Muitas vezes, a crítica de arte tem prestado pouca atenção a uma comparação significativa entre artistas com formação académica e artistas autodidatas. Neste caso, pretendemos romper com esta tradição, oferecendo uma análise inovadora e imparcial que não procura afirmar a superioridade de uma categoria sobre outra, mas sim explorar as diversas vias através das quais o talento se manifesta.
Esta comparação é possível através do exame de três técnicas principais: pintura, escultura e fotografia. Para cada forma de arte, serão colocadas em diálogo duas ou mais obras, partilhando uma estética ou temática semelhante, embora criadas por artistas com formações variadas.
As pinturas serão comparadas tanto em termos de estilo quanto de tema, destacando como artistas de diferentes origens podem abordar temas e movimentos semelhantes usando técnicas e abordagens únicas. A secção dedicada à escultura analisará a representação da figura humana, explorando a forma como artistas de origens opostas interpretam o corpo, destacando diferenças e semelhanças no seu tratamento. Por fim, a fotografia irá contrastar duas artistas mulheres, uma com formação académica e outra autodidata, mostrando como as suas perspetivas de mundo se refletem nas suas imagens, apesar de experiências e formações diferentes.
Neste ponto, convido-vos a descobrir como o talento pode surgir de formas inesperadas, independentemente do percurso educativo: será uma oportunidade para descobrir novas perspetivas e olhar a arte com novos olhos!
“CONFIANÇA NA TECNOLOGIA” (2024) Pintura de Hu/Lie
The Green Hill (2024) Pintura de di Yannick Aaron
A arte de rua de Hu/Lie e Yannick Aaron
A arte de rua é um “mundo diversificado”, habitado em grande parte por artistas autodidatas que traçam o seu caminho através da experiência e da experimentação, muitas vezes fora dos quadros formais das instituições artísticas tradicionais. No entanto, há também muitas figuras notáveis dentro do movimento que receberam formação académica, como Hu/Lie, artista reconhecido pela sua visão crítica e domínio de diversas técnicas. Nesta comparação, exploraremos uma de suas obras ao lado das de Yannick Aaron, artista também presente no Artmajeur, que representa o lado autodidata da arte de rua.
Hu/Lie, nascido em 1975 em França e formado na Faculdade de Belas Artes de Estrasburgo, explora a relação entre a humanidade e o mundo moderno. Seu uso de materiais efêmeros e cores intensas cria uma profunda conexão emocional com o público. Na sua obra “Confiança na Tecnologia” , utiliza óleo e acrílico sobre tela para abordar um tema muito atual: a negação das alterações climáticas e a desconexão entre a nossa consciência das crises ambientais e as nossas ações diárias.
Os mecanismos internos de rejeição desta mudança emergem poderosamente através do uso da cor: o rosto do sujeito é parcialmente obscurecido pela distorção cromática, tornando a sua expressão enigmática e fragmentada - um símbolo das incertezas e contradições que dominam a nossa relação com a natureza, a tecnologia e o mundo. ambiente.
Este aspecto contrasta com “La Colline Verte” de Yannick Aaron, onde a cor azul atravessa a figura humana de forma transparente, como uma onda que se funde harmoniosamente com o ambiente. Ambas as obras exploram a relação entre o homem e o mundo, mas de formas opostas: Hu/Lie enfatiza a fragmentação e a desconexão, enquanto Aaron explora a fusão e a simbiose.
Por fim, no que diz respeito ao autodidata Yannick Aaron, nascido em 1985 em Fontainebleau, desenvolveu o seu estilo a partir do mundo do graffiti, enriquecendo-o gradualmente com um cruzamento de formas geométricas e variações cromáticas.
Nº 1381_Sem título (2024) Pintura de Guido Lötscher
Abstract-211 (2023) Pintura de Nivas Kanhere
Abstração de Guido Lötscher e Nivas Kanhere
Você sabia que alguns dos maiores pintores abstratos da história da arte foram autodidatas, enquanto outros receberam treinamento acadêmico formal? Por exemplo, François Morellet, célebre pelos seus trabalhos geométricos, foi autodidata. Em contraste, Wassily Kandinsky, um pioneiro da arte abstracta, estudou em algumas das melhores escolas de arte da Europa, refinando a sua compreensão teórica da cor e da forma.
Nesta tradição, hoje encontramos artistas com formações muito diversas, como Guido Lötscher, pintor suíço autodidata, e Nivas Kanhere, que tem formação acadêmica. O primeiro, presente no Artmajeur, é um artista autodidata cuja obra "No. 1381_Untitled" mostra a aplicação de múltiplas camadas de tinta, depois raspadas e sobrepostas para criar textura e profundidade - talvez com a intenção de evocar a linguagem visual de Richter.
Nivas Kanhere, formada na Sir JJ School of Art em Mumbai, parece mais próxima do exemplo do Color Field. Procura criar uma ligação entre o sensorial e o metafísico, visando transmitir uma tranquilidade contemplativa, criada pela sobreposição de cores e formas para gerar um equilíbrio dinâmico, expressando força e calma. Com efeito, enquanto Lötscher trabalha com sobreposições aleatórias, Kanhere constrói a sua obra com uma textura mais densa e estruturada, onde cada pincelada parece esculpir uma paisagem emocional, quase como se a pintura fosse um mapa abstrato das suas experiências.
O caranguejo se observa com sua (2024) Pintura de Babatunde Bakare
Café da Manhã com Schrodinger (2020) Pintura de Igor Skaletsky
O retrato expressionista de Babatunde Bakare e Igor Skaletsky
Qual é a definição do gênero retrato? Um retrato é uma representação artística de uma pessoa, com o objetivo de captar a essência física, psicológica e por vezes simbólica do sujeito. É uma das formas de arte mais antigas e pode ser figurativa, estilizada ou abstrata, dependendo da sensibilidade e do contexto histórico do artista.
O que queremos dizer com retrato expressionista? Um retrato expressionista vai além da simples representação realista, enfatizando a expressão de emoção e subjetividade do artista. O objetivo não é retratar com precisão os traços físicos do sujeito, mas sim transmitir estados emocionais, tensões internas e a profundidade psicológica do sujeito por meio de distorções, cores brilhantes e pinceladas ousadas.
Com este preâmbulo clássico, é hora de apresentar os trabalhos de dois artistas Artmajeur sobre este tema: Babatunde Bakare, um artista nigeriano autodidata, e Igor Skaletsky, um artista russo com formação acadêmica. A peça de Bakare, "The Crab Watches Itself with Its", usa óleo e tecido de Ancara sobre tela para explorar o gênero do retrato expressionista. Ela combina a tradição figurativa africana com uma linguagem visual contemporânea. O modelo, caracterizado por um rosto distorcido e intensamente expressivo, evoca um profundo sentimento de pertença cultural, onde as cores vibrantes e os tecidos tradicionais não são apenas decorativos, mas pretendem realçar a riqueza das raízes étnicas.
Em contraste, Igor Skaletsky, formado na Academia Estatal de Artes de Moscou, utiliza técnicas de colagem e acrílico para misturar fotografia e pintura, manipulando as fronteiras entre realidade e imaginação. Em “Café da Manhã com Schrödinger”, Skaletsky cria uma cena surreal, onde uma simpática figura humana é alterada por uma máscara abstrata. A obra ilustra como o expressionismo pode ser combinado com a ironia e a imaginação, convidando o espectador a questionar a realidade e a identidade.
Torna-se claro que enquanto Babatunde Bakare se concentra em materiais locais e na distorção figurativa para colocar em primeiro plano a riqueza cultural e a luta interior, Igor Skaletsky brinca com o absurdo e a ironia, criando mundos surreais onde o retrato humano se torna um símbolo enigmático.
N°361 (2021) Escultura de Maxime Plancque
Matraquilhos XS (2024) Escultura de Idan Zareski
As esculturas de Maxime Plancque e Idan Zareski
Você sabia que alguns dos maiores escultores do mundo seguiram caminhos educacionais muito diferentes? Henry Moore, famoso pelas suas monumentais esculturas abstratas, recebeu formação académica na Leeds School of Art e mais tarde no Royal College of Art de Londres. Em contraste, William Edmondson, um renomado escultor americano, foi totalmente autodidata. Edmondson começou a esculpir sem treinamento artístico formal, usando ferramentas rudimentares como pontas de trilhos e martelos para criar esculturas religiosas e figuras funerárias. Em 1937, tornou-se o primeiro artista afro-americano a fazer uma exposição individual no Museu de Arte Moderna (MoMA) de Nova York.
No mundo contemporâneo de Artmajeur, o artista francês Maxime Plancque representa um exemplo de artista com formação acadêmica. Suas esculturas em metal refletem sua abordagem figurativa simplificada, com temas reduzidos a silhuetas mínimas. Em sua escultura “nº 361” , por exemplo, os corpos são quase totalmente desprovidos de detalhes anatômicos, e suas pernas finas dão uma impressão de movimento e leveza, apesar do uso de um material pesado como o aço.
Por outro lado, Idan Zareski, artista autodidata, inspira-se em diversas culturas. Sua escultura "Babyfoot XS" , parte da série Bigfoot, exagera certas partes do corpo, como os pés, mas mantém uma representação realista da figura humana. Através deste estilo, Zareski capta a inocência da infância com uma figura sentada, cujos membros inferiores enormes pretendem simbolizar a jornada da vida e as pegadas que deixamos para trás.
Por fim, embora ambas as obras amplifiquem a forma humana, “Nº 361” reduz a figura a uma abstração estilizada, forçando a imaginação do espectador a interpretar as formas mínimas e o movimento implícito. Em contraste, "Babyfoot
Chamallow I (2023) Fotografia de Mathilde Oscar
Não se preocupe minha rainha 20/03 (2020) Fotografia de di Bettina Dupont Fotografia de Bettina Dupont e Mathilde Oscar
Chegamos à conclusão... com dois extraordinários trabalhos fotográficos de artistas franceses: a fotógrafa autodidata Bettina Dupont e a acadêmica Mathilde Oscar. Neste caso particular, a comparação entre os dois artistas é possível pela sua abordagem pessoal e única ao tema do sagrado, assunto abordado por ambos, mas com linguagens visuais e significados muito diferentes.
Mathilde Oscar, nascida em Paris em 1980, tem sólida formação em história da arte e design gráfico. A sua paixão pela pintura e a sua formação académica reflectem-se claramente nas suas fotografias, que combinam os códigos da pintura clássica com a arte digital. Chamallow I é um exemplo perfeito do seu estilo: irônico, anacrônico e visualmente cativante. Nesta obra, Oscar aborda o tema do sagrado com humor sutil e toque surrealista. A representação do modelo, rodeado de símbolos sagrados tradicionais como uma auréola e um coração imaculado, contrasta ironicamente com detalhes modernos e frívolos como os marshmallows.
Por outro lado, Bettina Dupont, nascida em 1996, é uma artista autodidata que iniciou o seu percurso criativo na fotografia conceptual. Sua abordagem do sagrado é muito mais simbólica e reflexiva que a de Oscar. Em Don't Worry My Queen 20/03, Dupont utiliza uma composição simples, mas poderosa, com fortes referências ao simbolismo religioso e à cultura popular. Suas obras exploram temas complexos como a condição humana, a relação com o tempo, o bem e o mal e a nossa percepção da realidade contemporânea.
A fotografia retrata uma cena surreal onde uma figura flutua, suspensa num universo onírico, com nuvens e flechas evocando referências bíblicas e mitológicas. Cada detalhe é cuidadosamente pensado para provocar uma reflexão profunda no espectador. Dupont convida o público a questionar o que vê, deixando espaço para interpretações pessoais.
Olimpia Gaia Martinelli
| Revista ArtMajeur
