Paul Gauguin, Üç Yavru Köpekli Natürmort, 1888. Ahşap üzerine yağlıboya, 91,8 x 62,6 cm. Anne.
Natürmort türü: Haydi hemen dalalım!
Doğrudan konuya geçelim: İnternette natürmort okuduğunuzda Helenistik, Roma, Orta Çağ ve Rönesans dönemlerinden örnekler bulabileceksiniz. Hem doğal hem de yapay cansız konuların baskın tasviriyle karakterize edilirler. Bunlar, bu tür kompozisyonun tanımlayıcı özellikleri olmasına rağmen, ancak 16. yüzyılın sonuna gelindiğinde resmi olarak farklı bir tür haline geldi, tanınan, uzmanlaşan ve değer verilen bir eser haline geldi. Hikaye, sonraki yüzyılda önemli bir popülerlik ve yayılma ile devam ediyor, ancak 18. yüzyılda natürmort, figüratif sanat türlerinin hiyerarşik sıralamasında en alt sıralara indirildi. Bununla birlikte, türün kazandığı ilerici kötü şöhret, esas olarak 16. ve 17. yüzyıllar arasındaki Flaman örneğine atfedilir; bu, kelimenin tam anlamıyla "natürmort" anlamına gelen "hala" teriminin türetildiği bir bağlamdır. İkinci anlam İngilizce dillerinde korunurken, hareketsiz sözcüğünün ölü sözcüğüyle değiştirildiği Neo-Latin dillerinde aynı durum geçerli değildir (örneğin, "natura morta"). Bu değişiklik, muhtemelen basit bir çeviri hatası nedeniyle eski Hollandaca ifadeyi değiştiren, 18. yüzyılın sonlarında gerçekleşen, terimin İtalyanca yeniden yorumlanmasından kaynaklandı. Bu noktada anlatı benim sıralamamda devam ediyor ve çoğu zaman hafife alınan ama aslında her sanatsal hareket, akım ve akımın ölümsüz ustaları tarafından ele alınan bir türün başarısını gösteriyor.
Caravaggio, Meyve sepeti, 1597-1600. Tuval üzerine yağlıboya, 46×64 cm. Pinacoteca Ambrosiana, Milano.
1.Caravaggio: Meyve Sepeti (1600)
Sanat tarihinin "talihsiz" natürmort türüne ait en ünlü eserlerden biriyle başlayalım. Adrenalin patlaması ve Stendhal sendromuna yatkınlıkla başlamak gerekirse Caravaggio'nun 1600'lü yıllara dayanan bir şaheser olan Meyve Sepeti tablosundan bahsediyorum. Tablo hem tarihi-sanatsal açıdan hem de konusu açısından önemli. Bu sadece natürmort sanatsal türünün en eski örneklerinden biri değil, aynı zamanda İtalyan gerçekçilik estetiğine uygun olarak sadece tertemiz meyveyi değil, aynı zamanda çürük bir elmayı ve kuru ve böceklerin delikleri ile delik deşik olmuş yaprakları da temsil ediyor. Bütün bunlar usta tarafından insan varlığının istikrarsızlığını ima etmek ve aynı zamanda doğanın gerçek kusurluluğunu kutlamak için tasarlandı. Bu, kompozisyonun merkezinde izleyicinin bakışına paralel uzanan ahşap bir yüzey üzerinde duran üzüm, armut, elma, incir ve şeftali salkımlarını tutan dokuma bir hasır sepeti içerir. İzleyici sadece konunun gerçekçiliğine odaklanabiliyor ki bu da aslında bazı detayların varlığıyla reddediliyor. Aslında ressamın, farklı mevsim meyvelerini yan yana koymak gibi imkansız bir görevi inanılmaz bir şekilde başardığını fark ettiniz mi? Son olarak, daha önce portre veya dini temalarda yalnızca bir arka plan unsuru olarak kullanılan doğaya olan ilgisini, geç dönem maniyerist bağlamda ifade etmekte haklı hisseden Caravaggio'nun konu seçimini de doğrulamak istiyorum.
Rembrandt, Kesilmiş Öküz, 1655. Panel üzeri yağlıboya. 95,5x68,8 cm. Louvre, Paris.
2.Rembrandt: Kesilmiş Öküz (1655)
Stendhal sendromunun taşikardisi, baş dönmesi, kafa karışıklığı ve halüsinasyonlarıyla devam ediyoruz; 16. ve 17. yüzyıllar arasında natürmort kompozisyonlarının, aralarında hayvan leşlerinin de bulunduğu, nasıl zafer kazandığını göstermeyi amaçlayan, sembolik anlamlar açısından zengin bir başyapıta yaklaşıyoruz. kederli ve doğrudan memento mori olarak anlaşılacak, aynı zamanda biçim ve rengin karmaşıklığına yaklaşan sanatçıları çalıştırabilecek gibi göründü. Ancak Rembrandt'ın ahşap bir kirişe bağlı iki arka ayağından asılmış bir hayvanın dörde bölünmüş leşini tasvir eden başyapıtlarından Kesilmiş Öküz, aynı zamanda bize İsa'nın çarmıha gerilişinin meşhur örneğini de hatırlatır. Eser aslında sahte bir natürmortu temsil ettiğinden, artık açıklama konusunda kritik bir ana ulaştık. Aslında arka planda, yarı açık bir kapının arkasında beliren bir kadının varlığı, tabloyu gündelik hayattan bir sahneyi tasvir etmeye yönelik bir tür tabloya dönüştürüyor.
Chaim Soutine, Sığır Karkası, 1925. Tuval üzerine yağlıboya, 147,32 x 113,03 cm. Minneapolis Sanat Enstitüsü Koleksiyonu.
3.Chaim Soutine: Sığır Karkası (1925)
Yukarıdakileri gerçek bir natürmorta dönüştürmek için Chaim Soutine imdada yetişti! Rus ustanın aynı konulu bir dizi eserde yeniden yorumladığı, aslında yukarıda anlatılan şaheserden esinlenerek 1925 tarihli Sığır Karkasını kastediyorum. Bununla birlikte, Daumier ve Slevogt'un da aralarında bulunduğu diğer büyük ustaların da aynı temaya yaklaştığını belirtmekte fayda var; ancak Soutine'in durumunda, ressamın eksantrik kişiliğini yansıtan yoğun ve doygun renklerle karakterize edilen özellikle duygusal bir yorum açıkça görülüyor. Sanatçının bu karakteristik yönü üzerinde kısaca durarak, söz konusu hayvan natürmortlarını icra etmesiyle ilgili bazı üzücü detayları ortaya çıkarmak istiyorum. Paris'teki bir mezbahanın çalışanlarıyla arkadaş olan Soutine, onlardan et satın alıp haftalarca resim yapmak üzere atölyesine götürürdü ve bu süre zarfında et kötü kokulu bir çürümeye de uğrardı... Hayvanlar alemine bu takıntının olup olmadığını bilmiyoruz. Sanatçının henüz fakir olduğu dönemde etin çok pahalı olması nedeniyle et almaktan kaçındığı biliniyor. Paradoksal olarak, zengin olduktan sonra onu yalnızca incelemek ve boyamak için satın almaya karar verdi...
Vincent van Gogh, Ayçiçekleri, 1888. Tuval üzerine yağlıboya, 92,2 cm × 73 cm. Ulusal Galeri, Londra.
4.Vincent van Gogh: Ayçiçekleri (1888)
İzleyicinin bakışları, söz konusu natürmortta resmedilen tek konuya odaklanıyor: Bir vazoya dizilmiş, formları sarı bir yüzey üzerinde duran, açık renkli bir duvarın önünde göze çarpmaya hazır bir ayçiçeği buketi. Çeşitli olgunluk aşamalarında toplanan ayçiçekleri, sanatçının van Gogh'un arkadaşı ve meslektaşı Gauguin için tasarladığı Arles'taki odayı dekore etmek için tasarladığı yedi eserden oluşan seride benzer şekilde karşımıza çıkıyor. "Arkadaş" kelimesi üzerinde bir an durup, gerçekte Fransız sanatçının Vincent'a ancak Theo van Gogh'tan maddi tazminat aldıktan sonra ulaştığını ortaya koyayım. Peki neden paraya ihtiyaç vardı? Diyelim ki Gauguin zaten Vincent'la yaşamanın biraz sorunlu olacağını düşünüyordu ve aynı zamanda adı geçen Akdeniz eyaletinden de hoşlanmıyordu. Her halükarda, Paul kısa bir süre sonra sanat tarihinin en ünlü tartışmalarından birinin ardından arkadaşından kurtuldu, Arles'ı terk etti ve van Gogh'ta kendine zarar veren bir krizi tetikledi ve artık trajik ve ikonik olan kulak kesen olayla sonuçlandı. Çiçeklere dönecek olursak, çeşitli kompozisyonlardaki ayçiçeklerinin de sayılarının on dört ila on beş arasında değiştiği bilinmektedir. Neden bu özel seçim? Vincent, havarilerin sayısını ifade ettiği için 14 rakamını önemsiyordu; 15 rakamı ise kendisini aynı referans kapsamına dahil ediyordu (14 havari + Vincent). İroni: Bu ilk on, evde denenmeden bırakılması daha iyi olan olaylardan bahsediyor!
Paul Gauguin, Üç Yavru Köpekli Natürmort, 1888. Ahşap üzerine yağlıboya, 91,8 x 62,6 cm. Anne.
5.Paul Gauguin: Üç Yavru Köpekle Natürmort (1888)
Bir hayvan aktivisti olarak, bu ilk 10'da ölen canlıların varlığını, Gauguin'in üç yavru köpekli natürmort adlı eserinden bahsederek yerine getirdiğim bir amacı telafi etmek zorunda kaldım. zaman şüphelerimi artırıyor. Aslında natürmorttan bahsediyorsak, hayvanlar nasıl canlı olabiliyor? Türün varsayımlarına sadık kalacaksak, boyalı faunanın aslında ölü olması gerekir ve yaşayanlar ise ancak ölü modellerden yapılmışsa kabul edilebilir. Bununla birlikte, Gauguin'in kendisini çalışırken bulduğu figüratif bağlamda artık bu tür eski sınırlamalardan tamamen kurtulduğunu biliyoruz; öyle ki, üç yavru köpekle Natürmort'un yapımı sırasında, Gauguin şu anda yaşıyordu. Brittany'de bir grup deneysel sanatçıyla birlikte. Rüya ile doğa arasında savunduğu birliğin sonucu olarak, bazı durumlarda kısmen soyut tada sahip üslup özellikleriyle sonuçlanan, tam da ikincisiyle daha gerçekçi temsillerden uzaklaştı. Her halükarda, başyapıtın belirleyici bir bileşeni, Japon sanatının üslup özelliklerinin tuhaf bir yorumudur; örneğin yavru köpeklerin vücutlarının mavi çiziminde ve aynı zamanda kürklerinin motifinde de bulunur. masa örtüsü baskısını hatırlamak için.
Paul Cezanne, Elmalı ve Portakallı Natürmort, 1899. Tuval üzerine yağlıboya, 74×93 cm. Musée d'Orsay, Paris.
6.Paul Cezanne: Elma ve Portakallarla Natürmort (1899)
İşte buradayız, türün en popüler eserlerinden birini daha anlatıyoruz: Söylediklerimi neden söyledim? Pek çok sanat tarihçisinin Elmalı ve Portakallı Natürmort'ta, kumaşın kıvrımlarındaki kırık çizgilerin yanı sıra meyveleri temsil etmek için geometrik şekiller kullanması nedeniyle Kübizm'in öncüsü olduğunu kabul ettiğini bilmek önemlidir. Şimdi bekleneni anlatalım: Bir tuval üzerine, bazıları dağınık, bazıları tabaklar üzerinde toplanmış birkaç elma ve portakal dizilmiş, desteğin sağ tarafında da bir sürahinin varlığı eşlik ediyor. Bahsedilen tuval, tamamlayıcı mavi ve turuncu renklerin varlığını vurgulamak amacıyla çiçekli bir kumaşın üzerinde durmaktadır. Şimdi başyapıtın bu kromatik yönünü derinlemesine inceleyelim; tamamen meyvelerin sarıdan kırmızıya kadar değişen ton değişimlerini kullanarak nesnelerini tanımlamaya odaklanalım. Bu renklerin görünümü geometrik kurallara bağlı bir perspektiften sunulmuyor çünkü mekan, yüksek bir bakış açısından bakıldığında çok basit hacimlerin üst üste binmesi sonucu oluşuyor.
Frida Kahlo, Yaşasın Vida, Karpuzlar, 1954. Frida Kahlo Müzesi. @danielharoro
7.Frida Kahlo: Yaşasın Vida, Karpuzlar (1954)
Söz konusu eserin önemi ve ikonikliği anlatım ilerledikçe ortaya çıkacak ancak şimdilik bu tabloyu natürmort türünün potansiyelini ortaya koymak için seçtiğimi anlatarak bir ön izleme vermek istiyorum. son derece olumlu ve umut verici mesajlar iletme konusunda eşit derecede yeteneklidir. Ancak az önce bahsettiğim şey, Frida'nın çalışmalarında yinelenen bir unsur olan güçlü bir karşıtlıktan kaynaklanıyor. Bu durumda ikilik, sanatçının eserini sağlıksız bir durumdayken, yaşamın canlılığının en güzel simgesi olan karpuzları resmetmiş olmasından kaynaklanmaktadır. Ancak bu konuları yakından gözlemlediğimizde, bunların farklı olgunlaşma aşamalarından geçtiklerini fark ederiz; bu da büyük olasılıkla insan yaşamının farklı aşamalarına işaret eder. Her halükarda iyimserlik, hoş ve canlı bir kontrast oluşturan kromatik bir özellik olan kırmızının, meyve kabuğunun tamamlayıcı yeşil rengiyle bir araya gelmesiyle yayılır. Son olarak, ressamın o zamana kadar yalnızca spekülasyon olarak görülen niyeti, aşağıdaki ifadeyi taşıyan karpuzda netleşiyor: "Viva la Vida - Coyoacan 1954 Meksika." Tablonun anlatımı sona erdiğinde Frida'nın anlatımı da bitiyor, çünkü Viva la Vida her bakımdan sanatçının son eseri...
Salvador Dalí, Yaşayan Natürmort, 1956. Tuval üzerine yağlıboya, 125 cm × 160 cm. Salvador Dalí Müzesi, St. Petersburg, Florida.@
8.Salvador Dalí: Natürmort Yaşamak (1956)
Buna karşılık, garip dinamizm-ölü doğa birlikteliği, Salvador Dali'nin, Katalan'ın Nükleer Mistisizm olarak adlandırdığı 1956 tarihli başyapıtı olan Yaşayan Natürmort'ta ortaya çıkıyor; bu, Dali'nin bilinçli zihin ile kuantum arasındaki ilişkiyi araştırmaya çalıştığı resimsel bir an. fizik. Yukarıdakileri basit bir şekilde nasıl açıklamaya çalışabilirim? Dali, söz konusu başyapıtı yaparken, bilinçli zihnine hitap ederek, Van Schooten'in natürmort Tablosu Yemek ile verdiği örneği hatırlatarak ilham almıştır. Fizikten bahsetmişken, ustanın Hollanda sofra düzenini dönüştürüp ona hareket mucizesini kazandırması ve elbette mükemmel sürrealist tarzda yorumlanmasıyla bu kavram devreye girdi. Sonuç olarak, genel olarak statik olan natürmort türü, ismine göre canlı hale geliyor! Bu özel durumda varoluş, en küçük bileşenlerine kadar atom parçacıklarına indirgenebilen nesnelerin hareketi ile kanıtlanır. İkincisi aracılığıyla, resmin üretken konseptine, daha önce bahsedilen Nükleer Mistisizm'e ulaşıyoruz; bu, Amerika Birleşik Devletleri'nin Japonya'ya attığı hain ve korkunç atom bombasından ayrı ayrı ilham alıyor.
Andy Warhol, Campbell'in Çorba Kutuları, 1962. Tuval üzerine sentetik polimer boya, 51 cm × 41 cm. Modern Sanat Müzesi.
9.Andy Warhol: Campbell'in Çorba Kutuları (1962)
Campbell's çorba ambalajından ilham alan 32 adet birbirinin aynı serigrafi baskı, söz konusu konuyu kasıtlı olarak tekrarlıyor ve süpermarket ürünlerinin tipik seri düzenlemesini yeniden üreten bir enstalasyon yaratmayı amaçlıyor. Sanatçı tarafından defalarca yorumlanan tema, ilk kez söz konusu başyapıtta işlendi; bu eser aynı zamanda çorbanın o dönemde Amerikalıların hayatındaki sürekli varlığına da gönderme yapacak şekilde tasarlandı. Andy'nin, iş tamamlandıktan sonra ürünü yirmi yıl boyunca defalarca yediğini itiraf ettiğini düşünün! Dahası, söz konusu görüntünün her yerde mevcut olması sayesinde, bir buluş ve özgünlük aracı olarak resim yapma fikrine de meydan okudu çünkü Campbell's Çorba Kutularının seri doğası, yarı mekanize serigrafi baskı tekniğinin kullanılmasından kaynaklanıyor. Ancak yazdıklarımın hepsinde bir yanlışlık var: Onu bulabilir misin? Şaka yapıyorum ama çorba kutularının yukarıda açıklandığı gibi birbirinin aynısı olmadığını açıklığa kavuşturmak istiyorum çünkü her tablo, bazı ayırt edici detayların uygulandığı orijinal bir modelin replikasını temsil ediyor. Bu noktada Andy, endüstriyel nesneleri bile benzersiz kılan belirli özellikleri istemeden mi vurguladı?
Giorgio Morandi, Natürmort, 1949. Özel koleksiyon.
10.Giorgio Morandi: Natürmort (1950)
Birkaç ev eşyası, resmin neredeyse merkezinde gruplandırılmış, belirsiz bir yüzey üzerinde duruyorlar ve benzer ama daha açık tonlardan oluşan bir arka planın önünde duruyorlar. Basitçe düzenlenmiş birkaç nesneyi ölümsüzleştirmeyi tercih etmenizin nedeni nedir? Cevap vermek için, ressamın resim tekniğinin analizine daha fazla odaklanmak amacıyla bu tür kompozisyonları tercih ettiği 1940'lı ve 1950'li yıllara geri dönmeliyiz. Her zaman bu hedefi takip eden natürmortları da daha az "hayal ürünü" hale geldi, çünkü bunlar esas olarak aynı konuları, özellikle şişeleri, sürahileri, vazoları ve kaseleri temsil ediyordu. Peki her eseri diğerlerinden farklı kılan neydi? Format, bakış açısı ve ışık! Aslında Morandi, turuncu, pembe ve mavi gibi doygun renkleri yan yana getirmeyi unutmadan gri, fildişi ve beyaz tonlarını kullanmayı tercih etse de tonlardaki minimal farklılıklara odaklandı. Çalışmalarına başka hangi sabitler eklenebilir? Ressam, "dalgalanan" sınırlarla yumuşak görüntüler yaratmayı hedefleyerek tipik yapışkan fırça darbeleriyle resim yapıyordu. Bu karakteristik, parlak ışığın, ışık kaynaklarıyla birlikte nesneleri etkili bir şekilde maddeselleştirme eğiliminde olan iki boyutlu renk alanları kullanılarak oluşturulan gölgeleri aydınlatmasından kaynaklanmaktadır!
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Dergisi