Picasso: o Período Azul e o Período Rosa comparados

Introdução “proibida” aos amadores!

É indiscutível que Picasso é um dos artistas mais conhecidos do mundo, tanto que me recuso sequer a apresentá-lo, para evitar repetições óbvias, que torceriam o nariz aos mais conhecedores especialistas em arte, que se sentiriam desta forma tratados da mesma forma que os amadores mais incultos! Ironia à parte, prossigo na minha intenção de contar-vos, talvez, algo menos conhecido sobre o relato do pintor, a começar pelo facto de ele, ao contrário de outros artistas que centraram a sua experimentação principalmente num estilo ou ponto de vista, o que os tornou extremamente famosos (pense na associação obrigatória entre Monet e Impressionismo), também gostava, à parte o Cubismo, de experimentar "práticas" adicionais e bem conhecidas, bem como diferentes técnicas artísticas. Na verdade, é objeto do meu interesse desenvolver uma comparação inovadora entre os Períodos Azul e Rosa do artista: duas fases da rica investigação figurativa do pintor, que também é conhecida por incluir o período africano e o do cubismo analítico e sintético. Chega, vamos direto ao ponto! Agora é urgente desvendar todos os segredos, históricos e teóricos, do Período Azul, ao que se seguirá um estudo semelhante sobre o Período Rosa. Em segundo lugar, todas estas noções serão utilizadas para comparar duas pinturas resultantes dos momentos em questão, quem sabe, animadas, até, por algo capaz de as unir...

LATO II (2022)Pintura de Michał Ostrogórski.

O Período Azul

Comecemos pelo Período Azul mais antigo, mantendo-nos um tanto concisos, pois será menos óbvio dar mais espaço à posterior comparação entre as obras... Portanto, tomando as palavras de Picasso, reassumirmos todo o contexto figurativo em questão citando a frase: “Comecei a pintar de azul pensando que Casagemas estava morto”. Na verdade, o período azul (1901-1904), situado fisicamente entre as deslocações do artista para Paris e Barcelona, surgiu sobretudo da concretização de um acontecimento nefasto, nomeadamente o suicídio do referido Carlos Casagemas, um dos amigos mais próximos do artista. O luto causado pelo luto, bem como pelas dificuldades econômicas em que o pintor se encontrava na época, encontrou na cor azul o tom certo para ser expresso, concretizado através da análise de sujeitos geralmente pobres e sofredores, prontos para transmitir o infelicidade e tristeza que habitavam o coração do artista, que, através da arte, pôde exteriorizar o seu sentimento, tornando-o universalmente compartilhável por aqueles que, como ele, sentiam fortemente dentro de si o que muitos chamam de mal de viver...

OUTRA LÍNGUA (2022)Pintura de Young Park.

O Período Rosa

“A quietude depois da tempestade”, além de ser o título de um famoso poema do italiano Giacomo Leopardi, também parece resumir quando ele sucedeu à cor azul o mais positivo Período Rosa (1904-1906), uma aptidão figurativa resultante da a nova residência do andaluz, então instalada no animado bairro dos artistas de Montmartre (Paris), lugar onde conseguiu deixar para trás as dificuldades inerentes à natureza principalmente instável e transitória da vida humana, encontrando uma estilística estilística pictórica agora pronta para concentram-se em temas mais alegres, que, muitas vezes emprestados do mundo do circo, ganharam semelhanças através de uma justaposição hábil de tons vibrantes de vermelho, laranja, rosa e terra.

SAUNA MAGENTA (2023)Pintura de Shulman.

PASSAGEM PROTÉGÉ RÉF. 1396 (2023)Pintura de Christian Raffin.

Comparação pictórica: maternidade em rosa e azul

Chegamos finalmente à parte mais inovadora, interessante e menos óbvia da minha pesquisa, na medida em que, apesar das claras e mencionadas diferenças apresentadas entre os períodos em questão, encontrei duas obras-primas, uma em azul e outra em rosa, respectivamente , que, tendo temas relacionados, conduzem, apesar de peculiaridades cromáticas bastante simbolicamente distintas, a um sentimento semelhante de afeto, proteção e ternura, que pode ser encontrado, mesmo nas fases mais difíceis de nossas vidas, na imensa e imperturbável relação de amor existente entre mãe e filho. O que foi dito fica bem evidenciado na obra do Período Rosa intitulada Família de Acrobatas (1905), onde os verdadeiros protagonistas acabam sendo justamente o bebê e a mulher, cujos rostos se aproximam amorosamente quase roçando um no outro, para impressionar os olhos ternos, tanto da figura masculina quanto da quase humanizada casamenteira. Tal intimidade, isto é, a exteriorização “descarada” de tal doçura, deriva de uma das “cruzadas” mais antigas da história da arte, pois, é apenas a partir do século XIII, devido a um impulso renovado por uma abordagem mais simples e devoção mais apaixonada, que a figura da Virgem, exemplo de mãe por excelência, se libertou dos padrões bizantinos, para começar a aproximar-se gentilmente do seu filho. Tal modelo de derivação itálica não poderia ser ignorado nem mesmo no mais triste Período Azul, onde, como mostra Mãe e Filho de 1901, a mulher chega ao ponto de beijar o filho. A figura em questão, especialmente por causa das suas vestes, foi reconhecida por muitos como uma espécie de “Madonna”, parte de uma série de temas semelhantes do Período Azul, nos quais a artista muitas vezes quis combinar os temas da religião e da pobreza. Por fim, mais novidades sobre o Período Azul e o Período Rosa podem ser descobertas através da análise de algumas obras de artistas Artmajeur, como, por exemplo, Katerina Braiko, Adalberto Miguez e Dmitriy Trubin.

'S' (2023)Pintura de Katerina Braiko.

Katerina Braiko: 'S'

Três acrobatas constroem uma espécie de pirâmide humana, que nos lembra de imediato o período rosa de Picasso, quer pelo tema “circo” abordado, quer pela tonalidade da cor viva que anima, além dos corpos, toda a tela, como é capaz de animar um fundo escuro, cinza no chão e preto no “céu”. Principalmente, dada a semelhança fisionômica das meninas imortalizadas pela obra, também levantei a hipótese de que elas poderiam ser membros da mesma “linhagem”, trazendo à mente a famosa imagem da obra-prima de Picasso intitulada Família de Acrobatas (1905). O óleo sobre tela em questão representa um grupo de artistas de circo num cenário intemporal, sem vegetação, encimado por um céu azul povoado por nuvens claras, pronto a iluminar a presença de figuras inspiradas na commedia dell'arte, eleitas por o artista como ícones da marginalização burguesa. Comparado ao Período Azul de Picasso, o rosa alude ao sofrimento humano de uma forma decididamente mais suave, deixando para trás os temas pesados dos mendigos deprimidos para se referir a figuras cuja miséria na vida se deve mais à alienação social. Apesar destas alusões claras, os artistas circenses não são imortalizados com olhares tristes, mas expressam uma certa serenidade, talvez conferida pelas cores com que foram representadas as suas formas, que, no entanto, se inserem num contexto vazio, inexoravelmente indicativo de solidão.

DISJONÇÃO XV (2023)Pintura de Adalberto Miguez.

Adalberto Miguez: Disjunção XV

O que Miguez representou no suporte de tela me fez imaginar uma cena de filme: dois amantes, nus e confortavelmente deitados em sua cama, são subitamente apanhados por uma calamidade, que leva ao desabamento do chão de sua casa, o que torna o artista os imortaliza no momento em que ficam suspensos no ar e acompanhados, provavelmente, por pedaços de concreto caindo. Esta minha imaginativa interpretação não pode deixar de afrontar a objectividade do tema investigado, o do nu captado num azul claro, que, por afinidade, tanto de género pictórico como de cromaticidade, me fez pensar imediatamente no mais triste, e decididamente menos dinâmico, óleo intitulado Blue Nude (1902), uma obra de Picasso em que uma modelo sentada está de costas para o observador, assumindo uma posição serena e decididamente introspectiva. O corpo é retratado de cima de forma inovadora, colocado num espaço incognoscível, o que parece aludir ao estado de marginalização em que a figura se encontra vivendo, talvez desengajada e, fundamentalmente, rejeitada. Por fim, a obra-prima em questão deixa evidente como o mestre espanhol soube transformar habilmente a sua má vida em sublime criatividade, aproveitando a tristeza para criar uma das peças mais icónicas do Período Azul.

MENDIGO E MENINO DO HOMEM IDOSO. POE PICASSO Pintura de Dmitriy Trubin.

Dmitriy Trubin: Velho mendigo e menino

Este estudo não poderia de forma alguma faltar à análise de uma releitura original de uma pintura de Picasso, encontrada no exemplo da obra de Trubin, onde dois pregos humanizados reaproveitam as figuras do velho cego e do menino, protagonistas da obra homônima do mestre andaluz obra-prima sobre fundo azul datada de 1903. Este último óleo sobre tela é conhecido por representar os referidos personagens marginalizados, que, sentados contra uma parede, destacam-se contra um fundo simplesmente representado por uma linha horizontal, destinada a dar forma concreta ao canto de uma parede que encontra uma rua. Os sujeitos que animam tal cenário são tristes e visivelmente pobres, mas, além do seu semblante, é a expansão da tonalidade azul que dá maior força ao seu ar triste, pesaroso, solitário e melancólico. Voltando aos personagens em questão, provavelmente foram emprestados dos temas que o artista pôde observar, naquele período, em Barcelona, vagando especialmente pelas ruas miseráveis do bairro de Barceloneta, onde, naquela época, amontoavam-se mendigos. . Na verdade, abrindo um pequeno parêntese histórico, a Barcelona do início do século XX era uma cidade decididamente animada por fortes contrastes, isto é, repleta de fábricas têxteis, onde, no entanto, os trabalhadores e os trabalhadores indigentes eram basicamente esquecidos.