Виктор Вазарели, урожденный Дьёзё Вашарельи 9 апреля 1906 года и известный своим значительным вкладом в движение оп-арта, был венгерско-французским художником, прославившимся своим новаторским использованием оптических иллюзий в искусстве. Часто называемый «дедушкой» и лидером оп-арта, новаторский подход Вазарели к визуальному восприятию и геометрической абстракции заложил основу для этого уникального стиля искусства. Одна из его самых заметных работ, «Зебра» , созданная в 1937 году, считается ранним примером оп-арта, демонстрирующим его мастерство в создании визуально динамичных и привлекательных композиций. Наследие Вазарели продолжает влиять и вдохновлять мир современного искусства, делая его ключевой фигурой в истории современного искусства.
Биография художника: Виктор Вазарели
Виктор Вазарели, первоначально названный Дьёзё Вашархели, родился 9 апреля 1906 года в Пече, Венгрия. Его считают знаковой фигурой в современном искусстве и широко считают отцом движения оп-арт. Путь Вазарели в мир искусства начался с нетрадиционного пути; изначально он изучал медицину в Будапештском университете в 1925 году. Однако его страсть к искусству вскоре превзошла его медицинские амбиции, что заставило его бросить учебу и поступить в Мюхели, известную художественную школу в Будапеште. Мюхели, которая работала под влиянием принципов Баухауса, была ярким центром авангардного искусства и дизайна. Здесь Вазарели учился под руководством Шандора Бортник, влиятельной фигуры, сыгравшей решающую роль в формировании его раннего художественного видения. Во время своего пребывания в Műhely Вазарели познакомился с концепциями геометрической абстракции и потенциалом оптических иллюзий в искусстве. Этот период становления заложил основу для его будущих исследований в области визуального восприятия. В 1930 году Вазарели совершил значительный переезд в Париж, город, который тогда был эпицентром мира искусства. В Париже он продолжил совершенствовать свой художественный стиль, приняв имя «Вазарели», фонетическое изменение его венгерской фамилии Vásárhelyi. Парижская художественная сцена предоставила Вазарели широкие возможности для экспериментов с абстрактными геометрическими формами и разработки своего уникального визуального языка. 1950-е годы стали поворотным моментом в карьере Вазарели, когда он начал создавать работы, которые определили его наследие. Он разработал отличительный стиль, характеризующийся тщательной компоновкой геометрических форм и использованием контрастных цветов для создания оптических эффектов. Его работы этого периода, такие как «Зебра» и «Вега-Нор», считаются шедеврами жанра оп-арта. Термин «Оп-арт», сокращение от «Оптическое искусство», относится к стилю, который использует оптические иллюзии, чтобы вовлекать и бросать вызов восприятию зрителя. Вклад Вазарели в это движение был новаторским, и он быстро получил международное признание за свой новаторский подход.
Помимо своего вклада в изобразительное искусство, Вазарели был глубоко предан идее «демократического искусства». Он считал, что искусство должно быть доступно всем, а не только элите. С этой целью он создал множество своих работ, включая шелкографии и литографии, сделав свое искусство более доступным и широко распространенным. Такой подход не только расширил его аудиторию, но и оказал значительное влияние на коммерциализацию искусства. Геометрические и оптические дизайны Вазарели нашли применение в различных коммерческих и промышленных контекстах, от графического дизайна и упаковки продукции до архитектурных проектов. Работы Вазарели были отмечены на многочисленных выставках по всему миру, и он получил множество наград на протяжении всей своей карьеры. Одним из его значительных проектов стало создание Фонда Вазарели в Экс-ан-Провансе, открытого в 1976 году, целью которого было сохранение его наследия и содействие изучению кинетического и оптического искусства. Кроме того, влияние Вазарели распространилось на образование и общественное искусство, что видно по его масштабным инсталляциям и сотрудничеству с архитекторами. Наследие Виктора Вазарели глубоко, оно повлияло не только на область оп-арта, но и вдохновило будущие поколения художников, заинтересованных в исследовании границ визуального восприятия и абстракции. Он скончался 15 марта 1997 года в Париже, оставив после себя богатое наследие, которое продолжает очаровывать и вдохновлять. Его новаторское использование геометрических форм и оптических иллюзий остается важной главой в истории современного искусства, закрепляя его статус новаторской фигуры, чье творчество выходит за рамки времени и продолжает находить отклик в современном художественном ландшафте.
Краткая история OP-искусства
Op Art, или «оптическое искусство», — это уникальный стиль визуального искусства, который использует оптические иллюзии для создания динамических и интерактивных впечатлений. Характеризующийся абстрактными узорами, часто в черно-белых тонах, оп-арт создает у зрителя впечатление движения, скрытых изображений и визуальных вибраций. Движение имеет корни в различных формах искусства, включая неоимпрессионизм, кубизм, футуризм, конструктивизм и дадаизм, с ранним влиянием дивизионистов, которые исследовали оптические иллюзии и эффекты света. Термин «оп-арт» приобрел популярность после того, как журнал Time в 1964 году осветил «Оптические картины» Джулиана Станчака, но такие произведения искусства, как « Зебры » Виктора Вазарели (1938), уже продемонстрировали определяющие характеристики движения. Вазарели, которого часто называют «дедушкой» оп-арта, сыграл решающую роль в его развитии, используя геометрические формы и контрастные цвета для манипулирования визуальным восприятием. Его работы, такие как Vega-Nor и Tlinko , иллюстрируют исследование глубины и движения в этом движении, в то время как его серия пластиковых алфавитов стала отличительной чертой оп-арта. Выставка «Mouvements» 1955 года в Париже, на которой были представлены работы Вазарели и «Желтый манифест», представила концепции кинетического и оптического искусства более широкой аудитории. Выставка 1965 года «The Responsive Eye» в Музее современного искусства в Нью-Йорке еще больше продвинула оп-арт в глазах общественности, представив таких художников, как Вазарели, Бриджит Райли и Ричард Анушкевич. Выставка имела общественный успех, несмотря на неоднозначный прием критиков, и помогла укрепить место оп-арта в визуальной культуре. Влияние оп-арта распространилось на графический дизайн, моду и рекламу, отражая увлечение эпохи новыми технологиями. Пропаганда Вазарели демократизации искусства, поощрение использования многократных копий и промышленных технологий привели к созданию Фонда Вазарели в Экс-ан-Провансе, призванного сохранять и продвигать его работы и движение оп-арта.
Каллион (1989) Виктора Вазарели
Виктор Вазарели, Каллион , 1989. Гравюра, шелкография на бумаге, 264,2 см x 185,4 см.
Kallion (1989) — это ограниченный тираж печатной работы Виктора Вазарели. Эта работа, под номером 89 из 250, демонстрирует мастерство Вазарели в использовании геометрических форм и ярких цветов. Работа представляет собой сложное взаимодействие прямых линий, кривых и повторяющихся мотивов, которые накладываются друг на друга, создавая динамичную и визуально захватывающую композицию. В Kallion преобладают теплые коричневые и оранжевые тона, Kallion привлекает зрителя своей богатой цветовой палитрой и замысловатым дизайном. Вазарели использовал технику трафаретной печати для этой работы, процесс, который включает перенос чернил через мелкоячеистый экран для отпечатывания узоров на бумаге. Этот метод позволил Вазарели скрупулезно воспроизводить свои узоры и исследовать взаимодействие цветов и текстур. Kallion — яркий пример фирменного стиля Вазарели, где он искусно манипулирует эффектами, чтобы вызвать иллюзии движения и глубины. Яркие композиции произведения искусства иллюстрируют способность художника трансформировать статичные изображения в, казалось бы, кинетические переживания, бросая вызов восприятию зрителя. Каллион не только отражает художественное мастерство Вазарели, но и его значительное влияние на оп-арт и кинетическое искусство.
Мехико Виктора Вазарели
Виктор Вазарели , Мехико. Гравюра, 66 см x 66 см.
«Mexico City» — оригинальная шелкография ограниченного тиража Виктора Вазарели. Эта гравюра, подписанная художником карандашом, имеет размеры 26x26 дюймов без рамы. В работе преобладает яркая желтая цветовая палитра с черными линиями, которые придают композиции глубину и объем. Желтые тона создают эффект градиента, постепенно исчезая к краям холста и сходясь в центральной точке фокусировки, которая выглядит как сферическая форма. Для работы характерен сетчатый узор, отличительная черта стиля Вазарели, который добавляет структурированный, но динамичный элемент к работе. «Mexico City» демонстрирует влияние различных художественных течений, включая импрессионизм, кубизм, футуризм и дадаизм, смешивая эти стили в композицию, граничащую с абстракцией. Взаимодействие геометрических форм и цветовых градиентов в этой шелкографии демонстрирует не только мастерство Вазарели в создании оптических иллюзий, но и его исследование границ визуального восприятия.
Знаменитые произведения искусства
Sophia (1954) иллюстрирует переход Вазарели от образной к геометрической абстракции, с сеткой черных линий на белом фоне, создающей иллюзии движения и трехмерности. Эта работа отражает исследование Вазарели абстракции под влиянием конструктивизма и его увлечение визуальным восприятием. Vega III (1957-59) является ключевой работой, демонстрирующей характерный шахматный узор, искаженный для создания вогнутых и выпуклых иллюзий, что знаменует собой значительное развитие его стиля и критический момент в истории оп-арта. Alphabet VR (1960) представляет революционный «Alphabet Plastique» Вазарели, систему форм, разработанную для бесконечных композиционных возможностей, отражающую его стремление к универсально доступному визуальному языку. Vega-Nor (1969) представляет собой сферическую форму, состоящую из искаженных квадратов, демонстрируя использование Вазарели ярких цветов и его постоянные поиски представления глубины и движения. Ambigu-B (1970) из серии «Посвящение шестиугольнику» сочетает цветовые вариации и формы для создания динамических оптических иллюзий, преодолевая разрыв между макрокосмом и микрокосмом. Наконец, Kettes (1984), скульптурное произведение, украшенное шестиугольными узорами, иллюстрирует применение Вазарели теории цвета к трехмерным формам, отражая его интерес как к духовным, так и к научным измерениям.
Виктор Вазарели получил несколько престижных наград, включая премию Гуггенхайма в 1964 году, французский орден Почетного легиона в 1970 году, премию критиков искусств в Брюсселе и золотую медаль на Миланской триеннале. Его наследие чествуют в различных музеях, посвященных его творчеству, включая Фонд Вазарели в Экс-ан-Провансе, Франция, основанный в 1976 году, и музеи Вазарели в Пече, Венгрия (1976), и дворец Зичи, Обуда, Будапешт, Венгрия (1987). Музей Вазарели во дворце Сен-Фирмен в Горде, Франция, работал с 1970 года до своего закрытия в 1996 году. Его наследие продолжает находить отклик в мире искусства, его влияние распространяется на несколько поколений и сред. В 2012 году в парижском Musée en Herbe прошла новая выставка работ Вазарели, демонстрирующая его непреходящее влияние на современное искусство. Его работы даже вошли в массовую культуру, украсив оригинальную обложку британского альбома Дэвида Боуи 1969 года «David Bowie». Центр Жоржа Помпиду почтил Вазарели в 2019 году выставкой «Le Partage des Formes», еще больше закрепив его роль ключевой фигуры в движении оп-арта. Совсем недавно, в июле 2024 года, в Центре искусств Аркас в Алачаты открылась постоянная экспозиция его работ из коллекции Аркас, в которой принял участие его сын Жан-Пьер Ивараль. Это постоянное присутствие на крупных выставках и в коллекциях подчеркивает глубокое и продолжающееся влияние Вазарели как на художественное сообщество, так и на более широкий культурный ландшафт.
Selena Mattei
