A técnica da aquarela: Turner e Sargent descrevem Veneza

Pessoalmente, acredito que não há melhor maneira de introduzir a aquarela do que apresentando a pesquisa figurativa, a respeito dessa técnica, de William Turner e John Singer Sargent, mestres que imortalizaram vislumbres da icônica cidade de Veneza justamente por meio da experimentação com esse meio pictórico . O levantamento artístico em questão também trará à tona a estreita relação que esses dois pintores mantinham com a referida cidade italiana, já objeto de famosas obras-primas da história da arte, de nomes como Gentile Bellini, Vittore Carpaccio e Canaletto. Falando de William Turner, pintor e gravador inglês nascido em 1775, conhecido expoente do Romantismo, movimento que interpretou com um ponto de vista pessoal, visando antecipar as características estilísticas do Impressionismo e, em alguns casos, mesmo daquelas do abstracionismo, esteve por duas vezes na capital veneziana, nomeadamente nas viagens que o artista fez em 1819 e, posteriormente, entre 1828 e 1929. instantes da vida lagunar, símbolos concretos do vínculo muito estreito que o artista inglês forjou com a cidade italiana, certamente pelo encanto da típica luz veneziana, mas também pelas conhecidas referências histórico-literárias, bem como pela pintores mundialmente famosos deste último. Nessa narrativa figurativa, muitas vezes transformada em obras a óleo precisas e posteriores, emerge o dualismo de Veneza, que é narrada, tanto como uma cidade pública com temas altamente reconhecíveis, quanto como um local mais defilado e reservado, em que a representação de lugares mais tranquilos dá voz às reflexões mais introspectivas do artista. Precisamente nesse sentido, tal produção de aquarelas é capaz de revelar um novo Turner, que, desvinculado de seu papel de artista da corte e membro da prestigiada Royal Academy of Art, se apresenta como um viajante curioso e incansável, decidido a perseguir o mito romântico do herói solitário, que colide com os mais díspares segredos da natureza.

William Turner, San Giorgio Maggiore ao pôr do sol , 1840. Aquarela. Londres: Tate Gallery.

John Singer Sargent, canal veneziano, 1913. Aquarela. Nova York: MET.

A simplicidade e espontaneidade desses esboços também caracterizam San Giorgio Maggiore ao pôr do sol (1840), uma aquarela em que o inglês criou uma vista da basílica, captada de seu quarto de hotel, que, localizada no Hotel Europa (Palazzo Giustinian), permitia ele para vislumbrar aquele assunto envolto no crepúsculo. Falando em Sargent, o impressionista americano nascido em 1856 decidiu, no auge de sua florescente carreira como retratista, reinventar-se, redescobrindo sua criatividade através da criação de aquarelas, visando oferecer uma espécie de narrativa figurativa ao seu novo "nômade “estilo de vida, ou seja, predominantemente focado em fazer viagens de descoberta para a Europa e o Oriente Médio. Entre os muitos destinos, Veneza certamente representa o lugar mais querido de Sargent, que, após sua primeira viagem em 1870, retornaria mais de dez vezes ao longo de quarenta anos, produzindo cerca de cento e cinquenta óleos e aquarelas com temas venezianos, executados entre as décadas de 1880 e 1913. Um exemplo dessa narrativa lagunar é Venetian Canal (1913), uma aquarela em que a água ondulante do canal reflete a luz do sol, bem como a arquitetura próxima, na qual a cênica torre sineira da Igreja do século XI de São Barnabé também pode ser vislumbrado. Levando em consideração a perspectiva da vista, parece que o mestre retratou a cena como se estivesse confortavelmente sentado em uma gôndola, posição da qual o artista também captou o movimento de alguns cidadãos, que, comparados à atenção pagos à arquitetura, aparecem como presenças distantes, indicadas por algumas pinceladas. Características estilísticas semelhantes também distinguem uma aquarela anterior, intitulada Veneza, a Prisão (1903), que retrata uma pequena visão de um conhecido canto da cidade lagunar, onde vislumbramos o Palazzo delle Prigioni Nove, que, com vista para a Bacia de São Marcos e unido ao Palácio Ducal pela famosa Ponte dos Suspiros, foi projetado por Antonio Da Ponte em 1589 para se tornar a sede de um dos as mais antigas magistraturas da República de Veneza. O primeiro plano da obra, no entanto, é ocupado por uma série de gôndolas, que, próximas umas das outras e paradas sobre a água, geram intensos reflexos cromáticos na superfície do canal, enquanto a "palidez" dos prédios atrás reflete a intensa luz do sol.

Natalia Veyner, Manhã de verão , 2022. Aquarela sobre papel, 51,5 x 63 cm.

Kate Matveeva, Correndo em direção à luz , 2022. Aquarela sobre papel, 50 x 40 cm.

A técnica da aquarela: da Grécia antiga à contemporaneidade

Referindo-se às definições mais acessíveis, a Wikipedia descreve a aguarela como uma técnica de pintura marcada pela utilização de pigmentos finamente moídos misturados com aglutinantes, que, posteriormente, são diluídos em água, para serem espalhados no suporte pictórico, a fim de para criar composições a partir da caracterização de cores suaves e delicadas. Tal como nos exemplos de Turner e Sargent, tal ferramenta de investigação artística, considerada rápida e facilmente transportável nos seus materiais, revela-se perfeita para quem pinta em viagem ou ao ar livre. Apesar desses pontos fortes, o uso da aquarela não se tornou amplamente popular até o século XVII, embora, embora não exatamente na forma conhecida hoje, estivesse presente desde o tempo dos antigos egípcios, bem como na cultura da China no primeiros séculos d.C. e, mais tarde, no mundo medieval dos miniaturistas, onde foi usado com efeitos mais próximos da técnica moderna do guache. Artistas como William Turner, William Blake, Charles-Joseph Natoire e Louis-Jean Desprez, por outro lado, utilizaram uma "versão" de aquarela mais parecida com a contemporânea, em que as cores diluídas com água simples e espalhadas em esmaltes, sobrepostos ao branco característico do papel. Foi precisamente a partir da obra destes últimos mestres, e assim entre os finais do século XVIII e XIX, que a aguarela passou a ser considerada uma técnica artística a par da pintura a óleo, uma vez que anteriormente era utilizada principalmente para esboços ou estudos preparatórios. , como grandes mestres como Albrecht Dürer e Pisanello fizeram de vez em quando. A grande tradição da aquarela segue na arte contemporânea, onde a dignidade artística agora estabelecida do meio se expressa através da rica e diversificada obra de artistas Artmajeur, bem exemplificada pelas obras de Ingaside, Irina Pronina e Karin Martina Wloczyk.

Ingaside, Lebres muito felizes com bigodes , 2022. Aguarela sobre papel, 38 x 56 cm.

Ingaside: Lebres muito felizes com bigodes

A aquarela do artista Artmajeur retrata três alegres lebres, que, provavelmente convidadas para uma festa de aniversário, participam do evento ostentando fofos bigodes de papel e sustentando, nas orelhas compridas, rígidas e estendidas, uma decoração de triângulos e bicicletas, um festão cuja presença foi rigorosamente estudado para aludir a uma atmosfera de celebração explícita, alegre e despreocupada. Do ponto de vista puramente artístico-histórico, no entanto, o referido animal foi protagonista de uma obra-prima distintamente mais séria, como a aquarela de 1502 de Albrecht Dürer, que, intitulada Lebre , foi feita pelo artista para estudar as características da fera, que, para a ocasião, provavelmente havia capturado e arrumado em seu ateliê. Foi justamente nesse contexto que o animal poderia ter sentido medo, sentimento que poderia ser revelado justamente pela atitude de suas orelhas, dispostas nervosa e rigidamente para cima. Todas essas atenções ao detalhe testemunham o amor nutrido pelo mestre alemão pelos animais, que ele muitas vezes retratava com um realismo acentuado, encontrado, neste caso particular, na renderização precisa da direção do pêlo da lebre, que varia nos diferentes partes do corpo.

Irina Pronina, Lush Petunia , 2022. Aquarela sobre papel, 78 x 56 cm.

Irina Pronina: Lush Petunia

A narrativa da história da arte sobre os temas investigados pela aquarela não se limita apenas à descrição de cidades e animais, envolvendo também o colorido mundo floral. De fato, Lush Petunia , de Irina Pronina, parece dar seguimento à investigação artística de Georgia O'Keeffe, pintora americana mais conhecida por suas aquarelas e pinturas a óleo de flores, que, feitas em close-up ou em grande escala, foram concebidas entre meados dos anos 1920 e 1950. Nessa fase de sua carreira, tal artista, influenciada desde cedo pelo mundo floral, desenvolveu o referido tema dentro de composições "clássicas" com o estilo das naturezas-mortas, que, posteriormente, passaram a ser cada vez mais ampliadas, além de tenderem a em direção ao abstracionismo. É precisamente deste último ponto de vista que se afasta claramente a representação realista da petúnia de Pronina, que, preferindo um enquadramento mais arejado do que o primeiro plano "minimalista", permite observar múltiplos exemplares da mesma flor, visando tornar-se um símbolo da visão pessoal da arte do artista Artmajeur, destinada a investigar principalmente as espécies mais díspares da flora.

Karin Martina Wloczyk, Kenn dein limit!, 2021. Aquarela/giz sobre papel, 50 x 50 cm.

Karin Martina Wloczyk: Kenn dein limit!

Kenn dein limite! é uma aquarela abstrata, que, embora contenha figuras geométricas berrantes, pertence à corrente lírica do referido movimento, na medida em que, em vez de ser dominada pelo rigor e controle racional do abstracionismo geométrico, deixa amplo espaço para a imaginação, como bem como para o universo pessoal do artista, que se sentiu livre para sobrepor, instintivamente, os quadrados e retângulos na obra. Um princípio semelhante pode ser encontrado em uma aquarela bem conhecida na história da arte, como In the style of Kairouan , criada por Paul Klee em 1914 e preservada no Kuntsmuseum em Berna, Suíça. O título da obra-prima refere-se explicitamente à cidade tunisina de Kairouan, que o artista visitou com Louis Moilliet e August Macke no mesmo ano. Apesar dessa citação, a pintura abandonou a representação realista da realidade para substituí-la pela presença de retângulos, polígonos e círculos coloridos abstratos sobrepostos uns aos outros. No que diz respeito à técnica, porém, a aquarela foi investigada por Klee de forma experimental: ele começou por se expressar através de uma escala de cinza, levando, com o tempo e maior domínio do meio, à realização de trabalhos com cores vivas.