Скульптуры в стиле трайбл на продажу

116 Оригинальные современные скульптуры на продажу:

Как определить Племенное искусство стиль ?

Изобразительное искусство и материальная культура коренных народов называются племенным искусством, иногда известным как незападное искусство, этнографическое искусство или, что более спорно, примитивное искусство. Племенное искусство обычно имеет ритуальную или духовную функцию. Дизайн и мастерство предметов племенных культур, как правило, с сельскими корнями, называют племенным искусством.

В XIX веке известные западные деятели искусства даже не считали искусством незападное искусство. Вместо этого эти предметы рассматривались как реликвии и примеры «экзотических» или «примитивных» обществ. Но во второй половине 20 века отношение к племенному искусству изменилось. До появления постмодернизма в 1960-х годах искусствоведы рассматривали племенное искусство в первую очередь с формалистической точки зрения, мало обращая внимания на символическое значение, исторический или культурный контекст или намерение художника произведения. С тех пор племенное искусство, такое как африканское искусство в западных коллекциях, стало высоко цениться международными коллекционерами, выставками и арт-рынком.

Фраза «племенной» может означать менее сложный вид искусства, связанный с примитивизмом и предполагающий отсутствие навыков, дизайна, намерения или концепции. Однако по мере того, как музеи пересматривают и обновляют свои фонды, признавая реальность того, что племенное искусство далеко не простое и примитивное и часто обладает мастерством исполнения, намного превосходящим наши ожидания, оно вызывает все больший общественный интерес. Кроме того, у него есть сила достигать наших душ. Наши внутренние инстинкты могут быть пробуждены, и мы соединяемся с их истиной в результате их убедительного присутствия и эмоциональной энергии, усиливая наше восприятие духовной глубины.

Исторически сложилось так, что западные антропологи, частные коллекционеры и музеи этнографии и естественной истории собирали племенные произведения искусства. В музейных коллекциях племенное искусство можно разделить на три основные категории: искусство Америки и Океании, особенно Австралии, Меланезии, Новой Зеландии и Полинезии; и африканское искусство, особенно из стран Африки к югу от Сахары.

Африканское племенное искусство

Резьба по камню, резьба по дереву (маски и скульптуры), ювелирные изделия, плетеные изделия, текстиль, трубки, музыкальные инструменты, оружие, вышивка бисером и дизайн архитектурных элементов, таких как двери и настенные украшения, - все это примеры африканского племенного искусства. На развитие этих ремесел повлияла доступность инструментов, ресурсов и ноу-хау; не все племена занимались этими художественными начинаниями. Наиболее типичным материалом было дерево, часто украшенное глиной, краской, ракушками, бисером, слоновой костью, металлом, перьями, шерстью животных, рафией и в редких случаях даже полудрагоценными камнями.

Африканское искусство было фундаментальной частью всеобъемлющей религии. Жизненные силы, якобы присутствующие во всем живом, были представлены конкретными образами, выступавшими их воплощениями или представителями. Сущность предков племени сохранялась в этих изображениях умерших, которые часто говорили за них и давали людям возможность соединиться с духами предков. Артефакты африканских племен обычно создавались как религиозное искусство - для определенного ритуала или церемониального использования - несмотря на то, что многие из используемых форм включают светские компоненты, а некоторые произведения искусства носят чисто декоративный и орнаментальный характер.

Посвящение в возрастные группы, такие как «общества» юношей или стариков, каждое из которых имеет свои уникальные символы и культовые мотивы, является основой многих племенных ритуалов. Такие «общества» известны обилием резных статуэток и масок, многие из которых представляют божества-покровители, такие как Бог Грома или Бог Огня. Хотя в некоторых обществах резные фигурки производились почти исключительно как предмет роскоши, они были так же распространены и популярны, как маски, и имели ритуальное значение. Племя йоруба в Нигерии умело вырезало круглые фигуры и часто украшало свои обычно большие маски полчищами очень живых кукол, создавая иллюзию того, что идет вечеринка. Скульпторы могли достичь статуса и известности, которые были в чем-то сродни известным художникам на Западе, благодаря превосходному уровню и репутации африканской скульптуры среди других племен, особенно йоруба.

Океаническое племенное искусство

Субрегион Океании состоит из четырех отдельных этногеографических регионов: Полинезии, Микронезии, Меланезии и Австралазии. Племенное искусство Океании относится к культурным традициям и творческой истории коренных народов, проживающих в этих четырех областях. Эта культура лапита в конечном итоге оказала влияние на большую часть Полинезии, Микронезии и Меланезии. Еще одним фактором была вьетнамская цивилизация Донг-Сон, которая процветала примерно с 600 г. н.э. и была крупным торговцем в западной части Тихого океана. Бронзовые артефакты этой цивилизации были найдены по всей Океании.

Хотя у каждого региона и группы островов были свои уникальные эстетические традиции, сформировавшие искусство и ремесла, искусство океанических племен было связано с языческими событиями, связанными со сверхъестественным, поклонением духам и плодородием. Было создано огромное разнообразие форм искусства, включая роспись тела, татуировку, живопись, скульптуру, резьбу по дереву и текстильное искусство, причем большинство материалов, используемых художниками и мастерами, были скоропортящимися. В результате сохранилось лишь небольшое количество примеров, за исключением каменных зданий и скульптуры.

Монументальные каменные скульптуры (моаи) на Рапа-Нуи/острове Пасхи и Маркизских островах, иллюстрирующие использование антропоморфных фигур с высунутыми языками и выпученными глазами, характерные для многих восточных и отдаленных районов Полинезии, относятся к числу известных образцов полинезийского искусства. что выжили. Другие примеры включают сильно орнаментированную ткань из коры в западной Полинезии.

Поскольку они использовались в сложных языческих обрядах и культовых практиках по всей Меланезии, маски были ключевым мотивом в искусстве коренных народов. Реликвии микронезийских племен также включают резные деревянные чаши, расписные лодки и стилизованные деревянные маски в дополнение к росписи тела и татуировкам. Роспись тела, наскальная живопись, роспись корой, наскальные гравюры, стоячие камни, резьба, скульптура и декоративные украшения на инструментах и оружии - это лишь несколько примеров многочисленных стилей и средств, используемых в искусстве австралийских аборигенов.

Американское племенное искусство

На искусство американских индейцев оказало глубокое влияние как кочевой, охотничий образ жизни первых, так и немного более статичная, но тем не менее бедная среда поздних. Еще одним важным аспектом возникновения региональных творческих традиций была доступность ресурсов, включая дерево, лозу, металл, кости животных, глину и хлопок.

Юго-западные племена были мастерами ткачества, изготовления керамики и создания фресок. Эти племена включали народы зуни, навахо и хопи, а также хохокам южной Аризоны, ансази северной Аризоны и Нью-Мексико, мимбре юго-западной части Нью-Мексико и ансази. Коренные американцы с юго-запада изобрели песочную живопись, часто известную как сухая живопись (особенно индейцы навахо).

На Среднем Западе племена несли исключительную ответственность за формирование культуры. Эти племена были известны своим замысловатым текстильным искусством, а также своими хорошо известными земляными валами или «курганами-чучелами», которые были построены так, чтобы напоминать разных животных. Племенное искусство также включало скульптурные каменные трубки с узорами от чрезвычайно реалистичных до абстрактных, а также резные деревянные чаши и украшения из полированного камня и меди.

Юго-восточный регион также производил трубки в форме птиц и животных, раковины с тонкой резьбой и искусно раскрашенные аксессуары для одежды. Несмотря на использование некачественной глины, он был известен производством изысканной керамики. Керамические изделия были созданы и украшены различными цветочными и геометрическими узорами для церемониального, религиозного и частного использования.

Плетение коренных американцев было видным видом искусства на Западном побережье, особенно в Калифорнии. Племя ирокезов северо-восточных индейцев, в частности, было известно своими ткаными ремнями из вампума, иглами дикобраза и масками Общества ложных лиц. Лучшим племенным искусством Северо-Запада была скульптура, особенно резьба по дереву. Тотемы, маленькие деревянные фигурки и маски, тщательно раскрашенные и часто инкрустированные камнями и морскими ушками, были одними из самых популярных стилей ручной резьбы.

Как племенное искусство повлияло на современное искусство

К середине 19 века, когда все больше экспедиций привозили племенные артефакты, начал расти интерес к тому, что тогда было известно как примитивизм / примитивное искусство - типично к искусству черной Африки. Значительные выставки племенного искусства конца 19-го и начала 20-го веков также представили незападное искусство западному художественному сообществу. Важные выставки, такие как Искусство американских индейцев 1941 года и Искусство африканских негров 1935 года, проводились в Музее современного искусства.

Художники нашли образец альтернативы западному искусству в статуях племенных богов и ритуальных масках, чьи ненатуралистические, сильно стилизованные формы также включали мощные, очень эмоциональные образы. Племенное искусство оказало значительное влияние на таких известных художников, как Винсент Ван Гог и Анри Матисс, Поль Гоген и Пабло Пикассо. Самым поразительным ранним эффектом был кубизм, который, фрагментируя картину и отказываясь от перспективы, быстро ослаблял западную парадигму, опираясь в первую очередь на формальные последствия племенного искусства. Абстрактное искусство было одним из главных результатов этого.

Немецкая группа Die Brücke начала уделять больше внимания примитивным, инстинктивным и ритуалистическим элементам незападного искусства примерно в тот же период, создав основное движение современного искусства, известное как экспрессионизм. Дадаисты способствовали разрушению западной парадигмы, черпая вдохновение в племенном искусстве, кубизме и экспрессионизме в Цюрихе, Нью-Йорке и, наконец, в Париже. Живописные или скульптурные работы Дада в основном состояли из коллажа и сборки, его трехмерного аналога. Тот факт, что искусство может быть создано из чего угодно и его не нужно рисовать, вырезать или лепить, было установлено этой работой, состоящей из найденных материалов. Его образы часто включали аспекты племенного искусства и были конфронтационными на политическом, социальном или эстетическом уровне. Дадаизм представил концепции, которые в конечном итоге привели к концептуальному искусству, чье влияние смешалось с влиянием других направлений современного искусства, чтобы создать огромную, широкую, чрезвычайно богатую, разнообразную и глобально разнообразную реку современного искусства, которой в настоящее время наслаждается мир.

Discover contemporary artworks on Artmajeur

Contemporary art is a vibrant constellation of artistic expressions. This creative universe encompasses a wide array of mediums, from paintings, sculpture, and photography to drawing, printmaking, textile art, and digital art, each medium a star shining with its own distinct radiance. Artists use diverse supports and materials to bring their visions to life, such as canvas, wood, metal, and even innovative digital canvases for the creation of virtual masterpieces. 

A contemporary painting, for instance, may weave its story through the masterful strokes of acrylic or oil, while a contemporary sculpture might sing its song in the language of stone, bronze, or found objects. The photographic arts capture and manipulate light to produce striking images, while printmaking employs techniques like lithography and screen-printing to produce multiples of a single, impactful image. Textile art plays with fabrics and fibers, whereas digital art pushes the boundaries of creation with innovative technology. 

The allure of contemporary art lies in its boundary-pushing nature, its relentless quest for experimentation and its constant reflection of the evolving human experience. This boundless creativity, coupled with its strong social and personal commentary, makes every piece of contemporary art a unique emblem of its time, a mirror held up to the realities and dreams of our complex world. It whispers to us, moves us, provokes thought, and kindles a deep emotional response, stirring the soul of anyone willing to listen. It is, indeed, the language of emotions and ideas, spoken in the dialect of our era.

Origins and history of contemporary art

The story of contemporary art unfolds in the mid-20th century, marked by seismic shifts in artistic expression. Post-World War II, around the 1950s and 1960s, artists began experimenting beyond traditional confines, challenging the norms of what art could be. This revolutionary epoch birthed myriad new movements and artistic forms such as abstract expressionism, pop art, and minimalism. Paintings, once confined by realism, embraced abstraction, as artists used color and form to express emotions and ideas. Notable periods like the advent of pop art in the late 1950s and early 1960s saw artworks mimicking popular culture and mass media, reflecting society’s shifting focus.

The sculptural arts, too, witnessed a metamorphosis. Sculptors started to experiment with new materials and forms, often creating artworks that interacted with the viewer and the surrounding space, fostering a sense of engagement. Drawing, a timeless practice, also evolved, with artists incorporating innovative techniques and concepts to redefine its role in contemporary art.

Photography, a relatively new medium, emerged as a powerful tool in the contemporary art landscape. Born in the 19th century, it truly came into its own in the latter half of the 20th century, blurring the lines between fine art and documentation. Printmaking, a practice dating back to ancient times, saw renewed interest and experimentation with techniques like lithography, etching, and screen printing gaining prominence.

The realm of textile art expanded dramatically, as artists began to appreciate the versatility and tactile quality of fabric and fibers. Artists began using textiles to challenge the boundaries between fine art, craft, and design. 

The dawn of digital technology in the late 20th century heralded a new age for contemporary art. Digital art emerged as artists started leveraging new technologies to create immersive, interactive experiences, often blurring the line between the virtual and the physical world.

Through these transformative periods, the essence of contemporary art has remained the same: a dynamic, evolving reflection of the times we live in, continually pushing boundaries and embracing the new, always questioning, always exploring.

Evolutions of theses contemporary works in the art market

As we navigate through the 21st century, the dynamic landscape of contemporary art continues to evolve and expand, reflecting our ever-changing world. Contemporary paintings, once primarily confined to two-dimensional canvases, now embrace a multitude of forms and techniques, ranging from mixed media installations to digital creations, each piece a rich a weaving of thoughts, emotions, and narratives. Sculpture, too, has ventured far beyond traditional stone and bronze, with artists incorporating light, sound, and even motion, embodying the ephemerality and flux of the modern world.

Photography, in the hands of contemporary artists, has expanded its horizons, seamlessly blending with digital technology to create breathtaking imagery that challenges our perception of reality. Drawing, as well, has transcended the borders of paper, incorporating multimedia elements and exploratory techniques to redefine its role in the artistic discourse. Printmaking continues to flourish, with contemporary artists using traditional methods in innovative ways to deliver potent social and personal commentaries.

Textile art, once considered a craft, now holds a prominent place in the contemporary art world, with artists using it to explore issues of identity, tradition, and cultural heritage. Meanwhile, digital art, the newest member of the contemporary art family, has revolutionized the way we create and interact with art, presenting immersive experiences that blur the boundary between the virtual and the physical.

These diverse forms of contemporary art hold significant value in the current art market, not only due to their aesthetic appeal but also their ability to encapsulate and communicate complex ideas and emotions. Collectors, curators, and art lovers worldwide seek these works, drawn to their inherent dynamism, their innovative use of materials, and their eloquent expressions of our shared human experience. As a testimonial to our times, these contemporary artworks encapsulate the pulse of our society and the resonance of individual voices, forever etching our collective narrative into the annals of art history.

Famous Contemporary Artists

As we delve into the vibrant realm of contemporary art, we encounter an array of artists who shape this dynamic field. Each a master in their medium - painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile, or digital art - they push artistic boundaries, reflecting our era and challenging perceptions. Let’s explore these remarkable contributors and their groundbreaking works.

1. Gerhard Richter - Known for his multi-faceted approach to painting, Richter challenges the boundaries of the medium, masterfully oscillating between abstract and photorealistic styles. His works, whether featuring squeegee-pulled pigments or blurred photographic images, engage in a fascinating dialogue with perception.

2. Jeff Koons - A significant figure in contemporary sculpture, Koons crafts monumental pieces that explore themes of consumerism, taste, and popular culture. His iconic balloon animals, constructed in mirror-polished stainless steel, captivate with their playful yet profound commentary.

3. Cindy Sherman - An acclaimed photographer, Sherman uses her lens to explore identity and societal roles, particularly of women. Renowned for her conceptual self-portraits, she assumes myriad characters, pushing the boundaries of photography as a medium of artistic expression.

4. David Hockney - Hockney, with his prolific output spanning six decades, is a pivotal figure in contemporary drawing. His bold use of color and playful exploration of perspective convey an intoxicating sense of joy and an unabashed celebration of life.

5. Kiki Smith - An innovative printmaker, Smith’s work explores the human condition, particularly the female body and its social and cultural connotations. Her etchings and lithographs speak to universal experiences of life, death, and transformation.

6. El Anatsui - A master of textile art, Anatsui creates stunning tapestry-like installations from discarded bottle caps and aluminum scraps. These shimmering, flexible sculptures blend traditional African aesthetic with contemporary art sensibilities, speaking to themes of consumption, waste, and the interconnectedness of our world.

7. Rafael Lozano-Hemmer - A leading figure in digital art, Lozano-Hemmer utilizes technology to create interactive installations that blend architecture and performance art. His work, often participatory in nature, explores themes of surveillance, privacy, and the relationship between people and their environments.

Notable contemporary artworks

The contemporary art landscape is a dynamic patchwork of diverse expressions and groundbreaking ideas, each artwork a unique dialog with its audience. Here are a selection of some renowned contemporary artworks, spanning various media such as painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile art, and digital art, that have profoundly influenced this vibrant movement.

1. "Cloud Gate" by Anish Kapoor, 2006 - This monumental stainless steel sculpture, also known as "The Bean," mirrors and distorts the Chicago skyline and onlookers in its seamless, liquid-like surface, creating an interactive experience that blurs the line between the artwork and the viewer.

2. "Marilyn Diptych" by Andy Warhol, 1962 - An iconic piece of pop art, this silkscreen painting features fifty images of Marilyn Monroe. Half brightly colored, half in black and white, it reflects the dichotomy of celebrity life and its influence on popular culture.

3. "Rhein II" by Andreas Gursky, 1999 - This photographic artwork, a digitally-altered image of the Rhine River, is celebrated for its minimalist aesthetic. It strips the landscape to its bare essentials, invoking a sense of tranquility and vastness.

4. "Black Square" by Kazimir Malevich, 1915 - A revolutionary painting in the realm of abstract art, this piece, featuring nothing more than a black square on a white field, challenges traditional notions of representation, symbolizing a new era in artistic expression.

5. "Puppy" by Jeff Koons, 1992 - This giant sculpture, a West Highland Terrier blanketed in flowering plants, explores themes of innocence, consumer culture, and the interplay between high art and kitsch. It’s a delightful blend of traditional sculpture and garden craft.

6. "Re-projection: Hoerengracht" by Ed and Nancy Kienholz, 1983-1988 - A room-sized tableau representing Amsterdam’s red-light district, this work combines elements of sculpture, painting, lighting, and found objects. It engages viewers in a stark commentary on commodification and objectification.

7. "Untitled" (Your body is a battleground) by Barbara Kruger, 1989 - This photomontage, combining black-and-white photography with impactful text, explores issues of feminism, identity, and power. Its potent, confrontational message is a prime example of the power of text in contemporary visual art.

8. "For the Love of God" by Damien Hirst, 2007 - This sculpture, a platinum cast of a human skull encrusted with 8,601 diamonds, probes themes of mortality, value, and the human fascination with luxury and decadence. It’s a compelling blend of macabre and magnificence.

9. "Physical impossibility of Death in the Mind of Someone Living" by Damien Hirst, 1991 - This artwork, featuring a tiger shark preserved in formaldehyde, blurs the line between traditional sculpture and biological specimen. It prompts viewers to contemplate mortality and nature’s ferocity.

10. "One and Three Chairs" by Joseph Kosuth, 1965 - A piece of conceptual art, it presents a physical chair, a photograph of a chair, and a dictionary definition of a chair, thus exploring the relationship between language, picture, and referent in art.

These pieces, in their diversity, exemplify the rich tapestry of contemporary art, each piece a unique commentary on our world and a testament to the limitless potential of creative expression.