Caravaggio, Cardsharps, 1594. Tuval üzerine yağlıboya, 94 × 131 cm. Fort Worth Kimbell Sanat Müzesi.
Fransa ve İtalya, İtalya ve Fransa
Dünya Kupası veya Avrupa Şampiyonası'nda olduğu gibi, seyirciler Fransa ve İtalya arasındaki karşılaşmayı bir kez daha izlemek için yerlerini alırlar. İki ülke kuzen olsa da birbirleriyle çok rekabetçidirler. Ne için yarışıyorlar? Moda, tasarım ve genel sanat dünyasında üstünlük için yüzyıllardır mücadele ediyorlar, ancak bu sağlıklı ve heyecan verici "kavga"yı yazılı hale getirmeye cesaret eden az sayıda insan var. Elbette, İtalya 14., 15. ve 16. yüzyıllarda egemenlik kurmuş olabilir, ancak 19. ve 20. yüzyıllar arasında en çok Fransa'dan bahsedilmiştir. İtalyan ve Fransız sanat türleri arasındaki meydan okuma başlasın!
Ambrogio Lorenzetti, Sütlü Madonna, 1324-25, Siena, Museo diocesano.
Vesika
Halen futbol dilini kullanan Fransa, topu ilk eline alarak portre türündeki becerisini şu eserle ortaya koyuyor: Portrait of Madeleine (1800). Marie-Guillemine Benoist'in eserinde, kalçasını dayadığı zengin mavi kumaşla kaplı bir sandalyede oturan, kolları karnına ve bir uyluğuna dayamış bize bakarken hareketsiz görünen bir hizmetçi kız tasvir ediliyor. Beyazlar giymiş ve başında bir tignon bulunan kadın, hem cinsiyetinin doğasında var olan doğurganlığa, hem de Amazonların güçlü ve cüretkar doğasına gönderme yaparak omzunu ve sağ göğsünü açıkta bırakıyor. Marie-Guillemine şimdi topu merkeze atıyor ve burada görevi başka bir kadının hatlarını resmederek karşılık vermek olan İtalyan bir ressam tarafından durduruluyor.
Büyük olasılıkla, Leonardo da Vinci'yi Mona Lisa'sıyla ya da Ermine'li Leydi'siyle, Raphael ve Botticelli'nin eserlerinin portrelerinden bahsetmeye bile gerek duymadan çağırmış olsaydım, Fransız kalecinin başını hemen belaya sokardım, ama bu durum böyle değil. Aslında, tam da yukarıda bahsettiğimiz çıplak göğüs detayından dolayı, Ambrogio Lorenzetti'nin Sütlü Madonna'sının ima ettiği aynı doğurganlıkla Madeleine Portresi'ni karşılaştırmak daha adil görünüyordu. Daha "ciddi" Gotik üsluptaki bu son panel, doğası gereği Fransız eserinden çok daha şakacı olmayı amaçlıyor; annesinin pupasını sütünü emmek için sıkan çocuk alaycı bir şekilde izleyiciye bakıyor. Bu noktada sıfırdan sıfıra kalıyoruz, tamamen farklı iki resim tarzının farkındayız, çünkü İtalyan hala badem şeklindeki gözleri, uzun profili, hassas tenleri ve ince kaşlarıyla tanınan Duccio'nun Madonnas'ından alınan örneğe borçlu olduğunu kanıtlıyor. . Öte yandan Fransız sanatçı, neoklasik üslup özelliklerinin yanı sıra tarih ve tür resminin değerli temalarının da yorumcusuydu.
Edouard Manet, Olympia, 1863. Tuval üzerine yağlıboya, 130,5×190 cm. Musée d'Orsay, Paris.
Çıplak
Şu anda bir İtalyan tasarımcının tasarımlarını sunmaya başladığı bir moda podyumundayız ve kıyafetlerinin baskısında Bel Paese çıplak resim türünün ufuk açıcı bir eserinden alıntı yapıyor: Titian'ın Urbino Venüsü (1538). Söz konusu "Dior", konuyla ilgili Fransız iş adamlarından biri olan Manet'nin Olympia'sından alıntı yaparak akıllıca yanıt veriyor. Her iki durumda da bunlar, ağırbaşlı Venüs'ün klasik ikonografisini ima etmek için kadının elini kasıklarına koyduğu iki çıplak çıplak resimdir; ancak İtalyan örneğinde bakire bir tanrıçadır ve onun için boyanmıştır. Komiserin düğünü vesilesiyle.
Aslında güllerin ve köpeğin varlığı izleyiciye açık bir mesaj gönderiyor: çiçeğin güzelliği kaybolurken, hayvanın kişileştirdiği evlilik aşkının sadakati kalıyor ve rahatlatıyor. Olympia'ya geçerken, aslında bir fahişe olmasına rağmen bir tanrıça gibi çıplak poz verdiği için zamanında bir skandal yarattı. Aslında Fransız usta, yenilikçi bir yaklaşımla, çıplak bir gerçekliği göstermek amacıyla konusunu mitolojik, alegorik ve sembolik filtrelerle yeniden ele almayı reddetti. O yüzden konunun yeniliği göz önüne alındığında bu durumda Fransız takımına bir puan ayıracağımı düşünüyorum. Her halükarda, portre türüyle ilgili adımlarımı geriye doğru takip ederek, Çocuğunun benzeri görülmemiş cesaretini göz önünde bulundurarak Ambrogio Lorenzetti'ye bir tane daha veriyorum. Sonuç olarak: artık yine berabere kaldık!
Claude Monet, Haşhaş tarlası, 1873. Tuval üzerine yağlıboya, 50×65 cm. Musée d'Orsay, Paris.
Manzara
Türler arasındaki mücadele aynı zamanda ilgili sanatsal eğilimler arasındaki mücadeleyi de devralır; çünkü tartışacağım ustalar, İtalya'da Macchiaioli grubundan doğup yayılan İzlenimciliğin temsilcileri Giovanni Fattori ve Claude Monet'tir. Bu durumda çatışma zorlaşıyor, çünkü söz konusu iki sanatsal pratiğin paylaştığı üslup özelliklerinin ilk olarak İtalya'da (Macchiaioli'yle birlikte) doğduğunu, ancak daha sonra Fransa'da Empresyonistlerin ortaya çıkmasıyla etkili bir şekilde ünlü olduğunu hesaba katmam gerekiyor. İlk kez 1874'te bir arada sergilendi. Yine de manzara konusuna dalacak olursam, Fattori'nin eserleri alkışlanacak ama ne yazık ki Fransız'ın bu alandaki şöhreti İtalyan'ınkini çok aşıyor.
O yüzden söz konusu ustaların iki eserini anlatmadan önce, istemeyerek de olsa Fransa'ya değineceğim. Şimdi kısaca Monet'nin Haşhaş Tarlası ve Fattori'nin Arabadaki Öküz tablosundan bahsedeceğim: İlk şaheser, ressamın savaş başladığında eşiyle birlikte sığındığı, Paris'e çok da uzak olmayan küçük bir kasaba olan Argenteuil'de yapılmıştı. Camille ve küçük oğulları Jean. İkincisi, ön plandaki iki figüre benzer şekilde yerleştirildikleri tuvalde de mevcuttur ve diğerlerini geride, gelincik tarlasına dağılmış halde bırakmaktadır. Resim basit ve hızlıdır; üst üste binen renk vuruşlarıyla tanımlanır, bir dizi nokta aracılığıyla oluşturulan chiaroscuros'un yanı sıra gelinciklerin görünümündeki kırmızı noktalarla tanımlanır. Fransa'dan, Toskana ve Latium arasında geniş bir coğrafi bölge olan Maremma'ya geçiyoruz; bu bölge, vahşi manzaralarına aşık bir sanatçı olan Giovanni Fattori'nin kırsal kesimde yaptığı uzun yürüyüşler sırasında incelediği ve not aldığı tablolarını her zaman derinden etkilemiştir. tüm gözlemleri bir cep albümünde.
Dahası, Fattori'nin bu yerde daha az şanslı ve yoksulların yaşam koşullarını ve köylülerin günlük yaşamda karşı karşıya kaldıkları saygınlığı nasıl gözlemleme fırsatına sahip olduğu iyi biliniyor. Söylenenleri özetlemek gerekirse, ustanın Maremma kırsalının denizle buluştuğu geniş bir manzarayı yakaladığı, en ünlü eserlerinden biri olan Arabaya Öküz. Burada birbirine bağlanmış bir çift beyaz öküz tahta bir arabayı çekerken, bir çiftçi bir anlığına işinden uzaklaşıp ileriye bakıyor ve dinleniyor. Acımasız güneş yoğun parıltısını saçarak tüm manzarayı ışıkla kaplıyor. Ön planda, yeni sürülmüş toprak ve güneşte yanmış sarı çimenler, koyu renkli çalıların ötesinde zar zor görülebilen denizi gizlemektedir. Yalnızca vagonun altına düşen gölgeler, sahnenin öğleden kısa bir süre sonra gerçekleştiğini gösteriyor. Güneşin ısladığı ıssız manzaraya derinlik katan alçak, gölgeli bir yamaç, açık beyaz bulutlarla noktalı gökyüzünün önünde sağda beliriyor. Oyun devam ediyor!
Caravaggio, Meyve Sepeti, 1597-1600. Tuval üzerine yağlıboya, 46×64 cm. Pinacoteca Ambrosiana, Milano.
Natürmort ve tür sahnesi
Natürmort türü ve tür sahnesi birlikte İtalya için bir nokta oluşturuyor ve düelloyu yeniden eşitliğe getiriyor. Bunun nedeni, işinde rakipsiz olan Caravaggio'nun işin içinde olması ve Michelangelo veya Raphael gibi dahilerin de ilgisini çekmesidir. Bu iddialardan sonra İtalya kendini oldukça güvende hissediyor ve belki de zaferinin Fransa'dan daha eskilere dayandığını unutuyor; bunun nedeni muhtemelen Bel Paese'nin endüstriyel miktarlarda başyapıtlar ürettikten sonra resim sanatının daha az dinamik bir uygulamasına kendini kapatması. tembellik ederek, olmuş olanla geçinmeyi hedeflemek. Bu üzücü farkındalığın ardından büyük ustaya ve onun Meyve Sepeti'ne dönüyorum; bunu daha sonra Cezanne'ın Fransız örneği olan Elma Sepeti tablosuyla karşılaştıracağım; bu ressamın eserleri olmasaydı, büyük ihtimalle daha sonraki Kübizm bile var olamazdı. Ancak ikinci yön, meyve sepetinin gerçekçiliğini takdir edenler tarafından çok az önemsenmektedir; bunun odak noktası, içinde çeşitli meyvelerin yer aldığı, yaprakları bazen kurutulmuş veya kurutulmuş olan dokuma hasır sepettir. böcekler tarafından delinmiş, bize insan varlığının kırılganlığını hatırlatmayı amaçlıyor.
Cezanne'ın, doğaçlama ahşap bir platform üzerine yerleştirilen çeşitli nesneleri tasvir eden Post-Empresyonist bitki resimli anlatımındaki "noktalar" ve "kesitlerde" natüralist temsil eksiktir; bunlar arasında elmaların varlığı sayıca ve merkezilik açısından öne çıkmaktadır. karanlık şişe. Bu noktaya gelindiğinde şu şekilde özetlemek mümkündür: Caravaggio'yu, gerçeği düşünür gibi düşünürken, Cezanne'da, belirli bir renk uygulamasıyla anlaşılan gerçeğin yorumunda kayboluruz. Son olarak, söz konusu ustaların şu anda aynı konunun tür resmine ait olan diğer iki başyapıtını ele alırsak aynı argüman geçerlidir: Cezanne'ın Kart Oyuncuları ve Caravaggio'nun Kartkeskinleri. Şimdi, söz konusu sanatsal ifade mecralarının en ünlüleri arasında yer alan Canova ve Rodin sanatçılarını karşılaştırmayı amaçlayan, heykel sanatının şaşırtıcı bir şekilde anlatımımıza dahil edilmesiyle gerçekleşecek olan ve sanat teması üzerinden incelenecek sonuca geçiyoruz. öpücük.
Canova, Aşk Tanrısı ve Psyche, 1787-1793. Louvre, Parigi.
Canova nasıl öpüyor, Rodin nasıl öpüyor
Canova öpmez. Canova, düşünmek, tatmak ve dokunursa neler olabileceğini hayal etmek için ağzınıza yaklaşıyor. Aynı zamanda dudakların birleşmesinin gerçekleşmesi için mükemmel bir kompozisyon yaratırken, izleyenler de ilişkinin nasıl bir şekil ve tada sahip olabileceğini sonsuza kadar merak etmeye devam edecek. Rodin, Rodin'i öper ve sevgililerin kollarında örterek eylemi korur; sevgililer, kıskançların bakışlarından korkmadan, daha istekli bir tavırdan uzak, şefkatli ve yavaş tavırlar alarak sonsuza dek tatlı jest yapmaya devam ederler. , açgözlü ve aceleci tutku. Anlattıklarımı, Canova'nın Cupid ve Psyche'sinde ve Rodin'in The Kiss'inde, onu yaratan ülkelerin özüne çok benzeyen eserlerde kendi gözlerinizle görebilirsiniz. İtalyan, ellerini ve vücudunu sallayarak kendini gösteriyor, Fransız seçkin ama sevgi jestini fiilen gerçekleştirmeye iyi odaklanmışken, kuzeni tiyatroda kaybolmuş durumda. O halde oyunun yüzyıllardır süren eşitlik ve tamamlayıcılıkla sona erdiğini düşünüyorum.
Şimdi iki eseri daha akademik olarak tanımlayarak Canova ile başlıyorum: Aşk Tanrısı ve Ruh, iki aşığın öpüşmesinden önceki anı, vücutlarının tavırlarının ve yoğun bir duygu yoğunluğuyla bakışmalarının habercisi olduğu gibi, incelikli ve rafine bir erotizmle tasvir ediyor. eşit tatlılık. Aşk sol dizini yere koyarken, sağ bacağının itişiyle öne doğru eğiliyor, gövdesini büküyor ve aynı anda başını sağ eliyle nazikçe desteklediği sevgilisinin yüzüne yaklaştırıyor; Öte yandan sol eli romantik bir şekilde göğsünü okşuyor, inkar edilemez ama dile getirilmeyen bir arzuyu ele veriyor. Mermer, ellerinin dokunuşuyla ete dönüşüyor. Psyche ise yarı uzanmış durumda, Love'ın öpücüğünü karşılamak için yüzünü yukarı çeviriyor ve kollarını neredeyse utangaç bir şekilde kaldırıyor, sanki onu kurtarmaya gelmiş gibi uzatılmış kanatlarını sunarken parmaklarıyla saçlarını fırçalıyor.
Zarif neoklasik anatomik mükemmellikle karakterize edilen ergen bedenleri, Psyche'nin mahremiyetini zar zor gizleyen bir örtü dışında tamamen çıplaktır. Burada Rodin'le sonumuza geliyoruz: Orijinal adı Francesca da Rimini olan Öpücük, Dante'nin İlahi Komedya'sında, özellikle de beşinci kantoda anlatıldığı gibi, Paolo ve Francesca'nın birlikteliğini tasvir ediyor. Başlangıçta Cehennem Kapıları'nın sol panelini süslemesi amaçlanan heykelde, Paolo'nun vücudu kare, önemli formuyla bir tereddüt hissi uyandırırken, Francesca'nın vücudu onun etrafını zarif bir şekilde sarıyor. Keski ve basamak izleriyle işaretlenmiş kayanın kaba işlenmesi ile figürlerin pürüzsüz parlaklığı arasındaki zıtlık, sahnenin belirsizliğini vurguluyor. Bu kararsızlık, görünüşteki mutluluk anına derinlik katar ve ona, anında düşüşe yol açan şeytani baştan çıkarmanın "kör edici netliği"ne benzer aldatıcı bir şeffaflık aşılar.
Olimpia Gaia Martinelli
