İlk 10: İspanyol resminin başyapıtları

Pablo Picasso, Dora Maar'ın Portresi , 1937. Tuval üzerine yağlı boya, 92×65 cm. Musée National Picasso, Paris.

Büyük ustalar ve büyük eserler...

İspanyol resminin tarihi, Gotik, Maniyerist, Altın Çağ ve 20. yüzyıl gibi gelişimine ve evrimine damgasını vuran en önemli dönemlere atıfta bulunularak anlatılabilir. Bu dönemler aynı zamanda söz konusu ülkenin yaratıcılığının aşamalı olarak dışsallaştırılması olarak da yorumlanabilir, çünkü Gotik dönemde ikincisi neredeyse edilgen bir şekilde Fransız ve İtalyan üslup özelliklerini yeniden ürettiyse ve Rönesans-Mannerist dönemde model olarak aldıysa da, hem Bel Paese ve Hollanda, ancak daha sonra ve ardından Altın Çağ ve 20. yüzyılın İspanya'sıyla birlikte, El Greco gibi birinci sınıf ustaların varlığıyla dışsallaştırılan saf bir İspanyol dilinin varlığı gerçekleşti. Diego Velázquez, Francisco Goya ve daha sonra Pablo Picasso, Salvador Dali, Miró, vb. Örneğin, İtalya için Rönesans ve Fransa için İzlenimcilik gibi belirli bir ülkenin. Picasso için de yapılabileceği gibi Dali'yi örnek alarak, Sürrealizm'in bir parçası olan son derece popüler tek İspanyol'du, ancak varlığı hareket için son derece önemliydi, o kadar ki değerleri evrensel olarak aktarabildi. söz konusu "trend" içindeki önemli rolü aracılığıyla İspanyol kültürünün Sonuç olarak, İspanyol sanatının, hareketler ve akımlardan ziyade, dünya çapında bir ülkenin tüm ifadesini tek başına yönlendiren, belirgin üslup özellikleriyle etkili ve bireysel kişiliklerden oluştuğunu da söyleyebiliriz. Söylediklerim, esas olarak büyük ustalardan ve büyük şaheserlerden oluşan İspanyol sanat tarihinin gerçek bir anlatımı içinde, ilk on resmime bir rehber rolü veriyor.

En iyi 10

Juan Gris, Picasso'nun Portresi , 1912.

10. Juan Gris, Picasso'nun Portresi (1912)

On numarada, İspanyol ressam ve Kübizm temsilcisi Juan Gris'in çalışmasını öne çıkarmayı seçtim, diğer şeylerin yanı sıra, Madridli ustanın ünlülerden birini ölümsüzleştirdiği 1912 tarihli bir şaheser olan Picasso'nun Portresi ile tanınır. 20. yüzyılın en önemli sanatçıları, ayırt edici bütünsel Kübizm'ine, yani geometrik figürlerin çapraz yapılara bağlandığı, neredeyse kristalimsi görünümler yaratmayı amaçlayan, formların en düzenli kırılmasıyla işaretlenmiş bireysel bir üsluba hitap ediyor. Bununla birlikte, iki ressam arasındaki ilişkiden bahseden Gris, 1906'da Paris'e geldi ve burada Picasso ve Braque ile tanıştı ve kendisini sadece altı yıl sonra Pablo'nun bir öğrencisi olarak tanımlayan Kübist akımın gelişimine katıldı. Aslında, Juan'ın bakış açısı Endülüs'ün analitik kübizminden ipucu alıyor, onun yapısökümüne ve aynı anda nesnelere bakış açısına atıfta bulunuyor, ancak söz konusu portrede parçalanmış bir resimle işlenen daha sistematik ve kristalimsi bir geometriyi geri getiriyor. boyun ve gövdenin çeşitli düzlemlere ve basit geometrik şekillere bölündüğü, köşegenlerle yönetilen bir kompozisyon yapısı içinde organize edilen baş, mavi, kahverengi ve grinin soğuk tonlarından oluşan bir palet kullanılarak belirgin hale getirildi. Son olarak, Picasso'nun Portresi'nin üslup özellikleri, bir ressam olarak heykeli ölümsüzleştirmeyi amaçlayan bir çalışmaya yol açar, çünkü öznenin elinde bir palet vardır, "Hommage à Pablo Picasso" yazısı gibi, bizi açıkça düşündüren bir ayrıntı. Gris'in Kübizm'in yenilikçisine mükemmel bir şekilde nasıl değer verdiği.

Joan Miró, Harlequin Karnavalı , 1924/1925. Tuval üzerine yağlı boya, 66 cm × 90,5 cm. Albright – Knox Sanat Galerisi, Buffalo, New York.

9. Joan Mirò, Harlequin Karnavalı (1924-25)

Joan Mirò'nun 1924 ile 1925 arasına tarihlenen tuvali, İspanyol tarafından nesne formlarıyla ilişkilendirilen insan anatomik parçalarına sahip oldukları için bazen antropomorfize edilen yarı insan ve yarı hayvan olan çok sayıda şenlikli melez figür tarafından işgal edilmiştir. Bu tasasız atmosfer, izleyiciyi kutlamanın içinde kaybolmaya davet ediyor, hatta figürlerin canlılığına fon görevi gören bir melodiyi hayal etmesi için zaman ayırmasını öneriyor. Bununla birlikte, tamamen sanat tarihi açısından eser, Miró'nun Sürrealist döneminin bir parçasıdır; özellikle, Breton'un hareketin manifestosunu hazırladığı zamandan önceye dayanıyor, ancak Joan'ın başyapıtında daha sonra adı geçen Fransız şair tarafından desteklenen psişik otomatizm zaten iyi somutlaştırılmıştı. Aslında, Harlequin Karnavalı, sanatçının gerçekliğin bazı unsurlarıyla ilişkilendirerek dışsallaştırmak istediği hayal gücünün fantastik ve gerçeküstü vizyonlarına şekil verir ve bunlar başka bir anlam alarak dönüşerek yeni vizyoner yorumlara yol açar. Bu anlamda, ressamın resmettiğinin, genellikle ustanın işinde tekrarlanan ve söz konusu resimde de yer alan bir merdiven tasviriyle anlatılan bilinçdışı boyutu olduğu açıklığa kavuşturulmalıdır. , gerçeklikten yola çıkarak ötesine, yani hayal gücüne doğru ilerlemeyi amaçlayan bir sıçrama tahtasını temsil ediyor.

El Greco, Orgaz Kontunun Mezarı , 1586. Tuval üzerine yağlı boya, 480×360 cm. Aziz Thomas Kilisesi, Toledo.

8. El Greco, Orgaz Kontunun Cenazesi (1586)

Yunan ressam, heykeltıraş ve mimarın yanı sıra İspanyol Rönesansının en önemli figürlerinden biri olan ve sıklıkla kabul edilen El Greco'dan bahsetmeseydim, İspanyol sanatının kilit figürlerini özetleme işlevi açısından ilk on listem inandırıcı olamazdı. Altın Çağ'ın ilk ustası olun. Söz konusu şaheser, yani Orgaz Kontu'nun 1586 tarihli Cenaze Mezarı, ana konusu olarak Aziz Stephen tarafından mucizevi bir şekilde gömülen Orgaz şehrinin merhum lordu olan ve başlığın kendisinin açıkladığı olayı alegorik bir şekilde tasvir etmektedir. Sadece bu olay için gökten inen Aziz Augustine. 14. yüzyılın başlarından kalma bir efsaneden esinlenen bu tema, ressam tarafından, tablonun bugüne kadar korunduğu İspanya'nın Toledo kentindeki Santo Tomé kilisesi ile yapılan sözleşmeye tamamen uygun olarak yapılmıştır. Her halükarda, patronların isteklerini sadık bir şekilde yerine getirmesine rağmen, El Greco, geleneksel bir 16. yüzyıl cenaze törenine atfedilen bir dizi özellik, iki azizin kıyafetleri ve tasviri gibi bazı modernleştirici unsurlar getirdi. zamanının seçkin Toledo figürleri. Bu yorum tarzı, Karşı Reform doktrinlerine uygun olarak, azizlere saygı gösterilmesini ve ruhun kurtuluşu için iyi eylemleri teşvik etme niyetini izleyen yağın tamamen didaktik amacını ilerletmeyi amaçlıyordu.

Francisco Goya, Satürn oğlunu yiyor , 1821-1823. Tuvale aktarılmış karışık teknik duvar resmi, 143,5 cm × 81,4 cm . Museo del Prado, Madrid.

7. Francisco Goya, oğlunu yiyen Satürn (1821-1823)

1821 ile 1823 yılları arasında yaratılan şaheser, korkunç bir vizyonu somutlaştırıyor: Satürn, oğlunun vücudunu, kısmen kan dereleriyle kaplı, şimdi kafasından yoksun görünen, kolu babanın ağzında duran bir hayvan avıymış gibi ısırıyor. hepsi, aşırı eylemi ilgi merkezine yerleştiren belirsiz, karanlık bir arka planla çevrilidir. Kara Resimler dizisinin bir parçası olan, sanatçının Manzanares Nehri (Madrid) kıyısındaki kendi evinin duvarları için yaptığı bu ürpertici kompozisyonun yorumlanması, hem gençlik hem de yaşlılık arasındaki çatışmayı çağrıştırabilir. , zamanın her şeyi yutuyor gibi göründüğü ve o zamanki İspanya'nın kişileştirilmesi, acı savaşlar, devrimler ve mutlakiyetçilik yoluyla çocuklarını yiyebilen bir ülke. Yukarıdakilere ek olarak, başyapıta atfedilebilecek başka bir anlam daha var, bu da basitçe modern zamanlarda insan durumunu tasvir etme arzusuyla bağlantılı. Yorumlayıcı şüphe devam etse de, resmin, karanlık ve tehditkar tonlara ek olarak, geleneksel olarak umutsuzluk ve eski ile ilişkilendirilen Satürn figürüyle tam olarak ilişkili tematik bir iplikle karakterize edilen Kara Tabloların aşırı doruk noktasını nasıl temsil ettiği açıktır. Rubens'inki gibi kesinlikle daha geleneksel görünen ve aynı zamanda Goya'nın baş kahramanının Freudcu deliliğinden çok uzak görünen daha önceki başyapıtlarda işlenen yaş.

Francisco Goya, Çıplak Maja, 1790-1800. Tuval üzerine yağlı boya, 97 cm × 190 cm. Museo del Prado, Madrid.

6. Francisco Goya, Çıplak Maja, (1790-1800)

Genç bir çıplak model, izleyiciye utanmaz bir güvenle bakıyor ve ellerini ensesinin arkasında kavuşturmuş, tensel olarak uzanmış görünüyor; dolgun, kızarmış yanaklarının çevrelediği yüzü. Böyle bir görüntü, yeşil kadife kaplı bir kanepenin yüzeyinde, kadının üzerine oturduğu iki sıralı minderin yanı sıra vücudunun alt kısmının altında bulunan çarşafın da düzenlendiği yüzeyde kendine yer buluyor. Söz konusu cüretkar şaheser, küstahlığı ve yaramazlığının yanı sıra, vulvayı göbeğe bağlayan linea nigra'yı hem yenilikçi hem de skandal bir şekilde göstermesiyle tanınan, hem ressamın arkadaşı, yani Düşes de Alba'yı hem de sevgilisi Pepita. Kesin olan şey, tuvalin Godoy koleksiyonundaki en bariz saygısız çıplaklığı temsil ettiğidir; Avrupa'nın dört bir yanından şaheserler ve Velázquez'in ünlü Venüs'ü de dahil olmak üzere, yukarıda bahsedilen türle ilgili zengin bir koleksiyona sahip olan, büyük bir üne sahip bir ordu ve İspanyol politikacı. Rokeby. Tam da bu bağlamda, 18. yüzyılda İspanya'da Hristiyan doktrininin aksine çıplak resimlerin fiilen nasıl yasaklandığını, öyle ki Godoy'un daha fazlasını gizlemek için söz konusu şaheserin giyinik versiyonunu da yaptırdığını belirtmek gerekir. açık bir.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Tuval üzerine yağlı boya, 243,9 cm × 233,7 cm. Modern Sanat Müzesi. Lillie P. Bliss Bequest, New York City aracılığıyla satın alındı.

5. Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon (1907)

Les Demoiselles d'Avignon neden sanat tarihinin vazgeçilmez bir şaheseri, yani hiç yapılmamış olsaydı, bizim bildiğimiz yaratıcı araştırma rotasının kesinlikle başka yollara sapacağı o yapıtlardan biri? Cevap, Picasso'nun ilk kübist eseri olarak kabul edilmesinde yatmaktadır. Bu eser, ustanın pembe dönemin ardından Afrika döneminde yapılmıştır ve muhtemelen sanatçının Barselona'daki bir genelevden aldığı vizyondan esinlenmiştir. Carrer d'Avinyò'da yer almaktadır. Buna ek olarak, söz konusu tablonun, sanatçının bazı erkek figürlerinin varlığına da yer verdiği yüzden fazla çalışmanın sonucu olduğunu vurgulamakta fayda var; ressamın seksin tehlikelerine, yani o zamanlar popüler olan frengiye karşı uyarmak istediği memento mori. 1907 tarihli başyapıtın tasvirine gelince, muhtemelen klasik geleneğin Venüslerinden alıntı yaparak küstahça çıplaklık sergileyerek kendilerini izleyicinin gözüne sunan beş kızı tasvir ediyor. Son olarak, yüzleri söz konusu olduğunda, hem doğrudan hem de tanınabilir ve daha anlaşılması zor, her zaman şekil bozukluğuyla karakterize edilen, geri götürmeyi amaçlayan bakışların yoğunluğunda somutlaştırıldıkları için, önceki sanatsal gelenekle kasıtlı bir duraklamayı temsil ediyorlar. geleneksel Afrika maskeleri örneğine.

Francisco Goya, 3 Mayıs 1808, 1814. Tuval üzerine yağlı boya, 268 cm × 347 cm. Museo del Prado, Madrid.

4. Francisco Goya, 3 Mayıs 1808 (1814)

Francisco Goya, 3 Mayıs 1808 (1814): Karanlığa bürünmüş bir ortamda, yalnızca bir fenerin akşamın kasvetini aydınlattığı bir ortamda, bir ışık demeti gelir ve asi, yoksul bir köylüyü büyük bir onurla aydınlatır. ve cesaret, özgürlük adına varlığını feda etmesi gerektiğini kabul eder. Benzer şekilde, acı ve aşırı sıkıntı içinde, çarmıha gerilmiş İsa figürü, sanat tarihi anlatısında sıklıkla kendini sunmuştur; bu dünyevi durumda, önlerinde bir gruptan oluşan bir idam mangası bulunan düşmüş veya korkmuş yoldaşları tarafından çevrelenmiştir. Napolyon komutasındaki Fransız askerlerinin sayısı. Aslında tablo, İspanya Bağımsızlık Savaşı'nın 1808 işgali sırasında Madrid birliklerinin Fransız ordusuna karşı direnişini açıkça tasvir ediyor. Sanatçının diğer çalışmaları da benzer tematik ilgi uyandırıyor, yani savaşın Felaketleri başlıklı gravür serisinde, usta, İspanya'nın Napolyon'un birlikleri tarafından işgal edilmesinden duyduğu üzüntüyü somut bir şekilde dışa vuruyor. Bununla birlikte, 1814 başyapıtının üslubuyla ilgili olarak, hassas duygusal dışsallaştırmasının söz konusu hareketin ressamlarının çalışmalarına ne kadar benzediği tartışılmaz olsa da, ikincisinin ham draması tamamen Romantik olarak kabul edilemez. Benzer şekilde resim, hem Romantizm hem de Neoklasizm tarafından peşinden koşulan güzelliğin idealleştirilmesinden uzaklaşır.

Diego Velázquez, Las Meninas , 1656. Tuval üzerine yağlı boya, 320,5 cm × 281,5 cm. Museo del Prado, Madrid.

3. Diego Velázquez, Las Meninas (1656)

Sanat tarihindeki en iyi bilinen sahnelerden biri, sadece banalliğe girerek anlatmak istemediğim, Diego Velázquez'in stüdyosunda gerçekleşti, çünkü 1650'lerde İspanya Kralı IV. Madrid'deki Real Alcázar'ın salonunu atölyesi olarak kullandı, hükümdarın iş başında ustayı gözlemlemek için sık sık zaman harcadığı bir alan, öyle ki birçok kişi Philip'in kraliyet davranış yasalarını çiğnediğine, hatta ressamla arkadaş olduğuna inanıyor. Söz konusu şaheserden bahsetmişken, sanatın gerçekliği etkili bir şekilde nasıl yeniden üretebileceğini açıklığa kavuşturmayı amaçlayan bir propaganda manifestosu haline gelmek üzere tasarlandığından, yalnızca görünüşte bir mahkeme portresini tasvir ediyor. Her durumda, karmaşık kompozisyon, birden çok yorum ve soru için olgunlaşmıştır, örneğin: hükümdarlar neden aynada görünüyor? Bu figürlerin, yarı ışıkta poz sahnesini gözetleme niyetinde olması muhtemeldir; ışık, olay yerine gelişi biraz esrarengiz kalan Kraliçe Nieto'nun asistanının yerini bulduğu arka plandan gelir. Son olarak, eserde sanatçının kendisinin varlığı büyük önem taşır; muhtemelen kendini kutlama niyetini, IV. o resim, sanatlar arasında üstün çıkıyor.

Salvador Dali, Hafızanın Azmi , 1931. Tuval üzerine yağlı boya, 24 cm × 33 cm. Modern Sanat Müzesi, New York.

2. Salvador Dali, Hafızanın Azmi (1931)

Pek çok insan The Persistence of Memory'de bulunan "yumuşak", yani neredeyse sıvı kıvamlı saatleri hatırlıyor, ancak bunların Salvador'un hayranlıkla bir kaynak önünde sergilenen Camembert peynirinin uzamalarını gözlemlemekten esinlendiğini çok az kişi biliyor. sıcaklık. Aslında, böylesine sıradan bir vizyonu bir başyapıta dönüştürebilen, ölçülebilir olmasına rağmen insan algısıyla ilişkili olarak ele alındığında oldukça değişken kalan zamanın geçişine somut bir biçim vermeyi amaçlayan tam da İspanyol ustanın eksantrik beyniydi. , yani, onu neşeliyse daha hızlı, acı verici olduğunda daha yavaş yapan zihin durumlarına. Üstelik Dali'ye göre hafıza da benzer bir işleyiş sergilemektedir, çünkü bizi ilgilendiren şeyleri uzak da olsa hatırlamak kolaydır, bizim için oldukça önemsiz olan yakın anları ise unutma olasılığı yüksektir. Özetle: The Persistence of Memory'de resmedilen saatler, tam olarak hafızayla olduğu kadar zihin durumlarıyla da kontrolsüz bir şekilde ilişkilendirilen bu zamansal durumu sembolize edecekti. Son olarak, yine başyapıt konusunda, Dali'nin en tanınmış eserlerinden biri olan bu eserin 1931'de sanat simsarı Julien Levy tarafından Nweyork'taki galerisinde nasıl sergilendiğini vurgulamakta fayda var. Katalan ustaya ilgi.

Pablo Picasso, Guernica , 1937. Tuval üzerine yağlı boya, 349,3×776,6 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid.

1. Pablo Picasso, Guernica (1937)

Podyumu işgal eden eser söz konusu olduğunda bile, Pablo'nun 1920'lerin ortalarında Sürrealist bakış açısına yaklaşımının bir sonucu olan üslup özelliklerine odaklanmak için resmin en basit ve en yaygın tanımından kaçınmak istiyorum. , o zamanlar esas olarak natürmortlar, nesneler ve müzik aletleri ile iç mekanların yaratılmasıyla ifade edildi. Yeniliğe yol açan bu geleneksel temalardı, o kadar ki aynı dönemde Picasso, daha sonra Kübist "devrimi canlandıracak olan, formu kırmanın çoklu yollarının yanı sıra kompozisyonun çoklu perspektiflerden sunumunun farkına vardı. " Ancak her halükarda sanatı benliğin dışsallaştırılmasının bir aracı olarak gören sanatçı, bu figüratif araştırmayı, muhtemelen çağdaş ve tedirgin Birinci Dünya Savaşı'na bağlı üzücü olaylardan esinlenerek klostrofobik mekanlar inşa ederek yapmıştır. Sözü edilen intimist araştırmaya ek olarak, dönemin İspanyol ustasının eseri, usta tarafından üstlenilen birçok çalkantılı ilişkinin biçimini alabilen ilham verici bir ilham perisi olarak anlaşılan kadın figürünün sürekli varlığıyla da damgasını vurdu. Ek olarak, Guernica'nın yaratılışından önceki yıllarda Picasso, kadın bedeni tarafından iletilen sembolizme odaklandı ve araştırma, öncekilerle birlikte söz konusu şaheserin yaratılmasıyla sonuçlandı. Aslında Guernica, Picasso'nun kendisini ünlü yapan tüm görsel özelliklerin dahil edildiği sanatsal çabalarının doruk noktasını temsil eder, öyle ki, gelişimdeki önceki ve gerekli aşamalar kısaca bile analiz edilmeden yapıt hiçbir şekilde anlaşılamaz. görsel dilinden. Her halükarda, tablo, savaşın dehşetini betimleyerek, her türden alçakça çatışmaya karşı mücadelenin mükemmel sembolü haline gelmesiyle tanınıyor.