Dünyanın dört bir yanından koleksiyoncuları, uzmanları ve sanat meraklılarını Paris'teki Palais Brongniart'ta bir araya getirecek olan Salon du dessin 2025'in gelişiyle birlikte, çizimin sanat tarihindeki temel rolünü kutlamak için mükemmel bir zaman.
En hassas çalışmalardan en cesur ifadelere kadar, çizim her zaman sanatsal yaratımın kalbinde yer almış ve en büyük ustaların zihinlerine ayrıcalıklı bir bakış sunmuştur. Bu prestijli etkinliğin şerefine, tekniğin, vizyonun ve yaratıcılığın evrimini anlatan zamansız eserler olan 10 temel çizimi sunuyoruz.
Andrea Mantegna, Taş Levha Üzerinde Yatan Adam, 1470-80. Kalem ve mürekkep çizimi. British Museum Mütevelli Heyeti Üyesi.
Andrea Mantegna – Taş Levha Üzerinde Yatan Adam (1470-80)
1470 ile 1480 yılları arasında kalem ve mürekkep kullanılarak yaratılan Reclining Man on a Stone Slab adlı eser, Andrea Mantegna'nın anatomik kesinlik, ifade dolu drama ve benzeri görülmemiş illüzyonist perspektifi birleştirme konusundaki olağanüstü yeteneğini temsil ediyor. Yarı uzanmış bedeni ve acı ve terk edilmişlik ifadesiyle tasvir edilen adam, gerçekçiliğinde neredeyse üç boyutlu, canlı ve elle tutulur görünmesini sağlayan heykelsi bir gerilim yayıyor. Sanat eseri şu anda British Museum'da sergileniyor.
Bu çizim , Pinacoteca di Brera'da muhafaza edilen Mantegna'nın ünlü Ölü İsa'sıyla doğrudan diyalog halindedir. Her iki eser de aynı perspektif araştırmasını ve Mantegna'nın sanatının tanımlayıcı bir unsuru olan anatomik kısaltma ile deney yapma arzusunu paylaşır. Çizim Ölü İsa'dan önce gelmez, ancak onunla çağdaştır ve sanatçının insan figürünün üç boyutlu temsilini derinlemesine keşfetmeye nasıl giriştiğini gösterir. Vücudun pozisyonu, aşırı kısaltma ve ifade yoğunluğu, aynı plastik gerilim ve mekansal illüzyonizmle büyülenmeyle birleşen iki eser arasında güçlü bir bağlantı olduğunu düşündürmektedir.
Leonardo da Vinci, Vitruvius Adamı, 1490. Kağıt üzerine kalem ve mürekkep çizimi. Gallerie dell'Accademia, Venedik.
Leonardo da Vinci – Vitruvius Adamı (1490)
Leonardo da Vinci tarafından 1490 civarında çizilen Vitruvius Adamı , sanat tarihinin en ikonik imgelerinden biridir. Eser, Romalı mimar Vitruvius'un teorilerine göre insan vücudunun ideal oranlarını gösteren bir daire ve bir kare içine yazılmış bir adamı tasvir eder.
Kozmosu ve ilahi mükemmelliği simgeleyen daire ve dünyevi boyutu temsil eden kare , mikrokozmos ile makrokozmos arasındaki bağlantıyı oluşturan insan figüründe kesişir. Platonik ve Neoplatonik felsefeden türetilen bu kavram, insanın her şeyin ölçüsü olduğu Rönesans idealini yansıtır.
Leonardo'nun stili, insan vücudunun titizlikle incelenmesinin sonucu olan olağanüstü anatomik hassasiyetiyle ayırt edilir. Önceki Vitruvius tasvirlerinden farklı olarak, çizimi klasik metni basitçe kopyalamak yerine doğrudan gözleme dayanmaktadır.
Leonardo da Vinci, Otoportre, 1517-18. Kağıt üzerine kırmızı tebeşir çizimi. Biblioteca Reale, Torino.
Leonardo da Vinci – Otoportre (1517-18)
Leonardo da Vinci'nin 1517 civarında yarattığı Otoportresi , Rönesans dehasının kolektif hayal gücünü tanımlamıştır. Kağıt üzerindeki bu kırmızı tebeşir çizimi , kendine güvenen ve akıcı bir vuruşla karakterize edilmiş olup, teknik kesinliği ve derin psikolojik iç gözlemi ustalıkla birleştirir. Zamanla aşınmış bir yüze sahip yaşlı bir adam olan özne, izleyiciye nüfuz eden ve ifade dolu bir bakışla bakar.
Leonardo'nun kırmızı tebeşiri ustaca kontrol etmesiyle elde edilen ince ışık-gölge , portreye güçlü bir hacim ve üç boyutluluk hissi vererek ona neredeyse heykelsi bir nitelik kazandırır. Narin gölgelendirmelerle zenginleştirilmiş özlü ama derin vuruşları , yüz hatlarının yumuşaklığını vurgular ve derinlik hissini artırır.
Başlangıçta bağımsız bir çizim olarak tasarlanmış olsa da, Leonardo'nun Otoportresi gravür dünyasını büyük ölçüde etkilemiş , 19. yüzyıldan beri baskılar aracılığıyla çoğaltılmış ve yaygın olarak dağıtılmıştır. En erken çoğaltımlardan biri 1810'da Giuseppe Bossi'nin Il Cenacolo di Leonardo da Vinci adlı incelemesi için portrenin bir gravürünü yaratmasıyla yapılmış ve ününü daha da pekiştirmiştir. Eser, kalıcı olarak Torino'daki Biblioteca Reale'de sergilenmeden önce, 1839'da Savoy Evi koleksiyonunun bir parçası olduğunda yeniden ortaya çıkmıştır.
Her ne kadar evrensel olarak Leonardo'nun gerçek benzeri olarak kabul edilse de, bazı akademisyenler zamanla bu özdeşleşmeyi sorguladılar ve öznenin Ser Piero da Vinci (babası), amcası Francesco veya hatta antik çağlardan bir filozof olabileceğini öne sürdüler. Ancak, Leonardo'nun Windsor'daki, öğrencisi Francesco Melzi'ye atfedilen ünlü profil çizimiyle yapılan bir karşılaştırma , bunun gerçekten de Üstat'ın hayatının son yıllarındaki bir portresi olduğu fikrini güçlendirdi. Bu yorum, Leonardo'yu yetmiş yaşın üzerinde bir adam olarak tasvir eden Luigi d'Aragona'nın sekreterinin 1517 tarihli bir tanımıyla örtüşüyor.
Albrecht Dürer, Dua Eden Eller, yaklaşık 1508. Çizim. Albertina, Viyana.
Albrecht Dürer – Dua Eden Eller (yaklaşık 1508)
Albrecht Dürer'in çizimi, Batı dünyasında evrensel bir inanç ve bağlılık sembolü olarak tanınan, zamanın ötesine geçen bir eserdir. Mavi tonlu kağıt üzerine kalem ve mürekkep kullanılarak yaratılan bu şaheser, ince parmakları ve bilekleri kısmen kıvrılmış kollarla örtülü , dua eden iki erkek elini tasvir eder.
Dürer'in rafine ışık-gölge kullanımından üç boyutlu betimlemeye kadar ayrıntılara gösterdiği olağanüstü dikkat , basit bir anatomik çalışmaya bile derin bir ifade gücü katabilen olağanüstü grafik becerisini sergiliyor.
Geleneksel olarak, çizim Frankfurt'taki Dominikan kilisesi için sipariş edilen ve 1729'da bir yangında trajik bir şekilde yok olan Heller Altarpiece'in merkez panelinde görünmesi amaçlanan bir havarinin elleri için bir hazırlık çalışması olarak kabul edilmiştir. Ancak, son araştırmalar çizimin yalnızca bir ön çalışma olmadığını, daha ziyade altarpiece'te boyanmış ellerin son derece rafine ve ustaca bir yeniden işlenmesi olduğunu öne sürüyor; bu görüntü Dürer'in İtalya'ya yaptığı ünlü seyahatten sonra Almanya'ya geri getirmiş olabileceği bir görüntüdür.
Michelangelo Buonarroti, Vittoria Colonna'nın Çarmıha Gerilmesi, 1545. Kağıt üzerine kömür. Britanya Müzesi, Londra.
Michelangelo Buonarroti – Vittoria Colonna'nın Çarmıha Gerilmesi (1545)
1545 civarında yaratılan Vittoria Colonna için Çarmıha Gerilme , Michelangelo Buonarroti'ye atfedilen kağıt üzerine bir kömür çizimidir ve şu anda Londra'daki British Museum'da sergilenmektedir. Bu eser, Reform çevreleriyle yakın bağları olan bir soylu kadın ve şair olan Vittoria Colonna ile olan dostluğuyla derinden bağlantılı olan grafik üretiminin en samimi örneklerinden biridir.
Geleneksel Çarmıha Gerilme tasvirlerinin aksine, Michelangelo'nun Mesih'i çarmıhta statik görünmez , bunun yerine döner bir hareketle yükselerek havada asılı kalır. Olağanüstü anatomik esneklikle modellenmiş bedeni, sanki dirilişe doğru yansıtılmış gibi hem acıyı hem de ruhsal yükselişi ileten bir şekilde bükülür. Her iki tarafta, temel çizgilerle betimlenen iki yas meleği , yoğun duygusal yük ile sahneye katılır.
İsa'nın bedeninin dinamik yorumu , onun ölümünü bireysel kurtuluşa giden tek yol olarak vurgulayan ve fedakarlığın nihai kurtuluş eylemi olduğunu vurgulayan Katolik Reform düşüncesinin etkilerini yansıtabilir.
Raphael Sanzio, İki Havarinin Başları ve Elleri Çalışması , 1519-20. Çizim. Ashmolean Müzesi, Oxford.
Raphael Sanzio – İki Havarinin Başları ve Elleri Üzerine Çalışma (1519-20)
1518-1520 yılları arasında yapılmış ve şu anda Vatikan Pinacoteca'sında bulunan büyük sunak tablosu The Transfiguration için hazırlanan bu hazırlık çalışması , sanat tarihinin en büyük ustalarından birinin yaratıcı sürecine ışık tutan olağanüstü bir çalışmadır.
Çizimde iki zıt figür sunulmaktadır: idealize edilmiş bir yüze sahip genç bir adam ve akan sakallı yaşlı bir adam , her ikisi de resmin alt kısmında tasvir edilen Cinlenmiş Çocuğun İyileşmesi sahnesinde yoğun duygusal katılıma dalmış durumdadır. Raphael'in becerisi , yüzleri aşırı duyarlılıkla karakterize etme yeteneğinde yatmaktadır ve sahnenin acısını neredeyse elle tutulur hale getirmektedir.
Olağanüstü bir ton aralığıyla işlenen siyah tebeşir darbesi , son resmin resimsel chiaroscuro'sunu önceden haber veren hassas bir ışık ve gölge modülasyonuna olanak tanır. Bu çalışma yalnızca anatomik bir egzersiz değil , insan doğası ve onun çatışan duyguları üzerine derin bir araştırmadır.
Sayfada ayrıca, baş ve ellerin ana hatlarını daha büyük tam ölçekli bir hazırlık karikatüründen aktarmak için kullanılan bir teknik olan sıçrama izleri de ortaya çıkıyor. Bu, sanatçının kompozisyonu giderek nasıl rafine ettiğini, resimsel uygulamada mükemmelliğe ulaşmak için en etkileyici ayrıntılara nasıl odaklandığını gösteriyor.
Rembrandt van Rijn, Otoportre, 1637. Kırmızı tebeşir. Ulusal Sanat Galerisi, Washington.
Rembrandt van Rijn - Otoportre (c. 1637)
Rembrandt'ın 40'tan fazla resim, 31 gravür ve çeşitli çizimlerden oluşan geniş otoportre koleksiyonu arasında, 1637 civarında yapılmış ve şu anda Washington'daki Ulusal Sanat Galerisi'nde sergilenen kırmızı tebeşir portresi , doğrudanlığı ve ifade dolu canlılığıyla öne çıkıyor.
Rembrandt bu eserinde kendisini geniş kenarlı bir şapka ve zengin pileli bir giysi giymiş olarak tasvir eder , ancak kompozisyonun gerçek odak noktası yumuşak, akıcı ve neredeyse taslak benzeri çizgilerle işlenmiş yüzüdür ve figüre kendiliğinden ve düşünceli bir hava verir. Hızlı ve canlı bir vuruşla birleşen doğrudan ve hafif ironik bakışı , yalnızca teknik ustalığını değil aynı zamanda kendi imajını yeni yollarla sürekli keşfetme arzusunu da ortaya koyar.
Bu çizim, Rembrandt'ın kariyeri boyunca sürdürdüğü, yaşam boyu süren öz sorgulamasının bir parçasıdır: Hırslı, yükselen bir sanatçı olarak göründüğü ilk otoportrelerinden , derin gölgeler ve iç gözlemle işaretlenen yaşlılığın güçlü ve melankolik portrelerine kadar.
Edgar Degas, Danseuse'un İlk Çıkışı, c. 1877. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires.
Edgar Degas - Danseuse'un İlk Çıkışı (c. 1877)
Dans dünyasını olağanüstü bir duyarlılıkla ele geçiren sanatçılar arasında Edgar Degas onurlu bir yere sahiptir. Pastel boyayla kağıt üzerine yarattığı Danseuse Debout (yaklaşık 1877 ) adlı eseri, Paris Opéra balerinlerinin hareketini, zarafetini ve çabasını tasvir etme yeteneğinin mükemmel bir örneğidir.
Çizim , genç bir dansçıyı hazırlık anında tasvir ediyor: gövdesi hafifçe eğik, bir kolu uzatılmış ve bir bacağı kaldırılmış , bu da bir ısınma egzersizi veya bir denge anını ima ediyor. Degas mükemmel teatral pozu değil, daha çok geçici anı, hareketin kendiliğindenliğini arıyor . Balerin, sanatçının bakışının farkında değilmiş gibi, kendi dünyasına tamamen dalmış, özbilinç veya performans olmadan görünüyor.
Yumuşak vuruşları ve narin renk nüanslarıyla pastel renklerin seçimi , Degas'nın tutu'nun parlaklığını, taytların ipek parlaklığını ve bale terliklerini vurgulamasına olanak tanır. Hızlı ve canlı çizgileri figürü enerjiyle şekillendiriyor gibi görünürken, belirsiz arka plan dansçının hareketine dikkat çekerek hareketini ve varlığını vurgular.
Vincent van Gogh, Keder, 1882. Çizim, The New Art Gallery Walsall, İngiltere.
Vincent van Gogh – Üzüntü (1882)
1882'de yaratılan Sorrow , Vincent van Gogh'un en erken grafik şaheserlerinden biridir ve sanatçının dışlanmışlara duyduğu derin empati duygusunu ortaya koyan yoğun ve dramatik bir eserdir. Bu kalem ve mürekkep çizimi , Sien olarak bilinen, hamile, terk edilmiş bir kadın olan ve vücudu zorlu bir hayatın izlerini taşıyan Clasina Maria Hoornik'i tasvir eder.
Kadın figürü oturmuş, gövdesi öne eğilmiş, kolları bacaklarının üzerinde çaprazlanmış , bitkinlik, umutsuzluk ve teslimiyet ifade eden bir duruşta görünüyor. Vücudu çıplak , ancak idealizasyondan yoksun — insan acısının ham ve gerçekçi bir tasviri .
Eserin üzerinde şu yazı yer almaktadır:
“Comment se fait-il qu'il y ait sur la terre une femme seule, délaissée?” ( Yeryüzünde nasıl yalnız, terk edilmiş bir kadın olabilir? ), tarihçi Jules Michelet'nin bir alıntısı. Bu ifade, çizimin sadece bir portre olmadığını, aynı zamanda 19. yüzyıldaki ötekileştirilmiş kadınların içinde bulunduğu kötü duruma dair toplumsal bir kınama olduğunu ortaya koyan önemli bir yorumlayıcı unsur sağlar.
Sien Hoornik , Van Gogh için sadece bir model değildi, aynı zamanda hayatının bir bölümünü paylaştığı bir kadındı. Onunla 1882 yılının Ocak ayında Lahey sokaklarında tanıştı; hamileydi, yoksuldu ve hayatta kalmak için fuhuşa zorlanmıştı . Van Gogh onu yanına aldı ve yaklaşık bir yıl boyunca destekledi, bu da onun için bir hayırseverlik ve dayanışma eylemi anlamına gelen bir bağ oluşturdu.
Pablo Picasso, Uyuyan Kadını Ortaya Çıkaran Faun (Jüpiter ve Antiope, Rembrandt Sonrası), 1936. Tate, Londra.
Pablo Picasso – Uyuyan Kadını Ortaya Çıkaran Faun (Jüpiter ve Antiope, Rembrandt Sonrası) (1936)
Bu eser, klasik mitolojiden bir bölüme dayanır ve daha önce 1659 yılında Rembrandt tarafından tasvir edilmiştir: Jüpiter ve Antiope’nin hikayesi. Bu hikayede tanrı, bir satir kılığına girerek uyuyan prensesin yanına gizlice sokulur. Ancak Picasso’nun yorumu, tarihi referansın ötesine geçerek temayı güçlü bir erotik gerilim ve anlatı belirsizliği içeren bir sahneye dönüştürür.
Faun, ilkel içgüdüler ve cinsellikle ilişkilendirilen mitolojik bir figür olarak, uyuyan kadının üzerine eğilir ve onu örten örtüyü kaldırır. Yumuşak ve dolgun kadın bedeni, daha agresif ve hayvansı erkek figürüyle keskin bir tezat oluşturarak pasiflik ve hakimiyet, rüya ve gerçeklik arasındaki ikiliği vurgular.
Picasso, kazıma ve kuru iğne tekniklerini birleştirerek çizime benzer çizgi ve doku zenginliği elde etmiştir. Akıcı ve hızlı çizgileri neredeyse eskiz gibi görünürken, yoğun gölgeler ve kazınmış yüzeyler sahnenin gerilimini artıran dramatik bir kontrast yaratır.
Bu gravürün Picasso’nun grafik tarzıyla benzerliği çarpıcıdır: huzursuz, kesik kesik çizgiler, onun kurşun kalem ve kömür çalışmalarıyla büyük benzerlik taşırken, ışık-gölge efektleri figürlerin hacmini ve üç boyutluluğunu artırarak, sanki önce kağıt üzerine oyulmuş ve sonra plaka üzerine kazınmış gibi bir etki yaratır.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Dergisi
