Начиная с XIX века скульптура претерпела значительные изменения, особенно в связи с появлением новых материалов и новых техник, которые расширили границы этого вида искусства. Следующий век ознаменовался поворотным моментом: модернистские движения бросили вызов традиционным подходам к скульптуре. Художники начали экспериментировать с нетрадиционными материалами, такими как железо, сталь и гипс, вдохновляясь индустриализацией и технологическим прогрессом.
Кроме того, появление синтетических материалов, таких как смола, пластик и стекловолокно, открыло новые возможности для скульпторов. Эти легкие, легко адаптируемые материалы позволили создать сложные узоры, яркие цвета и экспериментальные техники.
В период с конца XX по начало XXI века такие материалы, как цемент, бетон и алюминий, стали пользоваться большой популярностью, что отражало сдвиг в сторону архитектурных влияний и крупномасштабных общественных инсталляций. Современные художники часто сочетают традиционные и современные материалы, исследуя темы, связанные с идентичностью, экологией и социальным комментарием.
Таким образом, становится очевидным, что с XIX века и до наших дней скульптура претерпела эволюцию от своих классических корней в динамичную и многогранную форму искусства. Каждый материал, появлявшийся с течением времени, будь то традиционный или современный, помогал переосмыслить возможности художественного выражения, отражая культурные, технологические и философские изменения каждой эпохи.
БРУТАЛИСТСКАЯ ГОЛОВА ЗОИ (2024) Скульптура Паоло Кастанья (бруталистический дизайн)
Бетон и итальянский брутализм
Бетон, который часто игнорируется в художественных и архитектурных повествованиях в пользу более «благородных» материалов, таких как мрамор или дерево, сыграл центральную роль в смелой и решительной революции. В Италии его принятие ознаменовало собой важный поворотный момент в современной и послевоенной архитектуре, привнеся радикальные инновации, изменившие городской ландшафт. В основе этого движения лежит брутализм — подход, который прославляет необработанный бетон не только как структурную основу, но и как мощное средство эстетического и философского выражения. Брутализм превращает бетон в символ прочности и архитектурной искренности, раскрывая внутреннюю энергию эпохи, которая осмелилась порвать с прошлым, чтобы сформировать будущее.
Но вернемся немного назад: как и где возник брутализм?
Этот смелый архитектурный стиль, получивший свое название от французской фразы « béton brut», появился в 1950-х и 1960-х годах. Характеризующийся преднамеренным использованием открытого железобетона, брутализм подчеркивает функциональность и геометрию весьма заметным образом. Такие мастера, как Ле Корбюзье, заложили основы этого движения своими работами, прославлявшими сырую материальность и структурный эссенциализм. Распространяясь по всему миру, брутализм принимал различные формы: от строгой европейской эстетики до динамизма своих проявлений в Бразилии и Индии. Яркими примерами этого движения являются Барбикан-центр в Лондоне, Бостонская ратуша и Центр Помпиду в Париже, все из которых демонстрируют внушительную, но функционалистскую эстетику.
Но разве мы не должны были говорить об Италии?
Точно, я не забыл Bel Paese ! В Италии брутализм оставил неизгладимый след благодаря изобретательности таких мастеров, как Пьер Луиджи Нерви и Джузеппе Перуджини. Возьмем, к примеру, Палаццо дель Лаворо в Турине и Палаццо делло Спорт в Риме: эти памятники — не просто опоры для сложных и динамичных сооружений, а настоящие визуальные рассказчики историй. Они порывают с традициями и принимают видение, в котором бетон — это уже не просто материал, а символ современности и устойчивости.
В то же время проекты итальянских бруталистов, хотя и бросают вызов эстетическим условностям, часто отличаются определенным диссонансом в своем окружении, смело и порой противоречиво выделяясь в городской и культурной ткани. Эти сооружения, часто воспринимаемые как холодные или чуждые, олицетворяют важную главу в истории итальянской архитектуры, превращая бетон из простого конструктивного элемента в мощный инструмент художественного и архитектурного выражения. Их внушительные формы и необработанные бетонные поверхности побуждают нас задуматься об их визуальном воздействии и их способности влиять на городской ландшафт и радикально его преобразовывать, вызывая постоянные дебаты об их интеграции или контрасте с существующей средой.
Современный брутализм Паоло Кастаньи
Скульптура Паоло Кастаньи 2024 года «Голова брутализма Зои» представляет собой замечательный пример того, как брутализм, изначально зародившийся в архитектуре, нашел свое выражение в искусстве и дизайне.
Творчество Кастаньи красноречиво преодолевает разрыв между архитектурным и скульптурным брутализмом, наглядно демонстрируя, как принципы, изначально задуманные для внушительных сооружений, могут быть переосмыслены в более личных и интимных произведениях искусства. В этом переходе от макро к микро Кастанья сохраняет суть основательности и подлинности, которые делают брутализм одновременно провокационным и захватывающим течением.
Выбор бетона, символа и столпа брутализма, не случаен: с помощью этого материала художник исследует и передает ощущение силы и чистоты, превращая каждую скульптуру в осязаемый диалог между создателем и наблюдателем. Кастанья смело воспевает красоту несовершенств и выразительную силу промышленных материалов, приглашая зрителя заново открыть для себя неповторимое очарование неровностей поверхности.
Вход в храм (2023) Скульптура Эммануэля Пасселеу
Бетон: от римской архитектуры до современной скульптуры
Внезапно мы оказываемся под палящим солнцем Рима, среди группы туристов, очарованных историей и красотой памятников, окружающих Вечный город. Наш гид с энтузиазмом подводит нас к одному из самых символичных зданий и начинает говорить:
«Пантеон, настоящая архитектурная жемчужина Древнего Рима, находится в районе Пинья, в самом сердце исторического центра. Первоначально построенный как храм, посвященный всем божествам, его история начинается в 27 г. до н. э., когда Марк Випсаний Агриппа, зять императора Августа, воздвиг его в честь богини Кибелы и других богов».
«Бла, бла, бла...»
«Но знаете ли вы, из чего сделан Пантеон? Он в основном построен из бетона! »
Однако бетон, который использовали древние римляне, в том числе и при строительстве Пантеона, обладает уникальными характеристиками, которые существенно отличают его от современного бетона. Одним из его основных ингредиентов является пуццолан — вулканический пепел, который при смешивании с известью и водой образует чрезвычайно прочный раствор. Пуццолан содержит кремнезем и глинозем, которые вступают в реакцию с известью в присутствии воды, образуя гидравлические цементные соединения, способные затвердевать даже под водой, придавая конструкциям исключительную долговечность и устойчивость.
Сегодня бетон обычно представляет собой смесь портландцемента, песка, гравия и воды. В отличие от пуццолана, современный цемент требует обжига при чрезвычайно высоких температурах и не обладает гидравлическими и самовосстанавливающимися свойствами римского бетона.
Если когда-то широко используемый бетон применялся почти исключительно в архитектурных целях, то современный бетон приобрел новую роль, став более молодым и выразительным художественным языком. В отличие от традиционных материалов, таких как мрамор или бронза, лишь в последние десятилетия многие художники стали выбирать его в качестве материала, привлеченные его пластичностью и материальностью.
Прошлое и настоящее в скульптурном творчестве Эммануэля Пасселеу
Современное скульптурное произведение, которое также напоминает об исторической связи бетона и архитектуры, — «Вход во храм» Эммануэля Пасселеу (2023). Эта скульптура сочетает в себе основные архитектурные элементы с минималистской и визионерской эстетикой, а ее форма представляет собой часть воображаемого храма, где лестницы, арки и проемы вызывают в памяти чистую и функциональную геометрию классической архитектуры. Бетон с его грубой и естественной текстурой становится не только средством выражения, но и концептуальным мостом между прошлым и настоящим, вызывая в памяти прочность и неподвластность времени древних сооружений.
Планета Стрёмендер (2022) Скульптура Николауса Вайлера
Алюминий между модернизмом, поп-артом и переработкой
Алюминий — сравнительно новый материал в искусстве. Хотя художники использовали металлы с древних времен, тот, который нас интересует, не был доступен, пока Ганс Христиан Эрстед впервые не выделил его в 1820-х годах. Однако только с разработкой процесса Холла-Эру в 1886 году, который значительно снизил производственные затраты, алюминий стал широко доступен для более широкого применения.
Каково было одно из первых применений алюминия в искусстве?
Первое известное художественное применение алюминия относится к 1893 году, когда была создана скульптура Альфреда Гилберта «Антерос» , полностью выполненная из алюминия. Расположенная на вершине Мемориального фонтана Шефтсбери на площади Пикадилли в Лондоне, работа посвящена графу Шефтсбери, филантропу викторианской эпохи, и стала символом технологических инноваций.
Алюминий, становившийся все более доступным в начале XX века, стал излюбленным материалом модернизма. В 1930-х годах Александр Колдер начал использовать тонкие листы алюминия для своих знаменитых мобилей — легких кинетических скульптур, которые двигались с помощью воздушных потоков. Он использует легкость и гибкость материала, чтобы создавать произведения, которые, кажется, бросают вызов гравитации, тем самым предлагая новый способ понимания взаимосвязи искусства и пространства.
В 1960-х годах скульптор-абстракционист Билл Барретт начал использовать алюминий для крупномасштабных работ. Его скульптура «Хари IV» , высотой более 30 футов, встречает учеников у входа в среднюю школу Нью-Дорп на Статен-Айленде, демонстрируя, как алюминий можно использовать для создания монументальных произведений, которые остаются легкими и элегантными.
Позднее алюминий перестал рассматриваться просто как материал, но и как символ современности, массового производства и потребительства. Именно это сделало его неотразимым для поп-артистов, в частности, Джеймса Розенквиста, который использовал алюминий в своей работе «F-111» .
Наконец, важно подчеркнуть, что алюминий, с его бесконечной пригодностью к вторичной переработке, продолжает вдохновлять многих художников, которые экспериментируют с повторным использованием выброшенных предметов для создания все новых произведений искусства.
Современная скульптура: алюминий и абстрактная геометрия Николауса Вайлера
Скульптура Николауса Вайлера «Планета Стрёмендера» (2022) — это алюминиевая работа, которая выделяется своим сильным визуальным и концептуальным воздействием, характеризующимся гармоничным взаимодействием формы, материала и динамизма.
Название вызывает идею непрерывного движения, динамизма и трансформации — центральных тем художественной практики Вайлера. Скульптура исследует концепцию потока и изменения, возможно, олицетворяя цикл жизни, постоянную эволюцию энергии или взаимозависимость между природными и рукотворными элементами.
В работе сочетаются алюминий и дерево — два материала с контрастными характеристиками, которые гармонично взаимодействуют. Алюминий с его полированной отделкой и серебристым цветом ассоциируется с современностью, легкостью и технологичностью. С другой стороны, дерево с его теплой и органической текстурой напоминает о природе и традициях. Выбор материалов подчеркивает напряжение между искусственным и естественным, жестким и текучим — основополагающими элементами художественной концепции Вайлера.
Buona'Pop-Art! : Поп-император (2024) Скульптура Ахава
Пластик: «новый» материал для искусства
Представьте себе, что вы идете по музею в окружении современных скульптур. Одна из них привлекает ваше внимание: извилистая фигура с плавными формами и яркими цветами, которые кажутся почти искусственными. Вы подходите к нему, пытаясь угадать, из какого материала он сделан. Мрамор? Стекло ? Смола? Затем вы читаете этикетку: пластик.
Материал, который часто считают банальным и обыденным, но который в руках талантливых художников становится необыкновенным инструментом для творчества. Пластик зарекомендовал себя как фундаментальный элемент современного искусства, открывая новые возможности выражения и меняя наше восприятие взаимосвязи между искусством, материалами и нашим миром.
Появившись во второй половине XIX века с изобретением целлулоида, пластик пережил бум производства в XX веке благодаря открытию синтетических материалов, таких как ПВХ, полиэтилен и оргстекло. Его легкость, пластичность и способность принимать практически любую форму и цвет делают его необычайно универсальным материалом, подходящим как для монументальных работ, так и для сложных скульптурных деталей.
В отличие от традиционных материалов, таких как мрамор или бронза, пластик олицетворяет собой разрыв с прошлым. Это символ технического прогресса и современной эпохи, но он также несет в себе важный аспект: его воздействие на окружающую среду. Это двойное значение — инновации и забота об экологии — делает его идеальным материалом для художников, стремящихся размышлять о нашем времени.
Переосмысление Наполеона Ахавом в поп-арте
«Buona'Pop-Art! The Pop Emperor» — скульптура Ахава — смелая и современная дань уважения, переосмысливающая одну из самых знаковых фигур в истории в минималистской, символичной и очень поп-стиле. ВОЗ ?
Наполеон Бонапарт!
Скульптура выделяется своим геометрическим и стилизованным дизайном. Лицо Наполеона сведено к почти абстрактной сущности, его угловатые формы напоминают классические бюсты, но радикально упрощены. Голову венчает его знаменитый черный двурог, мгновенно узнаваемый символ императора, представленный здесь в сущностной и модернизированной форме.
В центре композиции доминирует массивное красное сердце, расположенное вместо традиционного бюста. Такой выбор формы и цвета символизирует страсть, силу и человечность, подчеркивая эмоциональное и символическое измерение исторического персонажа. Скульптуру завершает темно-синее основание, которое обеспечивает визуальную устойчивость и добавляет глубину всему изделию.
Цвета — черный, белый, красный и синий — выбраны не случайно. Они отражают сочетание силы, смелости и современности, используя универсальный хроматический язык, который вызывает ассоциации с французским флагом, но в то же время перекликается с поп-артом своей динамичностью и простотой.
Железный век (2024) Скульптура Романа Рабыка
Необыкновенные эффекты смолы
В конце упомянутой выше экскурсии по музею, перед последней выставленной работой, взгляд падает на необычную скульптуру. Поверхность ее кажется блестящей, почти жидкой, а ее формы словно парят в пространстве. Его прозрачность и цветовые нюансы делают его неоднозначным: может ли это быть стекло или керамика, а может быть, даже металл? Затем, прочитав этикетку, мы обнаруживаем, что она сделана из смолы — материала, который все чаще находит свое место в современном искусстве.
Смола — это органическое вещество, натуральное или синтетическое, способное затвердевать, превращаясь в прочный и стойкий материал под воздействием определенных химических процессов. Если раньше его использовали в основном в промышленности или ремеслах, то сегодня он завоевал мир искусства благодаря своей универсальности. Синтетические смолы, такие как эпоксидная, полиуретановая или полиэфирная, открывают неограниченные возможности для экспериментов.
Современные художники выбрали смолу именно за ее способность создавать необыкновенные эффекты. С его помощью можно создавать полупрозрачные и светящиеся произведения, преломляющие свет, как стекло, или гладкие и отражающие поверхности, напоминающие полированные металлы. Возможность смешивания различных пигментов и материалов обеспечивает бесконечный спектр оттенков и цветовых игр. Кроме того, легкость и прочность смолы делают ее идеальным материалом для создания крупномасштабных работ, лишенных веса и хрупкости, присущих более традиционным материалам.
А как насчет устойчивости?
Поскольку смола по сути является синтетическим материалом, традиционные варианты не обязательно являются экологически чистыми. Однако в последние годы исследования разработали новые альтернативы, такие как биосмолы или переработанные материалы, способные снизить воздействие на окружающую среду без ущерба для художественного качества. Все больше художников прибегают к экологически безопасным решениям, экспериментируют с новыми техниками, чтобы объединить инновации и устойчивое развитие.
Бюст Романа Рабыка из смолы
Скульптура Романа Рабика «Железный век» представляет собой эмоциональное и символическое путешествие по драматическим событиям, сформировавшим современную Украину. Скульптура, созданная из комбинации полиэфирной смолы, металла, акрила и лака, воплощает в себе глубокие размышления о конфликте, устойчивости и национальной идентичности.
Бюст представляет собой человеческое лицо, отмеченное сетью текстур и надрезов, вызывающих в памяти раны, шрамы и фрагменты недавней истории. Грубый металлический вид поверхности переплетается с прозрачностью и слоистостью смолы, создавая ощущение трансформации и устойчивости. Выбор материалов — диалог между весом и прочностью металла и гибкостью смолы — символизирует как внутреннюю силу, так и хрупкость человека перед лицом насилия и перемен.
Наконец, скульптура как будто олицетворяет переход от метафорического железного века к эпохе обновления и размышлений. Твердость металла олицетворяет жестокость и напряжение реальности, а использование смолы и лака предполагает возможность исцеления и трансформации. Детали лица, которые проявляются как отголоски глубоких эмоций, побуждают зрителя задуматься о переживаниях человека во времена кризиса.
Olimpia Gaia Martinelli
