Можем ли мы поговорить о Ренессансе?

Тема ошеломляет меня, величие художников эпохи Возрождения пугает меня до такой степени, что я чувствую себя подавленным. Тема слишком высокая, почти божественная, а также обширная и примечательная во всех подробностях. Тем не менее, я постараюсь выбрать только десять художников из интересующего нас исторического периода, очень богатого другими достойными художниками, а также важными скульпторами и архитекторами, которых я оставлю для обсуждения в другой раз. Итак, в ответ на заглавный вопрос и после всех этих преамбул, я думаю, можно говорить о Возрождении, несмотря на сильное начало своеобразной меланхолии, наталкивающей меня на этот вопрос: что же произошло со всем этим древним величием человечества? Оставляя в стороне грустные рассуждения, готовлюсь сначала представить концепцию Возрождения, а затем и некоторые шедевры эпохи, которые вы, наверное, уже знаете...

Ренессанс вкратце

Эта вводная часть задумана только для того, чтобы представить художников, которые станут главными героями топ-10, поскольку Ренессанс и его история, безусловно, заслуживают более длинного текста, чтобы тщательно объяснить все его особенности. Говоря о Ренессансе, просто необходимо думать о периоде расцвета, времени возрождения, наступившего после самых мрачных столетий. Фактически, рассматриваемый период времени, который начался во Флоренции 14-го века и закончился примерно в середине 16-го века, ознаменовал пробуждение искусства, а также науки, математики, технологических интересов, философии, политики и многого другого. В основе этих подходов к оценке человеческого интеллекта и способностей лежал гуманизм, философская мысль, направленная на то, чтобы поместить человека и его труд в центр вселенной, контекст, ранее омраченный доминирующим присутствием католической церкви, пронизанный чувством грех и подавляющая идея необратимости человеческой судьбы. Гуманизм сопровождался возвратом к классической античности, то есть к тенденции искать и переосмысливать греческие и римские идеалы, всегда готовые подражать красоте, гармонии, симметрии или совершенным пропорциям в своем искусстве. Для достижения этих целей дух времени породил новые технические новшества, такие как натурализм, контрапосто, светотень и линейная перспектива, которые породили принципиально реалистическую фигуративную продукцию. Эти тенденции со временем претерпевали изменения, поскольку искусство Возрождения подразделяется на разные временные рамки или фазы: Проторенессанс, Раннее Возрождение, Высокое Возрождение, а также другие регионы за пределами Италии, которые вместе называются Северным Возрождением. Теперь начинается топ-10, представленный в хронологическом порядке: артисты по датам их рождения!

Изгнание из Эдемского сада до и после реставрации. Мазаччо, Изгнание из Эдемского сада, 1424.25. Аффреско. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине во Флоренции.

1.Мазаччо: Изгнание прародителей из Эдема (1424-25 гг.)

Вот как описывает искусство Мазаччо Джорджо Вазари: «Вещи, сделанные до него [до Мазаччо], можно назвать нарисованными, а его — живыми, истинными и естественными». После этой похвалы можно описать одно из самых известных произведений живописца, родившегося в 1401 году, — фреску «Изгнание прародителей из Эдема» в капелле Бранкаччи церкви Санта-Мария-дель-Кармине во Флоренции. На этом произведении Адам и Ева, вкусившие плода познания, непоправимо согрешили, ослушавшись Бога. Однако Мазаччо изображает момент, когда они буквально изгнаны из земного рая, предстают обнаженными, испуганными и несчастными, выведенными за каменный порог херувимом с мечом. Тосканский художник, кажется, остался в некоторой степени верен библейскому повествованию, хотя есть некоторые детали, которые отклоняются от слов Бытия. Фактически, в библейской истории главные герои будут одеты, есть несколько ангелов, и нет упоминания о существовании двери, которая сигнализировала бы о конце Рая и начале смертного мира.

Андреа Мантенья, Оплакивание мертвого Христа, около 1470-1474 или около 1483 года. Холст, темпера, 68 см × 81 см. Пинакотека Брера, Милан.

2.Андреа Мантенья: Оплакивание мертвого Христа (около 1470-1474 или около 1483 г.)

Мы уже прибыли к Мантенье, художнику, граверу и миниатюристу из Венецианской республики, родившемуся в 1431 году, автору культового «Мертвого Христа», шедевра, хранящегося в Пинакотеке Брера в Милане. Почему этот безжизненный Иисус так важен? Ведь история искусства полна подобных сюжетов... Собственно, нет, до Мантеньи никто с таким драматизмом не изображал эту сцену, дающую жизнь Сыну Божию, необыкновенно человечному, а в смерти он действительно принимает черты холодного тела, сложенного с креста. Это уже не просто изображение божества, ожидающего воскресения, поскольку безжизненное тело тяжело покоится на плите красного мрамора, которую можно идентифицировать как традиционный Камень Помазания, используемый для подготовки тела к погребению. Мы, зрители, также можем сосредоточиться на мелких деталях темперы, таких как раны от гвоздей, которые, возможно, также наблюдаются у трех скорбящих фигур в левой части панели, которые можно идентифицировать, несмотря на морщины и резкие следы Мантеньи, как фигуры Мадонны. Святой Иоанн и Мария Магдалина.

Перуджино, «Брак Богородицы», 1500–1504 гг. Дерево, масло, 234 см × 185 см. Музей изящных искусств, Кан.

3.Перуджино: Брак Богородицы (1501-1504).

Итальянский художник, родившийся в 1448 году, известен по-разному, например, Пьетро ди Кристофоро Ваннуччи, Пьетро Перуджино и Иль Перуджино, а также как «божественный художник». Это последнее наименование сразу передает уровень художника, о котором мы говорим, который одновременно руководил двумя мастерскими, одной во Флоренции, а другой в Перудже, и учился у Верроккьо, наряду с Боттичелли и Леонардо да Винчи! Художник, считающийся одним из величайших представителей гуманизма, является автором знаменитой картины «Брак Богородицы», которая сейчас находится в Музее изящных искусств в Кане. Грабежи Наполеона в 1797 году действительно привели картину маслом на дереве во Францию, где она рассказывает о радостном событии христианской традиции, посвященном бракосочетанию Девы Марии и Святого Иосифа. В творчестве художника храм служит фоном для этого эпизода, стремясь синтезировать идеалы Возрождения, а не честно отсылая к классической модели. Композиция картины напоминает более раннюю фреску Перуджино «Доставка ключей», на которой большое восьмиугольное здание центрального плана расположено в конце перспективного шахматного пола, призванного усилить сцену на переднем плане, придерживаясь при этом идеала геометрической рациональности. того времени, аналогично использованному Рафаэлем в его «Браке Богородицы».

Гирландайо, Поклонение пастухов, 1485. Панель, темпера, 167×167 см. Базилика Санта-Тринита, капелла Сассетти, Флоренция.

4. Гирландайо: Поклонение пастухов (1485 г.)

Доменико Бигорди, известный как Гирландайо (1448-1494), был художником, работавшим в основном во Флоренции, месте, где он родился и отличился в тот период расцвета, которым правил знаменитый Лоренцо Великолепный. Его Поклонение определенно датировано 1485 годом. Откуда мне знать? Посмотрите сами на одну из двух коринфских капителей, поставленных на подпору крыши хижины, под которой стоят животные, которые, словно люди, словно созерцают перед собой Мадонну с Младенцем. Итак, вы видели год, выраженный римскими цифрами? Что ж, я могу показать вам и другие вещи, поскольку в квадратной композиции, выполненной в соответствии с традиционной иконографией, мы находим несколько отсылок к древнему миру, например, в помимо вышеупомянутых колонн, триумфальная арка и римский саркофаг, служивший яслями. Кроме того, латинская надпись на последнем, призванная намекнуть на событие рождения Христа, столь же точна, как и жест, который Иосиф делает для наблюдения за дальнейшим шествием, дотошность, подтверждающая большое внимание мастера к казни, вероятно, также обусловленное тщательным наблюдением. фламандской традиции.

Леонардо да Винчи, Мона Лиза, 1503-1505 гг. Панно из тополя, масло, 77 см × 53 см. Лувр, Париж.

5.Леонардо да Винчи: Мона Лиза (1503-1505).

Часто Данте в «Божественной комедии» теряет сознание, он теряет сознание в сложных ситуациях, когда его тело не может выдержать то, что воспринимает его разум. Боже, когда я писал имя Леонардо, я чувствовал себя немного так, поскольку мастер, родившийся в 1452 году, считается одним из величайших гениев человечества, прекрасно способным полностью воплотить дух своего времени, нацеленный на достижение высочайших проявлений человека. в сфере искусства и знания. Его самая известная картина, да и вообще самая известная картина в мире, — «Мона Лиза», шедевр, который также привлек интерес Зигмунда Фрейда. Фрейд вместо того, чтобы полагать, что изображенная женщина была Лизой Герардини, утверждал, что мастер увековечил свою мать, фигуру, преждевременно ушедшую из его жизни. Фактически художник, внебрачный ребенок нотариуса и слуги, провел свои ранние годы со своей матерью Катериной, прежде чем переехать жить к отцу и своей новой молодой жене. Кроме того, мать художника умерла, когда ему было всего пять лет, и этот факт, по мнению психоаналитика, оказал неизгладимое влияние на развитие личности Леонардо. Эту гипотезу потенциально подтверждает пейзаж позади главного героя шедевра, который, кажется, намекает на место детства Леонардо возле реки Арно.

Микеланджело, «Сотворение Адама», около 1511 г. Фреска, 280 см × 570 см. Потолок Сикстинской капеллы.

6. Микеланджело: Сотворение Адама (около 1511 г.)

Вот он, Микеланджело! В Капрезе (Ареццо, Тоскана) родилась личность, столь же блестящая, сколь и беспокойная, прозванная Божественным Художником и признанная одним из величайших мастеров всех времен даже своими современниками, Микеланджело Буонарроти, художник, скульптор, архитектор и поэт. 6 марта 1475 года. Работа, которая продемонстрирует его бессмертный талант, — это «Сотворение Адама», фреска в Сикстинской капелле, одно из самых известных и знаковых произведений в истории искусства. Оно принимает форму изображения Бога, подвешенного в ореоле, который несут ангелы, Его рука вот-вот встретится с рукой Адама, лежащего слева и появляющегося на лугу. В чем смысл того, что мы видим? Фон, не изображающий деталей, погружает нас в контекст сотворения Адама, а значит и человечества, конкретно говоря о том моменте, когда Бог-Отец протягивает Свою руку, чтобы физически прикоснуться к юноше, передавая искру жизни ему. ему. На этом этапе я хочу закончить интересным моментом: жест, подобный показанному выше, можно найти в «Благовещении в Честелло» Сандро Боттичелли, где архангел Гавриил протягивает руку к Богородице, создавая драматические и театральные движения, построенные вокруг диагональ, созданная руками двух главных героев.

Тициан, Венера Урбино, 1538. Холст, масло, 119 см × 165 см. Уффици, Флоренция.

7.Тициан: Венера Урбино (1538).

В этой десятке каждый художник для меня душераздирающий опыт, слишком много величия в одной статье. Но прежде чем снова упасть в обморок, могу ли я поговорить о Тициане? Да, Тициано Вечеллио, известный просто как Тициан, был итальянским художником, родившимся в 1488 году, видным деятелем венецианской школы, стилистические элементы которого частично обобщены знаменитым шедевром «Венера Урбино». Холст, масло, несмотря на идеально сбалансированную композицию, сохраняет естественность фигур, уделяя особое внимание главной героине — обнаженной Венере, полулежащей на белой простыне, держащей свой бюст правой рукой и поддерживающей руку на двух подушках. Женщина смотрит прямо на наблюдателя, при этом левой рукой прикрывает лобок, а правой держит несколько роз, часть из которых упала на красную кровать. В комнате в стиле ренессанс, помимо маленькой собачки рядом с богиней, на заднем плане можно увидеть двух служанок, достающих одежду из сундука. Однако понять шедевр можно, просто обратившись к его покровителю Гвидобальдо, который намеревался использовать картину как напоминание и образец супружеской жизни, которую он посвятил своей жене Джулии да Варано. Собственно, некоторые элементы полотна об этом говорят ясно: розы символизируют красоту, которая, в отличие от вечной верности, которую символизирует собака, тускнеет с течением времени. Поэтому, а не физической доблести, во время долгой истории любви предпочтение отдается уважительному отношению, которое всегда поддержит супругов...

Пьеро делла Франческа, Крещение Христа, 1445 г. Панель, темпера, 167 см × 116 см. Национальная галерея, Лондон.

8. Пьеро делла Франческа: Крещение Христа (1445 г.)

В центре композиции мы находим Иисуса, а справа Иоанн Креститель занимает свою позицию; они — главные фигуры этого шедевра, окруженные ангелами и более отдаленной мужской фигурой, появляющейся перед группой греческих жрецов. Сцена крещения, обретающая конкретное пространство над главой Сына Божия руками Иоанна, искусно изучена, хотя и может показаться несколько случайной. Художник, по сути, придерживался точных математических правил, направленных на то, чтобы придать картине ощущение спокойствия и безмятежности, прежде всего за счет своеобразного геометрического построения, которое Пьеро описал и в трактате «De quinque corporibus Regularibus». Все это исследование становится очевидным, когда мы разбираем композицию, пытаясь найти в ней фигуру квадрата, форма которого простирается от основания опоры до чуть выше голубя. Впоследствии в верхнюю часть работы можно было бы поместить полукруг, который, если разделить его пополам, раскроет Иисуса как бесспорную центральную фигуру наряду с рукой Иоанна и вышеупомянутым животным. Как все это интерпретативно вписывается в то, что было описано до сих пор? Даже в этом случае за простым посланием скрывается более сложное и символическое, готовое раскрыться в различных представленных элементах, таких как, например: пышное дерево, увядший куст, голубь, ангелы. . Первое относится к богатству жизни верующих, второе — к нищете некрещеных, третье — к Святому Духу, а последнее — к Троице... Что касается художника Пьеро ди Бенедетто де Франчески, широко известный как Пьеро делла Франческа, родившийся в Сансеполькро в 1412 году, был итальянским художником и математиком, безусловно, одной из самых символичных фигур итальянского Возрождения, принадлежащим ко второму поколению художников-гуманистов.

Рафаэль, Афинская школа, 1510. Фреска, 500 см × 770 см. Апостольский дворец, Ватикан.

9. Рафаэль: Афинская школа (1510 г.)

Считающийся одним из величайших художников всех времен, Рафаэль Санцио (1483-1520), художник и архитектор, является создателем одного из самых известных произведений в истории искусства: фрески «Афинская школа» в люнет в зале Сеньятуры в Ватиканских дворцах (Ватикан). Шедевр изображает классическое здание с полом, украшенным правильными квадратами, готовым для размещения лестницы, на которой размещены различные старинные архитектурные элементы. Все это было задумано как превосходная декорация, на которой, помимо голубого неба на заднем плане, изображены известные персонажи, ученые и интеллектуалы, которые были современниками мастера, а также принадлежали к классическому миру. Фактически, в центре фрески расположены фигуры Платона и Аристотеля, готовые прояснить смысл всей композиции: прославить римскую цивилизацию и папство как наследника древнего величия. В частности, согласно программе Папы Юлия II, Зал Сеньятуры должен был представлять философию, воплощающую ценности добра, истины и красоты, единственные пути, по которым человек может достичь Бога.

Боттичелли, «Рождение Венеры», 1476–1487. Холст, темпера. 172,5 см × 278,9 см (67,9 × 109,6 дюйма). Уффици, Флоренция.

10.Боттичелли: Рождение Венеры (1476-1487).

Завершаем этот неисчерпывающий обзор десятой позицией, твердо занятой Боттичелли, который не хотел и не мог быть исключен. Алессандро ди Мариано ди Ванни Филипепи, известный под своим художественным именем Сандро Боттичелли, родившийся в марте 1445 года во Флоренции, был художником эпохи Возрождения, прославившимся в основном своим «Рождением Венеры», темперой на холсте, которой восхищаются в галерее Уффици (Флоренция). Работа, занимающая десятое место в рейтинге, идущем только по старшинству мастеров, представляет в центре фигуру богини, стоящей на морской ракушке, готовой направиться к берегам Кипра, где один из Часов или один из Граций, ждет ее, предлагая вышитое платье. Все это становится возможным благодаря ветру, олицетворяемому Зефиром, дыхание которого, исходящее слева, позволяет двигаться Венере, а сам он наслаждается объятиями нимфы Хлорисы. Картина была создана, чтобы проиллюстрировать рассказ Овидия в «Метаморфозах», хотя она противоречит своему названию, поскольку изображает не рождение богини, а ее путешествие. Зачем же тогда обращаться к «Метаморфозам»? «Рождение Венеры», как и «Примавера» Боттичелли, были задуманы в рамках флорентийской неоплатонической культуры, поддержанной многими интеллектуалами, пропагандирующими взгляд на любовь как жизненный принцип, полный силы обновления в природе.