Куми Сугай в 1962 году, из Википедии.
Куми Сугаи
Куми Сугаи (1919-1996) был японским художником и гравером, известным своей динамичной эволюцией от лирической абстракции до жесткой абстракции, отражающей его глубокую вовлеченность как в авангардное, так и в современное искусство. Его работа, отмеченная трансформацией и новаторством, оставил неизгладимое наследие в мире искусства.
Родившийся в 1919 году в Японии, Сугаи начал свою художественную карьеру после Второй мировой войны. Чтобы прокормить себя, он сначала иллюстрировал учебники для начальной школы. Его формальное художественное образование началось с японской живописи (нихонга) под руководством Тейи Накамуры, члена Нихон Бидзюцуин. Ранние работы Сугая находились под влиянием Ёсихары Дзиро, ведущей фигуры в группе Гутай. Акцент Ёсихары на материальности краски и абстрактных формах, наряду с общим интересом к детским, абстрактным формам, глубоко повлияли на Сугая. Это влияние очевидно в работах Сугаи этого периода, которые часто содержали повторяющийся мотив птицы и отражали эстетику Пауля Клее, Жоана Миро и Макса Эрнста. Ранние достижения Сугаи включают получение приза на 4-й выставке города Асия, где Ёсихара был судить.
Его ранние картины обладают немедленной и элегантно-элегической вибрацией, вызывая в памяти изначальные повествования о жизни, смерти, любви, потере, победе, трагедии и трансцендентности. Эти работы служат вратами в мир творения в мысленном взоре этого мага-писца- художник. Сугаи, один из величайших абстрактных экспрессионистов послевоенной Японии, предшествовал художникам школы Гутай на их пути в Париж и был как иконоборцем, так и источником вдохновения для своих современников. Он принадлежал к первому поколению японских художников 20-го века, которые стали знакомился с западными техниками живописи, а также изучал типографику и японскую каллиграфию, которые стали важными элементами его более позднего творчества.
Куми Сугаи - Бесконечный квест (1962). Печать, гравюра на бумаге BFK de Rives. 33 x 50 см
Париж и авангард
В 1952 году, движимый интересом к авангардной живописи, Сугай переехал в Париж. Поселившись на Монпарнасе, он учился в Академии Гранд Шомьер у Эдуарда Герга. Его первые работы в Париже сохранили образный стиль и перекликались с Art Informel, представляя пустые городские пейзажи с геометрическими линиями, процарапанными на густой масляной краске. Сугаи также продолжал упрощать формы животных в своих картинах.
Жизнь в Париже изначально была для Сугая одинокой, так как он плохо говорил по-французски. Тем не менее, он стал частью сообщества японских художников, включая Тошимицу Имаи, Хисао Домото и японо-американского скульптора Синкити Тадзири, который был связан с группой CoBrA. Тадзири сыграл ключевую роль в ранней парижской карьере Сугаи, пригласив его выставиться в салоне «Октобр» Шарля Этьена в 1953 году. Торговец произведениями искусства Джон Крейвен предложил Сугаи контракт и первую персональную выставку в Париже, что еще больше укрепило его позиции на арт-сцене. Работа также получила признание критика Мишеля Рагона, что привело к ее включению в две выставки Новой школы Парижа.
С момента своего парижского дебюта Сугаи получил множество наград и укрепил свои позиции одного из ведущих абстрактных художников Японии, достигнув пика своей популярности в середине 1960-х годов. Сегодня, однако, его чаще ассоциируют с его литографиями позднего периода и геометрическими картины в ярких основных цветах, которые более обильны, чем возвышенные работы его парижской эпохи. Редкие и драгоценные абстрактные масляные работы, написанные Сугаем в 1950-х и 1960-х годах, остаются наиболее ценимыми музеями и коллекционерами, редко появляясь на открытом рынке из-за к их дефициту.
Эволюция стиля
К середине 1950-х годов творчество Сугая начало переходить от образных к более абстрактным формам. В конце 1950-х и начале 1960-х годов он создавал большие, ярко окрашенные полотна, в которых преобладали блочные, каллиграфические геометрические формы. Названия этих работ, такие как «они», «самурай», и райшин, вызывают в памяти японский фольклор. Несмотря на простоту композиции, эти картины сохранили плотную, фактурную структуру.
В 1955 году Сугаи начал экспериментировать с гравюрой, создав свою первую литографию. Этот новый материал, редкий в Японии, но популярный во Франции, ознаменовал значительное расширение его художественной практики. Его литографии 1957 года иллюстрировали поэтическую книгу Жана-Кларенса Ламбера La Quête sans fin. Сугаи также занялся скульптурой в конце 1950-х годов, создав такие работы, как Objet, кисть, установленная на постаменте, окутанная краской и абстрагированная. В 1960 году он был удостоен премии Национального музея современного искусства в Токио на Международной биеннале Гравюра.
Признанный частью движений «Новая школа Парижа» и «Новый реализм», он начал отходить от «абстракционистской лирики» в 1962 году. Двигаясь от преимущественно монохромных каллиграфических органических мотивов к геометрическим образам, его абстрактное искусство теперь характеризуется как «жесткое -край."
Поздние годы и преобразующие изменения
1962 год стал поворотным для Сугаи, ознаменовав существенную трансформацию его стиля. Он отошел от неформальной материальности, чтобы принять жесткую геометрическую абстракцию, используя матовые поверхности и акриловую краску. Его увлечение автомобилями и городской жизнью, особенно после приобретения Porsche в 1960 году, глубоко повлиял на его новую эстетику. Работы Сугаи в этот период характеризовались четко очерченными геометрическими формами и монументальными форматами. Он создал около пятидесяти работ между 1964 и 1968 годами, каждая из которых включала слово «Auto» в названии, отражая его страсть к скорость и дорожные знаки.
В 1969 году Сугаи вернулся в Японию впервые за 18 лет, чтобы создать 16-метровую и 3,6-метровую фреску под названием «Фестиваль Токио» для Национального музея современного искусства в Токио. Эта фреска стала самой большой работой в его карьере и ознаменовал его первые персональные выставки в Японии. Его дальнейшая карьера включала создание серий работ и фокусирование на литографиях с 1970-х годов. Сугаи часто возвращался в Японию, где проводились ретроспективы его работ.
Выставки и коллекции
Работы Сугаи получили многочисленные награды, включая Гран-при на Гренхенской международной триеннале цветной печати 1961 года, Гран-при на Краковской международной биеннале печати 1965 года и Почетную премию на Международной биеннале печати в Норвегии 1972 года. В 1996 году вскоре Перед своей смертью 14 мая в Кобе он был удостоен премии Сиджу-Хосё от императора Японии за высокие культурные заслуги. Его искусство представлено в престижных коллекциях по всему миру, а его карьера, отмеченная постоянной эволюцией и исследованием, подчеркивает его значительное влияние как на японское, так и на мировое искусство.
Его работы экспонировались на крупнейших выставках по всему миру, включая «Japon Des Avant Gardes 1910-1970» в Центре Помпиду (1986), «Современное искусство/Послевоенное» в Музее современного искусства в Камакуре (1979) и «Развитие Послевоенное японское искусство: абстрактное и нефигуративное» в Национальном музее современного искусства, Токио (1973). Известные персональные выставки включают «Куми Сугаи» в Художественном музее префектуры Хёго и в Музее современного искусства Токио (2000), а также ретроспективы в музее Сэйбу, Токио (1983) и Музее искусств Охара, Окаяма (1984). Ретроспективы работ Сугая в середине его карьеры также прошли в Художественном доме в Осло (1967) и Городском музее Леверкузена (1960), а также в галерее Kootz в Нью-Йорке (1959–1964), галерее Creuzevault в Париже (1958). и 1963), и Дворец изящных искусств, Брюссель (1954). Его общественные заказы включают фреску для Национального музея современного искусства, Токио (1968–69), и фреску для спортивного центра в Ганновере для Олимпиады 1972 года . Его работы включены в крупнейшие институциональные коллекции по всему миру, такие как Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Метрополитен-музей, Музей современного искусства Сан-Франциско, Музей изящных искусств Бостона и другие.
Selena Mattei
