Francis Alÿs, urodzony w Belgii artysta mieszkający w Mexico City, stał się kluczową postacią w interdyscyplinarnych dziedzinach sztuki, architektury i praktyki społecznej. Od czasu porzucenia zawodu architekta w 1986 r. i przeprowadzki do Meksyku Alÿs stworzył zróżnicowany i prowokujący do myślenia dorobek, który porusza napięcia miejskie i geopolitykę. Jego sztuka, obejmująca różne media, w tym malarstwo i performance, często eksploruje delikatną równowagę między polityką a poetyką, a także dychotomię między indywidualnym działaniem a impotencją. Praktykę Alÿsa charakteryzują jego charakterystyczne paseos — spacery, które kwestionują konwencjonalne wykorzystanie przestrzeni publicznej — oraz zaangażowanie w cykliczne powtórzenia, w których zestawia czas geologiczny i technologiczny, aby zagłębić się w pamięć indywidualną i zbiorową. Poprzez wykorzystanie plotek i opowiadania historii Alÿs tworzy ulotne dzieła, które rezonują dzięki przekazowi ustnemu, odzwierciedlając jego głębokie zaangażowanie w eksplorację skrzyżowań sztuki, społeczeństwa i mitologii.
Biografia artysty: Francis Alÿs
Francis Alÿs, urodzony w Belgii artysta, obecnie mieszkający w Mexico City, stworzył wyjątkową i wieloaspektową karierę, która obejmuje różne media, w tym wideo, instalacje, malarstwo i rysunek. Jego twórczość jest głęboko zakorzeniona w eksploracji kwestii społecznych, kulturowych i geopolitycznych, często przez pryzmat codziennego życia. We wczesnych latach sam Alÿs był głównym wykonawcą swoich działań, ale w ciągu ostatniej dekady dzieci stały się centralnym punktem jego projektów, odzwierciedlając zmianę jego skupienia na doświadczeniach wspólnotowych i zbiorowych. Jego praktyka charakteryzuje się intensywną obserwacją i zaangażowaniem w określone miejsca, często manifestowaną poprzez spacery, które służą zarówno jako dosłowne, jak i metaforyczne podróże. Te działania, takie jak The Collector (1991) i The Leak (1995), zacierają granice między sztuką a życiem, wykorzystując proste, ale potężne gesty do krytyki społeczno-politycznej tkanki środowisk, w których się porusza.
Prace Alÿsa często zawierają koncepcję cyklicznej powtarzalności i eksplorują przecięcie się pamięci indywidualnej i zbiorowej. Jego występy, takie jak When Faith Moves Mountains (2002) i The Rehearsal (1999), często obejmują akty pracy fizycznej lub wytrzymałości, podkreślając napięcie między wysiłkiem a daremnością. W Tornado (2000-2010) Alÿs goni diabły pyłowe w Meksyku, pozornie absurdalne dążenie, które podkreśla fascynację artysty siłami natury i ludzką potrzebę konfrontacji z nimi. Zaangażowanie Alÿsa w geopolityczne granice jest widoczne w takich pracach jak The Green Line (2004), gdzie kreśli linię zielonej farby na granicy zawieszenia broni z 1948 roku w Jerozolimie, podkreślając arbitralną naturę podziałów terytorialnych.
Oprócz występów Alÿs jest również utalentowanym malarzem, czerpiącym inspirację z włoskiej sztuki przedrenesansowej i meksykańskiego malarstwa szyldowego. Jego obrazy, takie jak te z serii Le temps du sommeil , są oniryczne i alegoryczne, często odzwierciedlając tematy i formy obecne w jego działaniach. Alÿs postrzega malarstwo jako niezbędne uzupełnienie swojej pracy performatywnej, pozwalające mu eksplorować idee, których nie można łatwo przekazać za pomocą innych mediów. Jego obrazy nie są jedynie ilustracjami jego występów, ale raczej medytacyjnymi refleksjami, które pogłębiają narrację i emocjonalny rezonans jego ogólnej praktyki.
Wkład Alÿsa w sztukę współczesną został szeroko uznany, przynosząc mu liczne nagrody, w tym Vincent Award (2008), BACA-laureate Prize (2010) i Rolf Schock Prize in Visual Arts (2020). Jego twórczość została doceniona za zdolność łączenia poetyki z polityką, tworząc sztukę, która jest równie angażująca intelektualnie, jak wizualnie i emocjonalnie przekonująca.
Projektowanie
Jeden z jego najbardziej trwałych projektów, The Fabiola Project , rozpoczął się w 1994 roku, kiedy Alÿs zaczął kolekcjonować amatorskie reprodukcje obrazu Jeana-Jacques'a Hennera z XIX wieku przedstawiającego Świętą Fabiolę. Pochodzące z pchlich targów i sklepów z antykami na całym świecie — w tym z Meksyku, Chile, Brazylii i Rosji — portrety te pozostają nietknięte, zachowując anonimowość i osobliwości ich twórców. Fascynacja Alÿsa tymi szeroko produkowanymi replikami wynika z ich kwestionowania pojęcia tego, co stanowi ikonę, kwestionując, czy ikona jest definiowana przez oficjalną historię sztuki, czy przez zbiorową, obsesyjną reprodukcję określonego obrazu przez niezliczonych artystów amatorów. Kolekcja, która zaczynała się od 24 dzieł, została po raz pierwszy wystawiona w Mexico City w 1994 roku i od tego czasu rozrosła się do 514 portretów, eksponowanych w znanych miejscach, takich jak Dia Art Foundation, Los Angeles County Museum of Art i Byzantine Fresco Chapel w Houston. W ostatnich latach praca Alÿsa zabrała go do stref konfliktu, takich jak Afganistan i Irak, gdzie wyprodukował serię głęboko refleksyjnych projektów. Jego film Reel-Unreel (2011), stworzony podczas jego pobytu w Afganistanie, metaforycznie krytykuje zachodnie przedstawienie narodu afgańskiego i jego sposobu życia, podczas gdy jego praca w Iraku od 2015 do 2020 roku obejmuje film fabularny Sandlines, the Story of History (2020), w którym dzieci odtwarzają stulecie historii Iraku. Te projekty, obok jego trwającej serii Children's Games — która dokumentuje zabawę dzieci w różnych miejscach na świecie — ilustrują zaangażowanie Alÿsa w eksplorację skrzyżowań kultury, historii i doświadczeń ludzkich przez pryzmat zarówno intymny, jak i rozległy.
Historia wystawy
Jego najważniejsze badania obejmują A Story of Deception (2010-2011), które zostało wystawione w Tate Modern w Londynie, Wiels Centre d'Art Contemporain w Brukseli i Museum of Modern Art w Nowym Jorku, obok MoMA PS1 w Long Island City. Inne kluczowe badanie, A Story of Negotiation (2015-2017), podróżowało z Museo Tamayo Arte Contemporáneo w Mexico City do Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) – Fundación Costantini, Museo Nacional de Bellas Artes de la Habana w Hawanie i Art Gallery of Ontario w Toronto. Przez ostatnią dekadę Alÿs miał również wystawy indywidualne w takich znanych instytucjach jak WIELS, Contemporary Art Centre w Brukseli (2023-24), Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) w Mexico City (2023), Kuandu Museum of Fine Arts w Tajpej (2022), Copenhagen Contemporary (2022), Musée cantonal des Beaux-Arts w Lozannie (2021) i Museo Nacional de Colombia w Bogocie (2020). Jego prace były prezentowane w Rockbund Art Museum (RAM) w Szanghaju (2018), Art Sonje Center w Seulu (2018) i Museum of Contemporary Art w Tokio, które przeniosło się do Hiroshima City Museum of Contemporary Art (2013). Do jego wcześniejszych znaczących wystaw należą Irish Museum of Modern Art w Dublinie (2010), The Renaissance Society na University of Chicago (2008), Hammer Museum w Los Angeles (2007), Hirshhorn Museum and Sculpture Garden w Waszyngtonie (2006) i Portikus we Frankfurcie (2006). Alÿs brał udział w Biennale w Wenecji wiele razy — w 1999, 2001, 2007, 2017 roku, a zwłaszcza reprezentował Belgię na 59. Biennale w Wenecji w 2022 roku swoją indywidualną prezentacją The Nature of the Game . Jego niedawny udział w Manif d'art, Québec City Biennale w 2024 roku oraz indywidualna wystawa w Museo de Arte de Lima (MALI) dodatkowo podkreślają jego ciągły wpływ na świat sztuki współczesnej.
Francis Alÿs ugruntował swoją pozycję jako krytyczny głos w sztuce współczesnej, łącząc politykę, poetykę i komentarz społeczny poprzez multidyscyplinarne podejście, które kwestionuje i na nowo definiuje granice sztuki. Jego wyjątkowa perspektywa, ukształtowana przez jego architektoniczne wykształcenie i głębokie zaangażowanie w złożoność życia miejskiego, doprowadziła do stworzenia zbioru prac, które są zarówno intelektualnie stymulujące, jak i emocjonalnie rezonujące. Wykorzystując moc prostych gestów, cyklicznego powtarzania i opowiadania historii, Alÿs stworzył spuściznę, która nadal wpływa i inspiruje, łącząc przepaść między tym, co osobiste i zbiorowe, ulotne i wieczne. Jego ciągła eksploracja przecięć między sztuką, społeczeństwem i mitologią zapewnia, że jego prace pozostaną istotne i prowokujące do myślenia dla przyszłych pokoleń.
Selena Mattei
