19. yüzyıldan bu yana heykel, özellikle bu sanat formunun sınırlarını genişleten yeni malzemeler ve tekniklerin tanıtılmasıyla önemli dönüşümler geçirdi. Sonraki yüzyıl, heykele yönelik geleneksel yaklaşımlara meydan okuyan modernist hareketlerle bir dönüm noktası oldu. Sanatçılar, endüstrileşme ve teknolojik gelişmelerden ilham alarak demir, çelik ve alçı gibi geleneksel olmayan malzemelerle deneyler yapmaya başladı.
Ayrıca reçine, plastik ve fiberglas gibi sentetik malzemelerin ortaya çıkışı heykeltıraşlar için yeni olasılıklar açtı. Bu hafif ve oldukça uyarlanabilir malzemeler karmaşık tasarımların, cesur renklerin ve deneysel tekniklerin yaratılmasını sağladı.
20. yüzyılın sonu ile 21. yüzyılın başı arasında çimento, beton ve alüminyum gibi malzemeler mimari etkilere ve büyük ölçekli kamusal enstalasyonlara doğru bir kaymayı yansıtarak öne çıktı. Çağdaş sanatçılar genellikle geleneksel ve modern malzemeleri birleştirerek kimlik, ekoloji ve toplumsal yorumla ilgili temaları araştırırlar.
Dolayısıyla, 19. yüzyıldan günümüze heykelin klasik köklerinden dinamik ve çok yönlü bir sanat biçimine evrildiği açıkça ortaya çıkıyor. Geleneksel veya modern olsun, zamanla tanıtılan her malzeme, her dönemin kültürel, teknolojik ve felsefi değişimlerini yansıtarak sanatsal ifade olanaklarını yeniden tanımlamaya katkıda bulunmuştur.
ZOE BRUTALİST BAŞI (2024) Heykel Paolo Castagna (Brutalist Tasarım)
Beton ve İtalyan Brutalizmi
Sanatsal ve mimari anlatılarda mermer veya ahşap gibi daha "asil" malzemeler lehine sıklıkla göz ardı edilen beton, aslında cesur ve kararlı bir devrimde önemli bir rol oynamıştır. İtalya'da benimsenmesi, modern ve savaş sonrası mimaride önemli bir dönüm noktası oluşturmuş ve kentsel manzarayı yeniden şekillendiren radikal yenilikler getirmiştir. Bu hareketin kalbinde, béton brut'u veya ham betonu yalnızca yapısal bir temel olarak değil aynı zamanda güçlü bir estetik ve felsefi ifade aracı olarak da kutlayan bir yaklaşım olan Brutalizm yer almaktadır. Brutalizm, betonu bir güç ve mimari samimiyet sembolüne dönüştürerek, geleceği şekillendirmek için geçmişten kopmaya cesaret eden bir dönemin içsel enerjisini ortaya çıkarır.
Peki bir adım geriye gidelim: Brutalizm nasıl ve nerede ortaya çıktı?
Fransızca béton brut (ham beton) ifadesinden adını alan bu cüretkar mimari stil, 1950'lerde ve 1960'larda güçlü bir şekilde ortaya çıktı. Açıkta kalan betonarme malzemenin bilinçli kullanımıyla karakterize edilen Brutalizm, işlevselliği ve geometriyi belirgin bir şekilde görünür bir şekilde vurgular. Le Corbusier gibi ustalar, ham maddeselliği ve yapısal özcüllüğü kutlayan eserlerle bu hareketin temellerini attılar. Dünya çapında yayılan Brutalizm, katı Avrupa estetiğinden Brezilya ve Hindistan'daki tezahürlerinin dinamizmine kadar çeşitli biçimler aldı. Bu hareketin ikonik örnekleri arasında Londra'daki Barbican Merkezi, Boston Belediye Binası ve Paris'teki Centre Pompidou yer alır; hepsi de etkileyici ancak işlevsel bir estetik sergiler.
Ama İtalya'dan bahsetmemiz gerekmiyor muydu?
Kesinlikle, Bel Paese'yi unutmadım! İtalya'da Brutalizm, Pier Luigi Nervi ve Giuseppe Perugini gibi ustaların yaratıcılığı sayesinde silinmez bir iz bıraktı. Örneğin, Torino'daki Palazzo del Lavoro ve Roma'daki Palazzo dello Sport'u düşünün; bu anıtlar sadece karmaşık ve dinamik yapılar için destek değil, aynı zamanda gerçek görsel hikaye anlatıcılarıdır. Gelenekle bağlarını koparırlar ve betonun artık sadece bir malzeme değil, modernite ve dayanıklılığın bir sembolü olduğu bir vizyonu benimserler.
Aynı zamanda, İtalyan Brutalist yaratımlar estetik geleneklere meydan okurken, genellikle çevrelerinde belirli bir uyumsuzlukla öne çıkar, kentsel ve kültürel yapı içinde cesurca ve bazen tartışmalı bir şekilde kendilerini ayırırlar. Genellikle soğuk veya yabancı olarak algılanan bu yapılar, İtalya'nın mimari tarihinde kritik bir bölümü temsil eder ve betonu yalnızca yapısal bir unsurdan güçlü bir sanatsal ve mimari ifade aracına yükseltir. Etkileyici biçimleri ve ham beton yüzeyleri, görsel etkileri ve kentsel manzarayı etkileme ve kökten dönüştürme yetenekleri üzerine düşünmeye davet eder ve mevcut çevreyle bütünleşmeleri veya karşıtlıkları üzerine devam eden tartışmaları tetikler.
Paolo Castagna'nın Çağdaş Brütalizmi
Paolo Castagna'nın 2024 tarihli Zoe Brutalist Başı heykeli, kökeni mimariye dayanan Brutalizm'in sanat ve tasarımda nasıl ifade bulduğunun dikkat çekici bir örneğini temsil ediyor.
Castagna'nın çalışmaları mimari ve heykelsi Brutalizm arasında anlamlı bir köprü kuruyor ve başlangıçta etkileyici yapılar için tasarlanmış ilkelerin daha kişisel ve samimi sanat eserlerinde nasıl yeniden yorumlanabileceğini güçlü bir şekilde gösteriyor. Makrodan mikroya bu geçişte Castagna, Brutalizm'i kışkırtıcı ama bir o kadar da büyüleyici bir hareket yapan sağlamlık ve özgünlük özünü koruyor.
Brutalizmin sembolü ve dayanağı olan betonu kullanma tercihi tesadüf değil: sanatçı bu malzeme aracılığıyla bir güç ve saflık duygusunu keşfediyor ve iletiyor, her heykeli yaratıcı ile gözlemci arasındaki elle tutulur bir diyaloğa dönüştürüyor. Castagna, kusurların güzelliğini ve endüstriyel malzemelerin ifade gücünü cesurca kutluyor ve izleyicileri yüzey düzensizliklerinin benzersiz cazibesini yeniden keşfetmeye davet ediyor.
Tapınağa giriş (2023) Emmanuel Passeleu'nun heykeli
Beton: Roma Mimarisinden Çağdaş Heykele
Aniden kendimizi Roma'nın kavurucu güneşinin altında, Ebedi Şehri çevreleyen anıtların tarihi ve güzelliğine hayran kalmış bir turist grubunun ortasında buluyoruz. Rehberimiz, coşkulu bir tonla, bizi en ikonik binalardan birine doğru götürüyor ve konuşmaya başlıyor:
"Antik Roma'nın gerçek bir mimari mücevheri olan Pantheon, tarihi merkezin kalbinde, Pigna bölgesinde yer almaktadır. Başlangıçta tüm tanrılara adanmış bir tapınak olarak inşa edilen tapınağın tarihi, İmparator Augustus'un damadı Marcus Vipsanius Agrippa'nın tanrıça Kibele ve diğer tanrıların onuruna MÖ 27'de inşa ettirmesiyle başlar."
"Blah, blah, blah..."
"Peki Pantheon'un neyden yapıldığını biliyor musun? Esas olarak betondan inşa edilmiştir!"
Ancak, Pantheon'unki de dahil olmak üzere antik Romalılar tarafından kullanılan beton, modern betondan önemli ölçüde farklı olan benzersiz özelliklere sahiptir. Ana bileşenlerinden biri, kireç ve suyla karıştırıldığında son derece dayanıklı bir harç oluşturan volkanik bir kül olan puzolan'dır . Puzolan, su varlığında kireçle reaksiyona girerek su altında bile sertleşebilen hidrolik çimentolu bileşikler oluşturan silika ve alümina içerir ve yapılara olağanüstü dayanıklılık ve direnç sağlar.
Günümüzde beton tipik olarak Portland çimentosu, kum, çakıl ve su karışımıdır. Puzolana'nın aksine, modern çimento son derece yüksek sıcaklıklarda pişirilmeyi gerektirir ve Roma betonunun hidrolik ve kendi kendini iyileştirme özelliklerinden yoksundur.
Geçmişin en dayanıklı betonu neredeyse yalnızca mimari amaçlar için kullanılırken, çağdaş beton yeni bir rol üstlenerek daha genç ve daha ifade edici bir sanatsal dil haline geldi. Mermer veya bronz gibi geleneksel malzemelerden farklı olarak, ancak son on yıllarda birçok sanatçı onu bir ortam olarak seçti, esnekliğine ve maddiliğine çekildi.
Emmanuel Passeleu'nun Heykel Çalışmalarında Geçmiş ve Şimdi
Beton ve mimari arasındaki tarihi bağlantıyı da hatırlatan çağdaş bir heykel çalışması, Emmanuel Passeleu'nun "Tapınağa Giriş" (2023) adlı eseridir. Bu heykel, temel mimari unsurları minimalist ve vizyoner bir estetikle birleştirir; formu, merdivenlerin, kemerlerin ve açıklıkların klasik mimarinin saf ve işlevsel geometrilerini çağrıştırdığı hayali bir tapınağın bir bölümünü temsil eder. Ham ve doğal dokusuyla beton, yalnızca ifade edici bir ortam olmakla kalmaz, aynı zamanda geçmiş ve şimdiki zaman arasında kavramsal bir köprü haline gelir ve antik yapıların sağlamlığını ve zamansızlığını çağrıştırır.
stroemender gezegeni (2022) Nikolaus Weiler'ın heykeli
Alüminyum Modernizm, Pop Art ve Geri Dönüşüm Arasında
Alüminyum, sanatta nispeten yeni bir malzemedir. Sanatçılar eski zamanlardan beri metalleri kullanmış olsalar da, bizim ilgimizi çeken malzeme ancak Hans Christian Ørsted'in 1820'lerde ilk kez izole etmesinden sonra kullanılabilir hale geldi. Ancak, üretim maliyetlerini önemli ölçüde düşüren Hall-Héroult işleminin 1886'da geliştirilmesine kadar alüminyum daha geniş uygulamalar için yaygın olarak erişilebilir hale gelmedi.
Alüminyumun sanatta ilk kullanımlarından biri neydi?
Alüminyumun bilinen en eski sanatsal kullanımı, Alfred Gilbert'in tamamen alüminyumdan yapılmış bir heykeli olan Anteros ile 1893'e dayanır. Londra'daki Piccadilly Circus'taki Shaftesbury Anıt Çeşmesi'nin tepesinde bulunan eser, Viktorya dönemi hayırseveri olan Shaftesbury Kontu'nu anıyor ve teknolojik yeniliğin bir sembolü haline geldi.
20. yüzyılın başlarında erişilebilirliği artan alüminyum, Modernizm'de tercih edilen bir malzeme haline geldi. 1930'larda Alexander Calder, hava akımlarıyla hareket eden hafif kinetik heykeller olan ünlü mobilleri için ince alüminyum levhalar kullanmaya başladı. Malzemenin hafifliğini ve esnekliğini kullanarak yerçekimine meydan okuyan eserler yarattı ve sanat ile mekan arasındaki ilişkiyi kavramanın yeni bir yolunu tanıttı.
1960'larda soyut heykeltıraş Bill Barrett büyük ölçekli eserler için alüminyum kullanmaya başladı. 10 metreden uzun olan heykeli Hari IV , Staten Island'daki New Dorp Lisesi'nin girişinde öğrencileri karşılayarak alüminyumun hafif ve zarif kalan anıtsal eserler yaratmak için nasıl kullanılabileceğini gösteriyor.
Daha sonra alüminyum artık sadece bir malzeme olarak değil, aynı zamanda modernitenin, seri üretimin ve tüketiciliğin bir sembolü olarak da kabul edildi. Bu, alüminyumu The F-111 adlı eserine dahil eden James Rosenquist de dahil olmak üzere Pop sanatçıları için karşı konulamaz hale getirdi.
Son olarak, sonsuz geri dönüştürülebilirliğe sahip alüminyumun, atık nesneleri yeniden değerlendirerek yeni sanat eserleri yaratmayı deneyen birçok sanatçıya ilham vermeye devam ettiğini vurgulamak önemlidir.
Çağdaş Heykel: Alüminyum ve Nikolaus Weiler'in Soyut Geometrileri
Nikolaus Weiler'in Stroemender Gezegeni (2022) adlı heykeli, form, malzeme ve dinamizm arasındaki uyumlu etkileşimle karakterize edilen, güçlü görsel ve kavramsal etkisiyle öne çıkan bir alüminyum eserdir.
Başlık, Weiler'ın sanatsal pratiğindeki merkezi temalar olan sürekli hareket, dinamizm ve dönüşüm fikrini ima ediyor. Heykel, akış ve değişim kavramını araştırıyor ve muhtemelen yaşam döngüsünü, enerjinin sürekli evrimini veya doğal ve yapay unsurlar arasındaki bağlantıyı temsil ediyor.
Çalışma, uyumlu bir diyalog içinde olan zıt özelliklere sahip iki malzeme olan alüminyum ve ahşabı bir araya getiriyor. Cilalı yüzeyi ve gümüş rengiyle alüminyum, modernliği, hafifliği ve teknolojiyi çağrıştırıyor. Buna karşılık, sıcak ve organik dokusuyla ahşap, doğayı ve geleneği anımsatıyor. Malzeme seçimi, yapay ve doğal, katı ve akışkan arasındaki gerilimi vurguluyor; bunlar Weiler'in sanatsal konseptindeki temel unsurlar.
Buona'Pop-Art ! : L'imperatore Pop (2024) Achab'ın Heykeli
Plastik: Sanat İçin "Yeni" Bir Malzeme
Çağdaş heykellerle çevrili bir müzede yürüdüğünüzü hayal edin. Bunlardan biri dikkatinizi çekiyor: akışkan formlara ve neredeyse doğal olmayan canlı renklere sahip kıvrımlı bir figür. Yaklaşıp hangi malzemeden yapıldığını tahmin etmeye çalışıyorsunuz. Mermer? Cam? Reçine? Sonra etiketi okuyorsunuz: plastik.
Sıklıkla sıradan ve sıradan kabul edilen, ancak vizyon sahibi sanatçıların elinde sıra dışı yaratıcılığın bir aracı haline gelen bir malzeme. Plastik, çağdaş sanatta temel bir varlık olarak kendini kanıtlamış, yeni ifade olanakları açmış ve sanat, malzemeler ve dünyamız arasındaki ilişkiyi algılama biçimimizi değiştirmiştir.
19. yüzyılın ikinci yarısında selüloitin icadıyla tanıtılan plastik, 20. yüzyılda PVC, polietilen ve pleksiglas gibi sentetik malzemelerin keşfi sayesinde üretim patlaması yaşadı. Hafifliği, işlenebilirliği ve hemen hemen her şekli ve rengi alabilme yeteneği, onu hem anıtsal eserler hem de karmaşık heykel detayları için uygun, olağanüstü çok yönlü bir malzeme haline getirir.
Mermer veya bronz gibi geleneksel malzemelerden farklı olarak plastik, geçmişten bir kopuşu temsil eder. Teknolojik ilerlemenin ve çağdaş dönemin bir simgesidir, ancak aynı zamanda kritik bir yönü de vardır: çevresel etkisi. Bu ikili önem -yenilik ve ekolojik kaygı- onu zamanımızı yansıtmak isteyen sanatçılar için mükemmel bir malzeme haline getirir.
Achab'ın Pop Art'ında Napolyon'un Yeniden İcat Edilmesi
Achab'ın bir heykeli olan "Buona'Pop-Art! The Pop Emperor" , tarihin en ikonik figürlerinden birini minimalist, sembolik ve oldukça Pop'tan ilham alan bir şekilde yeniden yorumlayan cesur ve çağdaş bir övgüdür. Kim?
Napolyon Bonapart!
Heykel, geometrik ve stilize tasarımıyla öne çıkıyor. Napolyon'un yüzü, klasik büstleri anımsatan köşeli şekillerle neredeyse soyut bir öze indirgenmiş, ancak radikal bir şekilde basitleştirilmiş. Baş, imparatorun hemen tanınan bir sembolü olan ikonik siyah bicorne ile taçlandırılmış, burada temel ve modernleştirilmiş bir biçimde temsil edilmiştir.
Eserin merkezinde, geleneksel bir büstün olacağı yerde konumlandırılmış devasa kırmızı bir kalp kompozisyona hakimdir. Bu form ve renk seçimi tutku, güç ve insanlığı çağrıştırarak tarihi figürün duygusal ve sembolik boyutunu vurgular. Heykel koyu mavi bir tabanla tamamlanır, görsel denge sağlar ve genel tasarıma derinlik katar.
Renkler -siyah, beyaz, kırmızı ve mavi- rastgele değil. Fransız bayrağını çağrıştıran evrensel bir kromatik dil kullanarak güç, cesaret ve modernliğin bir kombinasyonunu yansıtırken, canlılığı ve sadeliğiyle Pop Art'la da yankılanıyor.
Demir Çağı (2024) Roman Rabyk'ın Heykeli
Reçinenin Olağanüstü Etkileri
Yukarıda bahsi geçen müze yolculuğunun sonunda, sergilenen son eserin önünde dururken, bakışlar alışılmadık bir heykele odaklanıyor. Yüzeyi parlak, neredeyse sıvı görünüyor ve şekilleri uzayda yüzüyormuş gibi görünüyor. Şeffaflığı ve renk nüansları onu belirsiz kılıyor - cam veya seramik olabilir mi, hatta belki metal? Sonra, etiketi okuyunca, çağdaş sanatta giderek daha fazla yer edinen bir malzeme olan reçineden yapıldığı keşfediliyor.
Reçine, belirli kimyasal işlemlerle dayanıklı ve dirençli bir malzemeye dönüşebilen doğal veya sentetik organik bir maddedir. Geçmişte çoğunlukla endüstride veya zanaatkarlıkta kullanılırken, bugün çok yönlülüğü nedeniyle sanat dünyasını fethetmiştir. Epoksi, poliüretan veya polyester gibi sentetik reçineler, sınırsız deney fırsatları sunar.
Çağdaş sanatçılar reçineyi tam da olağanüstü etkiler yaratma yeteneği nedeniyle seçtiler. Onunla, cam veya cilalı metalleri anımsatan pürüzsüz, yansıtıcı yüzeyler gibi ışığı kıran yarı saydam ve aydınlık eserler üretebilirler. Pigmentleri ve farklı malzemeleri karıştırma yeteneği, sonsuz bir renk tonu ve renk oyunu yelpazesi sağlar. Ayrıca, reçinenin hafifliği ve gücü, daha geleneksel malzemelerle ilişkilendirilen ağırlık ve kırılganlık olmadan büyük ölçekli eserler yaratmak için onu ideal hale getirir.
Peki Sürdürülebilirlik Ne Durumda?
Reçine ağırlıklı olarak sentetik olduğundan, geleneksel versiyonlar çevre dostu olmayabilir. Ancak son yıllarda araştırmalar, sanatsal kaliteyi tehlikeye atmadan çevresel etkiyi azaltabilen biyo-bazlı reçineler veya geri dönüştürülmüş malzemeler gibi yeni alternatifler geliştirdi. Giderek daha fazla sanatçı, yenilikçiliği sürdürülebilirlikle birleştirmek için yeni teknikler deneyerek çevre dostu çözümler benimsiyor.
Roman Rabyk'ın Reçine Büstü
Roman Rabyk'in Demir Çağı heykeli, çağdaş Ukrayna'yı şekillendiren dramatik olaylarda duygusal ve sembolik bir yolculuğu temsil ediyor. Polyester reçine, metal, akrilik ve verniğin bir kombinasyonuyla yaratılan heykel, çatışma, dayanıklılık ve ulusal kimlik üzerine derin bir düşünceyi temsil ediyor.
Büst, dokular ve kesiklerden oluşan bir ağ ile işaretlenmiş, yaraları, izleri ve yakın tarihin parçalarını çağrıştıran bir insan yüzünü tasvir ediyor. Yüzeyin ham, metalik görünümü, reçinenin şeffaflığı ve katmanlaşmasıyla iç içe geçerek bir dönüşüm ve dayanıklılık hissi uyandırıyor. Malzeme seçimi - metalin ağırlığı ve sağlamlığı ile reçinenin esnekliği arasındaki bir diyalog - hem içsel gücü hem de şiddet ve değişim karşısında insan kırılganlığını sembolize ediyor.
Son olarak, heykel metaforik bir Demir Çağı'ndan yenilenme ve tefekkür çağına geçişi temsil ediyor gibi görünüyor. Metalin sertliği gerçekliğin vahşetini ve gerginliğini temsil ederken, reçine ve verniğin kullanımı iyileşme ve dönüşüm olasılığını öne sürüyor. Derin duyguların kalıntıları gibi ortaya çıkan yüzün detayları izleyiciyi kriz zamanlarındaki insan deneyimini düşünmeye davet ediyor.
Olimpia Gaia Martinelli
