Escultura e pintura: Modigliani e a arte africana

Vanessa Renoux, Escultura de cabeça de mulher , 2020. Escultura, 73 x 15 x 15 cm.

Escultor de Modigliani vs. pintor de Modigliani

Muitos grandes mestres da história da arte expressaram seus pontos de vista sobre a realidade experimentando tanto a arte pictórica quanto a escultural, como Pablo Picasso, Umberto Boccioni, Max Ernst, Edgar Degas, Joan Miró e outros. Apesar das diferentes abordagens técnicas para as duas disciplinas, na maioria dos casos em que o mesmo artista se engajou em múltiplos projetos, muitas vezes ele manifestou a existência de uma visão de mundo inequívoca, bem definida e linear, como exemplifica o "caso" de Modigliani. Para tornar manifesto o que acaba de ser dito, bastará comparar a Cabeça de Mulher (1912), uma das esculturas mais conhecidas da Toscana, com a célebre obra-prima pictórica intitulada Elvira de colarinho branco, (1917), tomando também em consideração um trabalho "a meio caminho" entre essas duas técnicas, como a cariátide Red Bust (1913). Relativamente à escultura datada de 1912, importa abrir um pequeno parêntese, destinado a evidenciar como, entre 1911 e 1913, o artista Leghorn se dedicou sobretudo à escultura, inspirado no exemplo do romeno Brancusi, mestre que Amedeo conheceu em Paris. Apesar da predileção de Modigliani pela última arte, ele só pôde se dedicar a ela no período mencionado, pois os pós produzidos durante a criação das esculturas eram deletérios para sua tuberculose. Voltando à Cabeça de Mulher , a obra, como a maioria das esculturas do artista, pode ter sido antecipada pela execução de um desenho preparatório, provavelmente constituído por linhas agudas e incisivas, que, principalmente simétricas, estariam em parte associadas a características estilísticas arquitetônicas. Posteriormente ao desenho, o material escultórico foi geralmente trabalhado pela Leghorn, de forma a gerar soluções estudadas, que, feitas por corte raso, iam claramente contra a tendência da técnica de fundição mais difundida. Descrevendo sucintamente as características estilísticas da referida obra-prima, que pertencem ao trabalho de arenito de Modigliani em um nível geral, a cabeça da mulher apresenta um rosto afilado aparentemente inacabado, pois é esboçado em uma superfície não polida, sobre a qual um nariz fino, olhos ovais sem pupilas, um queixo estreito e um pescoço fino e cilíndrico se destacam.

Amedeo Modigliani, Cabeça de mulher , 1912. Escultura, 68,3 × 15,9 × 24,1 cm. MET: Nova York.

Amedeo Modigliani, Elvira com colarinho branco, ca. 1917. Óleo sobre tela, 92 x 65 cm. Paris: Coleção Jonas Netter.

Tais características estilísticas também caracterizam a série Cariátides, que, realizada a partir de 1912, investiga o tema clássico supracitado por meio da arte escultórica e pictórica. De fato, o próprio Busto Vermelho de 1913, criado através da aplicação de tintas a óleo sobre papelão, revela uma profunda ligação entre as duas técnicas, encontrada na figura estilizada, sintética e frontal do protagonista, que apresenta rosto e pescoço extremamente alongados . Por outro lado, falando de uma obra-prima posterior, a ligação entre a criação pictórica e escultórica se repete em Elvira de colarinho branco (1918), retrato a óleo de uma jovem que, sentada no centro de uma sala, é capturada como ela tem a intenção de olhar para o espectador com seus olhos cegos. É precisamente neste contexto que os rostos estilizados e afilados do mestre italiano emergem mais uma vez, e ele trabalhou duro para gerar um novo cânone de beleza. Nesse ponto surge uma pergunta: em que se inspiraram os traços estilísticos particulares de Modigliani? O artista de Leghorn soube dar voz a esse "vento" de influências africanas, que, espalhado na Paris do seu tempo, animava também mestres como Picasso e Brancusi, que "exemplificaram" os seus traços estilísticos, partindo de pistas mais sintéticas e pontos de vista exóticos primitivos. Como resultado, os rostos alongados e estilizados de Amedeo podem ser interpretados como uma espécie de "atualização" das máscaras africanas mais tradicionais, às quais também foram integrados exemplos extraídos da arte cicládica, suméria, egípcia e grega caras ao toscano.

Claude Grand, Hellen, 2019. Acrílico sobre tela, 70 x 50 cm.

Daniel Gomez, Homenagem a Modigliani #1 , 2021. Concreto sobre outro suporte, 58 x 21 x 18 cm / 18,00 kg.

Foco: as influências da arte africana.

No final do século XIX, a racionalidade do positivismo estava sendo substituída por um ímpeto de maior ênfase no retorno mais genuíno à espiritualidade, ao simbolismo e às manifestações profundas da alma humana. Tal contexto estético e filosófico impressionou profundamente os artistas da Escola de Paris, que, como Picasso, Modigliani e Matisse, identificaram justamente na arte exótica um meio para expressar o retorno a uma espiritualidade e introspecção mais genuínas. Consequentemente, tanto o africanismo quanto o exotismo em geral foram promovidos pelos mencionados, que os viram pela primeira vez como formas autênticas de expressão artística, agora longe de serem meras obras de culturas a serem colonizadas. Certamente, tão importante inovação dos cânones estéticos, foi favorecida pelo contato que os artistas tiveram com a instituição oitocentista do Museu Trocadero, local onde eram guardadas as máscaras africanas tão celebradas por Picasso. Embora pareça claro que a arte africana exerceu um papel fundamental no desenvolvimento da cultura figurativa ocidental, também encontrada em movimentos posteriores como o Modernismo e o Die Brücke, sua função ainda é pouco conhecida e valorizada. Para homenagear esse importante primitivismo, vale destacar o impacto que, até hoje, o africanismo de Modigliani exerce sobre artistas Artmajeur, como, por exemplo, Sibilla Bjarnason, Helen She e Anna Zhuleva.

Sibilla Bjarnason, Modigliani revisitado, 2018. Colagem/acrílico sobre tela, 99 x 81 cm.

Sibilla Bjarnason: Modigliani revisitado

A sensualidade está, mais do que em um corpo nu, na possibilidade de imaginá-lo como tal, referindo-se a todas aquelas características que, em nossa concepção pessoal de beleza, achamos atraentes. O fascínio também é conferido pela observação de uma simples tira de pele nua, que pode instigar o observador a continuar, em sua cabeça, a narrativa de tirar a roupa. Esses conceitos parecem animar com erotismo a lânguida figura feminina imortalizada pelo pincel Sibilla Bjarnason, artista que, no próprio título da obra, faz clara referência a Amedeo Modigliani, coroando-o como referência de sua investigação figurativa. De fato, na personagem do artista em Artmajeur, é evidente uma reinterpretação do Nu sentado em um sofá' , uma pintura a óleo do mestre toscano realizada em 1917. Além disso, justamente sobre o tema do corpo feminino, é importante lembrar como a primeira exposição individual de Amedeo, datada de 1917, teve como tema os nus femininos. De fato, o evento, organizado pelo marchand Léopold Zborowski nas vitrines da galeria de Berthe Weill, viu a exposição de vários corpos femininos despidos, que, decididamente longe dos cânones convencionais da época, despertaram a indignação mais geral. Esse sentimento culminou com a chegada de policiais, que pediram a Weil que abaixasse as persianas porque as mulheres retratadas exibiam, indesculpavelmente para a época, cabelos em seus corpos.

Helen She, Pop Modigliani , 2021. Acrílico / marcador / colagem sobre tela de linho, 50 x 70 cm.

Helen She: Pop Modigliani

O mito de Modigliani também revive na obra de Helen She, onde os estilos pop do remake datado de 2021 transformam uma conhecida obra-prima da história da arte, como Reclining nude (no lado esquerdo) (1917), no mais comercial imagem estilizada de um "soubrette" sinuoso dos nossos tempos. Provavelmente, a simplificação sofrida pelo protagonista de Pop Modigliani , talvez aludindo à alta capacidade moderna de reprodução de imagens, visa também celebrar uma "acessibilidade" mais fácil e rápida aos ícones do mundo da arte. De fato, o próprio Nu Reclinado (no lado esquerdo) é conhecido por ser o maior nu de mulher feito por Modigliani, um mestre que se esbanjou na representação da consciência feminina, evitando a mera ilustração de meras musas. Apesar da intensidade das múltiplas figuras femininas atribuídas a Amedeo, a única mulher com quem o artista já teve uma ligação mais duradoura foi Jeanne Hebuterne, que, sendo "propriedade" do coração do italiano, nunca aparece sem véus. Portanto, é impossível imaginar a companheira de Amedeo na pose provocante da modelo em Nu Reclinado (do lado esquerdo) , cuja “inescrupulosidade” também é extirpada do olhar intenso que ela lança ao espectador.

Anna Zhuleva, Pop art Modigliani portrait , 2020. Acrílico sobre tela, 80 x 60 cm.

Anna Zhuleva: retrato pop art de Modigliani

As características estilísticas da Pop art reinterpretam, através dos seus típicos e extensos fundos de cores vivas, outra obra-prima da história da arte assinada por Amedeo Modigliani, tendo por tema Jeanne Hébuterne, a mulher que mais amava. O retrato com o chapéu em questão, datado de 1918, faz parte de uma série de trabalhos dedicados à sua companheira, uma musa que Amedeo retratou de várias formas, mas sempre com o objetivo de a fazer aparecer como uma figura intemporal de corpo alongado. rosto e um olhar melancólico. A intenção do artista italiano é elevar essa mulher ao ideal de beleza feminina por excelência, tanto que, em algumas ocasiões, ele até permite que o espectador descubra suas pupilas. É sabido que Modigliani, na verdade, apenas completou os olhos das efígies cujas almas ele conhecia, de modo que o "ver" Jeanne nos permite entender a profundidade de seu vínculo. Infelizmente, tamanha intensidade resultaria em tragédia, pois, após a morte de Amedeo, a mulher, com apenas vinte e dois anos e grávida, atirou-se do quinto andar de um prédio, por não suportar a separação dos maiores e único amor de sua vida.