Топ-10: картины музыкантов

ЛЕДИ ГАГА (2022) Цифровое искусство Собальварро.

Кэти Перри, Бейонсе и Леди Гага...

Мои лучшие десять картин связывают искусство и музыку так, как первая из этих двух форм выражения приближается ко второй, увековечивая и конкретизируя ее неосязаемое звучание. На самом деле, вероятно, именно живопись впервые подошла к абстрактному миру нот, сначала через реализм, направленный на запечатление музыкальных инструментов и музыкантов, а затем, оторвавшись от более очевидных реальных данных, как учил пример Кандинского и Клее. нас. Первый из этих двух мастеров дал своим работам имена, связанные с музыкой, сосредоточив свою работу на балансе и напряжении между цветами, порождая аккорды разных тонов, прямо заявляя, что живопись может развивать именно силы музыки. Что касается второго, однако, он, также музыкант, был вдохновлен техникой преобразования звука в форму, разработанной в ходе его графического исследования. Это возвышение роли живописи, понимаемой как средство передачи эфемерного музыкального искусства par excellence, не должно, однако, упускать из виду, что звук, в свою очередь, также вдохновлял язык кисти через более абстрактные формы. формы его лексики, что можно увидеть, например, в деятельности Джеймса Макнейла Уистлера, художника, который назвал многие свои работы музыкальными терминами. В дополнение к последнему, художник PJ Crook также обратился к музыке, создав серию незабываемых обложек альбомов, которые идеально соответствовали экстравагантным и исследовательским нотам группы King Crimson.

KATY PERRY (2021)Картина Ирины Касцовой.

БЕЙОНСЕ, ОРИГИНАЛЬНАЯ КАРТИНА, КРАСИВАЯ ПРАЗДНИЧНАЯ ПЕВЦА (2023)Картина Марины Федоровой.

Перенося, а также продолжая этот дискурс в ближайшую современность, после просмотра работ Artmajeur, изображающих Леди Гагу, Бейонсе и Кэти Перри, очень похожих на работы Ирины Касцовой, Марины Федоровой и Собальварро, я понял, как эти три певицы иногда действительно переходил из мира музыки в мир изобразительного искусства. Фактически, первая звезда сотрудничала с Джеффом Кунсом, применила «метод Абрамовича», воссоздав прошлые выступления культового артиста, и была изображена художником-фотографом Робертом Уилсоном как одна из самых известных фигур в коллекции Лувра. Что касается Бейонсе, то, с другой стороны, певица, как известно, мастерски смешивает исторические отсылки к искусству в своих видео, журналах и обложках альбомов, создавая образ, призванный подчеркнуть ее образ напористой богини. Эта форма гибридизации искусств проистекает из семейного контекста, в котором росла художница, где мать поощряла ее размышлять о себе, используя позитивные, благородные и сильные образы из африканской, афроамериканской и женской иконографии в целом. . Заканчивая Кети, она сотрудничала с художником Уиллом Коттоном для создания видео California Gurls и со скульптором Урсом Фишером, швейцарским художником, которого она привлекла к продвижению своего альбома Witness, побудив его создать пластилиновую скульптуру, преломляющую Перри. сама. Наконец, опубликовав даже менее популярные отсылки к искусству в музыкальном мире, я возвращаюсь к своему топ-10, призванному проиллюстрировать, как самые популярные художники всех времен изображали музыкантов, ноты и музыкальные инструменты.

Топ-10: картины музыкантов

Эдуард Мане, The Fifer , 1866. Холст, масло, 160×98 см. Музей Орсе, Париджи.

10. Файфер (1866) Эдуарда Мане.

На нейтральном и пустом фоне, на котором пол почти неотличим от верхней части опоры, изображающей, возможно, стену интерьера, помещена фигура молодого волынщика, который, судя по его одежде, быть размещенным с Императорской гвардией, особенность, которая заставляет думать, что такая модель была приобретена для художника командующим Лейсне, хотя некоторые критики придерживаются гипотезы, что это Леон-Эдуар Коэлья, предполагаемый сын Мане и Сюзанны Линхофф. . Несмотря на эти болтливые идентифицирующие предположения, что действительно важно, так это способ трактовки вышеупомянутого предмета, направленный на то, чтобы сделать явным намерение французского мастера превзойти каноны фигурной живописи посредством разработки упрощенного языка, который, в времени, воспринимался как несколько провокационный по способу передачи форм, заданному сопоставлением двухмерных фонов. Наконец, возвращаясь к чучелу, важно больше, чем его личность, подчеркнуть, что он является фигурой явного латиноамериканского вдохновения, страны, в которой Мане также начал искать вдохновение в работах, хранящихся в музее Прадо в Мадриде. место, где он особенно восхищался работой Веласкеса, особенно впечатленный шедевром под названием Пабло де Вальядолид.

Эдгар Дега, Оркестр Оперы , 1868. Холст, масло, 56,5×46 см. Музей Орсе, Париж.

9. Оркестр Оперы (1868) Эдгара Дега.

Перспективный срез рассматриваемого шедевра, направленный на «обезглавливание» верхней части тел танцоров, изображаемый для того, чтобы дать нам понять, где мы находимся, при этом акцентируя внимание на тематике оркестра, по-видимому, заимствован из новоявленное фотографическое искусство, техника, которую Дега использовал в качестве источника вдохновения для многих своих картин, также экспериментируя со знакомыми и импровизированными отношениями. Возвращаясь к рассматриваемому шедевру, L'Orchestre de l'Operà в основном изображает некоторых музыкантов знаменитого парижского театра, помещая в центр портрет гобоиста, окруженного другими инструменталистами, за которыми наблюдают, в почти жутким образом, одинокой фигурой на заднем плане, изображенной внутри боковой сцены. Важно отметить, что описанный выше подход к предмету был несколько новым и нетрадиционным для того времени, так как в картинах того же века предметом исследования в основном была сцена, а изображений на самом деле немного. оркестра, которые можно найти в творчестве Доре и Домье. Более того, мы не знаем, благоприятствовал ли выбору такой темы тот факт, что вышеупомянутые музыканты были на самом деле знакомыми Дега, настолько, что среди них композитор Эммануэль Шабрие и гобоист Дезире Дио, жившие по соседству с ателье художника, когда он вернулся из Италии.

8. «Человек со скрипкой» Джорджа Брака

Несколько запутанный взгляд на формы, в котором отчетливо проявляются только светотени, направленный на создание, как ясно из названия, фигуры человека со скрипкой, предмета, переданного через наиболее типичную кубистскую оптику Брака, способного передавать образы через наложение разложившихся форм, которые в этом случае приобретают вид струнного музыкального инструмента, присутствие которого интуитивно ощущается в нижней, освещенной части опоры. Цель этой своеобразной точки зрения на реальность, несомненно, состоит в том, чтобы выйти за рамки более традиционного геометрического дизайна изображения, отдавая предпочтение описанию форм, выходящему за рамки простого наблюдения, побуждая зрителя воображать вещи, которые никогда прежде не воспринимались. Эта концепция искусства принимает компонент абстракции, основной интерес которого реализуется в фигуративной декомпозиции, направленной на то, чтобы стать точным изложением эстетического идеала, в котором человек и скрипка идентифицируются очень трудно и, конечно, посредством немногих деталей. способен руководить расшифровкой форм.

7. Урок игры на фортепиано (1916) Эрни Матисса

В отличие от большинства шедевров в истории искусства, призванных раскрыть отношения между человеком и музыкой через более популярное изображение извилистого движения в последовательности рук чучел, обращающихся своими «ласканиями» на конкретном музыкальном инструменте, у Матисса шедевр скрывает за партитурой это повторяющееся видение тактильной встречи. Я говорю об «Уроке фортепиано», картине французского мастера 1916 года, в которой запечатлено событие, обозначенное самим названием, которое, происходящее в гостиной дома художника в Исси-ле-Мулино, запечатлевает самого юного художника. сына, а именно Пьера, в то время как он намеревается попрактиковаться на вышеупомянутом инструменте, в окружении скульптуры его отца под названием «Декоративная фигура» (1908 г.), расположенной в левом нижнем углу подставки, и картина того же автора, изображающая женщина на табурете. Все рассказывается с помощью натуралистических стилистических приемов, от которых постепенно отказываются, поскольку они лишены деталей и обогащаются широкими фонами «абстрактного» цвета, с целью вызвать то самое мгновение, когда в интерьере внезапно появляется свет, обретая форму в зеленом треугольнике, расположенном возле французских окон-дверей, а также в такой же геометрической фигуре, которая предстает на лице юного главного героя произведения.

Амедео Модильяни, Виолончелист , 1909. Холст, масло, 73,5×59,5 см. Частная коллекция.

6. «Виолончелист» (1909) Амедео Модильяни.

Прежде чем приступить к анализу «Виолончелиста», следует прояснить некоторые ключевые моменты фигуративного исследования относительно жанра портрета, проведенного рассматриваемым итальянским мастером, типичным художником-наркоманом и проклятым алкоголиком, который понял человеческий субъект как конкретная возможность переплетения реляционных обменов, направленных на то, чтобы дать голос навязчивому таланту, готовому уловить самые сокровенные аспекты изображения, раскрывая их в своего рода внутреннем зеркале. По этой причине в большинстве случаев художник запечатлевает своих героев фронтально, выделяя их черты и часто слепые глаза. Однако в случае с «Виолончелистом» неуловимая перспектива, с которой схвачено лицо главного героя, лишает нас тщательной экстернализации его внутреннего «я», которое схватывается, скорее, в его интимных отношениях со своим инструментом. Кроме того, «Виолончелист» также является одним из немногих шедевров Амедео, в которых субъект увлечен чем-то другим, поскольку он чрезвычайно сосредоточен на выполнении действия, а не является статичной моделью, ожидающей изображения.

Марк Шагал, Скрипач , 1913. Картина,   188 × 158см. Stedelijk Museum в Амстердаме, Нидерланды.

5. «Скрипач» (1913) Марка Шагала.

«Музыкальный портрет» Марта Шагала выходит за рамки простого изображения образованного человека, занятого музицированием, поскольку представляет собой явное воспоминание о культурном наследии родины художника, которое с ностальгией вызывает как сходство вышеупомянутого исполнителя, и деревенская деревня, в которой он трудится, чтобы практиковать. К вышесказанному добавляются также религиозные убеждения Шагала, которые, ссылаясь на фигуру хабадских хасидов, признают музыку и танец средством достижения общения с Богом настолько, что сам скрипач считался необходимым присутствием на церемониях. и фестивали. Хотя рассматриваемая картина отражает близость ее создателя к его родной стране, она была завершена в 1913 году, то есть когда художник находился во Франции, месте, где он также усвоил некоторые стилистические черты кубизма, чтобы воплотить в жизнь Вышеупомянутое изображение, действие которого происходит именно в Витебске, резюмирует в одном характере ту борьбу, которая существует в каждом среднестатистическом человеке, направленную на противопоставление прохождения различных жизненных этапов.

4. Музыка I (1895) Густав Климт

С Климтом мы познакомились с типом изображения музыки, которым до этого момента в первой десятке несколько пренебрегали, а именно аллегорическим, переданным через изображение двух основных предметов: женщины, держащей лиру, и ее аналог, выполненный в образе сфинкса, нарисованного с правой стороны стенда, призванного изображать то египетское мифологическое существо, которое, полуженщина-полулев, способно соединить в себе полярность животного и духовного миров, а также инстинкты и разум. Что касается лирника, то, с другой стороны, она, предмет двух других работ художника, таких как панно, опубликованное в Ver Sacrum в 1901 году, и сцена из бетховенского «Фриза», создана как синтез теорий Шопенгауэра. , Ницше и Рихарда Вагнера, направленных на определение музыки как высшего искусства, поскольку она способна, независимо от слов и образов, передавать человеку знания. Все это сложное повествование доносится до зрителя с помощью точных стилистических приемов, сочетающихся в смешении фигурации и орнамента, двухмерности и рельефности, становясь явными манифестами юношеского стиля художника, неразрывно отмеченного модерном.

Ян Вермеер, «Урок музыки » , 1662 г. Холст, масло, 74,6 см × 64,1 см. Галерея Королевы, Лондон.

3. «Урок музыки» (1662) Яна Вермеера.

Прежде чем приступить к анализу шедевра, датированного 1662 годом, стоит пояснить, что музыка является несколько повторяющейся темой в творчестве Вермеера, художника, интерпретировавшего этот сюжет, один из самых знаковых в голландской живописи Золотого века, не менее чем в двенадцати из тридцати лет. - Шесть произведений искусства его руки известны в настоящее время. Этот образный выбор мог быть связан с тем, что произведения на музыкальную тему пользовались изрядным успехом у клиентов художника, представителей высшего общества, безусловно, имевших музыкальное образование. Рассматриваемый тип картин также был хорошо известен и востребован, потому что они часто содержали озорные, а также увлекательные отсылки к романтическим интригам, призванные повысить интерес к таким изображениям. То, что только что было установлено, также будет отражено в «Уроке музыки» (1662 г.), шедевре, в котором зеркало показывает, как на самом деле девушка больше заинтересована в наблюдении за джентльменом рядом с ней, а не за фортепиано. Подкреплением этих предположений может быть также латинский девиз, который появляется на девственнице: «Музыка - спутник радости и бальзам для печали», предназначенный для обозначения как успокаивающей силы музыки, так и сентиментальных превратностей.

Пабло Пикассо, Старый гитарист , 1903 год. Масло, панель, 122,9 см × 82,6 см. Художественный институт Чикаго.

2. «Старый гитарист» (1903) Пабло Пикассо.

Невозможно говорить о «Старом слепом гитаристе», не упомянув о синем периоде, к которому относится сам шедевр, который можно проследить до трех лет с 1901 по 1904 год и который посвящен воплощению через искусство глубокое горе, охватившее художника, неизгладимо отмеченное смертью его друга Карлоса Касагемаса, живописца, покончившего с собой из-за безответной любви к французской модели и танцовщице Жермен Пишо, главной героине многих полотен Пикассо. К гнусному событию, описанному выше, добавляются экономические трудности Пабло, который находит в синем цвете средство искупления своей печали, запечатленной в основном в изображении изгоев, беспокойных и драматических субъектов. Старый слепой гитарист хорошо вписывается в то, что только что было описано, сам представляя собой выражение недвусмысленной драмы и страдания, которым противостоит его гитара: музыкальный инструмент, представляющий жизнь и спасение, как искусство, per se всегда понимается как средство преодоления невзгод и видения видимой, опять же, красоты мира.

Караваджо, Музыканты , 1597. Холст, масло, 87,9×115,9 см. Метрополитен-музей, Нью-Йорк.

1. «Музыканты» (1597) Караваджо.

Масло на холсте итальянского мастера конкретизирует на живописной основе видение языческой аллегории, призванной воплотиться в образы трех юных музыкантов, одетых по старинке, которые находят свое место в тесноте. Описанное кажется трудным для толкования в эротическом ключе, хотя это было бы возможно, так как присутствие фигуры крылатого купидона, который намерен сорвать гроздь винограда, как бы указывает на воссоединение интимного характера , направленный на то, чтобы разразиться любовной страстью, типичной для ранних произведений Караваджо двусмысленностью. Рассматриваемый эротизм оживляют тела идеализированных молодых людей, с довольно нежными и утонченными лицами, в которых только персонаж, играющий на корнете, расположенный в центре, как бы приписывается жанру портрета, и именно автопортрета, настолько, что он мог изобразить самого молодого Караваджо, учитывая сходство последнего с другими современными ему картинами, в которых художник запечатлел свои собственные черты. Что касается одежды, то, с другой стороны, совсем не странно, что мастер сделал ссылку на древность, так как в то время молодые музыканты одевались в классическом стиле, то есть как Эрос, Вакх или ангельские певцы, так же как и могло иметь место во время спектаклей, любимых величайшим покровителем художника: кардиналом дель Монте. Наконец, в рамках великой итальянской искусствоведческой традиции стоит подчеркнуть, что художники калибра Джорджоне и Тициана обычно размещали музыкальные сюжеты на открытом воздухе, в пасторальных и аллегорических декорациях, в то время как Караваджо перенес тему в интерьер, новаторски объединив портреты, снятые с натуры и аллегорические изображения.