Kumi Sugai em 1962, via Wikipédia
Kumi Sugai
Kumi Sugai (1919-1996) foi um pintor e gravador japonês renomado por sua evolução dinâmica da abstração lírica para a abstração hard-edge, refletindo seu profundo engajamento tanto com a arte de vanguarda quanto com a contemporânea. Seu trabalho, marcado por sua transformação e inovação, deixou um legado duradouro no mundo da arte.
Nascido em 1919 no Japão, Sugai embarcou em sua carreira artística após a Segunda Guerra Mundial. Para se sustentar, ele inicialmente ilustrou livros didáticos do ensino fundamental. Sua educação artística formal começou com pintura em estilo japonês (nihonga) sob Teii Nakamura, um membro do Nihon Bijutsuin. O trabalho inicial de Sugai foi influenciado por Yoshihara Jirō, uma figura importante no grupo Gutai. A ênfase de Yoshihara na materialidade da tinta e formas abstratas, juntamente com um interesse compartilhado em formas infantis e abstratas, impactou profundamente Sugai. Essa influência é evidente no trabalho de Sugai desse período, que frequentemente apresentava um motivo recorrente de pássaro e refletia a estética de Paul Klee, Joan Miró e Max Ernst. As primeiras realizações de Sugai incluem ganhar um prêmio na 4ª Exposição da Cidade de Ashiya, onde Yoshihara serviu como juiz.
Suas primeiras pinturas possuem uma vibração imediata e elegantemente elegíaca, evocando narrativas primordiais de vida, morte, amor, perda, vitória, tragédia e transcendência. Essas obras servem como portais para o mundo da criação dentro do olho da mente deste mágico-escriba- pintor. Sugai, um dos grandes expressionistas abstratos do Japão do pós-guerra, precedeu os artistas da Escola Gutai em seu caminho para Paris e foi tanto um iconoclasta quanto uma inspiração para seus contemporâneos. Ele pertenceu à primeira geração de artistas japoneses do século XX a se tornar familiarizado com técnicas de pintura ocidentais, ao mesmo tempo em que explorava a tipografia e a caligrafia japonesa, que se tornaram elementos significativos em seu trabalho posterior.
Kumi Sugai - The Endless Quest (1962). Gravura, gravura, sobre BFK de Rives. 33 x 50 cm
Paris e a Vanguarda
Em 1952, movido por seu interesse em pintura de vanguarda, Sugai mudou-se para Paris. Estabelecendo-se em Montparnasse, estudou na Académie de la Grande Chaumière com Edouard Goerg. Seus trabalhos iniciais em Paris mantiveram um estilo figurativo e ecoaram a Art Informel, apresentando paisagens urbanas vazias com linhas geométricas riscadas em tinta a óleo espessa. Sugai também continuou a simplificar formas animais em suas pinturas.
A vida em Paris foi inicialmente solitária para Sugai, pois ele falava pouco francês. No entanto, ele se tornou parte de uma comunidade de artistas japoneses, incluindo Toshimitsu Imai, Hisao Domoto e o escultor nipo-americano Shinkichi Tajiri, que era associado ao grupo CoBrA. Tajiri desempenhou um papel fundamental na carreira parisiense inicial de Sugai ao convidá-lo para expor no salão Octobre de Charles Estienne em 1953. O negociante de arte John Craven ofereceu a Sugai um contrato e sua primeira exposição solo em Paris, estabelecendo ainda mais sua presença na cena artística. Sugai o trabalho também ganhou reconhecimento do crítico Michel Ragon, levando à inclusão em duas exposições na Nouvelle École de Paris.
Desde sua estreia em Paris, Sugai recebeu vários prêmios e consolidou sua posição como um dos principais pintores abstratos do Japão, atingindo o auge de sua popularidade em meados da década de 1960. Hoje, no entanto, ele é mais comumente associado às suas litografias e obras geométricas de períodos posteriores. pinturas em cores primárias brilhantes, que são mais abundantes do que as obras sublimes de sua era parisiense. São os raros e preciosos óleos abstratos que Sugai pintou nas décadas de 1950 e 1960 que permanecem mais apreciados por museus e colecionadores, raramente aparecendo no mercado aberto devido à sua escassez.
Evolução do estilo
Em meados da década de 1950, o trabalho de Sugai começou a mudar de formas figurativas para formas mais abstratas. O final da década de 1950 e o início da década de 1960 o viram produzir telas grandes e vividamente coloridas, dominadas por formas geométricas caligráficas e em blocos. Títulos dessas obras, como oni, samurai, e raishin, evocam o folclore japonês. Apesar de sua simplicidade composicional, essas pinturas mantiveram uma qualidade espessa e textural.
Em 1955, Sugai começou a experimentar com gravura, produzindo sua primeira litografia. Este novo meio, raro no Japão, mas popular na França, marcou uma expansão significativa de sua prática artística. Suas litografias de 1957 ilustraram o livro de poesia de Jean-Clarence Lambert, La Quête sans fin. Sugai também se aventurou na escultura no final dos anos 1950, criando obras como Objet, um pincel montado em um pedestal, envolto em tinta e abstraído. Em 1960, ele recebeu o prêmio do Museu Nacional de Arte Moderna de Tóquio na Bienal Internacional de Gravura.
Reconhecido como parte dos movimentos 'Nouvelle École de Paris' e 'Nouveau Réalisme', ele começou a transição da 'abstração lírica' em 1962. Passando de motivos orgânicos caligráficos principalmente monocromáticos para imagens geométricas, sua arte abstrata é agora caracterizada como "dura -borda."
Anos posteriores e mudanças transformadoras
1962 foi um ano crucial para Sugai, marcando uma transformação significativa em seu estilo. Ele se afastou da materialidade informal para abraçar uma abstração geométrica de ponta dura, usando superfícies foscas e tinta acrílica. Seu fascínio por automóveis e vida urbana, principalmente após adquirir um Porsche em 1960, influenciou profundamente sua nova estética. O trabalho de Sugai durante esse período apresentou formas geométricas claramente delineadas e formatos monumentais. Ele criou cerca de cinquenta obras entre 1964 e 1968, cada uma incluindo a palavra “Auto” no título, refletindo sua paixão por velocidade e sinais de trânsito.
Em 1969, Sugai retornou ao Japão pela primeira vez em 18 anos para criar um mural de 16 metros de comprimento e 3,6 metros de altura intitulado Festival of Tokyo para o Museu Nacional de Arte Moderna de Tóquio. Este mural foi a maior obra de sua carreira e marcou suas primeiras exposições individuais no Japão. Sua carreira posterior envolveu a produção de obras em série e foco em litografias a partir da década de 1970. Sugai frequentemente retornava ao Japão, onde retrospectivas de seu trabalho eram realizadas.
Exposições e coleções
O trabalho de Sugai recebeu vários prêmios, incluindo o Grand Prix na Trienal Internacional de Impressão Colorida de Grenchen de 1961, o Grand Prix na Bienal Internacional de Impressão de Cracóvia de 1965 e o Prix d'Honneur na Bienal Internacional de Impressão de 1972 na Noruega. Em 1996, logo antes de sua morte em 14 de maio em Kobe, ele foi homenageado com o prêmio Shiju-Hosho pelo Imperador do Japão por seu alto mérito cultural. Sua arte é apresentada em coleções de prestígio globalmente, e sua carreira, marcada por evolução e exploração contínuas, ressalta seu impacto significativo na arte japonesa e internacional.
Suas obras foram exibidas em grandes exposições em todo o mundo, incluindo "Japon Des Avant Gardes 1910-1970" no Le Centre Pompidou (1986), "Arte Contemporânea/Pós-guerra" no Museu de Arte Moderna de Kamakura (1979) e "Desenvolvimento de Arte japonesa do pós-guerra: abstrata e não figurativa” no Museu Nacional de Arte Moderna, Tóquio (1973). Exposições individuais notáveis incluem “Kumi Sugai” no Museu de Arte da Prefeitura de Hyogo e no Museu de Arte Contemporânea de Tóquio (2000), e retrospectivas no Museu Seibu, Tóquio (1983) e no Museu de Arte Ohara, Okayama (1984). Sugai também recebeu retrospectivas de meio de carreira no Kunstnernes Hus, Oslo (1967) e no Städtisches Museum, Leverkusen (1960), e teve exposições individuais na The Kootz Gallery, Nova York (1959-1964), Galerie Creuzevault, Paris (1958 e 1963), e Palais des Beaux-Arts, Bruxelas (1954). Suas encomendas públicas incluem um mural para o Museu Nacional de Arte Moderna, Tóquio (1968–69), e um mural para o centro esportivo em Hannover para as Olimpíadas de 1972. . Seu trabalho está incluído em grandes coleções institucionais no mundo todo, como o Museu Solomon R. Guggenheim, o Metropolitan Museum of Art, o Museu de Arte Moderna de São Francisco e o Museu de Belas Artes de Boston, entre outros.
Selena Mattei
