В нашей онлайн-художественной галерее представлена самая большая онлайн-коллекция оригинальных произведений искусства, в том числе эксклюзивная подборка montagne работ начинающих и известных художников со всего мира. Artmajeur действительно предлагает миллионы произведений искусства, таких как картины, скульптуры и фотографии величайших современных художников современности!
Безопасно покупайте все любимое искусство на Artmajeur
Вы ищете montagne работ для продажи ? Вы можете спокойно покупать картины про montagne , а также скульптуры, фотографии или рисунки: на все ваши покупки распространяется наша 14-дневная политика возврата, без вопросов! Работы, представленные в галерее, продаются по гарантированной цене с бесплатной доставкой.
Найдите "montagne" картин и произведений искусства рядом с вами
Географическая поисковая система на Artmajeur также позволяет вам находить произведения искусства рядом с вами, таким образом вы можете удобно найти оригинальные произведения искусства в вашем городе, регионе или любом месте по вашему выбору. Некоторые продавцы также могут доставлять посылки сами, если их студия находится недалеко от вас.
Получите индивидуальную подборку картин и произведений искусства
Идеальный способ сделать свой дом максимально индивидуальным - это индивидуальный подбор произведений искусства. Произведения искусства доступны по вашему выбору сюжетов, размеров, жанров, форм, стилей, тем, цветов и тематики. Если у вас есть коллекция произведений искусства, состоящая из сотен картин, написанных вручную или каким-либо другим способом, вы можете выбрать те, которые лучше всего отражают ваши интересы.
Чтобы выбрать картины для своей коллекции, которые соответствуют вашим вкусам и стилю, вы можете использовать параметры бокового меню. Просто выбрав такие параметры, как цвет, тема, цена, тема, ваш выбор будет обновлен автоматически. Вы также можете сохранить любые понравившиеся произведения искусства в качестве избранных: это позволит вам сохранить ваши личные избранные для использования в будущем. Если вам нужно поделиться своими произведениями искусства с другими, вы также можете сделать свои коллекции общедоступными, это творческий способ поделиться своими любимыми произведениями искусства с другими любителями искусства, друзьями или даже клиентами.
Может быть большое количество произведений искусства, связанных с montagne : если вы покупаете онлайн в первый раз или уже являетесь частым покупателем, поиск подходящего произведения искусства в Интернете может быть одновременно пугающим и трудоемким:
Наша команда консультантов по искусству готова помочь вам: Artmajeur хочет сделать покупку произведений искусства в Интернете простой и безопасной. На все наши произведения искусства распространяется 100-процентная гарантия возврата денег, поэтому вы можете чувствовать себя в полной безопасности при покупке у нас онлайн.
Мы создали платформу, на которой художники могут загружать свои работы прямо на наш веб-сайт, чтобы помочь вам найти идеальное произведение. Просмотрите тысячи гравюр, скульптур и картин лучших художников современности. Цены варьируются от очень доступных произведений искусства до очень ценных предметов, в которые стоит инвестировать, в зависимости от типа и размера произведения искусства, которое вы ищете, и ваших требований к пространству. Удивительно видеть разнообразие оригинальных произведений искусства, доступных в Интернете. В Artmajeur есть все, независимо от того, ищете ли вы красивую и дорогую картину маслом или предмет мебели для своего дома.
Существует большое разнообразие художественных традиций со всей Азии, которые составляют историю азиатского искусства. Центральная Азия, Восточная Азия, Южная Азия, Юго-Восточная Азия и Западная Азия являются наиболее заметными частями азиатского континента.
Искусство Восточной Азии включает в себя культуры Китая, Японии и Кореи, тогда как в искусстве Центральной Азии преобладают творения тюркских народов Евразийской степи. Искусство Юго-Восточной Азии состоит из искусства Таиланда, Лаоса, Вьетнама, Сингапура, Индонезии и Филиппин, а искусство Южной Азии относится к искусству Индийского субконтинента. Искусство Ближнего Востока или Западной Азии включает месопотамское искусство древности и исламское искусство современной эпохи.
Эволюция азиатского искусства во многом похожа на эволюцию западного искусства. Культуры смешались с помощью таких средств, как передача искусства по Шелковому пути, культурный обмен в эпоху Великих географических открытий и колонизации, а также через Интернет и нынешнюю глобализацию. Если исключить искусство каменного века, искусство Месопотамии является самым ранним искусством в Азии.
Современные Кыргызстан, Казахстан, Узбекистан, Туркменистан, Азербайджан, Таджикистан, Афганистан, Пакистан и некоторые районы современной Монголии, Китая и России считаются частью Центральноазиатского региона, который имеет богатую историю и разнообразие художественных традиций. Центральноазиатское искусство от древности до средневековья иллюстрирует разнообразное население и культурное наследие региона. Культурное наследие Центральной Азии удивительным образом отражает мультикультурный состав региона, о чем свидетельствуют художественные артефакты региона. Скифское искусство, греко-буддийское искусство, сериндское искусство и даже современная персидская культура — все это часть этой запутанной истории, которая также включает передачу искусства по Шелковому пути.
С конца II тысячелетия до н. Доисторическое искусство «звериного стиля» этих кочевников-скотоводов раскрывает не только их зооморфные мифы и шаманские ритуалы, но и их готовность включать символы оседлой культуры в свои собственные практики.
Культуры со всего мира встретились и слились в Центральной Азии, что сделало ее нервным центром древнего Шелкового пути, соединявшего Китай со Средиземноморьем. Растущие общины в третьем и втором тысячелетиях до нашей эры были частью обширной торговой сети, которая связывала Среднюю Азию с долиной Инда, Месопотамией и Египтом.
Исламское искусство оказало большое влияние на западное искусство в последние века, но более старые культуры черпали вдохновение из самых разных источников, включая искусство Китая, Персии и Греции, а также стиль животных, возникший у кочевников. степи.
Культурные практики Восточной Азии включают изобразительное искусство, литературу и исполнительское искусство Китая, Кореи и Японии. Учитывая, что они не имеют практического назначения и не связаны с ручным трудом, только живопись и каллиграфия получили в Китае статус «настоящих изящных искусств». Скульптура, наряду с бронзовым литьем и резьбой, а также производство керамики, текстиля, металлургии и лакирования, считаются ремеслами. Традиционные китайские постройки почти часто строятся из дерева и имеют платформу, каркас из стоек и перемычек, кронштейны, поддерживающие крышу, и тяжелую наклонную крышу.
Три фактора, в том числе буддийская иконография, местные японские темы и традиции, а также китайское изобразительное искусство, оказали значительное влияние на японскую визуальную культуру. Храм Хри, построенный в седьмом веке, был первым сооружением, в котором использовалась асимметричная планировка, характерная для японской архитектуры. Полихромная гравюра на дереве, которая превратилась в культовую гравюру укиё-э, ширмы и панно 16-18 веков, являются яркими примерами увлеченности японских художников абстракцией от природы. Использование камня в строительстве и скульптуре, а также разработка изысканной глазури из селадона — два самых ярких вклада Кореи в искусство.
Среди мировых литератур китайская имеет самую длинную непрерывную историю (более 3000 лет). Его история неразрывно переплетена с историей письменного языка, который он разделяет с Кореей и Японией. Баллады, легенды, драмы-маски, тексты кукольных спектаклей и тексты пансори («рассказы») - все это часть богатой устной истории Кореи, и в стране также есть прочная письменная традиция поэзии (особенно формы хянга и сидзё). . Поскольку ни в Японии, ни в Корее не было собственного письменного языка, литературные традиции обеих стран в значительной степени заимствовались из Китая (хотя японские слоговые системы появились около 1000 г., а корейский хангыль был разработан в 15 веке). Поэзия из Японии, особенно в форме хайку, известна во всем мире своей тонкой чувственностью и восходит к 7 веку вместе со многими литературными сокровищами страны, такими как «Повесть о Гэндзи».
Восточноазиатская музыка, как и западная музыка, создала пентатонику, основанную на 12-тональном словаре, но ее основа отличается. Ансамбли Восточной Азии, как правило, относительно небольшие, и композиторы в этом регионе обычно отдают предпочтение мелодии и ритму, а не гармонической сложности. Стоит отметить, что в странах Восточной Азии музыка, танец и драма часто связаны между собой, и нет никаких свидетельств четкой эволюции формы в связанных категориях восточноазиатского танца и театра. Танцевальные шествия, танцевальная опера (цзинси, или «пекинская», и другие виды китайской оперы), театр теней, кукольный театр и диалоговые пьесы с музыкой и танцем — это лишь некоторые из многих разновидностей восточноазиатского исполнительского искусства (например, японского кабуки). Работы Баша, Бо Джуи, Ду Фу, Хиросигэ Андо, Лу Синя и Мурасаки Сикибу также заслуживают внимания, равно как и икебана, складывание бумаги в стиле дзган, живопись на свитках, синдэн-дзукури, сёин-дзукури, стиль сукия, Архитектура в стиле Темпью и Тори.
Искусство Индии, Пакистана, Бангладеш и Шри-Ланки часто называют Южной Азией. Множество древней текстовой литературы на санскрите, пркрите и региональных языках помогло объединить людей Индийского субконтинента, равно как и общая культурная и этическая точка зрения. Несмотря на разделение региона на калейдоскоп политических моделей на протяжении веков, субконтинент в целом имеет общие музыкальные и танцевальные традиции, ритуальные ритуалы, религиозные практики и литературные идеи.
Эпосы Южной Азии, такие как Rmyaa и Mahbhrata, дают представление о сложной сети отношений между многими народами региона. Имеются явные свидетельства семейных отношений между богами и героями, проживающими далеко друг от друга, а многие географические названия сами по себе намекают на общее происхождение. Также предпринимались настойчивые усилия по установлению единого политического порядка в этом районе. Например, в третьем веке до нашей эры император Аока контролировал большую часть этой территории; в одиннадцатом веке нашей эры Раджендра I из Чай захватил большую часть Индии и Юго-Восточной Азии; и в шестнадцатом веке нашей эры великий Могол Акбар сделал то же самое. На протяжении всей истории Южной Азии границы росли и сокращались, официально объединяясь и разделяясь как целые регионы, но культура оставалась неизменной на протяжении всего времени.
Красота гор и рек региона получила широкое признание из-за его общего физического расположения. Гималаи, которые проходят вдоль северной границы, являются самыми высокими горами в мире и представляют собой культурный идеал величия, чистоты и нетронутого снега. Такие реки, как Брахмапутра и Инд, почитаются как «матери» в своих регионах из-за обилия воды, которую они дают.
Существует широко распространенное мнение, что водяные духи и лесные феи, соответственно известные как нги и яки, населяют озера и родники региона. Название ранней династии в Кашмире, Каркоа, само по себе является символом поклонения нга. Древние религиозные артефакты, такие как статуи нга и яка, которые были обнаружены в разных местах, намекают на общий религиозный дух, как и религиозные тексты, которые веками передавались устно, не теряя своей первозданной интонации. Скульптуры, изображающие подобный классический танец, можно найти в пакистанских городах Гандра, Бхрхут и Амарват.
В Южной Азии важно хорошо разбираться в нескольких различных искусствах, прежде чем иметь возможность специализироваться только в одном. Поскольку скульптура, подобно живописи и танцам, изображает весь мир, само собой разумеется, что невозможно овладеть каждым видом искусства, не овладев сначала другим. Танец — это форма выражения посредством движения и ритма; поэтому понимание музыкального ритма имеет решающее значение. Считается, что знание литературы и риторики важно для пробуждения эмоций в музыке и танце; аромат (раса), который должен быть выражен в музыке, танце, скульптуре или живописи, требует некоторого знакомства с письменным словом. Таким образом, искусства взаимосвязаны на многих уровнях.
Искусством в Южной Азии занимались не только ради респектабельного досуга, но и как акт преданности и поклонения высшей силе. Есть литературные упоминания о князьях, проверяющих произведения искусства на наличие недостатков. Достижения и амбиции художника как в теории, так и на практике иллюстрируются единственной надписью, в которой упоминается имя стра-дхры («архитектора») храма Малликрджуна в Паттадакале, построенного в восьмом веке.
Культуры Южной Азии уже давно отводят художникам привилегированный статус. Двор был заполнен поэтами, музыкантами и танцорами. Блестящий танцор получил похвалу от Рджендры Ка, а архитектор храма в Тирувойре, которого также поддерживал Рьендра, был отмечен похвалой за его обширное понимание архитектуры и искусства в надписи. Тем не менее, существовала прочная связь между народным искусством и высоким искусством. Сходство существовало, например, между племенными групповыми танцами и западным классическим искусством, танцем и музыкой. Индийский субконтинент имеет богатую художественную историю: круглая скульптура (цитра) и рельефная скульптура (ардхацитра) занимают важное место.
Читрбша, что переводится как «вид скульптуры», является третьим по значимости видом искусства. Стих из драмы поэта V века Клидса объясняет, как глаз кувыркается над высотами и глубинами, изображенными при моделировании картины, демонстрируя, насколько существенным было влияние светотени (т. е. использование света и тени для выражения моделирования). . Мастера придают первостепенное значение линейному наброску картины, который должен быть прорисован твердо и изящно, затем следуют штриховка и изображение лепки, которые ценятся окружающими, декоративный элемент, обращающийся к женскому вкусу, и пышность цвета. , что соответствует общему вкусу. Это очень впечатляет, что вы смогли указать так много формы с таким небольшим рисунком. Есть множество литературных примеров успешной портретной живописи и скульптуры Южной Азии, демонстрирующих центральное место портретной живописи в изобразительном искусстве региона. Виудхармоттара, написанная в шестом веке, делит портретную живопись на четыре категории: естественную, лирическую, утонченную и смешанную. Он также классифицирует различные типы людей в зависимости от формы и цвета их волос, глаз и формы. Включает в себя краткое изложение многих художественных точек зрения, а также объяснение основ ракурса. Подобно тому, как стихотворение отражает поэта, считалось, что картины и скульптуры перенимают характеристики своих создателей.
Несмотря на долгую историю Южной Азии, подверженной иностранному влиянию, регион всегда находил способы сочетать эти элементы с местными обычаями, создавая уникальный синтез, а не простое копирование. Это также отражено в произведениях искусства пакистанского региона Гандра, который в то время (4 век до н.э.) был пропитан греко-римской культурой. Включение индийских мотивов и стилей в доминирующий западный стиль является отличительной чертой скульптуры этой эпохи.
После кушанского вторжения в первом веке нашей эры наблюдался явный приток внешнего влияния, но в конечном итоге местная культура восторжествовала. Империя Великих Моголов , правившая Южной Азией с 16 века и состоявшая из мусульман из Центральной Азии, объединила регион в культурном отношении, навязав своим подданным преимущественно индийское образование. Мусульманское искусство процветало во время правления второго императора Великих Моголов, Хумайна, который привлек художников из двора персидского шаха и создал историю слияния индийского и персидского стилей.
Искусство каждого региона отражает свою политическую структуру, морально-этические нормы и социальные структуры. Еще в третьем веке до нашей эры правители проявляли готовность служить народу и относиться к нему почти как к потомству. Великолепные монеты Империи Гуптов в Северной Индии IV–VI вв. изображают идеал монарха как непревзойденного лучника, объединителя, высокого и статного благородного духа, жертвователя ради благополучия подданных и героя своего люди (которые представляют его на величественном слоне). Произведение, изображающее только завоевание и справедливую войну. Войны и завоевания, символические жертвоприношения коней, королевский совет, дипломатические приемы, мирные переговоры, строительство храмов, признание изящных искусств (включая танцы и музыку) и коронация королей — вот лишь некоторые из многих правительственных мероприятий, описанных в обширном серия скульптур, изображающих историю южноиндийской династии Паллавов IV-IX вв.
Подобно тому, как скульптуры, подчеркивающие дхарму, условности или законы, регулирующие обязательства, отражают моральные установки, то же самое можно сказать и о скульптурах, изображающих моральные поступки. Один из распространенных способов визуализации принципа ахимсы, или ненасилия по отношению к другим, - это образ оленя, а идеал священного места обычно изображается как место, где олень может свободно бродить. Произведения искусства часто изображают сцены, в которых субъекты упиваются своими жертвами или жертвами других. Истории из Пача-тантры, одного из самых ранних в мире сборников басен, изображены в скульптурах прямолинейно, но эффектно. Южноазиатское искусство постоянно изображает набожность, веру и уважение к морали, которые пронизывали социальную структуру субконтинента на протяжении поколений.
Искусство Юго-Восточной Азии включает в себя письменные, устные и изобразительные формы. Хотя индийская культура оказала значительное влияние на развитие региона, есть некоторые общие черты, которые возникли еще до этого времени. Стили искусства, не происходящие из Индии, такие как ткани батик, оркестры гамелана и кукольный театр ваянг, остаются популярными. Местное выращивание влажного риса (или риса), металлургия, мореплавание, культы предков и поклонение горам были обычным явлением.
Юго-Восточная Азия охватывает обширный полуостров Индокитай, а также другие острова региона, часто известные как Ост-Индия. Юго-Восточную Азию можно разделить на две отдельные части: материк и острова. Мьянма (Бирма), Таиланд, Лаос, Камбоджа, Вьетнам, Малайзия, Сингапур, Индонезия и Филиппины являются государственными образованиями, составляющими эту территорию. Хотя изначально Филиппины не считались частью Юго-Восточной Азии, сейчас они обычно считаются частью региона из-за своей близости к Китаю и Японии и близкого культурного сходства с культурами Юго-Восточной Азии.
Вся Юго-Восточная Азия имеет схожий климат и топографию, которые сформировали историю и культуру региона. В культурном отношении те, кто живет в горах, обычно отличаются от тех, кто живет в долинах.
Первоначально считалось, что людям Юго-Восточной Азии не хватало оригинальности, восходящей к доисторическим временам, и что они были более «восприимчивыми», чем «творческими» во взаимодействии с другими культурами. Более поздние раскопки и открытия в Мьянме и Таиланде побудили некоторых ученых выступить против общепринятой теории о том, что цивилизация переместилась в Юго-Восточную Азию из Китая в доисторические времена. Вместо этого, утверждали они, люди материковой части Юго-Восточной Азии выращивали растения, изготавливали глиняную посуду и работали с бронзой примерно в то же время, что и люди древнего Ближнего Востока, и поэтому цивилизация распространилась из материковой части Юго-Восточной Азии в Китай тысячелетием ранее. Поскольку они всегда больше заинтересованы в практической работе по созданию красивых вещей, жители Юго-Восточной Азии не имеют богатого наследия теории искусства, литературной или драматической критики.
Невозможно шаг за шагом проследить создание и эволюцию художественных форм в Юго-Восточной Азии, так как люди, особенно в западной половине материка, работали с недолговечными материалами. Учитывая историю густых лесов в этом районе, само собой разумеется, что дерево было самым ранним материалом, используемым по эстетическим соображениям. Несмотря на вновь обретенное умение обращаться с металлом и камнем, они никогда не отказывались от традиционной практики резьбы по дереву, которая продолжала процветать даже после того, как прошла великая эпоха каменной скульптуры и каменного строительства (около 13 века). В западном штате Шан в Мьянме, вдоль реки Салуин, археологи обнаружили доисторические наскальные рисунки, которые имеют поразительное сходство с более поздними скульптурами нагов на столбах домов. Подобно тому, как символ солнца можно найти в качестве художественного мотива по всей Юго-Восточной Азии, и как резьба под карнизами домов нагов намекает на благоговение, триумф и радость от обретения человеческой головы, более поздняя эстетическая традиция Юго-Восточной Азии перекликается с наскальные рисунки пары человеческих рук с раскрытыми ладонями, держащими солнце и человеческий череп. Наскальные рисунки являются доказательством того, что искусство этого района всегда было тесно связано с его магико-религиозным прошлым.
Раньше считалось, что техника литья бронзовых барабанов, использовавшаяся в Донгсоне, недалеко от Ханоя, возникла в Китае. Однако новые раскопки в Таиланде показали, что и барабаны, и так называемая цивилизация Донгшон являются коренными жителями материковой части Юго-Восточной Азии. Тем не менее, бронзовые барабаны, отлитые Каренами на протяжении тысячелетий до начала 20 века, демонстрируют преемственность эстетического наследия Юго-Восточной Азии. Металлообработка должна была развиваться рано, поскольку горы материковой части Юго-Восточной Азии давали золото, серебро и другие металлы. Горные народы Юго-Восточной Азии имеют долгую историю изготовления и использования изысканных серебряных пуговиц, поясов и украшений. Текстильные узоры следуют той же эстетической линии. Песни, танцы и другие формы музыкального выражения традиционно использовались в племенных церемониях.
При поддержке правителей по всей Юго-Восточной Азии процветало искусство. Примерно во время рождения Христа племенные племена начали формально организовываться в города-царства или конгломераты деревень после многих лет оседлой жизни в качестве производителей риса. С этой точки зрения король был не более чем верховным вождем племени. Так как у племен уже существовала традиция поклонения духам, монархи искали новое божество, которое стало бы объектом поклонения для всех. Это стремление к новым национальным богам способствовало открытости Юго-Восточной Азии богам индуизма и буддизма. Короли в Юго-Восточной Азии несли ответственность за распространение новых религий, поэтому храмы региона пережили золотой век с первого по тринадцатый век.
Храмы стали центрами культурной деятельности, а их стены стали полотнами для архитектуры, скульптуры и религиозных фресок. Знатоки санскрита, языка священных текстов индуизма, были придворными в древних империях восточного Индокитая и на островах, где они создали местную санскритскую литературу. Только благодаря великим индуистским эпосам «Махабхарата» и «Рамаяна» это литературное произведение дошло до простых людей. Истории об индуистских богах, дьяволах и могущественных людях были необходимы для объяснения индуизма простым людям, когда санскритские писания были недоступны для них. На полуострове, в пью-бирманской империи Проме, которая процветала до VIII века, такого развития не происходило по двум причинам: во-первых, индуизм никогда не был широко принят в Бирме, а во-вторых, более открытое бирманское общество не развивало ни института бог-король, ни что из наследственной знати.
Позже языческие цари были окружены знатоками пали, но изучение пали проводилось не во дворце, а в монастырях по всему королевству, донося учения Будды даже до самых отдаленных деревень. Буддийские монахи и ученые со всего мира приезжали в Паган, чтобы изучать пали, в то время как дворы королей Камбоджи и Явы оставались просто региональными центрами изучения санскрита. Истории о джатаке (рождении Будды) использовались для объяснения буддизма простым людям, которые не могли читать палийские писания, точно так же, как индийские эпосы использовались для объяснения индуизма массам. Храмы в Камбодже и на Яве были украшены резьбой и фресками, изображающими сцены из джатак, очень похожими на те, что изображают события из великих эпосов.
Приход ислама на острова Юго-Восточной Азии после династии Маджапахитов создал третий культурный слой поверх уже существующих коренных и индуистско-буддийских. Новая бирманская империя возникла из пепла старой и продолжила миссию распространения буддизма на материковой части Юго-Восточной Азии. Бирманское вторжение в Сиам в 18 веке принесло с собой индуистскую культуру, которая способствовала развитию бирманской игры. Отвоеванный Китаем Вьетнам на другой стороне полуострова все больше подвергался влиянию китайской культуры. После непродолжительного исламского культурного расцвета коренные жители островных государств Юго-Восточной Азии были вынуждены подчиниться иностранному господству. Только в Бирме и Сиаме, двух правительствах Юго-Восточной Азии, возникших в результате многолетней борьбы как могущественные королевства, продолжало процветать местное искусство.
Религия и национальная история уже давно занимают центральное место в искусстве Юго-Восточной Азии. Помимо жизни и характера Будды и богов индуизма, религиозная доктрина не представляла особого интереса. После того, как великие империи пали, но сохранилась память о славе и силе, в национальной истории возникла новая тема: почитание легендарных героев прошлого.
Хотя образ Будды со временем менялся, он продолжал оставаться популярным предметом для художников. В дополнение к введению местного колорита с использованием в качестве фона сцен из современного ему времени, изображение сцен из его предыдущих жизней на фресках и рельефных скульптурах служило цели обучения людей буддийской этике, поскольку Джатаки подчеркивали определенные моральные достоинства Будда в своих прошлых жизнях.
То же самое было и с изображениями событий из индуистских эпосов, которые давали художнику такой же шанс и выполняли аналогичную функцию. Со временем персонажи буддийских и индуистских писаний, такие как боги и богини, герои и принцессы, отшельники и маги, демоны и драконы, летающие лошади и крылатые девушки и т. всеобъемлющие религиозные темы.
Различные представления о наге, своего рода сверхчеловеческом духе, возникли в разных частях мира, когда нага были заимствованы из буддийских и индуистских писаний и слиты с национальными аналогами. Нага Бирмы имеет характерный гребень на голове. Для монов нага был крокодилом, а для кхмеров и индонезийцев — девятиголовым змеем.
Хотя демоны Юго-Восточной Азии были сгруппированы вместе под палийско-санскритским термином якха или якша, их отличительные черты сохранились в скульптуре и живописи каждой страны. Незнакомый муссонному лесу лев, тем не менее, стал популярной местной эмблемой и темой из-за своей связи с богами индуистской и буддийской мифологии. Даже после того, как кхмерская империя отказалась от практики поклонения змее-дракону как богу плодородия, девятиглавая нага стала символом защиты и королевской власти, а каменные наги несли бдение над королевскими дворцами и священными храмами. Поклонение нагам не одобрялось буддистами.
На протяжении всей истории бирманского и монского искусства наги всегда изображались в подчиненной роли Будды, часто делая сиденье из своих колец для Будды или поднимая свой массивный капюшон, чтобы защитить его от стихии. Фигура стража храма Мон традиционно изображалась в виде льва с двумя телами и человеческой головой, а фигура стража бирманского храма традиционно изображалась в виде хохлатого льва. Несмотря на заявление тай о наследовании художественных традиций кхмеров и мон-нага, добрый демон служил в этих культурах стражем храма.
Индийские животные стали частью древней символики и образов животных, вошедших в искусство. Например, моны выбрали в качестве своей эмблемы красную змею, бирманцы превратили солнце в свою любимую птицу павлина на том основании, что в буддийской мифологии павлин ассоциируется с солнцем, а в Индонезии мифическая птица по имени Гаруда. средство передвижения Вишну слилось с местным орлом. Изображения этих птиц нашли применение в качестве орнамента. Стилизованные версии животных, которые когда-то украшали соломенные крыши и деревянные стены домов Юго-Восточной Азии, перекочевали в более роскошные дворцы и храмы. Рисунки деревьев, фруктов и цветов муссонных лесов сочетались с индийскими цветочными узорами и древними геометрическими мотивами.
Искусство Юго-Восточной Азии полностью отличается от искусства любого другого региона, за исключением Индии. Хотя Бирма исторически была важным торговым звеном с Китаем, китайское влияние на удивление отсутствует в традиционном бирманском искусстве. Тай прибыли в Юго-Восточную Азию поздно, принеся с собой некоторые китайские художественные традиции, но они быстро отказались от этих практик в пользу кхмерских и монских. Сегодня единственные следы этих более ранних контактов можно увидеть в архитектурных особенностях храмов, особенно в сужающейся крыше и лакированных изделиях.
Поскольку Вьетнам на протяжении тысячелетия был колонией Китая, китайская культура оказала влияние на вьетнамское искусство. Археологические свидетельства индуизма на территории современного южного Вьетнама восходят к временам древней монархии Чампа, которая была захвачена Вьетнамом в 15 веке. Китайское влияние можно увидеть в буддийских статуях северного Вьетнама. Сравнение храмовых гробниц Камбоджи и Индонезии с гробницами вьетнамских императоров или роскошных и величественных изображений Будды Вьетнама с камбоджийскими и аскетичными и изящными изображениями Будды Бирмы выявляет фундаментальные различия в эстетических целях и стилях между искусством Восточной Азии и те из Юго-Восточной Азии. Исламское искусство, отвергающее фигуры животных и людей и стремящееся раскрыть реальность за иллюзорной красотой повседневного мира, также мало общего с искусством Юго-Восточной Азии. Искусство Юго-Восточной Азии игнорировало учения индуизма и буддизма о том, что чувственный мир иллюзорен и непостоянен.
В искусстве Юго-Восточной Азии реальность и фантазия сосуществуют, и позитивный взгляд на жизнь пронизывает каждое произведение. Некоторые отмечают, что классическое кхмерское и индонезийское искусство было сосредоточено на изображении повседневной жизни богов, но с точки зрения Юго-Восточной Азии повседневная жизнь богов была такой же, как и их собственная: радостной, земной и божественной. Искусство Юго-Восточной Азии не только не отражало европейскую концепцию «искусства ради искусства», но и не отражало европейского разделения искусства на светские и религиозные категории. Те же мотивы, что украшали пышный храм и лаковое блюдо, были вытатуированы на бедрах бирманского парня. Художнику из Юго-Восточной Азии не нужно было использовать модели, поскольку, в отличие от его европейских коллег, он не заботился о точности во всех анатомических аспектах. Использование фантастических элементов и акцент на прославлении добра в человеческой жизни - вот что отличает искусство Юго-Восточной Азии.
Существует большое разнообразие форм искусства и средств массовой информации, связанных с японским искусством', от древней керамики и скульптур до живописи тушью и каллиграфии на шелке и бумаге, картин укиё-э и гравюр на дереве, керамики и оригами. современной манги и аниме. Начиная с первых признаков существования человека в Японии в 10-м тысячелетии до нашей эры и до наших дней, Япония имеет богатую и разнообразную историю.
Япония пережила как быстрый приток иностранных идей, так и длительную изоляцию от остального мира. Японцы имеют долгую историю ассимиляции и адаптации аспектов других культур, которые они находят эстетически приятными. В седьмом и восьмом веках сложное искусство в Японии было создано в ответ на распространение буддизма. Когда японцы ушли из Китая и разработали свои собственные уникальные стили выражения в 9 веке, светское искусство приобрело известность; с тех пор и до конца 15 века процветали как религиозное, так и светское искусство. Когда в Японии разразилась Нинская война (1467–1477), она положила начало более чем столетию политических, социальных и экономических потрясений. Произведения искусства, пережившие репрессии сёгуната Токугава, были в основном светскими, а религия играла гораздо меньшую роль в повседневной жизни. Внезапное появление западных стилей стало важным событием периода Мэйдзи (1868-1912).
В Японии и любители, и знатоки занимаются живописью как основной формой художественного самовыражения. Японцы особенно настроены на ценности и эстетику живописи, потому что до современной эпохи они использовали кисть вместо пера. В период Эдо ксилография стала основным видом искусства, а методы, используемые для создания ярких гравюр, были усовершенствованы, чтобы удовлетворить потребности растущей популярной культуры. Поскольку религиозное значение традиционного японского буддизма в это время уменьшилось, японцы сочли скульптуру менее привлекательным средством выражения своего творческого видения.
Принято считать, что японская керамика отличается высочайшим художественным качеством и включает в себя некоторые из самых ранних артефактов из Японии; Экспорт фарфора из Японии в разное время был важной экономической деятельностью. Японская лаковая посуда, изысканно украшенная маки-э, долгое время была популярным экспортным товаром в Европу и Китай, и эта тенденция сохранялась на протяжении всего девятнадцатого века. В традиционной японской архитектуре широко используются натуральные материалы и интеграция внутренней и внешней жизни.
Укиё-э, или японские гравюры на дереве, становятся все более популярными на Западе. Их название происходит от фразы «картины плывущего мира», которая описывает их предмет. Буддийская вера в то, что счастье мимолетно и что только отсутствие желания может привести к просветлению, послужило источником вдохновения для их парящей, невесомой картины.
Сёгуны феодальной Японии сыграли важную роль в развитии японской гравюры, зародившейся в районе Эдо (современный Токио). В соответствии с политикой Сакоку, что буквально означает «уединенная или закрытая страна», Япония отрезала себя от остального мира. Перри, американский генерал, посетил Японию в 1853 году для переговоров с администрацией Мэйдзи. Многие репродукции укиё-э, формы современного искусства, которая процветала, когда Перри посетил Эдо, можно было найти в продаже на городских тротуарах.
В укиё-э часто изображались сцены из японской истории и легенд, а также портреты исполнителей кабуки, сцены из театра, влюбленные пары, известные куртизанки и пейзажи. Путешественникам с Запада сразу же понравились гравюры укиё-э, поэтому неудивительно, что они привезли их с собой домой, познакомив мир с уникальным стилем японского искусства.
Художественные отпечатки укиё-э изготавливались путем прижимания окрашенных чернилами деревянных блоков к бумаге после того, как изображения были вырезаны на блоках в обратном направлении. Когда начиналась печать, все было черно-белым. Окомура Масанобу и Судзуки Харунобу были пионерами в области цветной ксилографии, в которой для каждого цвета требовался отдельный блок.
Требовался ключевой блок для контуров и отдельные блоки для каждого оттенка. Более того, поскольку из одного блока можно сделать небольшое количество отпечатков, потребуется вырезать значительное количество блоков, чтобы напечатать значительное количество копий. Художник был лишь одним из многих профессионалов, занимавшихся изготовлением японских художественных гравюр. Среди других были дизайнеры, планировщики пресс-форм, резчики пресс-форм и прессы для пресс-форм.
Примерно в 1912 году движение гравюр, известное как ответвления Укио-э, начало угасать, но вскоре образовались две другие школы гравюры, чтобы заполнить образовавшуюся пустоту. Их зовут Сосаку Ханга и Шин Ханга. Когда дело доходит до процесса печати, существуют две точки зрения: Sosaku Hanga, согласно которой художник должен играть центральную роль на каждом этапе, и Shin Hanga, более традиционная, согласно которой издатель играет главную роль, настолько она отличается. художники могут нести ответственность за дизайн, блокировку и печать.
Чтобы покупать и продавать гравюры укиё-э, важно знать несколько японских терминов, чтобы правильно оценить и оценить этот увлекательный вид искусства. Говоря о японской гравюре, термин «атозури» указывает на то, что она была напечатана после того, как закончился первоначальный тираж, но все еще использовала оригинальные ксилографии. Отпечатки сёзури — это первые издания, а отпечатки фуккоку — копии. Подписи художников и номера печатных изданий обычно не включались в заключительные этапы японского процесса изготовления гравюр до второй половины двадцатого века. Вместо этого на каждой гравюре была печать с именем ее создателя, а также издателя и скульптора.
Однако по мере того, как европейцы узнавали об уникальной культуре Японии, возникло увлечение всем японским, и в конце 1860-х годов на континент были отправлены огромные партии японских репродукций. Издательства в Японии быстро поняли, что им нужно будет производить репродукции более известных гравюр на дереве, чтобы удовлетворить растущий спрос.
Легко сказать, какие отпечатки подлинные, а какие дубликаты, по штампам и прочим маргиналам. Оригинальность документа часто можно определить по состоянию бумаги и цвета. Поскольку средний коллекционер произведений искусства, вероятно, не может читать японские иероглифы, ему следует обратиться за советом к эксперту, прежде чем покупать подлинную японскую репродукцию.
Начиная с периода неолита, художники в Китае изображали растения в своих произведениях искусства. Цветы, птицы и насекомые используются для украшения, и не только потому, что они красивы; они также несут в себе огромное значение. Во времена династии Сун (960–1279) всплеск количества картин под названием «птица и цветок» укрепил статус цветочных образов как выдающегося предмета китайского искусства. Помимо картин на свитках, эту тему можно увидеть в самых разных трехмерных произведениях искусства, включая фарфор, лакированные изделия, нефритовые скульптуры, текстиль, мебель и многое другое.
Готовясь встретить весну, мы изучим символику цветов в китайском искусстве, взглянув на подборку картин из коллекции азиатского искусства XIX века AGGV. Все обложки этого альбома представляют собой точные изображения цветов и бабочек, основанные на их реальной флоре и фауне. Вполне вероятно, что это сочетание впервые появилось в 18 веке на товарах, специально заказанных для подарков на день рождения. Ребусы-бабочки можно использовать для выражения сразу нескольких добрых пожеланий. Эти предметы, которые также связаны с долголетием, являются отличными символами дня рождения. Бабочки в даосизме означали освобождение духа. Цветы олицетворяют много положительных моментов, и их включение в эти произведения искусства только усиливает их положительные коннотации.
Согласно китайской народной сказке о двух влюбленных, трагически разлученных войной, мак олицетворяет верность и верность между партнерами в романтических отношениях. История вращается вокруг маков, которые росли на том месте, где жена покончила с собой после смерти своего мужа-солдата.
Выражение huakaifugui предполагает, что камелии, которые цветут во время китайского Нового года (с конца января до середины февраля), следует использовать для украшения своего дома, чтобы приветствовать удачу в наступающем году. Из-за давней любви Европы к розе, цветок часто изображают на предметах, предназначенных для продажи в другом месте. Поскольку китайская роза цветет часто в течение всего года, к ней стали применять название «постоянный весенний цветок».
Утренняя слава. Трубчатые цветы Morning Glory, которые распускаются ярко-пурпурным цветом, первоначально использовались в качестве декоративного элемента в сине-белых изделиях династии Мин в 15 веке. Считается, что этот цветок символизирует счастье в браке. В Китае произрастает множество видов азалий, каждый из которых имеет свой уникальный сезон цветения. В сочетании с бабочками азалия приобретает коннотацию "творческого таланта в искусстве", олицетворяя женскую красоту, столь распространенную в искусстве.
Ориентализм относится к практике подражания или стереотипизации элементов Востока и встречается в области истории искусства, литературы и культурологии. За эти изображения чаще всего отвечают западные авторы, дизайнеры и художники. Из различных поджанров академического искусства, популярных в 19 веке, ориенталистская живопись, ориентированная на показ Ближнего Востока, была одной из самых выдающихся. Точно так же западная литература того времени проявляла живой интерес к экзотике Востока.
В академических кругах термин «ориентализм» стал обычным явлением с тех пор, как в 1978 году была опубликована книга Эдварда Саида «Ориентализм». Этот термин используется для описания снисходительного взгляда Запада на азиатские и африканские культуры. Согласно Саиду, Запад эссенциализирует эти культуры как застойные и недоразвитые, создавая картину восточной культуры, которую можно исследовать, изображать и воспроизводить на службе имперской власти. Как указывает Саид, эта ложь основана на предположении, что западное общество прогрессивно, разумно, способно приспосабливаться и превосходить других. Это дает жителям Запада свободу представлять «восточные» культуры и людей одновременно экзотическими и опасными.
Термин «ориентализм» используется в истории искусства для описания совокупности работ, созданных западными художниками на протяжении 19 века, которые сосредоточились на восточных темах и мотивах в результате своих исследований Западной Азии. В то время художников и ученых часто насмешливо называли «востоковедами» — термин, популяризированный французским искусствоведом Жюлем-Антуаном Кастаньяри. Французское общество художников-востоковедов с Жаном-Леоном Жеромом в качестве почетного президента было основано в 1893 году, несмотря на широко распространенное общественное неодобрение жанра; напротив, в Великобритании «востоковед» означало просто «художник».
Взгляды художников изменились примерно в конце 19 века с созданием Общества французских художников-востоковедов, которое позволило членам осознать себя частью более крупного художественного движения. Хотя в период расцвета движения в 19 веке появилось множество различных стилей ориенталистской живописи, термин «востоковедная живопись» обычно используется для обозначения одного поджанра академического искусства. Многие историки искусства делят художников-востоковедов на две категории: тех, кто рисовал под непосредственным наблюдением, и тех, кто создавал фантастические декорации в своих мастерских. Принято считать, что наиболее выдающимися фигурами ориенталистского движения были французские художники, такие как Эжен Делакруа (1798–1863) и Жан-Леон Жером (1824–1904).
Катастрофическое вторжение Наполеона в Египет и Сирию в 1798–1801 годах повлияло на живопись французских востоковедов и было задокументировано придворными художниками Наполеона, особенно Антуаном-Жаном Гро, в последующие годы, несмотря на то, что Гро не ездил на Ближний Восток с армией. . Бонапарт посещает жертв чумы в Яффо (1804 г.) и битва при Абукире (1806 г.) оба сосредоточены на Императоре, каким он был к тому времени, но также включает многих египтян. У менее успешного Наполеона в битве у пирамид тоже много египтян (1810 г.). Также значительным был La Révolte du Caire (1810) Анн-Луи Жироде де Русси-Триосон. Французское правительство выпустило двадцать томов иллюстрированного описания египетских древностей между 1809 и 1828 годами под названием Description de l'Égypte.
Еще до того, как ступить в Грецию или на Восток, Эжен Делакруа получил свой первый крупный хит с «Резней на Хиосе» (1824 г.), в которой, как и в «Плоте Медузы» его друга Теодора Жерико, изображена недавняя трагедия в отдаленном месте, которое подняло общественное мнение. В то время как греки все еще боролись за свободу от османов, страна была такой же экзотической, как и более дальневосточные части империи. Затем Делакруа нарисовал Грецию на руинах Миссолонги (1827 г.) в ознаменование осады, имевшей место годом ранее, и «Смерть Сарданапала» (1828 г.), вдохновленную лордом Байроном и, как говорят, была первым произведением искусства. сочетать секс, насилие, лень и экзотику. В 1832 году в рамках дипломатической миссии к султану Марокко Делакруа, наконец, отправился на территорию современного Алжира, недавно захваченную французами. Он был глубоко тронут увиденным, проводя параллели между образом жизни Северной Африки и древними римлянами, и после возвращения во Францию продолжил рисовать темы из своей поездки. На многих его изображениях были изображены евреи или воины на лошадях, потому что, как и многим последующим художникам-востоковедам, ему было трудно изображать женщин. Немногие последующие сцены гарема могли претендовать на такой же реализм, но он, по-видимому, смог получить доступ к женским помещениям (или гарему) дома, чтобы набросать то, что стало женщинами Алжира.
Именно Энгр, директор Французской академии живописи, популяризировал эротизированный Восток своим туманным обобщением женских фигур в ярком изображении турецкой бани (которые могли быть одной и той же моделью). На таинственном Востоке допускались более открытые проявления сексуальности. Полуобнаженные картины Анри Матисса периода Ниццы и использование им восточных костюмов и узоров являются примерами постоянного использования этого мотива в начале 20 века. Пароход значительно облегчил путешествие, и многие художники побывали на Ближнем Востоке и за его пределами, чтобы нарисовать широкий спектр восточных сцен. Еще до посещения Востока Теодор Шассерио (1819–1856), ученик Энгра, уже добился успеха своей обнаженной натурой «Туалет Эстер» (1841, Лувр) и конным портретом Али-Бен-Амета, халифа Константина и начальника Характас, сопровождаемый его эскортом
Многие из этих работ увековечили стереотипное, экзотическое и сексуализированное изображение Востока. Произведения этого типа часто были посвящены арабской, еврейской и другим семитским культурам, потому что именно сюда путешествовали французские художники, чтобы узнать об истории и развитии региона по мере того, как имперская Франция расширяла свое влияние в Северной Африке. Несколько французских художников, таких как Эжен Делакруа, Жан-Леон Жером и Жан-Огюст-Доминик Энгр, изображали одалиски на своих картинах, посвященных исламской культуре. Они подчеркнули медлительность и кричащие визуальные эффекты. Жанровые картины, в частности, подвергались критике за то, что они слишком похожи на европейские образцы того же предмета или за выражение ориенталистского мировоззрения в саидском смысле. Жером был родоначальником и часто мастером группы французских художников конца века, известных своими откровенно сексуальными изображениями гаремов, общественных бань и невольничьих аукционов (последние два также доступны с классическим декором), а также тем, что они внесли свой вклад в « отождествление ориентализма с обнаженной натурой в порнографическом ключе».
Начиная с конца 15 века, мавританский стиль украшений эпохи Возрождения был европейской адаптацией исламского арабеска, который продолжал использоваться в определенных областях, например, в переплетном деле, практически до наших дней. Термин «индо-сарацинское возрождение» описывает раннее западное использование индийских архитектурных тем. Фасад лондонской ратуши восходит к этому периоду времени (1788–1789). Примерно с 1795 года, когда виды Индии были опубликованы Уильямом Ходжесом, Уильямом и Томасом Даниэллами, этот стиль приобрел популярность на Западе. Среди наиболее известных примеров «индуистской» архитектуры - дом Сезинкот (ок. 1805 г.) в Глостершире, построенный для набоба, недавно вернувшегося из Бенгалии, и Королевский павильон в Брайтоне.
Использование «турецких» стилей в декоративно-прикладном искусстве, периодическое использование турецкой одежды и интерес к искусству, изображающему Османскую империю, были частью движения Turquerie, которое началось в конце 15 века и продолжалось по крайней мере до 18 века. Даже если Франция стала более важной после 18 века, первоначальным центром была Венеция, давние торговые отношения османов.
Название «шинуазри» относится к общему стилю украшения с элементами, вдохновленными Китаем, который был популярен в Западной Европе с 17 века и достиг своего апогея в несколько периодов, особенно в период рококо (около 1740–1770). Западные дизайнеры от эпохи Возрождения до 18 века пытались реализовать техническую сложность китайской керамики, но добились лишь частичного успеха. Именно в 17 веке такие страны, как Англия (с ее Ост-Индской компанией), Дания (с ее Ост-Индской компанией), Нидерланды (с ее Ост-Индской компанией) и Франция (с ее Ост-Индской компанией) начали проявлять признаки Шинуазри (Французская Ост-Индская компания). В начале 17 века гончары в Делфте и других голландских городах начали использовать тот же самый подлинный бело-голубой фарфор, который производился в Китае во времена династии Мин. Блюда, вазы и чайная утварь из самых ранних мест производства настоящего фарфора, таких как Мейсен, имитировали традиционные китайские формы (см. Китайский экспортный фарфор).
Формальные партеры немецких дворцов в стиле позднего барокко и рококо имели павильоны для удовольствий в «китайском вкусе», а плиточные панели в Аранхуэсе недалеко от Мадрида изображали аналогичные структуры. В частности, чайные столики и фарфоровые шкафы были украшены Томасом Чиппендейлом лепным остеклением и перилами в 1753–1770 годах. Натурализация также произошла в мрачном уважении к мебели ранних синских ученых, такой как тан, который стал среднегрузинским боковым столом и квадратными креслами с распорками, подходящими как для английских джентльменов, так и для китайских ученых.
Не все западные интерпретации традиционной китайской эстетики считаются «шинуазри». Примеры медиа шинуазри включают керамические фигурки и настольные украшения, ранние расписные обои в форме листов, а также имитации лакированных и расписных оловянных (толе) блюд, которые напоминают Японию. Пагоды в натуральную величину устанавливали в садах, а миниатюрные версии размещали на каминах. Великая пагода, созданная Уильямом Чемберсом, представляет собой потрясающее сооружение в Кью. Расположенная в Штутгарте, Вильгельма (1846 г.) представляет собой здание, которое является примером стиля мавританского возрождения. Построенный для художника Фредерика Лейтона, Leighton House отличается традиционным внешним видом, но богато украшенным интерьером в арабском стиле с настоящей исламской плиткой и другими компонентами, а также работами в викторианском стиле.
Во многом благодаря появлению гравюр укиё-э на Западе эстетическое движение, известное как японизм, процветало после 1860 года. Особое влияние на современных французских художников, таких как Клод Моне и Эдгар Дега, оказала японская эстетика. Японские гравюры вдохновляли американскую художницу Мэри Кассат, которая жила и работала во Франции. Она включила их использование многослойных узоров, плоских плоскостей и динамической перспективы в свою собственную работу. Некоторые из лучших образцов японского искусства можно найти в «Комнате Павлина», коллекции картин Джеймса Эббота Макнила Уистлера. На Дом Гэмбла и другие здания Калифорнийского Грина и Грина повлияла японская архитектура.
Архитектура египетского возрождения была популярным стилем в начале и середине 19 века и сохранялась как второстепенный стиль до начала 20 века. В начале 19 века синагоги были одними из основных бенефициаров стиля мавританского возрождения, зародившегося в немецких государствах. Архитектурный стиль, известный как индо-сарацинское возрождение, возник в британском владычестве примерно в конце 19 века.
Эстетика восточного декора – одна из самых притягательных в мире. В мебельной и интерьерной индустрии все чаще используются восточные элементы декора. Эта коллекция азиатских форм искусства пользуется спросом на протяжении тысячелетий и включает работы из самых разных азиатских стран.
Термин «восточное искусство» часто вызывает в воображении образы девушек-гейш в Японии или китайских акварелей, но это не единственные примеры. Благодаря своим ярким цветам и вниманию к деталям восточные свитки, вазы и картины сохранились на века. Зонты, веера и лампы являются еще одними примерами других форм восточного искусства.
Одной из причин, почему восточное искусство так популярно, являются его чистые линии и яркие цвета. И восточное, и западное полушария в равной мере включили в свои интерьеры элементы восточного декора. Из-за своей элегантности и функциональности его можно использовать в необычных условиях. Добавление произведения восточного искусства в ваш дом — отличный способ придать ему уникальный внешний вид. Настенный веер является культовым образцом восточного искусства. Украшение предметами с Востока — отличная идея, потому что они стильные и недорогие.
По мнению многих специалистов в этой области, аукционы — один из лучших способов приобрести произведения восточного искусства. Таким образом, вы можете просто просмотреть каталоги аукционов и начать украшать свой дом предметами в стиле востоковедов. Что касается японского искусства, то аукционы часто включают гравюры, керамику, доспехи и многое другое.
Известные работы китайского художника Гу Кайчжи включают «Наставления гувернантки придворным дамам» и «Наставления знатным женщинам». Он также был поэтом и теоретиком искусства. Он был даосским философом, который прожил яркую жизнь и временами проявлял большой цинизм. Правительственный чиновник с 366 года, Гу Кайчжи (ок. 344–406) родился в Уси, провинция Цзянсу, но его таланты простирались далеко за пределы политики. Он также был опытным поэтом, эссеистом, художником и практиком китайской каллиграфии. Три работы «О живописи», «Введение в знаменитые картины династий Вэй и Цзинь» и «Рисование горы Юньтай» воплощают в себе многочисленные теории Гу о медиуме. Работа его жизни отражена в более чем 70 картинах, посвященных человеческим и божественным фигурам, животным, пейзажам и водным путям. Будда храма в Нанкине (созданный для сбора денег на строительство храма), «Наставления гувернантки придворным дамам» и «Нимфа реки Луо» - все это произведения, которые обычно приписывают ему. Работы Гу Кайчжи сейчас находятся в коллекциях по всему миру. Примерно между 220 и 581 годами нашей эры был золотой век китайской живописи. Несмотря на войны и династические смены, происходившие в Китае на протяжении 300 лет, культурная жизнь страны оставалась бурной. Во многом это было связано с наличием множества различных школ, которые дали значительный импульс художественному развитию страны. Есть несколько примеров виртуозности китайской каллиграфии и искусства того времени, в том числе росписи надгробий, каменные и кирпичные скульптуры и лаковые картины. Также теоретизируются изобразительные правила, которые мы видим в современной китайской живописи, такие правила, как Теория графики и Теория шести правил. Одним из самых влиятельных и известных из этих художников является Гу Кайчжи, которого часто считают создателем традиционной китайской живописи. Его работы олицетворяют эпоху, в которой он жил.
С 990 по 1020 год Фан Куан был выдающимся даосским художником «северного стиля» в Китае. Ему, среди прочего, приписывают лучших мастеров 10-го и 11-го веков. Вертикальный свиток под названием «Путешественники среди гор и ручьев» Фань Куана широко считается основополагающим произведением искусства Северной школы песни. Он устанавливает стандарт для гигантской пейзажной живописи, к которому впоследствии многие художники обращаются за руководством. Ясно, что здесь работает старая китайская идея трех измерений: ближнего, среднего (представленного водой и туманом) и дальнего. В отличие от самых ранних образцов китайской пейзажной живописи, великолепие мира природы находится в центре внимания, а не в последнюю очередь. У основания монолита из кустов выходит вереница вьючных лошадей. Условности более старой династии Тан можно увидеть в визуальном стиле произведения искусства.
Именно стиль укиё-э популяризировал Кацусика Хокусай как художник и гравер в Японии. Он был точным и эксцентричным художником, наиболее известным своими гравюрами. Однако он продолжал работать в обеих средах на протяжении всей своей жизни. За более чем шестьдесят лет своей карьеры он уже экспериментировал с гравюрами на дереве, изображающими театральные сюжеты, поздравительными гравюрами для частного обращения (суримоно) и, начиная с 1830-х годов, с сериями пейзажей, о чем свидетельствуют такие работы, как «Виды знаменитых мостов» и «Знаменитые водопады в Различные провинции и тридцать шесть видов на гору Фудзи, что отчасти отражает личную привязанность к знаменитому вулкану. Великая волна Канагава, также часть этого канона, является связанной работой. После периода больших трудностей, вызванных рядом семейных проблем , не последней из которых была склонность его племянника к азартным играм, он опубликовал ряд руководств по рисованию и манге, предназначенных как для любителей, так и для профессионалов. На написание и рисование множества мистических книг и рассказов для женщин и детей, а также работа над иллюстрированием великих литературных шедевров его вдохновила его любовь к литературе на всю жизнь, которая, вероятно, началась в подростковом возрасте в качестве мальчика на побегушках в путешествии. библиотека. Хайку, которые он написал, тоже были довольно хороши. Из-за широкого влияния его искусства на европейских импрессионистов, таких как Клод Моне, и постимпрессионистов, таких как Винсент Ван Гог и французский художник Поль Гоген, три биографии Хокусая были опубликованы на французском языке между 1896 и 1914 годами ведущими критиками того времени, в том числе Эдмон де Гонкур. Согласно рассказам о нем, он переезжал более девяноста раз и на протяжении всей своей карьеры использовал несколько разных сценических псевдонимов.
Японский художник и печатник Хироси Йошида. Его репродукции Тадж-Махала, швейцарских Альп и Гранд-Каньона входят в число самых известных образцов искусства син-ханга и вызывают у зрителей сильные эмоции. 19 сентября 1876 года в городе Куруме префектуры Фукуока на острове Кыш началась жизнь Хироси Ёсида, урожденного Хироши Уэда. Его приемный отец, преподаватель рисования в государственной школе, поощрял его ранний художественный талант. Проведя три года в Токио, обучаясь у Коямы Сётаро, он был переведен в Киото, чтобы учиться у известного западного мастера живописи Тамура Сёрю, когда ему было 19 лет. В 1899 году Ёсида устроил свою первую выставку в здании, которое тогда называлось Детройтским художественным музеем, а теперь называется Детройтским институтом искусств. Хироши Ёсида был опытным художником маслом, который использовал этот материал с момента его появления в Японии в эпоху Мэйдзи. Серия «Парусные лодки» 1921 года и гравюры Тадж-Махала (которых всего шесть) — примеры привычки Йошиды воспроизводить одно и то же изображение в разных цветах, чтобы изменить настроение.
В нашей онлайн-художественной галерее представлена самая большая онлайн-коллекция оригинальных произведений искусства, в том числе эксклюзивная подборка montagne работ начинающих и известных художников со всего мира. Artmajeur действительно предлагает миллионы произведений искусства, таких как картины, скульптуры и фотографии величайших современных художников современности!
Безопасно покупайте все любимое искусство на Artmajeur
Вы ищете montagne работ для продажи ? Вы можете спокойно покупать картины про montagne , а также скульптуры, фотографии или рисунки: на все ваши покупки распространяется наша 14-дневная политика возврата, без вопросов! Работы, представленные в галерее, продаются по гарантированной цене с бесплатной доставкой.
Найдите "montagne" картин и произведений искусства рядом с вами
Географическая поисковая система на Artmajeur также позволяет вам находить произведения искусства рядом с вами, таким образом вы можете удобно найти оригинальные произведения искусства в вашем городе, регионе или любом месте по вашему выбору. Некоторые продавцы также могут доставлять посылки сами, если их студия находится недалеко от вас.
Получите индивидуальную подборку картин и произведений искусства
Идеальный способ сделать свой дом максимально индивидуальным - это индивидуальный подбор произведений искусства. Произведения искусства доступны по вашему выбору сюжетов, размеров, жанров, форм, стилей, тем, цветов и тематики. Если у вас есть коллекция произведений искусства, состоящая из сотен картин, написанных вручную или каким-либо другим способом, вы можете выбрать те, которые лучше всего отражают ваши интересы.
Чтобы выбрать картины для своей коллекции, которые соответствуют вашим вкусам и стилю, вы можете использовать параметры бокового меню. Просто выбрав такие параметры, как цвет, тема, цена, тема, ваш выбор будет обновлен автоматически. Вы также можете сохранить любые понравившиеся произведения искусства в качестве избранных: это позволит вам сохранить ваши личные избранные для использования в будущем. Если вам нужно поделиться своими произведениями искусства с другими, вы также можете сделать свои коллекции общедоступными, это творческий способ поделиться своими любимыми произведениями искусства с другими любителями искусства, друзьями или даже клиентами.
Может быть большое количество произведений искусства, связанных с montagne : если вы покупаете онлайн в первый раз или уже являетесь частым покупателем, поиск подходящего произведения искусства в Интернете может быть одновременно пугающим и трудоемким:
Наша команда консультантов по искусству готова помочь вам: Artmajeur хочет сделать покупку произведений искусства в Интернете простой и безопасной. На все наши произведения искусства распространяется 100-процентная гарантия возврата денег, поэтому вы можете чувствовать себя в полной безопасности при покупке у нас онлайн.
Мы создали платформу, на которой художники могут загружать свои работы прямо на наш веб-сайт, чтобы помочь вам найти идеальное произведение. Просмотрите тысячи гравюр, скульптур и картин лучших художников современности. Цены варьируются от очень доступных произведений искусства до очень ценных предметов, в которые стоит инвестировать, в зависимости от типа и размера произведения искусства, которое вы ищете, и ваших требований к пространству. Удивительно видеть разнообразие оригинальных произведений искусства, доступных в Интернете. В Artmajeur есть все, независимо от того, ищете ли вы красивую и дорогую картину маслом или предмет мебели для своего дома.
Существует большое разнообразие художественных традиций со всей Азии, которые составляют историю азиатского искусства. Центральная Азия, Восточная Азия, Южная Азия, Юго-Восточная Азия и Западная Азия являются наиболее заметными частями азиатского континента.
Искусство Восточной Азии включает в себя культуры Китая, Японии и Кореи, тогда как в искусстве Центральной Азии преобладают творения тюркских народов Евразийской степи. Искусство Юго-Восточной Азии состоит из искусства Таиланда, Лаоса, Вьетнама, Сингапура, Индонезии и Филиппин, а искусство Южной Азии относится к искусству Индийского субконтинента. Искусство Ближнего Востока или Западной Азии включает месопотамское искусство древности и исламское искусство современной эпохи.
Эволюция азиатского искусства во многом похожа на эволюцию западного искусства. Культуры смешались с помощью таких средств, как передача искусства по Шелковому пути, культурный обмен в эпоху Великих географических открытий и колонизации, а также через Интернет и нынешнюю глобализацию. Если исключить искусство каменного века, искусство Месопотамии является самым ранним искусством в Азии.
Современные Кыргызстан, Казахстан, Узбекистан, Туркменистан, Азербайджан, Таджикистан, Афганистан, Пакистан и некоторые районы современной Монголии, Китая и России считаются частью Центральноазиатского региона, который имеет богатую историю и разнообразие художественных традиций. Центральноазиатское искусство от древности до средневековья иллюстрирует разнообразное население и культурное наследие региона. Культурное наследие Центральной Азии удивительным образом отражает мультикультурный состав региона, о чем свидетельствуют художественные артефакты региона. Скифское искусство, греко-буддийское искусство, сериндское искусство и даже современная персидская культура — все это часть этой запутанной истории, которая также включает передачу искусства по Шелковому пути.
С конца II тысячелетия до н. Доисторическое искусство «звериного стиля» этих кочевников-скотоводов раскрывает не только их зооморфные мифы и шаманские ритуалы, но и их готовность включать символы оседлой культуры в свои собственные практики.
Культуры со всего мира встретились и слились в Центральной Азии, что сделало ее нервным центром древнего Шелкового пути, соединявшего Китай со Средиземноморьем. Растущие общины в третьем и втором тысячелетиях до нашей эры были частью обширной торговой сети, которая связывала Среднюю Азию с долиной Инда, Месопотамией и Египтом.
Исламское искусство оказало большое влияние на западное искусство в последние века, но более старые культуры черпали вдохновение из самых разных источников, включая искусство Китая, Персии и Греции, а также стиль животных, возникший у кочевников. степи.
Культурные практики Восточной Азии включают изобразительное искусство, литературу и исполнительское искусство Китая, Кореи и Японии. Учитывая, что они не имеют практического назначения и не связаны с ручным трудом, только живопись и каллиграфия получили в Китае статус «настоящих изящных искусств». Скульптура, наряду с бронзовым литьем и резьбой, а также производство керамики, текстиля, металлургии и лакирования, считаются ремеслами. Традиционные китайские постройки почти часто строятся из дерева и имеют платформу, каркас из стоек и перемычек, кронштейны, поддерживающие крышу, и тяжелую наклонную крышу.
Три фактора, в том числе буддийская иконография, местные японские темы и традиции, а также китайское изобразительное искусство, оказали значительное влияние на японскую визуальную культуру. Храм Хри, построенный в седьмом веке, был первым сооружением, в котором использовалась асимметричная планировка, характерная для японской архитектуры. Полихромная гравюра на дереве, которая превратилась в культовую гравюру укиё-э, ширмы и панно 16-18 веков, являются яркими примерами увлеченности японских художников абстракцией от природы. Использование камня в строительстве и скульптуре, а также разработка изысканной глазури из селадона — два самых ярких вклада Кореи в искусство.
Среди мировых литератур китайская имеет самую длинную непрерывную историю (более 3000 лет). Его история неразрывно переплетена с историей письменного языка, который он разделяет с Кореей и Японией. Баллады, легенды, драмы-маски, тексты кукольных спектаклей и тексты пансори («рассказы») - все это часть богатой устной истории Кореи, и в стране также есть прочная письменная традиция поэзии (особенно формы хянга и сидзё). . Поскольку ни в Японии, ни в Корее не было собственного письменного языка, литературные традиции обеих стран в значительной степени заимствовались из Китая (хотя японские слоговые системы появились около 1000 г., а корейский хангыль был разработан в 15 веке). Поэзия из Японии, особенно в форме хайку, известна во всем мире своей тонкой чувственностью и восходит к 7 веку вместе со многими литературными сокровищами страны, такими как «Повесть о Гэндзи».
Восточноазиатская музыка, как и западная музыка, создала пентатонику, основанную на 12-тональном словаре, но ее основа отличается. Ансамбли Восточной Азии, как правило, относительно небольшие, и композиторы в этом регионе обычно отдают предпочтение мелодии и ритму, а не гармонической сложности. Стоит отметить, что в странах Восточной Азии музыка, танец и драма часто связаны между собой, и нет никаких свидетельств четкой эволюции формы в связанных категориях восточноазиатского танца и театра. Танцевальные шествия, танцевальная опера (цзинси, или «пекинская», и другие виды китайской оперы), театр теней, кукольный театр и диалоговые пьесы с музыкой и танцем — это лишь некоторые из многих разновидностей восточноазиатского исполнительского искусства (например, японского кабуки). Работы Баша, Бо Джуи, Ду Фу, Хиросигэ Андо, Лу Синя и Мурасаки Сикибу также заслуживают внимания, равно как и икебана, складывание бумаги в стиле дзган, живопись на свитках, синдэн-дзукури, сёин-дзукури, стиль сукия, Архитектура в стиле Темпью и Тори.
Искусство Индии, Пакистана, Бангладеш и Шри-Ланки часто называют Южной Азией. Множество древней текстовой литературы на санскрите, пркрите и региональных языках помогло объединить людей Индийского субконтинента, равно как и общая культурная и этическая точка зрения. Несмотря на разделение региона на калейдоскоп политических моделей на протяжении веков, субконтинент в целом имеет общие музыкальные и танцевальные традиции, ритуальные ритуалы, религиозные практики и литературные идеи.
Эпосы Южной Азии, такие как Rmyaa и Mahbhrata, дают представление о сложной сети отношений между многими народами региона. Имеются явные свидетельства семейных отношений между богами и героями, проживающими далеко друг от друга, а многие географические названия сами по себе намекают на общее происхождение. Также предпринимались настойчивые усилия по установлению единого политического порядка в этом районе. Например, в третьем веке до нашей эры император Аока контролировал большую часть этой территории; в одиннадцатом веке нашей эры Раджендра I из Чай захватил большую часть Индии и Юго-Восточной Азии; и в шестнадцатом веке нашей эры великий Могол Акбар сделал то же самое. На протяжении всей истории Южной Азии границы росли и сокращались, официально объединяясь и разделяясь как целые регионы, но культура оставалась неизменной на протяжении всего времени.
Красота гор и рек региона получила широкое признание из-за его общего физического расположения. Гималаи, которые проходят вдоль северной границы, являются самыми высокими горами в мире и представляют собой культурный идеал величия, чистоты и нетронутого снега. Такие реки, как Брахмапутра и Инд, почитаются как «матери» в своих регионах из-за обилия воды, которую они дают.
Существует широко распространенное мнение, что водяные духи и лесные феи, соответственно известные как нги и яки, населяют озера и родники региона. Название ранней династии в Кашмире, Каркоа, само по себе является символом поклонения нга. Древние религиозные артефакты, такие как статуи нга и яка, которые были обнаружены в разных местах, намекают на общий религиозный дух, как и религиозные тексты, которые веками передавались устно, не теряя своей первозданной интонации. Скульптуры, изображающие подобный классический танец, можно найти в пакистанских городах Гандра, Бхрхут и Амарват.
В Южной Азии важно хорошо разбираться в нескольких различных искусствах, прежде чем иметь возможность специализироваться только в одном. Поскольку скульптура, подобно живописи и танцам, изображает весь мир, само собой разумеется, что невозможно овладеть каждым видом искусства, не овладев сначала другим. Танец — это форма выражения посредством движения и ритма; поэтому понимание музыкального ритма имеет решающее значение. Считается, что знание литературы и риторики важно для пробуждения эмоций в музыке и танце; аромат (раса), который должен быть выражен в музыке, танце, скульптуре или живописи, требует некоторого знакомства с письменным словом. Таким образом, искусства взаимосвязаны на многих уровнях.
Искусством в Южной Азии занимались не только ради респектабельного досуга, но и как акт преданности и поклонения высшей силе. Есть литературные упоминания о князьях, проверяющих произведения искусства на наличие недостатков. Достижения и амбиции художника как в теории, так и на практике иллюстрируются единственной надписью, в которой упоминается имя стра-дхры («архитектора») храма Малликрджуна в Паттадакале, построенного в восьмом веке.
Культуры Южной Азии уже давно отводят художникам привилегированный статус. Двор был заполнен поэтами, музыкантами и танцорами. Блестящий танцор получил похвалу от Рджендры Ка, а архитектор храма в Тирувойре, которого также поддерживал Рьендра, был отмечен похвалой за его обширное понимание архитектуры и искусства в надписи. Тем не менее, существовала прочная связь между народным искусством и высоким искусством. Сходство существовало, например, между племенными групповыми танцами и западным классическим искусством, танцем и музыкой. Индийский субконтинент имеет богатую художественную историю: круглая скульптура (цитра) и рельефная скульптура (ардхацитра) занимают важное место.
Читрбша, что переводится как «вид скульптуры», является третьим по значимости видом искусства. Стих из драмы поэта V века Клидса объясняет, как глаз кувыркается над высотами и глубинами, изображенными при моделировании картины, демонстрируя, насколько существенным было влияние светотени (т. е. использование света и тени для выражения моделирования). . Мастера придают первостепенное значение линейному наброску картины, который должен быть прорисован твердо и изящно, затем следуют штриховка и изображение лепки, которые ценятся окружающими, декоративный элемент, обращающийся к женскому вкусу, и пышность цвета. , что соответствует общему вкусу. Это очень впечатляет, что вы смогли указать так много формы с таким небольшим рисунком. Есть множество литературных примеров успешной портретной живописи и скульптуры Южной Азии, демонстрирующих центральное место портретной живописи в изобразительном искусстве региона. Виудхармоттара, написанная в шестом веке, делит портретную живопись на четыре категории: естественную, лирическую, утонченную и смешанную. Он также классифицирует различные типы людей в зависимости от формы и цвета их волос, глаз и формы. Включает в себя краткое изложение многих художественных точек зрения, а также объяснение основ ракурса. Подобно тому, как стихотворение отражает поэта, считалось, что картины и скульптуры перенимают характеристики своих создателей.
Несмотря на долгую историю Южной Азии, подверженной иностранному влиянию, регион всегда находил способы сочетать эти элементы с местными обычаями, создавая уникальный синтез, а не простое копирование. Это также отражено в произведениях искусства пакистанского региона Гандра, который в то время (4 век до н.э.) был пропитан греко-римской культурой. Включение индийских мотивов и стилей в доминирующий западный стиль является отличительной чертой скульптуры этой эпохи.
После кушанского вторжения в первом веке нашей эры наблюдался явный приток внешнего влияния, но в конечном итоге местная культура восторжествовала. Империя Великих Моголов , правившая Южной Азией с 16 века и состоявшая из мусульман из Центральной Азии, объединила регион в культурном отношении, навязав своим подданным преимущественно индийское образование. Мусульманское искусство процветало во время правления второго императора Великих Моголов, Хумайна, который привлек художников из двора персидского шаха и создал историю слияния индийского и персидского стилей.
Искусство каждого региона отражает свою политическую структуру, морально-этические нормы и социальные структуры. Еще в третьем веке до нашей эры правители проявляли готовность служить народу и относиться к нему почти как к потомству. Великолепные монеты Империи Гуптов в Северной Индии IV–VI вв. изображают идеал монарха как непревзойденного лучника, объединителя, высокого и статного благородного духа, жертвователя ради благополучия подданных и героя своего люди (которые представляют его на величественном слоне). Произведение, изображающее только завоевание и справедливую войну. Войны и завоевания, символические жертвоприношения коней, королевский совет, дипломатические приемы, мирные переговоры, строительство храмов, признание изящных искусств (включая танцы и музыку) и коронация королей — вот лишь некоторые из многих правительственных мероприятий, описанных в обширном серия скульптур, изображающих историю южноиндийской династии Паллавов IV-IX вв.
Подобно тому, как скульптуры, подчеркивающие дхарму, условности или законы, регулирующие обязательства, отражают моральные установки, то же самое можно сказать и о скульптурах, изображающих моральные поступки. Один из распространенных способов визуализации принципа ахимсы, или ненасилия по отношению к другим, - это образ оленя, а идеал священного места обычно изображается как место, где олень может свободно бродить. Произведения искусства часто изображают сцены, в которых субъекты упиваются своими жертвами или жертвами других. Истории из Пача-тантры, одного из самых ранних в мире сборников басен, изображены в скульптурах прямолинейно, но эффектно. Южноазиатское искусство постоянно изображает набожность, веру и уважение к морали, которые пронизывали социальную структуру субконтинента на протяжении поколений.
Искусство Юго-Восточной Азии включает в себя письменные, устные и изобразительные формы. Хотя индийская культура оказала значительное влияние на развитие региона, есть некоторые общие черты, которые возникли еще до этого времени. Стили искусства, не происходящие из Индии, такие как ткани батик, оркестры гамелана и кукольный театр ваянг, остаются популярными. Местное выращивание влажного риса (или риса), металлургия, мореплавание, культы предков и поклонение горам были обычным явлением.
Юго-Восточная Азия охватывает обширный полуостров Индокитай, а также другие острова региона, часто известные как Ост-Индия. Юго-Восточную Азию можно разделить на две отдельные части: материк и острова. Мьянма (Бирма), Таиланд, Лаос, Камбоджа, Вьетнам, Малайзия, Сингапур, Индонезия и Филиппины являются государственными образованиями, составляющими эту территорию. Хотя изначально Филиппины не считались частью Юго-Восточной Азии, сейчас они обычно считаются частью региона из-за своей близости к Китаю и Японии и близкого культурного сходства с культурами Юго-Восточной Азии.
Вся Юго-Восточная Азия имеет схожий климат и топографию, которые сформировали историю и культуру региона. В культурном отношении те, кто живет в горах, обычно отличаются от тех, кто живет в долинах.
Первоначально считалось, что людям Юго-Восточной Азии не хватало оригинальности, восходящей к доисторическим временам, и что они были более «восприимчивыми», чем «творческими» во взаимодействии с другими культурами. Более поздние раскопки и открытия в Мьянме и Таиланде побудили некоторых ученых выступить против общепринятой теории о том, что цивилизация переместилась в Юго-Восточную Азию из Китая в доисторические времена. Вместо этого, утверждали они, люди материковой части Юго-Восточной Азии выращивали растения, изготавливали глиняную посуду и работали с бронзой примерно в то же время, что и люди древнего Ближнего Востока, и поэтому цивилизация распространилась из материковой части Юго-Восточной Азии в Китай тысячелетием ранее. Поскольку они всегда больше заинтересованы в практической работе по созданию красивых вещей, жители Юго-Восточной Азии не имеют богатого наследия теории искусства, литературной или драматической критики.
Невозможно шаг за шагом проследить создание и эволюцию художественных форм в Юго-Восточной Азии, так как люди, особенно в западной половине материка, работали с недолговечными материалами. Учитывая историю густых лесов в этом районе, само собой разумеется, что дерево было самым ранним материалом, используемым по эстетическим соображениям. Несмотря на вновь обретенное умение обращаться с металлом и камнем, они никогда не отказывались от традиционной практики резьбы по дереву, которая продолжала процветать даже после того, как прошла великая эпоха каменной скульптуры и каменного строительства (около 13 века). В западном штате Шан в Мьянме, вдоль реки Салуин, археологи обнаружили доисторические наскальные рисунки, которые имеют поразительное сходство с более поздними скульптурами нагов на столбах домов. Подобно тому, как символ солнца можно найти в качестве художественного мотива по всей Юго-Восточной Азии, и как резьба под карнизами домов нагов намекает на благоговение, триумф и радость от обретения человеческой головы, более поздняя эстетическая традиция Юго-Восточной Азии перекликается с наскальные рисунки пары человеческих рук с раскрытыми ладонями, держащими солнце и человеческий череп. Наскальные рисунки являются доказательством того, что искусство этого района всегда было тесно связано с его магико-религиозным прошлым.
Раньше считалось, что техника литья бронзовых барабанов, использовавшаяся в Донгсоне, недалеко от Ханоя, возникла в Китае. Однако новые раскопки в Таиланде показали, что и барабаны, и так называемая цивилизация Донгшон являются коренными жителями материковой части Юго-Восточной Азии. Тем не менее, бронзовые барабаны, отлитые Каренами на протяжении тысячелетий до начала 20 века, демонстрируют преемственность эстетического наследия Юго-Восточной Азии. Металлообработка должна была развиваться рано, поскольку горы материковой части Юго-Восточной Азии давали золото, серебро и другие металлы. Горные народы Юго-Восточной Азии имеют долгую историю изготовления и использования изысканных серебряных пуговиц, поясов и украшений. Текстильные узоры следуют той же эстетической линии. Песни, танцы и другие формы музыкального выражения традиционно использовались в племенных церемониях.
При поддержке правителей по всей Юго-Восточной Азии процветало искусство. Примерно во время рождения Христа племенные племена начали формально организовываться в города-царства или конгломераты деревень после многих лет оседлой жизни в качестве производителей риса. С этой точки зрения король был не более чем верховным вождем племени. Так как у племен уже существовала традиция поклонения духам, монархи искали новое божество, которое стало бы объектом поклонения для всех. Это стремление к новым национальным богам способствовало открытости Юго-Восточной Азии богам индуизма и буддизма. Короли в Юго-Восточной Азии несли ответственность за распространение новых религий, поэтому храмы региона пережили золотой век с первого по тринадцатый век.
Храмы стали центрами культурной деятельности, а их стены стали полотнами для архитектуры, скульптуры и религиозных фресок. Знатоки санскрита, языка священных текстов индуизма, были придворными в древних империях восточного Индокитая и на островах, где они создали местную санскритскую литературу. Только благодаря великим индуистским эпосам «Махабхарата» и «Рамаяна» это литературное произведение дошло до простых людей. Истории об индуистских богах, дьяволах и могущественных людях были необходимы для объяснения индуизма простым людям, когда санскритские писания были недоступны для них. На полуострове, в пью-бирманской империи Проме, которая процветала до VIII века, такого развития не происходило по двум причинам: во-первых, индуизм никогда не был широко принят в Бирме, а во-вторых, более открытое бирманское общество не развивало ни института бог-король, ни что из наследственной знати.
Позже языческие цари были окружены знатоками пали, но изучение пали проводилось не во дворце, а в монастырях по всему королевству, донося учения Будды даже до самых отдаленных деревень. Буддийские монахи и ученые со всего мира приезжали в Паган, чтобы изучать пали, в то время как дворы королей Камбоджи и Явы оставались просто региональными центрами изучения санскрита. Истории о джатаке (рождении Будды) использовались для объяснения буддизма простым людям, которые не могли читать палийские писания, точно так же, как индийские эпосы использовались для объяснения индуизма массам. Храмы в Камбодже и на Яве были украшены резьбой и фресками, изображающими сцены из джатак, очень похожими на те, что изображают события из великих эпосов.
Приход ислама на острова Юго-Восточной Азии после династии Маджапахитов создал третий культурный слой поверх уже существующих коренных и индуистско-буддийских. Новая бирманская империя возникла из пепла старой и продолжила миссию распространения буддизма на материковой части Юго-Восточной Азии. Бирманское вторжение в Сиам в 18 веке принесло с собой индуистскую культуру, которая способствовала развитию бирманской игры. Отвоеванный Китаем Вьетнам на другой стороне полуострова все больше подвергался влиянию китайской культуры. После непродолжительного исламского культурного расцвета коренные жители островных государств Юго-Восточной Азии были вынуждены подчиниться иностранному господству. Только в Бирме и Сиаме, двух правительствах Юго-Восточной Азии, возникших в результате многолетней борьбы как могущественные королевства, продолжало процветать местное искусство.
Религия и национальная история уже давно занимают центральное место в искусстве Юго-Восточной Азии. Помимо жизни и характера Будды и богов индуизма, религиозная доктрина не представляла особого интереса. После того, как великие империи пали, но сохранилась память о славе и силе, в национальной истории возникла новая тема: почитание легендарных героев прошлого.
Хотя образ Будды со временем менялся, он продолжал оставаться популярным предметом для художников. В дополнение к введению местного колорита с использованием в качестве фона сцен из современного ему времени, изображение сцен из его предыдущих жизней на фресках и рельефных скульптурах служило цели обучения людей буддийской этике, поскольку Джатаки подчеркивали определенные моральные достоинства Будда в своих прошлых жизнях.
То же самое было и с изображениями событий из индуистских эпосов, которые давали художнику такой же шанс и выполняли аналогичную функцию. Со временем персонажи буддийских и индуистских писаний, такие как боги и богини, герои и принцессы, отшельники и маги, демоны и драконы, летающие лошади и крылатые девушки и т. всеобъемлющие религиозные темы.
Различные представления о наге, своего рода сверхчеловеческом духе, возникли в разных частях мира, когда нага были заимствованы из буддийских и индуистских писаний и слиты с национальными аналогами. Нага Бирмы имеет характерный гребень на голове. Для монов нага был крокодилом, а для кхмеров и индонезийцев — девятиголовым змеем.
Хотя демоны Юго-Восточной Азии были сгруппированы вместе под палийско-санскритским термином якха или якша, их отличительные черты сохранились в скульптуре и живописи каждой страны. Незнакомый муссонному лесу лев, тем не менее, стал популярной местной эмблемой и темой из-за своей связи с богами индуистской и буддийской мифологии. Даже после того, как кхмерская империя отказалась от практики поклонения змее-дракону как богу плодородия, девятиглавая нага стала символом защиты и королевской власти, а каменные наги несли бдение над королевскими дворцами и священными храмами. Поклонение нагам не одобрялось буддистами.
На протяжении всей истории бирманского и монского искусства наги всегда изображались в подчиненной роли Будды, часто делая сиденье из своих колец для Будды или поднимая свой массивный капюшон, чтобы защитить его от стихии. Фигура стража храма Мон традиционно изображалась в виде льва с двумя телами и человеческой головой, а фигура стража бирманского храма традиционно изображалась в виде хохлатого льва. Несмотря на заявление тай о наследовании художественных традиций кхмеров и мон-нага, добрый демон служил в этих культурах стражем храма.
Индийские животные стали частью древней символики и образов животных, вошедших в искусство. Например, моны выбрали в качестве своей эмблемы красную змею, бирманцы превратили солнце в свою любимую птицу павлина на том основании, что в буддийской мифологии павлин ассоциируется с солнцем, а в Индонезии мифическая птица по имени Гаруда. средство передвижения Вишну слилось с местным орлом. Изображения этих птиц нашли применение в качестве орнамента. Стилизованные версии животных, которые когда-то украшали соломенные крыши и деревянные стены домов Юго-Восточной Азии, перекочевали в более роскошные дворцы и храмы. Рисунки деревьев, фруктов и цветов муссонных лесов сочетались с индийскими цветочными узорами и древними геометрическими мотивами.
Искусство Юго-Восточной Азии полностью отличается от искусства любого другого региона, за исключением Индии. Хотя Бирма исторически была важным торговым звеном с Китаем, китайское влияние на удивление отсутствует в традиционном бирманском искусстве. Тай прибыли в Юго-Восточную Азию поздно, принеся с собой некоторые китайские художественные традиции, но они быстро отказались от этих практик в пользу кхмерских и монских. Сегодня единственные следы этих более ранних контактов можно увидеть в архитектурных особенностях храмов, особенно в сужающейся крыше и лакированных изделиях.
Поскольку Вьетнам на протяжении тысячелетия был колонией Китая, китайская культура оказала влияние на вьетнамское искусство. Археологические свидетельства индуизма на территории современного южного Вьетнама восходят к временам древней монархии Чампа, которая была захвачена Вьетнамом в 15 веке. Китайское влияние можно увидеть в буддийских статуях северного Вьетнама. Сравнение храмовых гробниц Камбоджи и Индонезии с гробницами вьетнамских императоров или роскошных и величественных изображений Будды Вьетнама с камбоджийскими и аскетичными и изящными изображениями Будды Бирмы выявляет фундаментальные различия в эстетических целях и стилях между искусством Восточной Азии и те из Юго-Восточной Азии. Исламское искусство, отвергающее фигуры животных и людей и стремящееся раскрыть реальность за иллюзорной красотой повседневного мира, также мало общего с искусством Юго-Восточной Азии. Искусство Юго-Восточной Азии игнорировало учения индуизма и буддизма о том, что чувственный мир иллюзорен и непостоянен.
В искусстве Юго-Восточной Азии реальность и фантазия сосуществуют, и позитивный взгляд на жизнь пронизывает каждое произведение. Некоторые отмечают, что классическое кхмерское и индонезийское искусство было сосредоточено на изображении повседневной жизни богов, но с точки зрения Юго-Восточной Азии повседневная жизнь богов была такой же, как и их собственная: радостной, земной и божественной. Искусство Юго-Восточной Азии не только не отражало европейскую концепцию «искусства ради искусства», но и не отражало европейского разделения искусства на светские и религиозные категории. Те же мотивы, что украшали пышный храм и лаковое блюдо, были вытатуированы на бедрах бирманского парня. Художнику из Юго-Восточной Азии не нужно было использовать модели, поскольку, в отличие от его европейских коллег, он не заботился о точности во всех анатомических аспектах. Использование фантастических элементов и акцент на прославлении добра в человеческой жизни - вот что отличает искусство Юго-Восточной Азии.
Существует большое разнообразие форм искусства и средств массовой информации, связанных с японским искусством', от древней керамики и скульптур до живописи тушью и каллиграфии на шелке и бумаге, картин укиё-э и гравюр на дереве, керамики и оригами. современной манги и аниме. Начиная с первых признаков существования человека в Японии в 10-м тысячелетии до нашей эры и до наших дней, Япония имеет богатую и разнообразную историю.
Япония пережила как быстрый приток иностранных идей, так и длительную изоляцию от остального мира. Японцы имеют долгую историю ассимиляции и адаптации аспектов других культур, которые они находят эстетически приятными. В седьмом и восьмом веках сложное искусство в Японии было создано в ответ на распространение буддизма. Когда японцы ушли из Китая и разработали свои собственные уникальные стили выражения в 9 веке, светское искусство приобрело известность; с тех пор и до конца 15 века процветали как религиозное, так и светское искусство. Когда в Японии разразилась Нинская война (1467–1477), она положила начало более чем столетию политических, социальных и экономических потрясений. Произведения искусства, пережившие репрессии сёгуната Токугава, были в основном светскими, а религия играла гораздо меньшую роль в повседневной жизни. Внезапное появление западных стилей стало важным событием периода Мэйдзи (1868-1912).
В Японии и любители, и знатоки занимаются живописью как основной формой художественного самовыражения. Японцы особенно настроены на ценности и эстетику живописи, потому что до современной эпохи они использовали кисть вместо пера. В период Эдо ксилография стала основным видом искусства, а методы, используемые для создания ярких гравюр, были усовершенствованы, чтобы удовлетворить потребности растущей популярной культуры. Поскольку религиозное значение традиционного японского буддизма в это время уменьшилось, японцы сочли скульптуру менее привлекательным средством выражения своего творческого видения.
Принято считать, что японская керамика отличается высочайшим художественным качеством и включает в себя некоторые из самых ранних артефактов из Японии; Экспорт фарфора из Японии в разное время был важной экономической деятельностью. Японская лаковая посуда, изысканно украшенная маки-э, долгое время была популярным экспортным товаром в Европу и Китай, и эта тенденция сохранялась на протяжении всего девятнадцатого века. В традиционной японской архитектуре широко используются натуральные материалы и интеграция внутренней и внешней жизни.
Укиё-э, или японские гравюры на дереве, становятся все более популярными на Западе. Их название происходит от фразы «картины плывущего мира», которая описывает их предмет. Буддийская вера в то, что счастье мимолетно и что только отсутствие желания может привести к просветлению, послужило источником вдохновения для их парящей, невесомой картины.
Сёгуны феодальной Японии сыграли важную роль в развитии японской гравюры, зародившейся в районе Эдо (современный Токио). В соответствии с политикой Сакоку, что буквально означает «уединенная или закрытая страна», Япония отрезала себя от остального мира. Перри, американский генерал, посетил Японию в 1853 году для переговоров с администрацией Мэйдзи. Многие репродукции укиё-э, формы современного искусства, которая процветала, когда Перри посетил Эдо, можно было найти в продаже на городских тротуарах.
В укиё-э часто изображались сцены из японской истории и легенд, а также портреты исполнителей кабуки, сцены из театра, влюбленные пары, известные куртизанки и пейзажи. Путешественникам с Запада сразу же понравились гравюры укиё-э, поэтому неудивительно, что они привезли их с собой домой, познакомив мир с уникальным стилем японского искусства.
Художественные отпечатки укиё-э изготавливались путем прижимания окрашенных чернилами деревянных блоков к бумаге после того, как изображения были вырезаны на блоках в обратном направлении. Когда начиналась печать, все было черно-белым. Окомура Масанобу и Судзуки Харунобу были пионерами в области цветной ксилографии, в которой для каждого цвета требовался отдельный блок.
Требовался ключевой блок для контуров и отдельные блоки для каждого оттенка. Более того, поскольку из одного блока можно сделать небольшое количество отпечатков, потребуется вырезать значительное количество блоков, чтобы напечатать значительное количество копий. Художник был лишь одним из многих профессионалов, занимавшихся изготовлением японских художественных гравюр. Среди других были дизайнеры, планировщики пресс-форм, резчики пресс-форм и прессы для пресс-форм.
Примерно в 1912 году движение гравюр, известное как ответвления Укио-э, начало угасать, но вскоре образовались две другие школы гравюры, чтобы заполнить образовавшуюся пустоту. Их зовут Сосаку Ханга и Шин Ханга. Когда дело доходит до процесса печати, существуют две точки зрения: Sosaku Hanga, согласно которой художник должен играть центральную роль на каждом этапе, и Shin Hanga, более традиционная, согласно которой издатель играет главную роль, настолько она отличается. художники могут нести ответственность за дизайн, блокировку и печать.
Чтобы покупать и продавать гравюры укиё-э, важно знать несколько японских терминов, чтобы правильно оценить и оценить этот увлекательный вид искусства. Говоря о японской гравюре, термин «атозури» указывает на то, что она была напечатана после того, как закончился первоначальный тираж, но все еще использовала оригинальные ксилографии. Отпечатки сёзури — это первые издания, а отпечатки фуккоку — копии. Подписи художников и номера печатных изданий обычно не включались в заключительные этапы японского процесса изготовления гравюр до второй половины двадцатого века. Вместо этого на каждой гравюре была печать с именем ее создателя, а также издателя и скульптора.
Однако по мере того, как европейцы узнавали об уникальной культуре Японии, возникло увлечение всем японским, и в конце 1860-х годов на континент были отправлены огромные партии японских репродукций. Издательства в Японии быстро поняли, что им нужно будет производить репродукции более известных гравюр на дереве, чтобы удовлетворить растущий спрос.
Легко сказать, какие отпечатки подлинные, а какие дубликаты, по штампам и прочим маргиналам. Оригинальность документа часто можно определить по состоянию бумаги и цвета. Поскольку средний коллекционер произведений искусства, вероятно, не может читать японские иероглифы, ему следует обратиться за советом к эксперту, прежде чем покупать подлинную японскую репродукцию.
Начиная с периода неолита, художники в Китае изображали растения в своих произведениях искусства. Цветы, птицы и насекомые используются для украшения, и не только потому, что они красивы; они также несут в себе огромное значение. Во времена династии Сун (960–1279) всплеск количества картин под названием «птица и цветок» укрепил статус цветочных образов как выдающегося предмета китайского искусства. Помимо картин на свитках, эту тему можно увидеть в самых разных трехмерных произведениях искусства, включая фарфор, лакированные изделия, нефритовые скульптуры, текстиль, мебель и многое другое.
Готовясь встретить весну, мы изучим символику цветов в китайском искусстве, взглянув на подборку картин из коллекции азиатского искусства XIX века AGGV. Все обложки этого альбома представляют собой точные изображения цветов и бабочек, основанные на их реальной флоре и фауне. Вполне вероятно, что это сочетание впервые появилось в 18 веке на товарах, специально заказанных для подарков на день рождения. Ребусы-бабочки можно использовать для выражения сразу нескольких добрых пожеланий. Эти предметы, которые также связаны с долголетием, являются отличными символами дня рождения. Бабочки в даосизме означали освобождение духа. Цветы олицетворяют много положительных моментов, и их включение в эти произведения искусства только усиливает их положительные коннотации.
Согласно китайской народной сказке о двух влюбленных, трагически разлученных войной, мак олицетворяет верность и верность между партнерами в романтических отношениях. История вращается вокруг маков, которые росли на том месте, где жена покончила с собой после смерти своего мужа-солдата.
Выражение huakaifugui предполагает, что камелии, которые цветут во время китайского Нового года (с конца января до середины февраля), следует использовать для украшения своего дома, чтобы приветствовать удачу в наступающем году. Из-за давней любви Европы к розе, цветок часто изображают на предметах, предназначенных для продажи в другом месте. Поскольку китайская роза цветет часто в течение всего года, к ней стали применять название «постоянный весенний цветок».
Утренняя слава. Трубчатые цветы Morning Glory, которые распускаются ярко-пурпурным цветом, первоначально использовались в качестве декоративного элемента в сине-белых изделиях династии Мин в 15 веке. Считается, что этот цветок символизирует счастье в браке. В Китае произрастает множество видов азалий, каждый из которых имеет свой уникальный сезон цветения. В сочетании с бабочками азалия приобретает коннотацию "творческого таланта в искусстве", олицетворяя женскую красоту, столь распространенную в искусстве.
Ориентализм относится к практике подражания или стереотипизации элементов Востока и встречается в области истории искусства, литературы и культурологии. За эти изображения чаще всего отвечают западные авторы, дизайнеры и художники. Из различных поджанров академического искусства, популярных в 19 веке, ориенталистская живопись, ориентированная на показ Ближнего Востока, была одной из самых выдающихся. Точно так же западная литература того времени проявляла живой интерес к экзотике Востока.
В академических кругах термин «ориентализм» стал обычным явлением с тех пор, как в 1978 году была опубликована книга Эдварда Саида «Ориентализм». Этот термин используется для описания снисходительного взгляда Запада на азиатские и африканские культуры. Согласно Саиду, Запад эссенциализирует эти культуры как застойные и недоразвитые, создавая картину восточной культуры, которую можно исследовать, изображать и воспроизводить на службе имперской власти. Как указывает Саид, эта ложь основана на предположении, что западное общество прогрессивно, разумно, способно приспосабливаться и превосходить других. Это дает жителям Запада свободу представлять «восточные» культуры и людей одновременно экзотическими и опасными.
Термин «ориентализм» используется в истории искусства для описания совокупности работ, созданных западными художниками на протяжении 19 века, которые сосредоточились на восточных темах и мотивах в результате своих исследований Западной Азии. В то время художников и ученых часто насмешливо называли «востоковедами» — термин, популяризированный французским искусствоведом Жюлем-Антуаном Кастаньяри. Французское общество художников-востоковедов с Жаном-Леоном Жеромом в качестве почетного президента было основано в 1893 году, несмотря на широко распространенное общественное неодобрение жанра; напротив, в Великобритании «востоковед» означало просто «художник».
Взгляды художников изменились примерно в конце 19 века с созданием Общества французских художников-востоковедов, которое позволило членам осознать себя частью более крупного художественного движения. Хотя в период расцвета движения в 19 веке появилось множество различных стилей ориенталистской живописи, термин «востоковедная живопись» обычно используется для обозначения одного поджанра академического искусства. Многие историки искусства делят художников-востоковедов на две категории: тех, кто рисовал под непосредственным наблюдением, и тех, кто создавал фантастические декорации в своих мастерских. Принято считать, что наиболее выдающимися фигурами ориенталистского движения были французские художники, такие как Эжен Делакруа (1798–1863) и Жан-Леон Жером (1824–1904).
Катастрофическое вторжение Наполеона в Египет и Сирию в 1798–1801 годах повлияло на живопись французских востоковедов и было задокументировано придворными художниками Наполеона, особенно Антуаном-Жаном Гро, в последующие годы, несмотря на то, что Гро не ездил на Ближний Восток с армией. . Бонапарт посещает жертв чумы в Яффо (1804 г.) и битва при Абукире (1806 г.) оба сосредоточены на Императоре, каким он был к тому времени, но также включает многих египтян. У менее успешного Наполеона в битве у пирамид тоже много египтян (1810 г.). Также значительным был La Révolte du Caire (1810) Анн-Луи Жироде де Русси-Триосон. Французское правительство выпустило двадцать томов иллюстрированного описания египетских древностей между 1809 и 1828 годами под названием Description de l'Égypte.
Еще до того, как ступить в Грецию или на Восток, Эжен Делакруа получил свой первый крупный хит с «Резней на Хиосе» (1824 г.), в которой, как и в «Плоте Медузы» его друга Теодора Жерико, изображена недавняя трагедия в отдаленном месте, которое подняло общественное мнение. В то время как греки все еще боролись за свободу от османов, страна была такой же экзотической, как и более дальневосточные части империи. Затем Делакруа нарисовал Грецию на руинах Миссолонги (1827 г.) в ознаменование осады, имевшей место годом ранее, и «Смерть Сарданапала» (1828 г.), вдохновленную лордом Байроном и, как говорят, была первым произведением искусства. сочетать секс, насилие, лень и экзотику. В 1832 году в рамках дипломатической миссии к султану Марокко Делакруа, наконец, отправился на территорию современного Алжира, недавно захваченную французами. Он был глубоко тронут увиденным, проводя параллели между образом жизни Северной Африки и древними римлянами, и после возвращения во Францию продолжил рисовать темы из своей поездки. На многих его изображениях были изображены евреи или воины на лошадях, потому что, как и многим последующим художникам-востоковедам, ему было трудно изображать женщин. Немногие последующие сцены гарема могли претендовать на такой же реализм, но он, по-видимому, смог получить доступ к женским помещениям (или гарему) дома, чтобы набросать то, что стало женщинами Алжира.
Именно Энгр, директор Французской академии живописи, популяризировал эротизированный Восток своим туманным обобщением женских фигур в ярком изображении турецкой бани (которые могли быть одной и той же моделью). На таинственном Востоке допускались более открытые проявления сексуальности. Полуобнаженные картины Анри Матисса периода Ниццы и использование им восточных костюмов и узоров являются примерами постоянного использования этого мотива в начале 20 века. Пароход значительно облегчил путешествие, и многие художники побывали на Ближнем Востоке и за его пределами, чтобы нарисовать широкий спектр восточных сцен. Еще до посещения Востока Теодор Шассерио (1819–1856), ученик Энгра, уже добился успеха своей обнаженной натурой «Туалет Эстер» (1841, Лувр) и конным портретом Али-Бен-Амета, халифа Константина и начальника Характас, сопровождаемый его эскортом
Многие из этих работ увековечили стереотипное, экзотическое и сексуализированное изображение Востока. Произведения этого типа часто были посвящены арабской, еврейской и другим семитским культурам, потому что именно сюда путешествовали французские художники, чтобы узнать об истории и развитии региона по мере того, как имперская Франция расширяла свое влияние в Северной Африке. Несколько французских художников, таких как Эжен Делакруа, Жан-Леон Жером и Жан-Огюст-Доминик Энгр, изображали одалиски на своих картинах, посвященных исламской культуре. Они подчеркнули медлительность и кричащие визуальные эффекты. Жанровые картины, в частности, подвергались критике за то, что они слишком похожи на европейские образцы того же предмета или за выражение ориенталистского мировоззрения в саидском смысле. Жером был родоначальником и часто мастером группы французских художников конца века, известных своими откровенно сексуальными изображениями гаремов, общественных бань и невольничьих аукционов (последние два также доступны с классическим декором), а также тем, что они внесли свой вклад в « отождествление ориентализма с обнаженной натурой в порнографическом ключе».
Начиная с конца 15 века, мавританский стиль украшений эпохи Возрождения был европейской адаптацией исламского арабеска, который продолжал использоваться в определенных областях, например, в переплетном деле, практически до наших дней. Термин «индо-сарацинское возрождение» описывает раннее западное использование индийских архитектурных тем. Фасад лондонской ратуши восходит к этому периоду времени (1788–1789). Примерно с 1795 года, когда виды Индии были опубликованы Уильямом Ходжесом, Уильямом и Томасом Даниэллами, этот стиль приобрел популярность на Западе. Среди наиболее известных примеров «индуистской» архитектуры - дом Сезинкот (ок. 1805 г.) в Глостершире, построенный для набоба, недавно вернувшегося из Бенгалии, и Королевский павильон в Брайтоне.
Использование «турецких» стилей в декоративно-прикладном искусстве, периодическое использование турецкой одежды и интерес к искусству, изображающему Османскую империю, были частью движения Turquerie, которое началось в конце 15 века и продолжалось по крайней мере до 18 века. Даже если Франция стала более важной после 18 века, первоначальным центром была Венеция, давние торговые отношения османов.
Название «шинуазри» относится к общему стилю украшения с элементами, вдохновленными Китаем, который был популярен в Западной Европе с 17 века и достиг своего апогея в несколько периодов, особенно в период рококо (около 1740–1770). Западные дизайнеры от эпохи Возрождения до 18 века пытались реализовать техническую сложность китайской керамики, но добились лишь частичного успеха. Именно в 17 веке такие страны, как Англия (с ее Ост-Индской компанией), Дания (с ее Ост-Индской компанией), Нидерланды (с ее Ост-Индской компанией) и Франция (с ее Ост-Индской компанией) начали проявлять признаки Шинуазри (Французская Ост-Индская компания). В начале 17 века гончары в Делфте и других голландских городах начали использовать тот же самый подлинный бело-голубой фарфор, который производился в Китае во времена династии Мин. Блюда, вазы и чайная утварь из самых ранних мест производства настоящего фарфора, таких как Мейсен, имитировали традиционные китайские формы (см. Китайский экспортный фарфор).
Формальные партеры немецких дворцов в стиле позднего барокко и рококо имели павильоны для удовольствий в «китайском вкусе», а плиточные панели в Аранхуэсе недалеко от Мадрида изображали аналогичные структуры. В частности, чайные столики и фарфоровые шкафы были украшены Томасом Чиппендейлом лепным остеклением и перилами в 1753–1770 годах. Натурализация также произошла в мрачном уважении к мебели ранних синских ученых, такой как тан, который стал среднегрузинским боковым столом и квадратными креслами с распорками, подходящими как для английских джентльменов, так и для китайских ученых.
Не все западные интерпретации традиционной китайской эстетики считаются «шинуазри». Примеры медиа шинуазри включают керамические фигурки и настольные украшения, ранние расписные обои в форме листов, а также имитации лакированных и расписных оловянных (толе) блюд, которые напоминают Японию. Пагоды в натуральную величину устанавливали в садах, а миниатюрные версии размещали на каминах. Великая пагода, созданная Уильямом Чемберсом, представляет собой потрясающее сооружение в Кью. Расположенная в Штутгарте, Вильгельма (1846 г.) представляет собой здание, которое является примером стиля мавританского возрождения. Построенный для художника Фредерика Лейтона, Leighton House отличается традиционным внешним видом, но богато украшенным интерьером в арабском стиле с настоящей исламской плиткой и другими компонентами, а также работами в викторианском стиле.
Во многом благодаря появлению гравюр укиё-э на Западе эстетическое движение, известное как японизм, процветало после 1860 года. Особое влияние на современных французских художников, таких как Клод Моне и Эдгар Дега, оказала японская эстетика. Японские гравюры вдохновляли американскую художницу Мэри Кассат, которая жила и работала во Франции. Она включила их использование многослойных узоров, плоских плоскостей и динамической перспективы в свою собственную работу. Некоторые из лучших образцов японского искусства можно найти в «Комнате Павлина», коллекции картин Джеймса Эббота Макнила Уистлера. На Дом Гэмбла и другие здания Калифорнийского Грина и Грина повлияла японская архитектура.
Архитектура египетского возрождения была популярным стилем в начале и середине 19 века и сохранялась как второстепенный стиль до начала 20 века. В начале 19 века синагоги были одними из основных бенефициаров стиля мавританского возрождения, зародившегося в немецких государствах. Архитектурный стиль, известный как индо-сарацинское возрождение, возник в британском владычестве примерно в конце 19 века.
Эстетика восточного декора – одна из самых притягательных в мире. В мебельной и интерьерной индустрии все чаще используются восточные элементы декора. Эта коллекция азиатских форм искусства пользуется спросом на протяжении тысячелетий и включает работы из самых разных азиатских стран.
Термин «восточное искусство» часто вызывает в воображении образы девушек-гейш в Японии или китайских акварелей, но это не единственные примеры. Благодаря своим ярким цветам и вниманию к деталям восточные свитки, вазы и картины сохранились на века. Зонты, веера и лампы являются еще одними примерами других форм восточного искусства.
Одной из причин, почему восточное искусство так популярно, являются его чистые линии и яркие цвета. И восточное, и западное полушария в равной мере включили в свои интерьеры элементы восточного декора. Из-за своей элегантности и функциональности его можно использовать в необычных условиях. Добавление произведения восточного искусства в ваш дом — отличный способ придать ему уникальный внешний вид. Настенный веер является культовым образцом восточного искусства. Украшение предметами с Востока — отличная идея, потому что они стильные и недорогие.
По мнению многих специалистов в этой области, аукционы — один из лучших способов приобрести произведения восточного искусства. Таким образом, вы можете просто просмотреть каталоги аукционов и начать украшать свой дом предметами в стиле востоковедов. Что касается японского искусства, то аукционы часто включают гравюры, керамику, доспехи и многое другое.
Известные работы китайского художника Гу Кайчжи включают «Наставления гувернантки придворным дамам» и «Наставления знатным женщинам». Он также был поэтом и теоретиком искусства. Он был даосским философом, который прожил яркую жизнь и временами проявлял большой цинизм. Правительственный чиновник с 366 года, Гу Кайчжи (ок. 344–406) родился в Уси, провинция Цзянсу, но его таланты простирались далеко за пределы политики. Он также был опытным поэтом, эссеистом, художником и практиком китайской каллиграфии. Три работы «О живописи», «Введение в знаменитые картины династий Вэй и Цзинь» и «Рисование горы Юньтай» воплощают в себе многочисленные теории Гу о медиуме. Работа его жизни отражена в более чем 70 картинах, посвященных человеческим и божественным фигурам, животным, пейзажам и водным путям. Будда храма в Нанкине (созданный для сбора денег на строительство храма), «Наставления гувернантки придворным дамам» и «Нимфа реки Луо» - все это произведения, которые обычно приписывают ему. Работы Гу Кайчжи сейчас находятся в коллекциях по всему миру. Примерно между 220 и 581 годами нашей эры был золотой век китайской живописи. Несмотря на войны и династические смены, происходившие в Китае на протяжении 300 лет, культурная жизнь страны оставалась бурной. Во многом это было связано с наличием множества различных школ, которые дали значительный импульс художественному развитию страны. Есть несколько примеров виртуозности китайской каллиграфии и искусства того времени, в том числе росписи надгробий, каменные и кирпичные скульптуры и лаковые картины. Также теоретизируются изобразительные правила, которые мы видим в современной китайской живописи, такие правила, как Теория графики и Теория шести правил. Одним из самых влиятельных и известных из этих художников является Гу Кайчжи, которого часто считают создателем традиционной китайской живописи. Его работы олицетворяют эпоху, в которой он жил.
С 990 по 1020 год Фан Куан был выдающимся даосским художником «северного стиля» в Китае. Ему, среди прочего, приписывают лучших мастеров 10-го и 11-го веков. Вертикальный свиток под названием «Путешественники среди гор и ручьев» Фань Куана широко считается основополагающим произведением искусства Северной школы песни. Он устанавливает стандарт для гигантской пейзажной живописи, к которому впоследствии многие художники обращаются за руководством. Ясно, что здесь работает старая китайская идея трех измерений: ближнего, среднего (представленного водой и туманом) и дальнего. В отличие от самых ранних образцов китайской пейзажной живописи, великолепие мира природы находится в центре внимания, а не в последнюю очередь. У основания монолита из кустов выходит вереница вьючных лошадей. Условности более старой династии Тан можно увидеть в визуальном стиле произведения искусства.
Именно стиль укиё-э популяризировал Кацусика Хокусай как художник и гравер в Японии. Он был точным и эксцентричным художником, наиболее известным своими гравюрами. Однако он продолжал работать в обеих средах на протяжении всей своей жизни. За более чем шестьдесят лет своей карьеры он уже экспериментировал с гравюрами на дереве, изображающими театральные сюжеты, поздравительными гравюрами для частного обращения (суримоно) и, начиная с 1830-х годов, с сериями пейзажей, о чем свидетельствуют такие работы, как «Виды знаменитых мостов» и «Знаменитые водопады в Различные провинции и тридцать шесть видов на гору Фудзи, что отчасти отражает личную привязанность к знаменитому вулкану. Великая волна Канагава, также часть этого канона, является связанной работой. После периода больших трудностей, вызванных рядом семейных проблем , не последней из которых была склонность его племянника к азартным играм, он опубликовал ряд руководств по рисованию и манге, предназначенных как для любителей, так и для профессионалов. На написание и рисование множества мистических книг и рассказов для женщин и детей, а также работа над иллюстрированием великих литературных шедевров его вдохновила его любовь к литературе на всю жизнь, которая, вероятно, началась в подростковом возрасте в качестве мальчика на побегушках в путешествии. библиотека. Хайку, которые он написал, тоже были довольно хороши. Из-за широкого влияния его искусства на европейских импрессионистов, таких как Клод Моне, и постимпрессионистов, таких как Винсент Ван Гог и французский художник Поль Гоген, три биографии Хокусая были опубликованы на французском языке между 1896 и 1914 годами ведущими критиками того времени, в том числе Эдмон де Гонкур. Согласно рассказам о нем, он переезжал более девяноста раз и на протяжении всей своей карьеры использовал несколько разных сценических псевдонимов.
Японский художник и печатник Хироси Йошида. Его репродукции Тадж-Махала, швейцарских Альп и Гранд-Каньона входят в число самых известных образцов искусства син-ханга и вызывают у зрителей сильные эмоции. 19 сентября 1876 года в городе Куруме префектуры Фукуока на острове Кыш началась жизнь Хироси Ёсида, урожденного Хироши Уэда. Его приемный отец, преподаватель рисования в государственной школе, поощрял его ранний художественный талант. Проведя три года в Токио, обучаясь у Коямы Сётаро, он был переведен в Киото, чтобы учиться у известного западного мастера живописи Тамура Сёрю, когда ему было 19 лет. В 1899 году Ёсида устроил свою первую выставку в здании, которое тогда называлось Детройтским художественным музеем, а теперь называется Детройтским институтом искусств. Хироши Ёсида был опытным художником маслом, который использовал этот материал с момента его появления в Японии в эпоху Мэйдзи. Серия «Парусные лодки» 1921 года и гравюры Тадж-Махала (которых всего шесть) — примеры привычки Йошиды воспроизводить одно и то же изображение в разных цветах, чтобы изменить настроение.
Купите искусство, которое вы любите без риска на Artmajeur! Покупайте уникальные художественные произведения, которые Вы нигде больше не найдёте! Расширенный поиск:
Наиболее актуальными | Более свежие
Immerse yourself in a world of beauty, inspiration, and creativity with contemporary art. We know the spellbinding allure of these unique pieces, how they captivate our minds and hearts with their dynamic stories, vibrant hues, and breathtaking composition. Each artwork is a testament to the zeitgeist of our age, mirroring societal landscapes and personal narratives through abstraction, realism, and other distinctive styles. Often, you’ll find these pieces showcasing a myriad of innovative materials and supports that align with their modernist vision, from acrylics and oil paints on canvas to mixed media pieces featuring elements of wood, metal, and even digital components.
Intriguingly, purchasing a contemporary artwork isn’t just about enhancing your space aesthetically; it’s a testament to your discerning taste and an intelligent investment. History has shown us that art, especially of the contemporary genre, tends to appreciate over time, becoming even more valuable as the artists’ reputation grows. This timeless truth makes acquiring a contemporary art piece an attractive and rewarding venture.
At the intersection of aesthetics and investment lies Artmajeur, an international online art gallery that we’re excited to introduce. Among the sea of online platforms, Artmajeur stands unparalleled, housing an expansive, exclusive selection of contemporary artworks. This carefully curated gallery boasts a multitude of pieces by emerging artists and established masters alike, offering you a broad palette of artworks to resonate with your unique taste and style.
What sets Artmajeur apart as an online art gallery isn’t just the quality and range of the artworks available. It’s the compelling blend of world-class service, buyer-friendly policies, and highly competitive pricing that makes our platform an absolute standout. It means you’re not just buying an artwork; you’re investing in an experience. Our gallery’s free shipping policy worldwide is a cherry on top, ensuring your chosen artwork will reach you safely, no matter where you are. Plus, with a free 14-day return policy, you can purchase with peace of mind, knowing that you can revisit your decision if needed.
Dive into the exceptional world of contemporary art with Artmajeur, and let your space be a canvas for the extraordinary. Embark on this artistic journey with us, knowing that each piece you bring into your life isn’t just a stroke of beauty but a stroke of genius in investment too. As we traverse this beautiful landscape of contemporary art together, may we discover the joy of being not just consumers but patrons and connoisseurs of the arts.
Artmajeur
Информационный бюллетень
Получите нашу подборку лучших произведений искусства прямо на свой почтовый ящик!
