O que te inspirou a criar obras de arte e se tornar um artista? (acontecimentos, sentimentos, experiências...)
Minha produção artística pessoal começa por volta dos cinco anos. Minha primeira grande influência artística foi a descoberta, por volta dos quatorze anos, do cinema da nova Hollywood. Assistir a esses filmes foi um choque estético significativo porque seu trabalho era tematicamente complexo, formalmente inovador, moralmente ambíguo e rico em ressonância mítica. A nova Hollywood viu nascer alguns dos maiores diretores e maiores obras da história do cinema onde imoralidade e violência extrema, antes censuradas pelo código Hays, se entrelaçam em histórias crepusculares e desesperadas. A ambiguidade, a visão realista dos indivíduos e dos seus problemas, a vontade de explorar as profundezas da alma humana e a utilização de anti-heróis são temas que se destacam no meu trabalho pictórico.
Qual é a sua formação artística, as técnicas e temas que experimentou até agora?
No começo eu era mais desenhista do que pintor, depois experimentei tinta acrílica, que não gostei (secagem rápida, falta de nuances, etc.). Descobri a pintura a óleo e seus segredos em 2010, fiquei imediatamente convencido de que essa técnica serviria ao meu propósito. Também aprecio muito o pastel seco que também me permite traduzir os ambientes frios de que gosto.
Quais são os 3 aspectos que o diferenciam de outros artistas, tornando seu trabalho único?
- O desejo de produzir não um trabalho da moda, mas um trabalho atemporal.
- Proponho um diagnóstico do ser humano contemporâneo explorando tanto quanto possível o que constitui as suas forças e fraquezas.
- Mantenho um nível de exigência muito elevado para produzir obras dominadas e relevantes.
De onde vem sua inspiração?
A história da pintura com os mestres do gênero (Vermeer, Rembrandt, Van Eyck, Da Vinci, Botticelli, Raphaël, Caravaggio, Giorgione, Poussin, David, Munch, Manet, Hammershoi), Cinema e poesia do século XIV.
Qual é a sua abordagem artística? Que visões, sensações ou sentimentos você deseja evocar no espectador?
Desenvolvo o conceito de “pintura silenciosa” através da pintura a óleo. A noção de pintura “silenciosa” é uma tentativa de materializar o silêncio com um meio que surgiu no século XV. O objetivo é conjugar escolhas estéticas de forma a criar uma atmosfera estagnada, onde o tempo parece estar suspenso. Paleta de cores restrita, ruínas contemporâneas como imagem do espaço mental de um ser humano e objetos inanimados como autômatos, bonecos e figuras de cera são os principais componentes.
A combinação desses diferentes elementos tende a se aproximar do conceito de "estranheza perturbadora" teorizado por Sigmund Freud em 1919. Na verdade, a pintura silenciosa é uma estrutura criada para dar conta das profundezas da alma humana. O estranho, etimologicamente o que é externo, não familiar, também pode se referir ao que está escondido no fundo. Meu trabalho é de certa forma uma autópsia da psique humana – Silêncio como estado sonoro, silêncio como meditação, silêncio como dor. Pintura como expressão, pintura como convicção, pintura como paixão.
Como é o processo de criação de suas obras? Espontâneo ou com um longo processo preparatório (técnico, inspiração em clássicos da arte ou outros)?
Acho que o artista é um tradutor do pensamento. O escritor põe palavras nos pensamentos, o pintor traduz esses pensamentos para ele por meio de imagens. Ele tenta transformar em representação visível e palpável a inscrição secreta alojada no fundo de nós. Trata-se de traduzir a imagem ancorada profundamente no indivíduo para torná-la o mais eficaz possível. O artista utiliza uma multiplicidade de ferramentas à sua disposição (organização e composição da imagem, escolhas cromáticas, colocação e escolha precisa dos diferentes elementos que compõem a tela) para refletir o seu pensamento. É um vai e vem constante entre a psique e a mão do pintor.
A criação é um processo complexo e irregular que pode causar grande frustração no artista se ele não conseguir transcrever suas ideias como havia imaginado no início. Parece que o mais difícil é combinar a substância (idéias, sentimentos, lembranças) e a forma da forma mais óbvia possível. O ideal seria criar um trabalho o mais "fluido" possível, onde as longas horas de trabalho não aparecessem na imagem. Há sempre uma lacuna entre a ideia inicial, essa coisa mental (uma ideia, um instante gravado na nossa memória como uma memória um tanto amorfa e inerte, sem estrutura como um fantasma) e o objeto concreto produzido posteriormente, o que explica porque há sempre uma espécie de decepção, frustração após a conclusão de um projeto. É uma luta com o material, para dominá-lo e levá-lo à plena realização da ideia que animou o artista na sua primeira inspiração.
A realização de uma pintura ou de uma escultura exige grande concentração e envolvimento constante, não é divertido ou algo que se leve a sério, pelo contrário, é preciso vender muito a pele para ter sucesso. à produção de plástico. Na minha pintura procuro nunca ser demasiado didáctico porque me parece que o diálogo entre criador e receptor da obra é sobretudo rico no que não se diz, no que não se sabe. O espectador é levado a uma reflexão própria se não for submetido a conclusões prontas do artista. Além disso, a inspiração não vem por mágica, mas pelo trabalho, então o assunto de uma pintura deve amadurecer em mim como a gestação de uma criança até o parto.
A obra é resultado de um longo processo de reflexões, análises e descobertas, é um empreendimento complexo e um caminho repleto de armadilhas. Cada pintura representa uma prova de aprovação para o meu direito de criar, enfrentar uma tela em branco é um desafio que deve ser superado a cada nova criação. Atormentado por dúvidas e confrontado com uma infinidade de perguntas: fiz a escolha certa? A composição é adequada para o meu tema? Vou passar tecnicamente nessa parte do rosto? Serei capaz de renderizar esta luz corretamente? O processo de criação artística é de certa forma um parto doloroso.
Você usa uma técnica de trabalho específica? em caso afirmativo, você pode explicar isso?
Em meu trabalho, certifico-me de que o toque pictórico não seja percebido, ele permaneça afastado do assunto. O ideal é fazer com que as pessoas esqueçam a presença do pintor para que o espectador veja apenas os objetos. Inversamente, Rembrandt, por exemplo, busca tornar visível o traço de seu pincel e criar efeitos de empastamento. Tal como em Vermeer, as minhas pinturas situam-se sempre em interiores onde dou especial atenção à luz e sombras porque são dois factores que me vão permitir traduzir este espaço mental atormentado, trata-se de encontrar o equilíbrio certo entre sombra e luz, tudo, portanto, reside na iluminação ou na sua ausência.
A escultura das sombras pela luz é uma etapa fundamental do meu trabalho, é ela que permitirá traduzir visualmente as contradições do homem. Essa forma de modelar escuridão e luz em minhas pinturas visa dar ao olhar uma relação de oposição, de conflito visual entre claro e escuro. Não está ali para traduzir o silêncio, mas sim para simbolizar a dualidade e os paradoxos do ser humano. De um lado, figuras modeladas nas sombras associadas ao lado sombrio da existência humana e, do outro, as pinturas de prédios abandonados. Nas minhas pinturas de edifícios abandonados, é visível o contraste entre a escuridão do interior e a claridade do exterior de forma a mostrar a oposição dos dois mundos.
Há aspectos inovadores no seu trabalho? Você pode nos dizer quais?
Acho que o fato de transpor os rostos das modelos nos manequins pode constituir um aspecto inovador no meu trabalho. Isso tem o efeito de diluir a fronteira entre o vivo e o não-vivo, o verdadeiro e o falso, o que cria confusão para o espectador. Há uma vontade de encenar a dualidade, o homem e seu duplo, uma imitação de si mesmo. Agora é uma versão desencarnada que compete com ele. Essas criaturas falsas representam uma projeção mental de seu inconsciente. Com a escolha de uma paleta de cores específica, essa escolha me permite traduzir a ambigüidade porque, de fato, se o espírito humano é perturbador misterioso fascinante, minha pintura deve ser seu reflexo: perturbadora, misteriosa e fascinante.
Você tem um formato ou meio com o qual se sente mais confortável? se sim, por quê?
A tradicional lona de linho, por essas qualidades de vida útil. Eu pinto como os mestres holandeses da idade de ouro como Vermeer, Rembrandt, Van Dyck ou Frans van Mieris. Passo várias demãos de gesso na tela de linho e depois liço progressivamente com uma lixa muito fina para afinar o trabalho de forma a obter a superfície mais fina possível. A composição e o desenho foram traçados primeiro com um lápis de grafite seco.
Em seguida, o desenho é tingido com um “suco” feito de umber queimado diluído em terebintina. Essa camada é de suma importância. Usando o "suco" anterior, o desenho prepara o olho para o sujeito enquanto prepara o "aperto" das camadas seguintes, nutre a tela. Isso também permite pintar gordura sobre magra, o que significa que é preciso pintar com tinta cada vez mais gorda e rica em óleo e, portanto, cada vez menos diluída. Este princípio essencial evita todas as rachaduras de camadas sucessivas.
Em seguida, vem a chamada etapa de “meia colagem”, que consiste em pintar o quadro em cores, trabalhando texturas e esmaecimentos. Terminado isso, utilizo uma etapa essencial para mim: os esmaltes. Para realçar a luz e envolver as figuras em sombras profundas, serão utilizadas várias demãos de tinta translúcida. Meus esmaltes são aplicados com um meio gorduroso de acordo com a tradição dos pintores do "jeito fino".
Onde você produz seus trabalhos? Em casa, numa oficina partilhada ou na sua própria oficina? E nesse espaço, como você organiza seu trabalho criativo?
Pinto em casa, numa sala convertida em atelier. Eu trabalho principalmente no final da tarde e até muito tarde da noite.
O seu trabalho leva-o a viajar para conhecer novos colecionadores, para feiras ou exposições? Se sim, o que isso traz para você?
Comecei a expor o meu trabalho em 2009 em pequenas exposições provinciais. Posteriormente, as exposições foram ligadas em toda a França (Juvignac, Montpellier, Mantes la Jolie, Paris, Lyon, Mônaco) e depois no exterior (Roma, Londres, Nova York).
Meu trabalho também foi premiado em concursos internacionais de arte (• Prêmio de Pintura - Salon des Arts Graveson 2017 • Prêmio Favorito do Júri - 35º Salon des Artistes Régionals de Juvignac 2019 • Grand Prix Arbustes - Salon International d'Art de Mantes-La-Jolie 2020 • Finalista do Concurso Internacional de Arte MALAMEGI LAB 16 – Roma, outubro de 2020 • Finalista da 35ª edição do Concurso Internacional de Arte "The Chelsea International Fine Art Competition" organizado pela Agora Gallery, Nova York 2021 • Finalista do concurso internacional de arte "Artists to Follow in 2021" EUA 2021• Finalista no concurso internacional de arte "Boynes Emerging Artist Award" Austrália2021 • Finalista no concurso internacional de arte "Art Gemini Prize" a expor em Londres no "Exhibitionist Hotel" Setembro 2021 • Friends of Prêmio Salon d'Automne seção "Arbustos" - Salon d'Automne - Paris outubro 2021 • Medalha Vermeil - Academia de Artes, Ciências e Letras - Paris outubro 2022)
O apoio dos colecionadores começa a crescer, o que me permitirá realizar projetos mais ambiciosos posteriormente.
Como você imagina a evolução do seu trabalho e da sua carreira como artista no futuro?
Em relação ao meu trabalho vou continuar a desenvolver este conceito de pintura silenciosa. Em relação à minha carreira, espero encontrar mecenas e galerias que possam defender minha pintura.
Qual é o tema, estilo ou técnica de sua última produção artística?
É uma pintura a óleo intitulada “O Deserto Azul” que está de acordo com o meu estilo, ou seja, uma pesquisa sobre a psique de uma pessoa que busca entender quem ela é. Experimentei algo novo nesta pintura, pareceu-me que o que torna os humanos absolutamente únicos são as suas impressões digitais. Nesta pintura, a mulher que posou também deixou suas pegadas reais na pintura, como um testemunho, prova de sua singularidade.
Você pode nos contar sobre sua experiência de exposição mais importante?
Tive o prazer de expor no prestigiado clube Salmagundi, em Nova York, que é a meca da arte figurativa nos Estados Unidos. Esta exposição permitiu-me aferir o meu trabalho com outros artistas internacionais reconhecidos, o que me incentivou a continuar neste caminho.
Se você pudesse criar uma obra famosa na história da arte, qual escolheria? E porque ?
"The Arfnolfini Spouses" de Jan Van Eyck (1434) porque é uma obra que mantém um profundo mistério e múltiplas interpretações até hoje. É um verdadeiro tour de force da paridade de Van Eyck, tanto no conteúdo quanto na forma.
Se você pudesse convidar um artista famoso (vivo ou morto) para jantar, quem seria? Como você sugeriria que ele passasse a noite?
Acho que vou escolher Vermeer, discutiremos sua visão de mundo e arte durante uma boa refeição.
Olimpia Gaia Martinelli
