A cor prata na arte: de Verrocchio a Jeff Koons

Irina Goldenfish, Silver moon , 2021. Óleo sobre tela, 60 x 118 cm.

Prata: a cor da lua

Do ponto de vista puramente cromático, a prata representa uma cor cinza-metálica brilhante, encontrada na natureza através da observação de peixes prateados, bétulas prateadas e o metal do qual herdou seu próprio nome. Tal tonalidade, que é extremamente popular no design de interiores justamente por seu brilho, além de sua aparência moderna, elegante e refinada, é conhecida por ser a tonalidade associada à lua, ou seja, àquela energia exclusivamente feminina, indissociavelmente ligada às emoções e impulsos, que se movem dentro de nós no nível mais profundo. De fato, o satélite natural da Terra, capaz de atrair para si a água da superfície terrestre mais próxima, provocando o fluxo das marés, parece invocar, de maneira bastante semelhante, as emoções, a criatividade e a sensualidade em nós mais íntimos. De facto, acredita-se que precisamente na água, regida pela lua, se concentra toda a vida interior do ser humano, tendo a sua origem, juntamente com as forças inconscientes, no princípio gerador do útero, lugar feminino alusivo ao nosso origens mais remotas. Nesse sentido, justamente essa tonalidade simboliza a consciência de nossa interioridade, alcançada através desse caminho que devemos percorrer para reconhecer a nós mesmos, nosso mundo interior e nossa emotividade, para podermos, posteriormente, "identificar" os outros também .

Isabelle Pelletane, Love Love 15 , 2022. Tinta acrílica/spray sobre papel, 70 x 50 cm.

Ilgvars Zalans, Prata e preto nr.6, 2019. Acrílico sobre tela, 90 x 60 cm.

Prata na arte: de Verrocchio a Jeff Koons

Do ponto de vista puramente histórico-artístico, a cor prata, como previsto, deriva seu nome do metal de mesmo nome, que, extremamente popular no mundo criativo e da ourivesaria desde os primeiros séculos, certamente contribuiu para a difusão e enobrecimento da cor acima mencionada. De fato, é importante dar a conhecer que, desde os tempos dos antigos egípcios, o uso da prata, um metal que, na época mais raro que o ouro, era usado para criar preciosos artefatos religiosos e joias vistosas, pode ser encontrado. Apreciada também pelos gregos, a prata teve bastante sucesso na Itália do século XV, quando, graças à investigação artística de grandes mestres como Lorenzo Ghiberti, Andrea del Verrocchio, Antonio del Pollaiolo e Domenico Ghirlandaio, a arte da ourivesaria atingiu o ápice da perfeição. Além disso, neste mesmo período, o gravador florentino Maso Finiguerra, definido no Trattato dell'Oreficeria de Benvenuto Cellini como "O homem que não tem rival nessa profissão", destacou-se na arte do niello, técnica específica de decoração de superfícies metálicas em prata. O estilo renascentista, marcado exclusivamente por modelos clássicos, pode, no entanto, ser exaustivamente narrado pela análise de uma obra-prima do período, como A Decapitação do Batista , de Andrea del Verrocchio, ou seja, um dos doze painéis que fazem parte de A Prata Altar de São João Batista , uma obra toreutica feita por vários artistas entre 1367 e 1483 para o batistério de San Giovanni (Florença), hoje preservado no Museo dell'Opera del Duomo (Florença). O altar representa uma síntese extraordinária das principais tendências da ourivesaria e da arte escultórica da época, expressa através de uma estrutura em matriz gótica tardia, com oito painéis frontais e quatro laterais, dispostos em dois registos e divididos por pilares poligonais enriquecidos pela presença de pequenas estátuas e nichos. No centro desta composição articulada encontra-se a edícula com a imagem do santo, que, juntamente com o resto do artefacto, regista a presença de componentes em prata, esmalte, talha e madeira. Falando dos doze painéis, o último é aquele em que está representada a já referida Decapitação do Baptista, que, apesar de ser universalmente reconhecida como obra de Verrocchio, poderia também ser atribuída à obra de Leonardo da Vinci. De fato, este último foi aluno de Verrocchio durante esse mesmo período, em que seus traços estilísticos foram marcados por uma construção em perspectiva particular, arquitetura clássica e reações emocionais dramáticas, que podem ser vistas no último painel do altar. Dando um salto temporal de cerca de sete séculos, é possível apontar como a recorrência da prata na arte contemporânea acaba sendo algo “inalterada”, embora predominantemente relacionada à popularidade da cor cintilante, mais do que ao uso do o próprio metal, que muitas vezes é "simulado" através do uso de materiais relacionados, mas menos caros e mais prontamente disponíveis, como, por exemplo, aço inoxidável e alumínio. Demonstração do que acaba de ser dito é o famoso Luís XIV de Jeff Koons, uma escultura resplandecente, que, feita em 1986 em aço inoxidável, retrata o mestre americano na pele do ex-governante da França, perseguindo o propósito de celebrar, tanto o extrema sensualidade das formas barrocas e o culto da própria personalidade do artista. É precisamente o referido metal que foi empregado na criação da série de esculturas da qual Luís XIV faz parte, que, intitulada Statuary, visa celebrar as peculiaridades da cor prata nas criações barrocas, nostálgicas e kitsch contemporâneas, projetadas com a intenção de estender de temas eternos a assuntos decididamente mais efêmeros. Após o ponto de vista de Jeff Koons, é importante destacar como a narrativa da cor prata pode ser enriquecida por pontos de vista inéditos, expressos pela obra original de artistas Artmajeur como Ricky Reese, Richard Orlinski e Alan Lawrence.

Laurent Fauchoix, Dolphin tail , 2018. Metal, 37 x 12 / 2,00 kg.

Pablo Alfredo De La Peña, Começando a contagem regressiva , 2022. Madeira sobre madeira, 38,1 x 40,6 x 45,7 / 4,00 kg.

Ricky Reese, flor de prata, 2022. Escultura em aço inoxidável, 65 x 44 x 30 cm / 23,00 kg.

Ricky Reese: flor de prata

A investigação artística de Ricky Reese, escultor espanhol nascido em 1956, muitas vezes experimenta o uso de metais prateados, que são contratados para criar narrativas minimalistas, destinadas a descrever sinteticamente e, em parte, até geometricamente, as características da realidade . Exemplificando o que acaba de ser dito é o caso de Silver flower , uma escultura em aço inoxidável cuja elegância, sobriedade e ideia de movimento, tende a evocar a obra de Rosette Bir, artista francesa conhecida pelos seus trabalhos abstratos em aço inoxidável polido. Falando do metal que unia as escolhas "materiais" dos dois escultores, o aço inoxidável acaba por ser extremamente popular na arte contemporânea, especialmente no que diz respeito àquela produção artística destinada a usos públicos ao ar livre, onde tal liga ferrosa tende a ser perfeita, pois não enferruja e resiste aos ataques de líquidos, gases e produtos químicos. O acima exposto aparece com evidência na obra de um dos mais conhecidos artistas contemporâneos, como o escultor Anish Kapoor, que em 2006 criou, em aço inoxidável reflexivo, uma das atrações monumentais mais populares de Chicago (EUA), nomeadamente o Cloud Gate , uma escultura cuja "fisionomia" foi inspirada nas peculiaridades do mercúrio líquido.

Richard Orlinski, touro de prata, 2015. Alumínio, 69 x 122 x 43 cm.

Richard Orlinsk: touro de prata

O touro de prata é uma escultura brilhante feita de alumínio pelo popular artista francês Richard Orlinski, cujo trabalho foi amplamente influenciado pelos estilos de arte pop, bem como pelas características de objetos populares do cotidiano. Apesar dessa aparente "superficialidade" e "leveza", as obras do artista Artmajeur escondem, por trás de um verniz puramente consumista, conteúdo profundo, aludindo a valores importantes, como, por exemplo, liberdade, poder e paixão. Esses ideais são predominantemente expressos através do uso de materiais reflexivos e "deslumbrantes", provavelmente destinados a simbolizar um pseudo "grito", que permite que conceitos de tal profundidade sejam mais facilmente disseminados. Consequentemente, touro de prata poderia aludir aos conceitos acima mencionados, mas também a outros, encontrados em conhecidas obras-primas da história da arte com o mesmo assunto, como, por exemplo, o famoso Touro de Wall Street , um monumento que, criado por Arturo Di Modica em 1987 e localizado no Distrito Financeiro de Manhattan (Nova York), ergue-se para celebrar a coragem viril de quem é capaz de lutar contra qualquer situação adversa.

Alan Lawrence, Weightless , 2021. Escultura em resina, vidro e metal, 33 x 15,2 x 6,4 cm / 2,00 Ib.

Alan Lawrence: Sem peso

O surrealismo com que na obra de Alan Lawrence uma simples colher "pendurada" foi indiscutivelmente transformada num elegante símbolo de equilíbrio, lembra-me uma época passada em que preciosos e imponentes talheres de prata eram usados durante as refeições. De facto, este último metal foi utilizado para produzir objectos destinados ao serviço de mesa, pelo menos desde o tempo dos antigos fenícios, perdurando no período romano, bem como posteriores. Após a "pausa" medieval, os talheres de prata retornaram com vigor durante o Renascimento, embora se tenha registrado um pico em seu uso a partir do descobrimento da América, ou seja, quando, graças à difusão dos metais do Novo Mundo, a prata tornou-se acessível mesmo para a burguesia. Tal “paixão” pelos talheres acima mencionados, além de representar uma espécie de símbolo de status, também se deve às reais vantagens práticas inerentes à prata, pois se mostra extremamente higiênica, antibacteriana e desinfetante. Voltando ao artista de Artmajeur, o escultor americano nascido em 1965 defende que a fronteira entre uma obra de arte e seu público deve ser a mais curta possível. Consequentemente, o uso da cutelaria na sua investigação artística, poderia perseguir o propósito de acompanhar o espectador numa realidade já muito familiar a ele, onde é possível reconhecer a simplicidade dos gestos do quotidiano.