保罗·高更，《三只小狗的静物》，1888 年。木板油画，91.8 x 62.6 厘米。妈妈。
静物画的类型：让我们开始吧！
让我们开门见山：当您在网上阅读静物画时，您将能够找到希腊化、罗马、中世纪和文艺复兴时期的例子。它们的特点是主要描绘无生命的物体，包括自然的和人造的。尽管这些是此类作品的定义特征，但直到 16 世纪末，它才正式成为一种独特的流派，得到认可、专业化和重视。尽管在 18 世纪，静物画在具象艺术类型的等级排名中被降到了最底层，但这个故事在接下来的一个世纪中继续受到广泛的欢迎和传播。然而，这种流派逐渐声名狼藉的主要原因是 16 世纪和 17 世纪之间的佛兰德斯例子，在这个背景下创造了“stilleven”一词，字面意思是“静物”。虽然英语语言中保留了后一个含义，但在新拉丁语言中情况并非如此，其中“不动”一词已被替换为“死亡”（例如“自然死亡”）。这一变化源于 18 世纪末意大利对该术语的重新解释，可能是由于一个简单的翻译错误，改变了旧的荷兰语短语。至此，我的排名中的叙述仍在继续，展示了一种经常被低估但确实受到来自各个艺术运动、趋势和潮流的不朽大师的关注的流派的成功。
卡拉瓦乔，《水果篮》，1597-1600 年。布面油画，46×64 厘米。安布罗修美术馆，米兰。
1.卡拉瓦乔：一篮水果 (1600)
让我们从艺术史上最著名的作品之一开始，属于“不幸”的静物画派。首先，我指的是卡拉瓦乔的《水果篮》，这是一幅可追溯到 1600 年的杰作，从肾上腺素激增和司汤达综合症的倾向开始。这幅画无论从历史艺术的角度还是从主题角度来看都很重要。它不仅是静物艺术流派最早的例子之一，而且根据意大利现实主义美学，不仅代表了完美的水果，还代表了腐烂的苹果和干燥且布满昆虫孔洞的叶子。所有这一切都是大师构思的，旨在暗示人类生存的不稳定，同时也庆祝自然的真实不完美。其中包括一个编织的柳条篮，在构图的中心，装有一串串葡萄、梨、苹果、无花果和桃子，放置在与观众视线平行的木质表面上。观众只能关注主题的真实性，而某些细节的存在实际上否定了这种真实性。事实上，你是否注意到，画家不可思议地完成了将不同季节的水果并排放置的不可能任务？最后，我还想证明卡拉瓦乔对主题的选择是合理的，在晚期矫饰主义背景下，卡拉瓦乔觉得表达他对自然的兴趣是合理的，以前经常被用作肖像或宗教主题的背景元素。
伦勃朗，《被宰杀的牛》，1655 年。画板油画。 95.5 x 68.8 厘米。卢浮宫、巴黎。
2.伦勃朗：被宰杀的牛 (1655)
我们继续处理司汤达综合症的心动过速、头晕、混乱和幻觉，同时我们正在接近一幅富有象征意义的杰作，旨在证明 16 世纪和 17 世纪之间的静物画如何取得胜利，其中包括以动物尸体为题材的静物画。似乎被理解为悲伤和直接的死亡纪念，也能够锻炼艺术家，他们接近形式和色彩的复杂性。然而，伦勃朗的《屠牛》这幅杰作描绘了一只动物的四肢尸体，两条后腿绑在木梁上，这也让我们想起了耶稣受难的著名例子。现在我们已经到了描述的关键时刻，因为这幅作品实际上代表了一幅虚假的静物画。事实上，背景中出现的一个女人出现在半开的门后面，使这幅画变成了一幅风俗画，全神贯注于描绘日常生活场景。
Chaim Soutine，《牛肉尸体》，1925 年。布面油画，147.32 x 113.03 厘米。明尼阿波利斯艺术学院收藏。
3.Chaim Soutine：牛肉尸体 (1925)
为了将以上内容转变成真正的静物画，Chaim Soutine 来帮忙了！我指的是他1925年的《屠牛》，实际上是受到上述杰作的启发，俄罗斯大师在一系列同一主题的作品中重新诠释了这一杰作。然而，值得注意的是，包括杜米埃和斯莱沃特在内的其他伟大大师也曾探讨过相同的主题，尽管在苏廷的例子中，一种特别情绪化的解释是显而易见的，其特点是强烈和饱和的色彩，反映了画家古怪的个性。让我简要地谈谈这位艺术家的这一特征，以揭示他对所讨论的动物静物画的一些残酷细节。苏丁是巴黎一家屠宰场员工的朋友，他会从他们那里购买肉，然后带到他的工作室画上几个星期，在此期间，肉也会发生恶臭的分解……我们不知道这种对动物世界的迷恋是否是一种迷恋。源于最初的匮乏，众所周知，这位艺术家在还很穷的时候，避免购买肉类，因为肉太贵了。矛盾的是，当他变得富有时，他却决定购买它只是为了研究和绘画......
文森特·梵高，《向日葵》，1888 年。布面油画，92.2 厘米 × 73 厘米。伦敦国家美术馆。
4.文森特·梵高：向日葵（1888）
观众的目光集中在静物画中描绘的唯一主题上：一束插在花瓶里的向日葵，它们的形状搁在黄色的表面上，准备在浅色的墙壁上脱颖而出。在不同成熟阶段收获的向日葵同样出现在艺术家的七幅作品系列中，这些作品旨在装饰梵高为他的朋友兼同事高更设计的位于阿尔勒的房间。让我在“朋友”这个词上暂停一下，透露一下，实际上，这位法国艺术家只是在得到西奥·梵高的经济补偿后才联系了文森特。但为什么需要钱呢？好吧，假设高更已经想象到和文森特一起生活会有点问题，而且他也不喜欢前面提到的地中海省份。无论如何，保罗在艺术史上最著名的纠纷之一之后不久就摆脱了他的朋友，离开了阿尔勒，并引发了梵高的自残危机，最终导致了现在悲剧性的、标志性的割耳事件。回到花朵，已知不同构图中的向日葵数量也有所不同，从十四到十五个标本不等。为什么做出这样的特殊选择？文森特珍视数字 14，因为它指的是使徒的数量，而 15，他将自己包含在同一参考范围内（14 使徒 + 文森特）。讽刺的是：这十大谈论的事件最好不要在家里尝试！
保罗·高更，《三只小狗的静物》，1888 年。木板油画，91.8 x 62.6 厘米。妈妈。
5.保罗·高更：《三只小狗的静物》(1888)
作为一名动物活动家，我必须弥补前十名中已故生物的存在，我通过谈论高更的《静物与三只小狗》来实现这一目的，这是一部作品，同时时间，引起了我的怀疑。事实上，如果我们谈论静物，那么动物怎么可能是活的呢？如果我们要忠实于这一流派的假设，那么所画的动物实际上应该是死的，而活的动物只有用死去的模型制作才能被接受。然而，我们确实知道，在高更发现自己工作的比喻背景下，他现在完全摆脱了这种旧的限制，以至于在制作《三只小狗的静物》时，他生活在在布列塔尼与一群实验艺术家一起。正是在后者中，他摆脱了更现实的表现，在某些情况下产生了带有部分抽象味道的风格特征，这是他主张梦与自然结合的结果。无论如何，这件杰作的一个决定性组成部分也是对日本艺术风格特征的独特诠释，例如，在小狗身体的蓝色描绘以及它们皮毛的图案中，回想一下桌布印花。
保罗·塞尚，《有苹果和橘子的静物》，1899 年。布面油画，74 × 93 厘米。巴黎奥赛博物馆。
6.保罗·塞尚：《有苹果和橘子的静物》(1899)
我们在这里描述该类型中最受欢迎的另一部作品：我为什么要这么说？嗯，重要的是要知道，在《有苹果和橘子的静物》中，许多艺术史学家已经认识到立体主义的先驱，因为它采用几何形状来代表水果，并在织物的褶皱中出现折线。现在让我们描述一下预期的情况：在画布上，排列着几个苹果和橘子，有的分散，有的聚集在盘子上，在支撑的右侧，还伴随着一个水罐的存在。上述画布位于花卉织物上，旨在突出互补的蓝色和橙色的存在。现在让我们深入研究这部杰作的色彩方面，完全专注于使用色调变化来描述其物体，就水果而言，色调范围从黄色到红色。这些颜色的视图并不是从遵守几何规则的角度提供的，因为从较高的角度来看，该空间是非常简单的体积重叠的结果。
弗里达·卡罗，《生命万岁》，《西瓜》，1954 年。弗里达·卡罗博物馆。 @丹尼尔哈罗罗
7.弗里达·卡罗：《生命万岁》《西瓜》(1954)
这幅作品的重要性和标志性将在叙述的过程中揭示出来，但现在，我想给你们一个预览，告诉你们我选择这幅画是为了展示静物流派的潜力，这是同样能够传达高度积极和充满希望的信息。然而，我刚才提到的却是强烈的对比，这是弗里达作品中反复出现的元素。在这种情况下，这种二元性是由于艺术家在健康状况不佳的情况下绘制了这幅杰作，但她却描绘了西瓜，这是生命活力的典型象征。然而，当我们仔细观察这些主题时，我们注意到它们正在经历不同的成熟阶段，很可能暗指人类生命的不同阶段。无论如何，红色的使用与果皮的绿色互补色相结合，营造出令人愉悦且充满活力的对比，从而传播出乐观情绪。最后，画家的意图（在此之前仅是推测）在下部西瓜上变得清晰，西瓜上刻有这样的短语：“Viva la Vida - Coyoacán 1954 Mexico”。随着关于这幅画的叙述的结束，关于弗里达的叙述也结束了，因为从各个方面来说，《生命万岁》都是这位艺术家创作的最后一部作品……
萨尔瓦多·达利，《静物》，1956 年。布面油画，125 厘米 × 160 厘米。萨尔瓦多·达利博物馆，圣彼得堡，佛罗里达州。@
8.萨尔瓦多·达利：静物生活 (1956)
相比之下，萨尔瓦多·达利 (Salvador Dali) 的《活生生的静物画》(Living Still Life) 中出现了奇怪的动力与死亡的自然联系，这是一部 1956 年的杰作，创作于加泰罗尼亚人称之为“核神秘主义”的时期，在这个绘画时刻，他试图研究意识思维与量子之间的关系。物理。我怎样才能尝试用简单的方式解释以上内容？好吧，达利在创作这幅杰作时，通过唤起他的意识思维，通过回忆范·斯库顿的例子，通过他的静物《餐桌与食物》来呈现，从而受到启发。说到物理学，当大师改变了荷兰的餐桌布置时，它就发挥了作用，赋予了它运动的奇迹，当然，以完美的超现实主义时尚来诠释。因此，正如标题所示，通常静态的静物类型变得生动！在这种特殊情况下，存在是由物体的运动所见证的，物体的最小组成部分可以简化为原子粒子。通过后者，我们得出了这幅画的生成概念，即前面提到的核神秘主义，它的灵感显然是受到美国向日本投下的邪恶而可怕的原子弹的启发。
安迪·沃霍尔，金宝汤罐头，1962 年。画布上合成聚合物颜料，51 厘米 × 41 厘米。现代艺术博物馆。
9.安迪·沃霍尔：坎贝尔汤罐 (1962)
受金宝汤包装启发，32幅相同的丝网印刷品有意重复了相关主题，旨在创造一个再现超市产品典型系列排列的装置。这个主题经过艺术家多次诠释，首次在该杰作中呈现，也被认为暗示了当时美国人生活中不断存在的汤。想想安迪本人，作品完成后，就承认自己二十年来反复食用该产品！此外，通过无处不在的图像，他还挑战了绘画作为发明和原创手段的想法，因为坎贝尔汤罐的系列性质是由于使用了半机械化丝网印刷技术。然而，我写的所有内容都有一个不准确的地方：你能找到它吗？开玩笑，但我想澄清的是，正如上面所宣布的，汤罐并不完全相同，因为每幅画都代表了原始模型的复制品，并应用了一些独特的细节。在这一点上，安迪是否无意中强调了那些甚至使工业物品独一无二的特殊特征？
乔治·莫兰迪，《静物》，1949 年。私人收藏。
10.乔治·莫兰迪：静物 (1950)
几件家居用品几乎集中在画作的中心，它们放置在一个不确定的表面上，在相似但较浅色调的背景下脱颖而出。选择将一些简单排列的物体永垂不朽的原因是什么？要回答这个问题，我们必须回到20世纪40年代和50年代，在这个时期，画家选择了这种构图，以便更多地关注绘画技法的分析。始终追求这个目标，他的静物画也变得不那么“幻想”，因为它们主要代表相同的主题，主要是瓶子、水罐、花瓶和碗。那么是什么让每件作品都与众不同呢？格式、视角和光线！事实上，莫兰迪注重色调的最小变化，尽管他更喜欢使用灰色、象牙色和白色，同时也不忘记并置橙色、粉色和蓝色等饱和颜色。他的作品中还可以添加哪些其他常量？画家习惯用他典型的涂胶笔触进行绘画，旨在创造具有“波动”边界的柔和视觉。这一特性是由于明亮的光线照亮了阴影，而阴影与光源一起使用二维色域进行渲染，从而有效地使物体非物质化！
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur杂志