗瓦（1798-1863）和让-莱昂·热罗姆（1824-1904）。

法国东方主义

拿破仑在 1798 年至 1801 年对埃及和叙利亚的灾难性入侵影响了法国东方主义绘画，并在随后的几年中被拿破仑的宫廷画家，尤其是安托万-让·格罗斯记录下来，尽管格罗斯没有随军队前往中东.波拿巴探访雅法瘟疫受害者（1804 年）和阿布基尔战役（1806 年）都以当时的皇帝为中心，但也有许多埃及人。在金字塔之战中不太成功的拿破仑也有许多埃及人（1810 年）。同样重要的是 Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson 的 La Révolte du Caire (1810)。法国政府在 1809 年至 1828 年间制作了 20 卷关于埃及古物的插图描述，标题为 Description de l'Égypte。

在踏足希腊或东方之前，欧仁·德拉克洛瓦 (Eugène Delacroix) 凭借《希俄斯大屠杀》(The Massacre at Chios)（1824 年）获得了他的第一部重要作品，就像他的朋友西奥多·热里柯的《美杜莎之筏》一样，描绘了最近发生在一个遥远地方的悲剧，该悲剧引发了舆论。当希腊人仍在为摆脱奥斯曼帝国的统治而挣扎时，这个国家和帝国的远东地区一样充满异国情调。德拉克洛瓦随后画了《米索隆吉废墟上的希腊》（1827 年）以纪念前一年发生的围攻，以及受拜伦勋爵启发的《萨达纳帕卢斯之死》（1828 年），据说是第一部艺术作品结合性、暴力、懒惰和异国情调。 1832 年，作为对摩洛哥苏丹的外交使团的一部分，德拉克洛瓦终于前往现在的阿尔及利亚，这是法国新占领的领土。他被所见所闻深深打动，将北非的生活方式与古罗马人的生活方式相提并论，回到法国后，他继续绘画旅行中的主题。他的许多图像都以犹太人或骑马的战士为特色，因为像许多后来的东方画家一样，他发现很难描绘女性。很少有后续的后宫场景可以做出同样的现实主义主张，但他显然能够进入一所房子的女性宿舍（或后宫）来描绘成为阿尔及尔女性的东西。

是法国绘画学院院长安格尔（Ingres）通过他对土耳其浴的生动彩色描绘（可能都是同一个模特）中女性形象的模糊概括，普及了色情东方。在神秘的东方，更公开的性行为是被容忍的。亨利·马蒂斯（Henri Matisse）在尼斯时期的半裸画以及他对东方服饰和图案的运用，就是将这一主题延续到 20 世纪初的例子。轮船使旅行变得更加容易，许多艺术家访问了中东及其他地区，描绘了广泛的东方场景。在访问东方之前，安格尔的学生 Théodore Chassériau（1819-1856 年）已经凭借他的裸体《以斯帖的洗手间》（1841 年，卢浮宫）和君士坦丁哈里发兼酋长阿里-本-哈梅特的马术肖像取得了成功。 Haractas，跟随他的护送

其中许多作品延续了对东方的刻板、异国情调和性感的描绘。这种类型的艺术品通常侧重于阿拉伯、犹太人和其他闪族文化，因为随着法国帝国在北非扩大影响力，法国画家前往该地区了解该地区的历史和发展。几位法国艺术家，如欧仁·德拉克洛瓦、让-莱昂·热罗姆和让-奥古斯特-多米尼克·安格尔，在他们的伊斯兰文化画作中描绘了宫女。他们强调呆滞和华丽的视觉效果。尤其是风俗画，被批评为与欧洲相同主题的例子过于相似，或者表达了赛迪安意义上的东方主义世界观。热罗姆（Gérôme）是一群上世纪晚期法国画家的祖先，并且经常是大师，这些画家以公然对后宫、公共浴室和奴隶拍卖的性描写而闻名（后两者也有古典装饰），并为“东方主义与色情模式中的裸体的等式”。

欧洲建筑和设计中的东方主义

从 15 世纪后期开始，文艺复兴时期的莫尔斯克风格装饰是对伊斯兰蔓藤花纹的欧洲改编，一直被用于某些领域，例如装订，直到今天。 “Indo-Saracenic Revival”一词描述了早期西方对印度建筑主题的使用。伦敦市政厅的正面可以追溯到这个时期（1788-1789）。大约从 1795 年开始，当威廉·霍奇斯 (William Hodges) 和威廉和托马斯·丹尼尔 (William and Thomas Daniell) 发表了对印度的看法时，这种风格在西方开始流行起来。 “印度”建筑最著名的例子是格洛斯特郡的 Sezincote House（约 1805 年），它是为最近从孟加拉返回的一个 nabob 建造的，以及布莱顿的皇家馆。

在装饰艺术中使用“土耳其”风格、偶尔采用土耳其服装以及对描绘奥斯曼帝国的艺术的兴趣都是土耳其运动的一部分，该运动始于 15 世纪后期，至少持续到 18 世纪。即使法国在 18 世纪后变得更加重要，但最初的枢纽是威尼斯，这是奥斯曼帝国的长期商业关系。

“中国风”这个名称是指以中国元素为灵感的整体装饰风格，从 17 世纪开始在西欧流行并在几波浪潮中达到顶峰，尤其是在洛可可时期（约 1740-1770 年）。从文艺复兴到 18 世纪，西方设计师曾尝试过中国陶瓷技术的复杂性，但只取得了部分成功。 17世纪，英国（东印度公司）、丹麦（东印度公司）、荷兰（东印度公司）、法国（东印度公司）等国家开始出现迹象中国风（法国东印度公司）。早在 17 世纪，代尔夫特和其他荷兰城市的陶艺家就开始使用与中国明代相同的正宗青花瓷。来自最早的真正瓷器生产地点的盘子、花瓶和茶具，如迈森，模仿了中国传统形式（见中国出口瓷器）。

巴洛克晚期和洛可可式德国宫殿的正式花坛有“中国风味”的游乐亭，马德里附近的阿兰胡埃斯的瓷砖面板描绘了类似的结构。 1753-1770 年间，Thomas Chippendale 用镂空玻璃和栏杆装饰了茶几和瓷器柜。归化也发生在对早期邢文人家具的忧郁致敬中，例如唐，它成为格鲁吉亚中期的边桌和方形板背扶手椅，适合英国绅士和中国学者使用。

并非所有西方对中国传统美学的诠释都被认为是“中国风”。中国风媒体的例子包括陶瓷人物和餐桌装饰品、早期的纸状壁纸以及模仿日本的漆器和彩绘锡 (tôle) 餐具。全尺寸的宝塔安装在花园中，而微型版本则放置在壁炉架上。由威廉钱伯斯 (William Chambers) 创建的大宝塔是邱园的一座令人惊叹的建筑。 Wilhelma (1846) 位于斯图加特，是一座体现摩尔复兴风格的建筑。 Leighton House 是为艺术家 Frederic Leighton 建造的，拥有传统的外观但华丽的阿拉伯风格内饰，带有真正的伊斯兰瓷砖和其他组件以及维多利亚时代的东方化作品。

很大程度上由于将浮世绘版画引入西方，被称为日本主义的美学运动在 1860 年后蓬勃发展。对克劳德·莫奈和埃德加·德加等现代法国艺术家影响最大的是日本美学。日本版画启发了在法国生活和工作的美国艺术家玛丽·卡萨特。她将他们对分层图案、平面和动态透视的使用融入到自己的作品中。  一些受日本启发的艺术的最佳例子可以在孔雀房中找到，这是詹姆斯·阿博特·麦克尼尔·惠斯勒的画作集。加州格林和格林的赌博屋和其他建筑都受到日本建筑的影响。

埃及复兴建筑是 19 世纪早期和中期的一种流行风格，并作为一种次要风格一直持续到 20 世纪初。在 19 世纪初，犹太教堂是起源于德国各州的摩尔复兴风格的主要受益者之一。在 19 世纪末左右，英国拉吉出现了一种被称为印度-撒拉逊复兴的建筑风格。

用东方艺术装饰

东方装饰的美学是世界上最迷人的。在家具和室内装饰行业流行，东方装饰元素的使用正在上升。数千年来，这些亚洲艺术形式的收藏一直受到需求，并以来自各种亚洲国家的作品为特色。

“东方艺术”一词经常让人联想到日本艺妓或中国水彩画的形象，但这些并不是唯一的例子。东方卷轴、花瓶和绘画以其鲜艳的色彩和对细节的关注，历经数个世纪。雨伞、扇子和灯是其他形式的东方艺术的进一步例子。

东方艺术如此受欢迎的原因之一是其简洁的线条和鲜艳的色彩。东半球和西半球都将东方装饰元素融入室内。由于其优雅和功能性，它可以用于与众不同的设置。在您的家中添加一件东方艺术品是赋予其独特外观和感觉的好方法。壁扇是东方艺术的标志性例子。用东方的物品装饰是个好主意，因为它们既时尚又便宜。

正如该领域的许多专家所建议的那样，拍卖是获得东方艺术作品的最佳方式之一。因此，您可以简单地浏览拍卖目录并开始用东方风味的作品装饰您的家。然而，关于日本艺术，拍卖通常包括版画、陶瓷、盔甲等。

一些著名的东方艺术家

顾恺之 (344 – c. 406)

中国艺术家顾恺之的著名作品有《女教师告宫女》和《名媛训诫》。他还是一位诗人和艺术理论家。他是一位道家哲人，一生多姿多彩，时而玩世不恭。顾恺之（约 344-406 年）于 366 年开始担任官职，出生于江苏省无锡市，但他的才华远远超出了政治范畴。他还是一位颇有造诣的诗人、散文家、画家和中国书法的实践者。 《画论》、《魏晋名画概论》、《画云台山》三部作品，囊括了顾氏关于绘画的众多理论。他一生的作品记录在 70 多幅画作中，这些画作侧重于人和神人物、动物、风景和水道。南京寺大佛（为建寺创收）、《女教师训诫》、《洛江仙女》等都是他的作品。顾恺之的作品现已被世界各地收藏。公元220年至公元581年左右，是中国画的黄金时代。 300多年来，尽管中国发生了战争和朝代更迭，但中国的文化生活仍然充满活力。这在很大程度上是由于许多不同的学校为该国的艺术发展提供了重要推动力。这一时期的中国书法和艺术有几个精湛的例子，包括墓画、石砖雕塑和漆画。同样被理论化的还有我们在当代中国绘画中看到的绘画规则，例如图形理论和六规则理论。这些艺术家中最有影响力和最知名的一位是顾恺之，他经常被视为国画的鼻祖。他的作品体现了他所处的时代。

范宽 (960 – c. 1030)

从990年到1020年，范宽是中国著名的“北派”道家画家。除其他外，10 世纪和 11 世纪最优秀的大师都归功于他。范宽的题为《山溪行者》的竖卷被广泛认为是北宋画派的基础艺术作品。它为巨大的山水画设定了一个标准，许多艺术家随后会寻求指导。很明显，中国古代的三个维度，近、中（以水和雾为代表）和距离的思想在这里起作用。与中国山水画最早的例子相比，自然世界的辉煌是焦点而不是事后的想法。在巨石的底部，可以看到一排驮马从灌木丛中出现。在艺术品的视觉风格中可以看到旧唐代的惯例。

葛饰北斋 ( 1760 – 1849 )

这是葛饰北斋作为画家和版画家在日本普及的浮世绘风格。他是一位精确而古怪的画家，以他的版画而闻名。然而，他一生都在这两种媒介中工作。在他的职业生涯 60 多年里，他已经尝试了描绘戏剧主题的木刻版画、私人流通的问候版画（surimono），以及从 1830 年代开始的风景系列，如著名的桥梁景观和著名的瀑布等作品就是证明。各省，富士山三十六景，部分反映了个人对这座著名火山的依恋。神奈川大浪，也是该经典的一部分，是相关作品。在经历了一段由一系列家庭问题带来的巨大困难之后， 其中最重要的是他的侄子的赌博倾向， 他出版了一些针对业余爱好者和专业人士的绘画和漫画指南。为妇女和儿童创作和绘制各种神秘书籍和短篇小说，以及致力于描绘伟大的文学杰作，受到他毕生对文学的热爱的启发，这很可能始于他在青少年时期作为旅行的跑腿男孩图书馆。他写的俳句也不错。由于他的艺术对克劳德·莫奈（Claude Monet）等欧洲印象派画家以及文森特·梵高（Vincent van Gogh）和法国画家保罗·高更（Paul Gauguin）等后印象派画家的广泛影响，1896 年至 1914 年间，当时最重要的评论家用法语出版了三本关于北斋的传记，包括埃德蒙·德·贡古。根据有关他的故事，他在整个职业生涯中搬家了九十多次，并使用了几个不同的艺名。

吉田博 (1876 – 1950)

日本画家和印刷商吉田博史。他的泰姬陵、瑞士阿尔卑斯山和大峡谷的版画是最着名的 shin-hanga 艺术例子之一，它们唤起了观众强烈的情感。 1876 年 9 月 19 日，在基什岛的福冈县久留米市，本名上田博史的吉田博史的生活开始了。他的养父是一名公立学校的艺术教师，鼓励他早期的艺术天赋。在东京师从小山正太郎三年后，19岁时转往京都师从著名西洋画大师田村松龙。 1899 年，吉田在当时被称为底特律艺术博物馆但现在被称为底特律艺术学院的地方举办了他的第一场展览。 Hiroshi Yoshida 是一位多才多艺的油画家，自从明治时代传入日本以来，他就一直在使用这种媒介。 1921 年的帆船系列和泰姬陵版画（其中有六幅）都是吉田习惯用不同颜色复制同一图像以改变情绪的例子。

引号

玛德琳·恩格尔

• “我喜欢这样一个事实，即在中国古代艺术中，伟大的画家总是在他们的作品中刻意加入一个缺陷：人类的创造从来都不是完美的。”

艾未未

• “所有的富人都收藏中国传统艺术。所以中国家庭仍然很自然地将艺术视为人类的最高表现，并把他们的孩子送到这个领域。”

斯蒂芬·加德纳

• “在日本艺术中，空间占据了主导地位，禅宗概念加强了它的地位”。

亨利·马蒂斯

• “日本艺术大时代的艺术家们在他们的职业生涯中不是多次改名吗？我喜欢这样，他们想维护自己的自由”。

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东方艺术：来自不同文化的广泛创意

来自亚洲各地的各种艺术传统构成了亚洲艺术的历史。中亚、东亚、南亚、东南亚和西亚是亚洲大陆最突出的部分。

东亚艺术包括中国、日本和韩国的文化，而中亚艺术则以欧亚草原突厥民族的创作为主。东南亚艺术包括泰国、老挝、越南、新加坡、印度尼西亚和菲律宾的艺术，而南亚艺术是指印度次大陆的艺术。近东或西亚的艺术包括古代美索不达米亚艺术和现代伊斯兰艺术。

亚洲艺术的演变在许多方面与西方艺术相似。文化通过丝绸之路的艺术转移、发现和殖民时代的文化交流、互联网和当前的全球化等方式融合在一起。如果排除石器时代的艺术，美索不达米亚的艺术是亚洲最早的艺术。

中亚艺术

当代的吉尔吉斯斯坦、哈萨克斯坦、乌兹别克斯坦、土库曼斯坦、阿塞拜疆、塔吉克斯坦、阿富汗、巴基斯坦以及现代蒙古、中国和俄罗斯的一些地区都被认为是中亚地区的一部分，该地区拥有丰富的历史和各种各样的艺术传统。从古代到中世纪的中亚艺术展示了该地区多样化的人口和文化遗产。中亚的文化遗产以惊人的方式反映了该地区的多元文化构成，该地区的艺术文物就是明证。斯基泰艺术、希腊佛教艺术、塞林迪亚艺术，甚至现代波斯文化都是这段曲折历史的一部分，其中还包括艺术在丝绸之路上的传播。

从公元前 2 世纪末到最近，在定居社区边缘实行混合经济的移徙牧民将中亚（从里海到中国中部，从俄罗斯南部到印度北部）的草原称为家园。这些游牧民族的史前“动物风格”艺术不仅揭示了他们的动物形态神话和萨满教仪式，还揭示了他们将定居文化的象征融入自己的实践的开放性。

世界各地的文化在中亚交汇融合，成为连接中国与地中海的古丝绸之路的神经中枢。公元前三千年和二千年不断发展的社区是连接中亚与印度河流域、美索不达米亚和埃及的庞大贸易网络的一部分。

近几个世纪以来，伊斯兰艺术对西方艺术产生了重大影响，但古老的文化从广泛的来源中汲取灵感，包括中国、波斯和希腊的艺术，以及在游牧民族中出现的动物风格。草原。

东亚艺术

东亚的文化实践包括中国、韩国和日本的视觉艺术、文学和表演艺术。由于没有实际用途，不涉及体力劳动，在中国，只有书画被赋予了“真正的美术”的地位。雕塑，连同青铜铸造和雕刻，以及陶瓷、纺织、冶金和漆器的生产，都被视为工艺品。中国传统建筑几乎通常由木材制成，并具有平台、柱和门楣框架、屋顶支撑支架和沉重的倾斜屋顶。

佛教图像学、日本本土主题和传统以及中国视觉艺术等三个因素对日本视觉文化产生了重大影响。建于七世纪的 Hry Temple 是第一个使用不对称布局的建筑，这种布局后来成为日本建筑的特征。发展成为标志性浮世绘版画的彩色木刻版画以及 16 至 18 世纪的屏风和面板画是日本画家专注于自然抽象的典型例子。在建筑和雕塑中使用石头以及开发精美的青瓷釉是韩国对艺术最独特的两项贡献。

在世界文学中，中国的不间断历史最长（3000多年）。它的历史与它与韩国和日本共享的书面语言的历史错综复杂地交织在一起。民谣、传说、面具剧、木偶剧文本和 p'ansori（“故事歌唱”）文本都是韩国丰富的口述历史的一部分，该国还拥有强大的诗歌书面传统（尤其是 hyangga 和 sijo 形式） .由于日本和韩国都没有自己的书面语言，两国的文学传统大量借鉴了中国（尽管日本的音节系统出现了大约 1000 年，韩文是在 15 世纪发展起来的）。日本的诗歌，尤其是俳句形式的诗歌，以其细腻的敏感性而闻名于世，它的历史可以追溯到 7 世纪，连同该国的许多文学宝藏，如源氏物语。

东亚音乐和西方音乐一样，创造了基于12音词汇的五声音阶，但其基础却截然不同。东亚乐团的规模相对较小，该地区的作曲家通常优先考虑旋律和节奏而不是谐波复杂性。值得注意的是，在东亚国家，音乐、舞蹈和戏剧往往是联系在一起的，在东亚舞蹈和戏剧的相关类别中，没有明显的形式演变的证据。游行队伍、舞剧（京剧或“京剧”和其他类型的中国戏曲）、皮影戏、木偶戏以及音乐和舞蹈的对话剧只是东亚表演艺术（例如日本歌舞伎）。巴什、薄居易、杜甫、安藤博重、鲁迅、紫式部的作品也值得研究，花道、Jgan式折纸、卷轴画、新电造、松阴造、数寄屋式、 Tempyu风格和Tori风格的建筑。

南亚艺术

印度、巴基斯坦、孟加拉国和斯里兰卡的艺术通常被称为南亚。大量以梵语、普里克语和地区语言编写的古代文本文献有助于将印度次大陆的人们聚集在一起，共同的文化和伦理观点也是如此。尽管几个世纪以来该地区被划分为千变万化的政治模式，但整个次大陆具有共同的音乐和舞蹈传统、仪式仪式、宗教习俗和文学思想。

南亚史诗，如 Rmyaa 和 Mahbhrata，提供了对该地区众多民族之间复杂关系网络的洞察。有明确的证据表明，远隔地区的众神和英雄之间存在家族关系，许多地名本身都暗示了共同的祖先。还为在该地区建立统一的政治秩序做出了不懈努力。例如，在公元前三世纪，青冈天皇控制了该地区的大部分地区。公元十一世纪，柴的拉金德拉一世占领了印度和东南亚的大部分地区；在公元 16 世纪，伟大的莫卧儿阿克巴也做了同样的事情。在整个南亚历史上，边界不断扩大和缩小，正式加入和分离为完整的地区，但文化始终保持一致。

由于其共享的物理环境，该地区的山脉和河流的美丽得到了广泛的赞赏。沿着北部边界延伸的喜马拉雅山是世界上最高的山脉，代表了宏伟、纯洁和原始雪的文化理想。雅鲁藏布江和印度河等河流因其提供的丰富水源而在各自地区被誉为“母亲”。

人们普遍认为，水精灵和森林精灵，分别被称为 ngas 和 yakas，栖息在该地区的湖泊和泉水中。克什米尔早期王朝的名字，Karkoa，本身就是nga崇拜的象征。在不同地点出土的古代宗教文物，例如 ngas 和 yakas 的雕像，暗示着一种共同的虔诚精神，以及多年来口头传播而没有失去其原始语调的宗教文本。在巴基斯坦的犍陀罗、布尔胡特和阿马瓦特等城市都可以找到描绘类似古典舞蹈的雕塑。

在南亚，必须精通多种不同的艺术，然后才能专攻其中一种。由于雕塑与绘画和舞蹈一样，描绘了整个世界，因此没有先掌握另一种艺术形式，就不可能精通每种艺术形式。舞蹈是通过动作和节奏来表达的一种形式；因此，对音乐节奏的理解至关重要。人们认为文学和修辞知识对于激发音乐和舞蹈中的情感很重要；在音乐、舞蹈、雕塑或绘画中表达的味道（rasa）需要对书面文字有一定的了解。因此，艺术在许多层面上相互关联。

南亚的艺术不仅是为了他们自身的利益而作为一种受人尊敬的休闲活动，而且也是一种对更高权力的奉献和崇拜的行为。有文献提到王子检查艺术品的缺陷。艺术家在理论和实践上的成就和抱负体现在一个单一的铭文中，上面提到了建于八世纪的 Pattadakal 的 Mallikrjuna 寺庙的 stra-dhra（“建筑师”）的名字。

南亚文化长期以来赋予艺术家特权地位。宫廷里挤满了诗人、音乐家和舞者。一位才华横溢的舞者得到了 Rjendra Ca 的称赞，Tiruvoiyr 寺庙的建筑师也得到了 Rjendra 的支持，他在题词中对建筑和艺术的广泛理解受到了称赞。然而，民间艺术与高级艺术之间有着密切的联系。例如，部落群舞与西方古典艺术、舞蹈和音乐之间存在相似之处。印度次大陆有着丰富的艺术历史，圆形雕塑（citra）和浮雕雕塑（ardhacitra）都占有重要地位。

Citrbhsa，意为“雕塑的外观”，是第三高的艺术形式。 5 世纪诗人克利萨（Klidsa）的戏剧中的一首诗解释了眼睛如何在绘画建模中描绘的高度和深度上翻滚，展示了明暗对比（即使用明暗来表达造型）的影响是多么重要.大师们最看重一幅画的线稿，一定要画得稳重优雅，其次才是别人看重的明暗和造型的刻画，还有迎合女性品味的装饰元素，以及色彩的绚丽。 , 这符合普通口味。你能用这么少的图画表现出这么多的形式，真是令人印象深刻。在南亚绘画和雕塑中有许多成功的肖像画文学例子，展示了肖像画在该地区视觉艺术中的中心地位。写于六世纪的 Viudharmottara 将肖像画分为四类：自然、抒情、复杂和混合。它还根据头发和眼睛的形状和颜色对不同类型的人进行分类。其中包括对许多艺术观点的概述，以及对透视缩短基础知识的解释。就像一首诗反映诗人一样，人们认为绘画和雕塑将具有其创作者的特征。

尽管南亚长期以来一直受到外国影响，但该地区总能找到将这些元素结合到本土实践中的方法，产生独特的综合而不是单纯的复制。这也反映在巴基斯坦犍陀罗地区的艺术作品中，当时（公元前 4 世纪）该地区沉浸在希腊罗马文化中。将印度图案和风格融入占主导地位的西方风格是这个时代雕塑的标志。

公元一世纪贵霜入侵后，外部影响明显涌入，但最终土著文化取得了胜利。莫卧儿帝国从 16 世纪开始统治南亚，由来自中亚的穆斯林组成，通过对其臣民实行占主导地位的印度教育，在文化上统一了该地区。穆斯林艺术在莫卧儿第二位皇帝胡迈恩（Humayn）的统治下蓬勃发展，他从波斯国王的宫廷中引进了艺术家，创造了融合印度和波斯风格的历史。

每个地区的艺术都反映了自己的政治结构、道德和伦理规范以及社会结构。早在公元前三世纪，统治者就表现出为人民服务的意愿，几乎像对待后代一样对待他们。 4-6世纪北印度笈多帝国的华丽硬币将君主的理想描绘为无与伦比的弓箭手，统一者，高大庄严的高贵精神，为臣民福祉的牺牲者，以及他的英雄人们（想象他骑着一头庄严的大象）。描绘正义征服和正义战争的艺术品。战争和征服、象征性的马祭、国王会议、外交招待会、和平谈判、寺庙建设、美术欣赏（包括舞蹈和音乐）以及国王的加冕，这些只是广泛描述的众多政府活动中的一部分。系列雕塑描绘了 4 至 9 世纪南印度帕拉瓦王朝的历史。

类似于强调佛法、指导义务的惯例或法律的雕塑如何反映道德态度，描绘道德行为的雕塑也是如此。将不杀生原则或非暴力对待他人的原则形象化的一种常见方式是通过鹿的形象，而圣地的理想通常被描绘为鹿可以自由漫游的地方。艺术品经常描绘主题陶醉于自己或他人的牺牲的场景。世界上最早的寓言集之一《帕卡密宗》中的故事以直截了当但有效的方式描绘在雕塑中。南亚艺术始终如一地描绘了几代人渗透到次大陆社会结构中的虔诚、信仰和对道德的尊重。

东南亚艺术

东南亚的艺术包括书面、口头和视觉形式。尽管印度文化对该地区的发展产生了重大影响，但在此之前存在一些共同特征。并非源自印度的艺术风格，如蜡染织物、加麦兰管弦乐队和哇扬木偶剧院，仍然很受欢迎。土生土长的湿稻（或稻谷）种植、冶金、航海、祖先崇拜和山祭都很普遍。

东南亚包括广阔的印度支那半岛以及该地区的其他岛屿，通常被称为东印度群岛。东南亚可以分为两个不同的部分：大陆和岛屿。缅甸（缅甸）、泰国、老挝、柬埔寨、越南、马来西亚、新加坡、印度尼西亚和菲律宾是构成该地区的政府实体。虽然菲律宾最初并不被认为是东南亚的一部分，但由于它靠近中国和日本，并且与东南亚文化有着密切的文化相似性，它现在被普遍认为是该地区的一部分。

整个东南亚都有相似的气候和地形，这塑造了该地区的历史和文化。在文化上，住在山里的人往往与住在山谷里的人分道扬镳。

最初人们认为，东南亚人民在史前时代就缺乏独创性，在与其他文化的互动中，他们更“接受”而不是“创造性”。后来在缅甸和泰国的发掘和发现促使一些学者反对公认的史前文明从中国转移到东南亚的理论。相反，他们认为，东南亚大陆的人民与古代中东人民大约同时在种植植物、制作陶器和青铜器，因此文明在一千年前从东南亚大陆传播到中国。因为他们总是对创造美好事物的实际工作更感兴趣，东南亚人没有丰富的艺术理论、文学或戏剧批评遗产。

由于人们，特别是在大陆的西半部，人们从事非耐用材料的工作，因此无法逐步追溯东南亚艺术形式的创造和演变。鉴于该地区茂密的森林历史，有理由认为木材将是最早出于美学原因使用的材料。尽管他们新发现了对金属和石头的熟练程度，但他们从未放弃传统的木雕实践，即使在石雕和石制建筑的伟大时代过去（大约 13 世纪）之后，木雕仍然继续蓬勃发展。在缅甸西部掸邦的萨尔温江沿岸，考古学家发现了史前洞穴壁画，这些壁画与后来房屋柱子上的纳迦雕塑有着惊人的相似之处。类似于太阳符号在整个东南亚都可以作为艺术主题，以及纳迦房屋屋檐下的雕刻如何暗示对获得人头的敬畏、胜利和喜悦，东南亚后来的审美传统与一对人的手张开手掌拿着太阳和一个人的头骨的洞穴壁画。洞穴壁画证明该地区的艺术一直与其魔法宗教的过去交织在一起。

以前人们认为，在河内附近的东山采用的青铜鼓铸造技术起源于中国。然而，泰国的新发掘表明，鼓和所谓的东山文明都起源于东南亚大陆。无论如何，克伦人铸造了数千年直到 20 世纪初的青铜鼓，显示了东南亚美学遗产的连续性。金属加工必须很早就发展起来，因为东南亚大陆的山脉提供了金、银和其他金属。东南亚的山区人民在制作和使用精美的银纽扣、腰带和珠宝方面有着悠久的历史。纺织图案遵循相同的审美血统。歌曲、舞蹈和其他形式的音乐表达传统上用于部落仪式。

在整个东南亚统治者的支持下，艺术蓬勃发展。大约在基督诞生的时候，部落部落开始正式组织成城市王国或村庄的联合体，这些人在多年定居后作为稻米生产者生活。在这种观点下，国王只不过是部落的最高酋长。由于部落已经有了崇拜神灵的传统，君主们寻找一个新的神灵，成为每个人的奉献对象。这种对新的民族神灵的向往促成了东南亚对印度教和佛教神灵的开放。东南亚的国王负责传播新的宗教，因此该地区的寺庙从一世纪到十三世纪是黄金时代。

寺庙成为文化活动的中心，它们的墙壁成为建筑、雕塑和宗教壁画的画布。印度教神圣文本的语言梵文学者是印度支那东部和岛屿古代帝国的朝臣，在那里他们创造了当地的梵文文学。只有通过伟大的印度教史诗《摩诃婆罗多》和《罗摩衍那》，这种文学努力才得以普及到普通民众。当梵文经文遥不可及时，关于印度教神、魔鬼和有权势的人的故事对于向普通人解释印度教至关重要。在 8 世纪之前繁荣的 Pyu-Burmese 帝国的整个半岛上，没有出现这样的发展，原因有两个：首先，印度教在缅甸从未被广泛接受，其次，更开放的缅甸社会也没有发展出这样的制度。神王也不是世袭贵族。

后来的异教国王被巴利语专家包围，但巴利语的研究不是在宫殿而是在全国各地的寺院进行，甚至将佛陀的教义带到最偏远的村庄。来自世界各地的佛教僧侣和学者前往异教徒学习巴利语，而柬埔寨和爪哇的国王宫廷仍然只是梵文研究的区域中心。 Jataka（佛陀诞生）故事被用来向无法阅读巴利文经典的普通人解释佛教，就像印度史诗被用来向大众解释印度教一样。柬埔寨和爪哇的寺庙都装饰着雕刻和壁画，描绘了本生经的场景，很像那些描绘伟大史诗中的事件的壁画。

满者伯夷王朝之后伊斯兰教传入东南亚岛屿，在已经存在的土著和印度教佛教文化之上建立了第三个文化层。一个新的缅甸帝国在旧时代的灰烬中发展起来，并肩负着在东南亚大陆传播佛教的使命。 18世纪缅甸人入侵暹罗带来了印度文化，这有助于促进缅甸戏剧的发展。被中国重新征服后，半岛另一边的越南越来越受到中国文化的影响。在短暂的伊斯兰文化鼎盛时期之后，东南亚岛国的土著人民被迫屈服于外国统治。只有在缅甸和暹罗这两个从多年战争中崛起为强大王国的政府中，本土艺术才继续蓬勃发展。

宗教和民族历史长期以来一直是东南亚艺术的核心。除了佛陀和印度教众神的生平和性格外，宗教教义并不是主要的兴趣点。大帝国灭亡后，他们对荣耀和力量的记忆犹存，国家历史上出现了一个新主题：对过去传奇英雄的崇敬。

虽然佛像随着时间的推移而演变，但它仍然是艺术家们的热门主题。除了以艺术家自己的当代场景作为背景来引入当地色彩外，在壁画和浮雕中描绘他前世的场景，也是为了向人们传授佛教伦理，因为本生经强调了某些道德美德。佛前世。

印度史诗中事件的描述也是如此，它为艺术家提供了类似的机会并起到了类似的作用。随着时间的推移，佛教和印度教的神与女神、英雄与公主、隐士与魔术师、恶魔与龙、飞马与飞女等等，与相似的本土人物融合在一起，民间故事情节也被融入其中。首要的宗教主题。

当纳迦从佛教和印度教经典中被挪用并与国家类似物融合时，纳迦（一种超人的精神）的不同表现形式出现在世界不同地区。缅甸的纳迦头上有一个独特的纹章。对于孟族来说，纳迦是一条鳄鱼，但对于高棉人和印度尼西亚人来说，它是一条九头蛇。

尽管东南亚的恶魔被归为巴利梵语yakkha或yaksha，但它们独特的身份在每个国家的雕塑和绘画中都得到了保留。尽管对季风森林不熟悉，但由于与印度教诸神和佛教神话有关，狮子仍然成为流行的本土象征和主题。即使在高棉帝国放弃了将蛇龙作为生育之神崇拜的习俗之后，九头龙已经成为保护和王权的象征，石龙在皇家宫殿和神圣的寺庙中守夜。佛教徒不赞成纳迦崇拜。

纵观缅甸和孟族艺术史，纳迦一直被描绘成对佛陀的附属角色，经常用他的线圈为佛陀做一个座位，或者抬起他的大兜帽来保护他免受元素的影响。孟寺的守护者形象传统上被描绘成一头有两个身体和一个人头的狮子，而缅甸寺庙的守护者形象传统上被描绘成一头有冠的狮子。尽管泰族声称继承了高棉和蒙娜迦艺术传统，但善良的恶魔在这些文化中担任寺庙守护者。

印度动物成为进入艺术的古代象征和动物形象的一部分。例如，蒙斯人选择红色的sheldrake作为他们的标志，缅甸人将太阳改成他们最喜欢的鸟孔雀，理由是在佛教神话中孔雀与太阳有关，而在印度尼西亚，神话中的鸟叫嘉鲁达，毗湿奴的车辆，与当地的鹰合并。这些鸟类的描绘已被用作装饰品。曾经装饰东南亚房屋茅草屋顶和木墙的动物的程式化版本进入了更华丽的宫殿和寺庙。来自季风森林的树木、水果和花朵的设计与印度花卉图案和古代几何图案相结合。

东南亚艺术与任何其他地区的艺术完全不同，印度除外。尽管缅甸在历史上一直是与中国的重要贸易纽带，但中国的影响在缅甸传统艺术中却出人意料地消失了。泰族晚到东南亚，带来了一些中国艺术传统，但他们很快就放弃了这些做法，转而支持高棉和孟族的做法。今天，这些早期接触的唯一痕迹可以在寺庙的建筑特征中看到，特别是锥形屋顶和漆器。

由于越南是中国千年的殖民地，中国文化影响了越南艺术。现代越南南部印度教的考古证据可以追溯到 15 世纪越南占领的古代占婆王朝时期。在越南北部的佛像中可以看到中国的影响。对比柬埔寨和印度尼西亚的寺庙墓葬与越南皇帝的墓葬，或越南富丽堂皇的佛像与柬埔寨和缅甸苦行优雅的佛像对比，揭示了东亚和亚洲艺术在审美目标和风格上的根本差异。东南亚的那些。伊斯兰艺术拒绝动物和人类形象，并试图揭示日常世界虚幻之美背后的现实，同样与东南亚艺术几乎没有共同之处。东南亚艺术忽视了印度教和佛教的教义，即感官世界是虚幻的和无常的。

在东南亚艺术中，现实与幻想并存，积极的人生观渗透在每一件作品中。一些人指出，古典高棉和印度尼西亚艺术侧重于表现众神的日常生活，但在东南亚的视角下，众神的日常生活与他们自己的日常生活相同：快乐、朴实和神圣。东南亚艺术不仅没有反映欧洲“为艺术而艺术”的观念，也没有反映欧洲将艺术分为世俗和宗教两类。一个缅甸人的大腿上纹着与一座宏伟的寺庙和一个漆盘相同的图案。这位东南亚艺术家不需要使用模型，因为与他的欧洲同行不同，他并不关心每个解剖方面的准确性。奇妙元素的使用和对人类生活美好事物的强调是东南亚艺术与众不同的地方。

专注于日本艺术

与日本艺术有关的艺术形式和媒体种类繁多'，从古代陶瓷和雕塑到丝绸和纸张上的水墨画和书法、浮世绘和木刻版画、陶瓷和折纸。当代漫画和动漫。从公元前10千年人类在日本存在的最初迹象到今天，日本有着丰富而多样的历史。

日本既经历了外国思想的迅速涌入，也经历了与世界其他地区的长期隔离。日本人在吸收和适应其他文化方面有着悠久的历史，他们认为这些方面在美学上令人愉悦。在 7 世纪和 8 世纪，日本为响应佛教的传播而创造了精致的艺术。随着日本人在 9 世纪远离中国并发展出自己独特的表达方式，世俗艺术获得了突出地位。从那时起直到 15 世纪后期，宗教和世俗艺术都蓬勃发展。当日本爆发宁战（1467-1477）时，它迎来了一个多世纪的政治、社会和经济动荡。在德川幕府的清洗中幸存下来的艺术品大部分是世俗的，宗教在日常生活中的作用要小得多。西式风格的突然引入是明治时代（1868-1912 年）的一件大事。

在日本，业余爱好者和专家都将绘画作为主要的艺术表现形式。日本人特别重视绘画的价值观和美学，因为直到现代，他们才使用画笔而不是钢笔。在江户时代，木刻版画成为一种主要的艺术形式，用于创作其充满活力的版画的方法得到了改进，以满足日益增长的流行文化的需要。由于日本传统佛教的宗教意义在此期间逐渐减弱，日本人发现雕塑不再是表达其创造性愿景的一种不那么吸引人的媒介。

人们普遍认为，日本陶器具有最高的艺术品质，其中包括一些来自日本的最早的器物；日本的瓷器出口在不同时期都是一项重要的经济活动。以莳绘精美装饰的日本漆器长期以来一直是出口到欧洲和中国的热门产品，并且这种趋势在整个 19 世纪一直持续。传统的日本建筑突出了天然材料和室内外生活的融合。

日本版画

浮世绘或日本木版画在西方越来越受欢迎。他们的名字来自描述他们主题的短语“漂浮世界的图片”。佛教认为幸福转瞬即逝，只有没有欲望才能获得启蒙，这为他们飞翔、失重的画面提供了灵感。

封建日本的幕府将军在日本版画的发展中发挥了重要作用，日本版画始于江户地区（现代东京）。根据字面意思是“与世隔绝或封闭的国家”的 Sakoku 政策，日本将自己与世界其他地区隔绝。 1853年，美国将军佩里访问日本，与明治政府谈判。许多浮世绘的版画在佩里访问江户时蓬勃发展，这是一种当代艺术形式，可以在城市的人行道上出售。

浮世绘中经常描绘日本历史和传说中的场景，还有歌舞伎表演者的肖像、剧院场景、恋爱中的情侣、著名的妓女和风景。来自西方的旅行者立刻喜欢上了浮世绘版画，因此他们将它们带回家也就不足为奇了，向世界介绍了日本独特的艺术风格。

浮世绘艺术版画是在将图像向后雕刻到木块上后，将上墨的木版压在纸上制成的。最初开始打印时，一切都是黑白的。 Okomura Masanobu 和 Suzuki Harunobu 是彩色木版印刷领域的先驱，每一种颜色都需要单独的块。

需要用于轮廓的关键块和每种色调的单独块。此外，由于可以从单个块进行少量打印，因此需要雕刻大量块以打印大量副本。这位艺术家只是参与日本艺术版画制作的众多专业人士之一。其他包括设计师、模具规划师、模具切割师和模具压力机。

大约在 1912 年，被称为浮世绘分支的版画运动开始消亡，但很快形成了另外两个版画学校来填补这一空白。 Sosaku Hanga和Shin Hanga是他们的两个名字。关于印刷过程有两种思想流派：Sosaku Hanga，认为艺术家必须在每一步中发挥核心作用，而Shin Hanga则更传统，认为出版商是最核心的，所以不同艺术家可以负责设计、阻止和打印。

为了买卖浮世绘版画，了解一些日本术语很重要，以便正确欣赏和欣赏这种迷人的艺术形式。当提到日本版画时，术语“atozuri”表示它是在初始运行结束后打印的，但仍使用原始木版画。 Shozuri 版画是第一版，而 fukkoku 版画是副本。直到 20 世纪下半叶，艺术家签名和印刷版号通常不包括在日本版画制作过程的最后步骤中。相反，每张印刷品都有一个印章，上面写着它的创作者、出版商和雕塑家。

然而，随着欧洲人了解日本独特的文化，日本出现了一种时尚，在 1860 年代后期，大量日本艺术版画被运往欧洲大陆。日本的出版社很快意识到他们需要生产更著名的木刻版画的复制品以满足不断增长的需求。

由于邮票和其他边缘因素，很容易分辨哪些印刷品是真实的，哪些是复制品。文档的原创性通常可以通过其纸张和颜色条件来确定。由于一般的艺术品收藏家可能无法阅读日本文字，因此在购买正宗的日本艺术品之前，他们应该征求专家的意见。

专注于中国花艺意义

从新石器时代开始，中国的艺术家就在他们的作品中描绘了植物。花、鸟、虫被用于装饰，不仅是因为它们美丽，还因为它们是美丽的。它们还具有丰富的意义。宋代（960-1279）期间，题为“鸟与花”的绘画数量激增，巩固了花卉意象作为中国艺术突出主题的地位。除了卷轴画，这个主题还可以在各种各样的三维艺术品上看到，包括瓷器、漆器、玉雕、纺织品、家具等。

在我们准备迎接春天之际，我们将通过从 19 世纪 AGGV 的亚洲艺术收藏中挑选的画作来审视花卉在中国艺术中的象征意义。这张专辑的艺术作品都是根据花卉和蝴蝶的实际动植物进行的现场展示。这种组合很可能在 18 世纪首次出现在特别委托作为生日礼物赠送的商品上。蝴蝶拒绝可以用来同时表达多个良好的祝愿。这些物品也与长寿有关，是伟大的生日象征。蝴蝶，在道教中，代表着精神的无拘无束。花代表了许多积极的事物，它们在这些艺术品中的加入只是增加了它们的积极内涵。

根据中国民间故事，两个恋人在战争中悲惨地分开，罂粟代表浪漫关系中伴侣之间的忠诚和忠诚。故事围绕着罂粟展开，罂粟生长在她的士兵丈夫去世后妻子投身的地方。

花开富贵的说法，寓意农历新年（1月下旬至2月中旬）开花的山茶花，用来美化家居，迎接来年的好运。由于欧洲对玫瑰的喜爱由来已久，这朵花经常被描绘在打算在其他地方出售的物品上。由于月季常年开花，故有“常春花”之称。

牵牛花。牵牛花的管状花朵，绽放出明亮的紫色，最初在15世纪被用作明朝青花物品的装饰元素。据说这种花象征着婚姻的幸福。中国有许多种杜鹃花，每种花都有独特的花期。与蝴蝶相结合，杜鹃花具有 "艺术中的创造性人才 "的内涵，代表了艺术中如此普遍的女性之美。

好奇心：什么是东方主义？

东方主义是指模仿或定型东方元素的做法，存在于艺术史、文学和文化研究领域。西方作家、设计师和画家最常为这些描绘负责。在 19 世纪流行的各种学术艺术子流派中，专注于展示中东的东方主义绘画是最突出的之一。同样，当时的西方文学对东方的异国情调表现出浓厚的兴趣。

自爱德华·赛义德（Edward Said）的《东方主义》于1978年出版以来，在学术界，“东方主义”这个词已经司空见惯。这个词用来描述西方对亚非文化的居高临下的看法。根据赛义德的说法，西方将这些文化本质化为停滞不前和不发达，创造了一幅可以研究、描绘和复制的东方文化图景，为帝国权威服务。正如赛义德所指出的，这种谎言建立在西方社会是进步的、聪明的、适应性强的和优越的假设之上的。这使西方人可以自由地将“东方”文化和人民想象为既异国情调又危险的人。

“东方主义”一词在艺术史中被用来描述整个 19 世纪西方艺术家创作的作品，这些艺术家专注于东方主题和主题，这是他们对西亚探索的结果。当时，艺术家和学者经常被嘲笑地贴上“东方主义者”的标签，这个词由法国艺术评论家朱尔斯·安托万·卡斯塔尼亚里（Jules-Antoine Castagnary）普及。以让-莱昂热罗姆为名誉主席的法国东方画家协会成立于 1893 年，尽管社会普遍反对这一流派；相比之下，在英国，“Orientalist”仅仅意味着“艺术家”。

随着法国东方画家协会的成立，艺术家的观点在 19 世纪末发生了转变，该协会使成员能够认识到自己是更大艺术运动的一部分。尽管在 19 世纪运动的鼎盛时期出现了许多不同的东方主义绘画风格，但“东方主义绘画”一词通常用于指代学术艺术的一个子流派。许多艺术史学家将东方画家分为两类：直接观察绘画的人和在工作室中创造奇幻场景的人。人们普遍认为，东方主义运动中最杰出的人物是法国艺术家，如欧仁·德拉克罗瓦（1798-1863）和让-莱昂·热罗姆（1824-1904）。

法国东方主义

拿破仑在 1798 年至 1801 年对埃及和叙利亚的灾难性入侵影响了法国东方主义绘画，并在随后的几年中被拿破仑的宫廷画家，尤其是安托万-让·格罗斯记录下来，尽管格罗斯没有随军队前往中东.波拿巴探访雅法瘟疫受害者（1804 年）和阿布基尔战役（1806 年）都以当时的皇帝为中心，但也有许多埃及人。在金字塔之战中不太成功的拿破仑也有许多埃及人（1810 年）。同样重要的是 Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson 的 La Révolte du Caire (1810)。法国政府在 1809 年至 1828 年间制作了 20 卷关于埃及古物的插图描述，标题为 Description de l'Égypte。

在踏足希腊或东方之前，欧仁·德拉克洛瓦 (Eugène Delacroix) 凭借《希俄斯大屠杀》(The Massacre at Chios)（1824 年）获得了他的第一部重要作品，就像他的朋友西奥多·热里柯的《美杜莎之筏》一样，描绘了最近发生在一个遥远地方的悲剧，该悲剧引发了舆论。当希腊人仍在为摆脱奥斯曼帝国的统治而挣扎时，这个国家和帝国的远东地区一样充满异国情调。德拉克洛瓦随后画了《米索隆吉废墟上的希腊》（1827 年）以纪念前一年发生的围攻，以及受拜伦勋爵启发的《萨达纳帕卢斯之死》（1828 年），据说是第一部艺术作品结合性、暴力、懒惰和异国情调。 1832 年，作为对摩洛哥苏丹的外交使团的一部分，德拉克洛瓦终于前往现在的阿尔及利亚，这是法国新占领的领土。他被所见所闻深深打动，将北非的生活方式与古罗马人的生活方式相提并论，回到法国后，他继续绘画旅行中的主题。他的许多图像都以犹太人或骑马的战士为特色，因为像许多后来的东方画家一样，他发现很难描绘女性。很少有后续的后宫场景可以做出同样的现实主义主张，但他显然能够进入一所房子的女性宿舍（或后宫）来描绘成为阿尔及尔女性的东西。

是法国绘画学院院长安格尔（Ingres）通过他对土耳其浴的生动彩色描绘（可能都是同一个模特）中女性形象的模糊概括，普及了色情东方。在神秘的东方，更公开的性行为是被容忍的。亨利·马蒂斯（Henri Matisse）在尼斯时期的半裸画以及他对东方服饰和图案的运用，就是将这一主题延续到 20 世纪初的例子。轮船使旅行变得更加容易，许多艺术家访问了中东及其他地区，描绘了广泛的东方场景。在访问东方之前，安格尔的学生 Théodore Chassériau（1819-1856 年）已经凭借他的裸体《以斯帖的洗手间》（1841 年，卢浮宫）和君士坦丁哈里发兼酋长阿里-本-哈梅特的马术肖像取得了成功。 Haractas，跟随他的护送

其中许多作品延续了对东方的刻板、异国情调和性感的描绘。这种类型的艺术品通常侧重于阿拉伯、犹太人和其他闪族文化，因为随着法国帝国在北非扩大影响力，法国画家前往该地区了解该地区的历史和发展。几位法国艺术家，如欧仁·德拉克洛瓦、让-莱昂·热罗姆和让-奥古斯特-多米尼克·安格尔，在他们的伊斯兰文化画作中描绘了宫女。他们强调呆滞和华丽的视觉效果。尤其是风俗画，被批评为与欧洲相同主题的例子过于相似，或者表达了赛迪安意义上的东方主义世界观。热罗姆（Gérôme）是一群上世纪晚期法国画家的祖先，并且经常是大师，这些画家以公然对后宫、公共浴室和奴隶拍卖的性描写而闻名（后两者也有古典装饰），并为“东方主义与色情模式中的裸体的等式”。

欧洲建筑和设计中的东方主义

从 15 世纪后期开始，文艺复兴时期的莫尔斯克风格装饰是对伊斯兰蔓藤花纹的欧洲改编，一直被用于某些领域，例如装订，直到今天。 “Indo-Saracenic Revival”一词描述了早期西方对印度建筑主题的使用。伦敦市政厅的正面可以追溯到这个时期（1788-1789）。大约从 1795 年开始，当威廉·霍奇斯 (William Hodges) 和威廉和托马斯·丹尼尔 (William and Thomas Daniell) 发表了对印度的看法时，这种风格在西方开始流行起来。 “印度”建筑最著名的例子是格洛斯特郡的 Sezincote House（约 1805 年），它是为最近从孟加拉返回的一个 nabob 建造的，以及布莱顿的皇家馆。

在装饰艺术中使用“土耳其”风格、偶尔采用土耳其服装以及对描绘奥斯曼帝国的艺术的兴趣都是土耳其运动的一部分，该运动始于 15 世纪后期，至少持续到 18 世纪。即使法国在 18 世纪后变得更加重要，但最初的枢纽是威尼斯，这是奥斯曼帝国的长期商业关系。

“中国风”这个名称是指以中国元素为灵感的整体装饰风格，从 17 世纪开始在西欧流行并在几波浪潮中达到顶峰，尤其是在洛可可时期（约 1740-1770 年）。从文艺复兴到 18 世纪，西方设计师曾尝试过中国陶瓷技术的复杂性，但只取得了部分成功。 17世纪，英国（东印度公司）、丹麦（东印度公司）、荷兰（东印度公司）、法国（东印度公司）等国家开始出现迹象中国风（法国东印度公司）。早在 17 世纪，代尔夫特和其他荷兰城市的陶艺家就开始使用与中国明代相同的正宗青花瓷。来自最早的真正瓷器生产地点的盘子、花瓶和茶具，如迈森，模仿了中国传统形式（见中国出口瓷器）。

巴洛克晚期和洛可可式德国宫殿的正式花坛有“中国风味”的游乐亭，马德里附近的阿兰胡埃斯的瓷砖面板描绘了类似的结构。 1753-1770 年间，Thomas Chippendale 用镂空玻璃和栏杆装饰了茶几和瓷器柜。归化也发生在对早期邢文人家具的忧郁致敬中，例如唐，它成为格鲁吉亚中期的边桌和方形板背扶手椅，适合英国绅士和中国学者使用。

并非所有西方对中国传统美学的诠释都被认为是“中国风”。中国风媒体的例子包括陶瓷人物和餐桌装饰品、早期的纸状壁纸以及模仿日本的漆器和彩绘锡 (tôle) 餐具。全尺寸的宝塔安装在花园中，而微型版本则放置在壁炉架上。由威廉钱伯斯 (William Chambers) 创建的大宝塔是邱园的一座令人惊叹的建筑。 Wilhelma (1846) 位于斯图加特，是一座体现摩尔复兴风格的建筑。 Leighton House 是为艺术家 Frederic Leighton 建造的，拥有传统的外观但华丽的阿拉伯风格内饰，带有真正的伊斯兰瓷砖和其他组件以及维多利亚时代的东方化作品。

很大程度上由于将浮世绘版画引入西方，被称为日本主义的美学运动在 1860 年后蓬勃发展。对克劳德·莫奈和埃德加·德加等现代法国艺术家影响最大的是日本美学。日本版画启发了在法国生活和工作的美国艺术家玛丽·卡萨特。她将他们对分层图案、平面和动态透视的使用融入到自己的作品中。  一些受日本启发的艺术的最佳例子可以在孔雀房中找到，这是詹姆斯·阿博特·麦克尼尔·惠斯勒的画作集。加州格林和格林的赌博屋和其他建筑都受到日本建筑的影响。

埃及复兴建筑是 19 世纪早期和中期的一种流行风格，并作为一种次要风格一直持续到 20 世纪初。在 19 世纪初，犹太教堂是起源于德国各州的摩尔复兴风格的主要受益者之一。在 19 世纪末左右，英国拉吉出现了一种被称为印度-撒拉逊复兴的建筑风格。

用东方艺术装饰

东方装饰的美学是世界上最迷人的。在家具和室内装饰行业流行，东方装饰元素的使用正在上升。数千年来，这些亚洲艺术形式的收藏一直受到需求，并以来自各种亚洲国家的作品为特色。

“东方艺术”一词经常让人联想到日本艺妓或中国水彩画的形象，但这些并不是唯一的例子。东方卷轴、花瓶和绘画以其鲜艳的色彩和对细节的关注，历经数个世纪。雨伞、扇子和灯是其他形式的东方艺术的进一步例子。

东方艺术如此受欢迎的原因之一是其简洁的线条和鲜艳的色彩。东半球和西半球都将东方装饰元素融入室内。由于其优雅和功能性，它可以用于与众不同的设置。在您的家中添加一件东方艺术品是赋予其独特外观和感觉的好方法。壁扇是东方艺术的标志性例子。用东方的物品装饰是个好主意，因为它们既时尚又便宜。

正如该领域的许多专家所建议的那样，拍卖是获得东方艺术作品的最佳方式之一。因此，您可以简单地浏览拍卖目录并开始用东方风味的作品装饰您的家。然而，关于日本艺术，拍卖通常包括版画、陶瓷、盔甲等。

一些著名的东方艺术家

顾恺之 (344 – c. 406)

中国艺术家顾恺之的著名作品有《女教师告宫女》和《名媛训诫》。他还是一位诗人和艺术理论家。他是一位道家哲人，一生多姿多彩，时而玩世不恭。顾恺之（约 344-406 年）于 366 年开始担任官职，出生于江苏省无锡市，但他的才华远远超出了政治范畴。他还是一位颇有造诣的诗人、散文家、画家和中国书法的实践者。 《画论》、《魏晋名画概论》、《画云台山》三部作品，囊括了顾氏关于绘画的众多理论。他一生的作品记录在 70 多幅画作中，这些画作侧重于人和神人物、动物、风景和水道。南京寺大佛（为建寺创收）、《女教师训诫》、《洛江仙女》等都是他的作品。顾恺之的作品现已被世界各地收藏。公元220年至公元581年左右，是中国画的黄金时代。 300多年来，尽管中国发生了战争和朝代更迭，但中国的文化生活仍然充满活力。这在很大程度上是由于许多不同的学校为该国的艺术发展提供了重要推动力。这一时期的中国书法和艺术有几个精湛的例子，包括墓画、石砖雕塑和漆画。同样被理论化的还有我们在当代中国绘画中看到的绘画规则，例如图形理论和六规则理论。这些艺术家中最有影响力和最知名的一位是顾恺之，他经常被视为国画的鼻祖。他的作品体现了他所处的时代。

范宽 (960 – c. 1030)

从990年到1020年，范宽是中国著名的“北派”道家画家。除其他外，10 世纪和 11 世纪最优秀的大师都归功于他。范宽的题为《山溪行者》的竖卷被广泛认为是北宋画派的基础艺术作品。它为巨大的山水画设定了一个标准，许多艺术家随后会寻求指导。很明显，中国古代的三个维度，近、中（以水和雾为代表）和距离的思想在这里起作用。与中国山水画最早的例子相比，自然世界的辉煌是焦点而不是事后的想法。在巨石的底部，可以看到一排驮马从灌木丛中出现。在艺术品的视觉风格中可以看到旧唐代的惯例。

葛饰北斋 ( 1760 – 1849 )

这是葛饰北斋作为画家和版画家在日本普及的浮世绘风格。他是一位精确而古怪的画家，以他的版画而闻名。然而，他一生都在这两种媒介中工作。在他的职业生涯 60 多年里，他已经尝试了描绘戏剧主题的木刻版画、私人流通的问候版画（surimono），以及从 1830 年代开始的风景系列，如著名的桥梁景观和著名的瀑布等作品就是证明。各省，富士山三十六景，部分反映了个人对这座著名火山的依恋。神奈川大浪，也是该经典的一部分，是相关作品。在经历了一段由一系列家庭问题带来的巨大困难之后， 其中最重要的是他的侄子的赌博倾向， 他出版了一些针对业余爱好者和专业人士的绘画和漫画指南。为妇女和儿童创作和绘制各种神秘书籍和短篇小说，以及致力于描绘伟大的文学杰作，受到他毕生对文学的热爱的启发，这很可能始于他在青少年时期作为旅行的跑腿男孩图书馆。他写的俳句也不错。由于他的艺术对克劳德·莫奈（Claude Monet）等欧洲印象派画家以及文森特·梵高（Vincent van Gogh）和法国画家保罗·高更（Paul Gauguin）等后印象派画家的广泛影响，1896 年至 1914 年间，当时最重要的评论家用法语出版了三本关于北斋的传记，包括埃德蒙·德·贡古。根据有关他的故事，他在整个职业生涯中搬家了九十多次，并使用了几个不同的艺名。

吉田博 (1876 – 1950)

日本画家和印刷商吉田博史。他的泰姬陵、瑞士阿尔卑斯山和大峡谷的版画是最着名的 shin-hanga 艺术例子之一，它们唤起了观众强烈的情感。 1876 年 9 月 19 日，在基什岛的福冈县久留米市，本名上田博史的吉田博史的生活开始了。他的养父是一名公立学校的艺术教师，鼓励他早期的艺术天赋。在东京师从小山正太郎三年后，19岁时转往京都师从著名西洋画大师田村松龙。 1899 年，吉田在当时被称为底特律艺术博物馆但现在被称为底特律艺术学院的地方举办了他的第一场展览。 Hiroshi Yoshida 是一位多才多艺的油画家，自从明治时代传入日本以来，他就一直在使用这种媒介。 1921 年的帆船系列和泰姬陵版画（其中有六幅）都是吉田习惯用不同颜色复制同一图像以改变情绪的例子。

引号

玛德琳·恩格尔

• “我喜欢这样一个事实，即在中国古代艺术中，伟大的画家总是在他们的作品中刻意加入一个缺陷：人类的创造从来都不是完美的。”

艾未未

• “所有的富人都收藏中国传统艺术。所以中国家庭仍然很自然地将艺术视为人类的最高表现，并把他们的孩子送到这个领域。”

斯蒂芬·加德纳

• “在日本艺术中，空间占据了主导地位，禅宗概念加强了它的地位”。

亨利·马蒂斯

• “日本艺术大时代的艺术家们在他们的职业生涯中不是多次改名吗？我喜欢这样，他们想维护自己的自由”。

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