1 232 Оригинальные произведения искусства, ограниченные тиражи и принты:

Как определить Наивное искусство стиль ?

Что такое наивное искусство?

Что такое наивное искусство и как вы определяете наивное искусство? Роспись нефа — это стиль искусства, который был основан такими художниками, как Анри Руссо, которые мало что знали об искусстве. В большинстве случаев неф-арт определяется как изобразительное искусство, созданное кем-то, кто не прошел обучение и образование, которые есть у профессионального художника. Когда профессиональный художник пытается скопировать этот стиль, его часто называют «примитивизмом».

Как определить наивное искусство?

Нав-арт обычно определяется как изобразительное искусство, созданное кем-то, у кого нет формального образования и образования, которое есть у профессионального художника (в анатомии, истории искусства, технике, перспективе, способах видения). Когда обученный художник пытается скопировать этот стиль, его иногда называют примитивизмом, псевдонефом или фальшивым нефом.

В отличие от народного искусства, искусство нефа не обязательно должно происходить из определенного народного культурного контекста или традиции. На самом деле, по крайней мере, в странах с развитой экономикой и после печатной революции невозможно не знать о местной традиции изобразительного искусства, которая распространилась через популярные эстампы и другие средства массовой информации. Наивные художники знают об условностях «изобразительного искусства», таких как графическая перспектива и композиционные условности, но они не могут или не используют их в полной мере. Аутсайдерское искусство (также называемое «ар-брют»), с другой стороны, относится к работам, которые происходят из аналогичного фона, но имеют мало общего с миром основного искусства.

Навское искусство известно своей простотой и честностью, как ребенок, поэтому его часто копируют. Этот вид живописи обычно имеет плоский стиль рисования и простой способ показать глубину. Анри Руссо, французский постимпрессионист, живший с 1844 по 1910 год и открытый Пабло Пикассо, был одним из самых значительных художников «наивного искусства».

Были некоторые разногласия по поводу того, что означает этот термин и где он «заканчивается» с другими терминами, такими как народное искусство и искусство аутсайдеров. Неф-арт обычно используется для описания произведений изобразительного искусства, созданных художниками-самоучками, таких как картины и скульптуры. Народное искусство, с другой стороны, относится к вещам, которые можно использовать в повседневной жизни. Но об этой разнице спорят. «Провинциальный» — еще одно слово, которое можно использовать, особенно для картин и зданий. Он в основном используется для описания работ художников, которые прошли какое-то традиционное обучение, но чьи работы случайно не соответствуют столичным или придворным стандартам.

Каковы особенности наивного искусства?

Люди часто думают о неф-арте как о работе аутсайдера, который не имел (или не имел достаточного) образования или степени. До 20 века так и было, а сейчас есть школы наивного искусства. Наивное искусство в настоящее время является полностью признанным видом искусства, которое можно увидеть в галереях по всему миру.

Особенности нефного искусства плохо сочетаются с формальными аспектами живописи, особенно когда не соблюдаются три правила перспективы (как описано прогрессивными художниками эпохи Возрождения):

• Размер вещей становится меньше по мере их удаления,
• Цвета меняются по мере удаления, детали становятся менее четкими по мере удаления.

Вот результаты:

• Эффекты перспективы геометрически неверны (похожи на детские рисунки или картины средневековья, но на этом сравнение заканчивается).
• Сильное использование узора, грубый колорит на всех планах композиции, без ослабления фона. - Равное внимание к деталям, включая те, что на заднем плане должны быть затемнены.

Говорят, что наивное искусство легко распознать, потому что оно не сложное. Однако он стал настолько популярен и известен, что многие примеры можно было бы назвать «псевдонаивными».

Искусство «псевдонефа» или «ложного нефа» - это работа художника, который более подражателен или застенчив, и чьи работы выглядят скорее скопированными, чем оригинальными. «Неф» — это работа художника, который не посещал художественную школу или академию, как Анри Руссо или Альфред Уоллис.

Поскольку в наше время автодидактизм стал более популярным как способ обучения, строгая наивность вряд ли встречается у современных художников. Живущие художники не всегда любят наивные классификации, но это, вероятно, изменится, когда станут известны более достойные сигналы. В настоящее время в Кечкемете, Венгрия, есть музеи наивного искусства; Коваица, Сербия; Рига, Латвия; Хаэн, Испания; Рио-де-Жанейро, Бразилия; Вик, Франция; и Париж. Гэри Бант, Лайл Карбахал, Гейб Ланггольц, Джиджи Миллс, Барбара Олсен, Пейн Проффит и Ален Томас — живые англоговорящие художники, признающие, что у них наивный стиль.

«Примитивное искусство» — еще один термин, который люди, не изучавшие искусство, часто используют для его описания. Исторически, однако, он больше использовался для описания искусства культур, которые западные академические круги считали «примитивными» в социальном или технологическом отношении, таких как искусство коренных американцев, африканцев к югу от Сахары и искусства островов Тихого океана (см. Племенное искусство). Это отличается от «примитивного» вдохновленного, самосознательного движения, называемого «примитивизмом». Народное искусство - еще один термин, похожий на наивное искусство, но не одно и то же.

Существуют также термины «навизм» и «примитивизм», которые обычно используются для описания профессиональных художников, использующих в качестве своего стиля навное искусство (например, Поль Гоген, Михаил Ларионов, Пауль Клее).

Каковы характеристики наивных картин?

Нав-арт иногда используется для описания искусства, созданного людьми без профессиональной подготовки или ученых степеней. До 20 века так и было, а сейчас есть академии нафной живописи. Теперь наивное искусство — это хорошо известная форма искусства, которую можно увидеть в галереях по всему миру. Формальные части живописи странным образом похожи на то, что составляет неф-арт, особенно когда речь идет о несоблюдении трех правил перспективы.

- Чем дальше предметы отдаляются, тем меньше их размеры.

-По мере удаления от цвета он становится менее ярким.

-По мере удаления детали становятся менее четкими.

Одним из результатов является то, что эффекты перспективы неверны с геометрической точки зрения. Ни в одном из планов композиции нет ослабления фона, много закономерностей. Такое же внимание было уделено всем деталям, даже тем на заднем плане, которые должны быть темнее.

Люди говорят, что неф легко узнать, потому что в нем не так много деталей. Но поскольку он стал таким известным стилем, многие предметы можно отнести к категориям псевдонефа или примитивизма. Самодидактизм становится все более популярным как способ обучения, поэтому строгая наивность — это не то, что вы часто видите сегодня у художников.

Живущие художники могут не всегда принимать простые классификации, но это, вероятно, изменится, когда станут доступны более достойные сигналы.

Discover contemporary artworks on Artmajeur

Contemporary art is a vibrant constellation of artistic expressions. This creative universe encompasses a wide array of mediums, from paintings, sculpture, and photography to drawing, printmaking, textile art, and digital art, each medium a star shining with its own distinct radiance. Artists use diverse supports and materials to bring their visions to life, such as canvas, wood, metal, and even innovative digital canvases for the creation of virtual masterpieces. 

A contemporary painting, for instance, may weave its story through the masterful strokes of acrylic or oil, while a contemporary sculpture might sing its song in the language of stone, bronze, or found objects. The photographic arts capture and manipulate light to produce striking images, while printmaking employs techniques like lithography and screen-printing to produce multiples of a single, impactful image. Textile art plays with fabrics and fibers, whereas digital art pushes the boundaries of creation with innovative technology. 

The allure of contemporary art lies in its boundary-pushing nature, its relentless quest for experimentation and its constant reflection of the evolving human experience. This boundless creativity, coupled with its strong social and personal commentary, makes every piece of contemporary art a unique emblem of its time, a mirror held up to the realities and dreams of our complex world. It whispers to us, moves us, provokes thought, and kindles a deep emotional response, stirring the soul of anyone willing to listen. It is, indeed, the language of emotions and ideas, spoken in the dialect of our era.

Origins and history of contemporary art

The story of contemporary art unfolds in the mid-20th century, marked by seismic shifts in artistic expression. Post-World War II, around the 1950s and 1960s, artists began experimenting beyond traditional confines, challenging the norms of what art could be. This revolutionary epoch birthed myriad new movements and artistic forms such as abstract expressionism, pop art, and minimalism. Paintings, once confined by realism, embraced abstraction, as artists used color and form to express emotions and ideas. Notable periods like the advent of pop art in the late 1950s and early 1960s saw artworks mimicking popular culture and mass media, reflecting society’s shifting focus.

The sculptural arts, too, witnessed a metamorphosis. Sculptors started to experiment with new materials and forms, often creating artworks that interacted with the viewer and the surrounding space, fostering a sense of engagement. Drawing, a timeless practice, also evolved, with artists incorporating innovative techniques and concepts to redefine its role in contemporary art.

Photography, a relatively new medium, emerged as a powerful tool in the contemporary art landscape. Born in the 19th century, it truly came into its own in the latter half of the 20th century, blurring the lines between fine art and documentation. Printmaking, a practice dating back to ancient times, saw renewed interest and experimentation with techniques like lithography, etching, and screen printing gaining prominence.

The realm of textile art expanded dramatically, as artists began to appreciate the versatility and tactile quality of fabric and fibers. Artists began using textiles to challenge the boundaries between fine art, craft, and design. 

The dawn of digital technology in the late 20th century heralded a new age for contemporary art. Digital art emerged as artists started leveraging new technologies to create immersive, interactive experiences, often blurring the line between the virtual and the physical world.

Through these transformative periods, the essence of contemporary art has remained the same: a dynamic, evolving reflection of the times we live in, continually pushing boundaries and embracing the new, always questioning, always exploring.

Evolutions of theses contemporary works in the art market

As we navigate through the 21st century, the dynamic landscape of contemporary art continues to evolve and expand, reflecting our ever-changing world. Contemporary paintings, once primarily confined to two-dimensional canvases, now embrace a multitude of forms and techniques, ranging from mixed media installations to digital creations, each piece a rich a weaving of thoughts, emotions, and narratives. Sculpture, too, has ventured far beyond traditional stone and bronze, with artists incorporating light, sound, and even motion, embodying the ephemerality and flux of the modern world.

Photography, in the hands of contemporary artists, has expanded its horizons, seamlessly blending with digital technology to create breathtaking imagery that challenges our perception of reality. Drawing, as well, has transcended the borders of paper, incorporating multimedia elements and exploratory techniques to redefine its role in the artistic discourse. Printmaking continues to flourish, with contemporary artists using traditional methods in innovative ways to deliver potent social and personal commentaries.

Textile art, once considered a craft, now holds a prominent place in the contemporary art world, with artists using it to explore issues of identity, tradition, and cultural heritage. Meanwhile, digital art, the newest member of the contemporary art family, has revolutionized the way we create and interact with art, presenting immersive experiences that blur the boundary between the virtual and the physical.

These diverse forms of contemporary art hold significant value in the current art market, not only due to their aesthetic appeal but also their ability to encapsulate and communicate complex ideas and emotions. Collectors, curators, and art lovers worldwide seek these works, drawn to their inherent dynamism, their innovative use of materials, and their eloquent expressions of our shared human experience. As a testimonial to our times, these contemporary artworks encapsulate the pulse of our society and the resonance of individual voices, forever etching our collective narrative into the annals of art history.

Famous Contemporary Artists

As we delve into the vibrant realm of contemporary art, we encounter an array of artists who shape this dynamic field. Each a master in their medium - painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile, or digital art - they push artistic boundaries, reflecting our era and challenging perceptions. Let’s explore these remarkable contributors and their groundbreaking works.

1. Gerhard Richter - Known for his multi-faceted approach to painting, Richter challenges the boundaries of the medium, masterfully oscillating between abstract and photorealistic styles. His works, whether featuring squeegee-pulled pigments or blurred photographic images, engage in a fascinating dialogue with perception.

2. Jeff Koons - A significant figure in contemporary sculpture, Koons crafts monumental pieces that explore themes of consumerism, taste, and popular culture. His iconic balloon animals, constructed in mirror-polished stainless steel, captivate with their playful yet profound commentary.

3. Cindy Sherman - An acclaimed photographer, Sherman uses her lens to explore identity and societal roles, particularly of women. Renowned for her conceptual self-portraits, she assumes myriad characters, pushing the boundaries of photography as a medium of artistic expression.

4. David Hockney - Hockney, with his prolific output spanning six decades, is a pivotal figure in contemporary drawing. His bold use of color and playful exploration of perspective convey an intoxicating sense of joy and an unabashed celebration of life.

5. Kiki Smith - An innovative printmaker, Smith’s work explores the human condition, particularly the female body and its social and cultural connotations. Her etchings and lithographs speak to universal experiences of life, death, and transformation.

6. El Anatsui - A master of textile art, Anatsui creates stunning tapestry-like installations from discarded bottle caps and aluminum scraps. These shimmering, flexible sculptures blend traditional African aesthetic with contemporary art sensibilities, speaking to themes of consumption, waste, and the interconnectedness of our world.

7. Rafael Lozano-Hemmer - A leading figure in digital art, Lozano-Hemmer utilizes technology to create interactive installations that blend architecture and performance art. His work, often participatory in nature, explores themes of surveillance, privacy, and the relationship between people and their environments.

Notable contemporary artworks

The contemporary art landscape is a dynamic patchwork of diverse expressions and groundbreaking ideas, each artwork a unique dialog with its audience. Here are a selection of some renowned contemporary artworks, spanning various media such as painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile art, and digital art, that have profoundly influenced this vibrant movement.

1. "Cloud Gate" by Anish Kapoor, 2006 - This monumental stainless steel sculpture, also known as "The Bean," mirrors and distorts the Chicago skyline and onlookers in its seamless, liquid-like surface, creating an interactive experience that blurs the line between the artwork and the viewer.

2. "Marilyn Diptych" by Andy Warhol, 1962 - An iconic piece of pop art, this silkscreen painting features fifty images of Marilyn Monroe. Half brightly colored, half in black and white, it reflects the dichotomy of celebrity life and its influence on popular culture.

3. "Rhein II" by Andreas Gursky, 1999 - This photographic artwork, a digitally-altered image of the Rhine River, is celebrated for its minimalist aesthetic. It strips the landscape to its bare essentials, invoking a sense of tranquility and vastness.

4. "Black Square" by Kazimir Malevich, 1915 - A revolutionary painting in the realm of abstract art, this piece, featuring nothing more than a black square on a white field, challenges traditional notions of representation, symbolizing a new era in artistic expression.

5. "Puppy" by Jeff Koons, 1992 - This giant sculpture, a West Highland Terrier blanketed in flowering plants, explores themes of innocence, consumer culture, and the interplay between high art and kitsch. It’s a delightful blend of traditional sculpture and garden craft.

6. "Re-projection: Hoerengracht" by Ed and Nancy Kienholz, 1983-1988 - A room-sized tableau representing Amsterdam’s red-light district, this work combines elements of sculpture, painting, lighting, and found objects. It engages viewers in a stark commentary on commodification and objectification.

7. "Untitled" (Your body is a battleground) by Barbara Kruger, 1989 - This photomontage, combining black-and-white photography with impactful text, explores issues of feminism, identity, and power. Its potent, confrontational message is a prime example of the power of text in contemporary visual art.

8. "For the Love of God" by Damien Hirst, 2007 - This sculpture, a platinum cast of a human skull encrusted with 8,601 diamonds, probes themes of mortality, value, and the human fascination with luxury and decadence. It’s a compelling blend of macabre and magnificence.

9. "Physical impossibility of Death in the Mind of Someone Living" by Damien Hirst, 1991 - This artwork, featuring a tiger shark preserved in formaldehyde, blurs the line between traditional sculpture and biological specimen. It prompts viewers to contemplate mortality and nature’s ferocity.

10. "One and Three Chairs" by Joseph Kosuth, 1965 - A piece of conceptual art, it presents a physical chair, a photograph of a chair, and a dictionary definition of a chair, thus exploring the relationship between language, picture, and referent in art.

These pieces, in their diversity, exemplify the rich tapestry of contemporary art, each piece a unique commentary on our world and a testament to the limitless potential of creative expression.