Arturo Herrera: Opanowanie rytmicznej sztuki kolażu wizualnego

Najważniejsze wnioski

• Arturo Herrera jest wenezuelskim artystą znanym ze współczesnej sztuki kolażowej .
• W swojej twórczości łączy odniesienia do kultury popularnej, gestykulacji i abstrakcyjnych kształtów, tworząc niepowtarzalny język wizualny.
• Technikę kolażu Herrery cechuje fragmentaryzacja, powtarzalność i dyslokacja obrazów.
• Jego sztuka balansuje między abstrakcją a figuracją, zachęcając widza do eksploracji znanych, a jednocześnie oderwanych od rzeczywistości obrazów.
• Dzieła Herrery zyskały uznanie krytyków, co umocniło jego pozycję jako czołowej postaci współczesnej sceny artystycznej.

Arturo Herrera, urodzony w Wenezueli, mieszkający w Berlinie artysta (ur. 1959), znany jest z prac zakorzenionych w kolażu, łączących pop-ikonografię, abstrakcję i figurację. Jego sztuka eksploruje niejednoznaczność poprzez fragmentację, powtórzenie i dyslokację, angażując pamięć i fantazję. Herrera wystawiał swoje prace m.in. w MoMA, Whitney Museum i Castello di Rivoli, a także otrzymał stypendia Guggenheima i DAAD. Jego prace znajdują się w kolekcjach takich jak MoMA, Tate i Museo Reina Sofia.

Mistrz kolażu i niejednoznaczności

Arturo Herrera, urodzony w Caracas w Wenezueli w 1959 r., jest berlińskim artystą wizualnym, cenionym za pionierską twórczość w kolażu. Jego sztuka płynnie łączy fragmenty kultury popularnej, ekspresyjne gesty i abstrakcyjne kształty, tworząc rytmiczne kompozycje, które rzucają wyzwanie konwencjonalnemu opowiadaniu historii. Proces twórczy Herrery obejmuje fragmentację, powtórzenie i dyslokację, co skutkuje obrazami balansującymi na granicy abstrakcji i figuracji — znanymi, ale nieuchwytnymi.

Krytycy chwalą niejednoznaczność jego prac, które zapraszają widzów do eksploracji tematów pamięci, fantazji i podświadomej interpretacji. W 2020 r. Ara H. Merjian opisał jego praktykę jako „kameleonową, ale spójną”, wnosząc nowe życie do modernistycznego kolażu poprzez eksplorację napięć między precyzją a spontanicznością, a także umiejscowieniem a przemieszczeniem.

Zróżnicowana twórczość artystyczna Herrery obejmuje prace na papierze, płaskorzeźby, rzeźby, sztukę publiczną i książki. W każdej z nich odzwierciedla się nowatorskie wykorzystanie materiałów i idei.

Wkład artystyczny Arturo Herrery był doceniany na całym świecie, a jego wystawy odbywały się w prestiżowych instytucjach, takich jak Museum of Modern Art (MoMA), Whitney Museum, Castello di Rivoli i Hammer Museum. Jego prace przyniosły mu cenione nagrody i stypendia, w tym stypendium Guggenheima i stypendium DAAD. Sztuka Herrery jest częścią stałych kolekcji głównych muzeów, takich jak Tate, Museo Reina Sofia i MoMA, co umacnia jego wpływ na sztukę współczesną.

Arturo Herrera urodził się w Caracas w 1959 roku, a w 1978 roku przeprowadził się do Stanów Zjednoczonych, aby studiować sztukę. W 1982 roku uzyskał tytuł licencjata sztuk pięknych na University of Tulsa, a następnie w 1992 roku ukończył studia magisterskie sztuk pięknych na University of Illinois w Chicago. W tym czasie Herrera udoskonalił swoją autorską technikę cięcia i kolażowania obrazów pochodzących z kolorowanek, komiksów i ilustrowanych opowieści, przekształcając je w formy biomorficzne i abstrakcyjne.

Kariera Herrery nabrała rozpędu w latach 90. XX wieku, kiedy to odbyły się jego wystawy indywidualne w Chicago i Nowym Jorku. W latach 2000. wystawiał swoje prace w takich znanych miejscach jak MoMA PS1, Whitney Biennial i Hammer Museum. Późniejsza kariera obejmowała wystawy w Tate Modern, Albright-Knox Art Museum i Ruby City.

Obecnie mieszkający w Berlinie, gdzie mieszka od 2003 roku, Arturo Herrera nadal poszerza granice sztuki współczesnej. Wystawiał swoje prace w wiodących galeriach, takich jak Sikkema Jenkins & Co (Nowy Jork), Thomas Dane (Londyn) i Franco Noero (Turyn). Jego multidyscyplinarne podejście, obejmujące malarstwo, rzeźbę i instalacje publiczne, odzwierciedla jego zdolność do adaptacji i innowacji, przy jednoczesnym pozostawaniu zakorzenionym w praktyce kolażu.

Dzieła Herrery pozostają kamieniem węgielnym sztuki współczesnej, cenione za odważne eksperymenty i zdolność do wywoływania głębokiego zaangażowania emocjonalnego i intelektualnego.

Kolaż, kontekst i interpretacja

Prace Arturo Herrery obejmują różnorodne media i materiały, ale jest on najbardziej znany ze swoich kolaży w technice mieszanej , prac na papierze, filcowych rzeźb i wielkoformatowych malowideł ściennych. Jego sztuka często rozwija się w seriach, podkreślając wzajemne oddziaływanie ciągłości, zakłóceń i asocjacyjnych relacji w różnych materiałach, zbiorach prac i wystawach. Historyczka sztuki Carolyn Christov-Bakargiev sytuuje praktykę Herrery w linii rozciągającej się od sztuki apropriacji lat 80. i pop-artu lat 50. i 60. XX wieku, aż do fundamentów surrealizmu, abstrakcji lirycznej i kolażu kubistycznego z XX wieku.

Krytycy zauważyli, jak Herrera rozszerza te tradycje artystyczne na terytorium konceptualne, stosując pominięcie, minimalne wskazówki i nieobecność, aby rzucić wyzwanie oczekiwaniom mediów, takich jak malarstwo, rzeźba i kolaż. Pablo Helguera porównał prace Herrery do testów Rorschacha — oscylujących między tym, co jawne i ukryte, tym, co znane i dziwne — przeformułowując odniesienia popkulturowe z narracji osobistych w otwarte, interpretacyjne sfery. Podobnie Jessica Morgan opisała wczesne dzieła Herrery jako „dziecinne przestrzenie wyobraźni”, które podważają tradycyjne opowiadanie historii. Te prace zachęcają do impulsywnych, asocjacyjnych odczytań, jednocześnie eksplorując głębsze warstwy psychologiczne i kulturowe. Jego późniejsze prace obejmują bardziej fragmentaryczny, nieliniowy język wizualny, który odzwierciedla złożoność i wielość postmodernistycznego doświadczenia.

Kolaże: od subwersji do eksploracji

Wczesne prace Herrery zawierały starannie wykonane kolaże, które łączyły fragmenty z kolorowanek, kreskówek, reklam i bajek z gestykulacją i abstrakcyjnymi formami. Te kompozycje często zestawiały ze sobą niepasujące elementy — jak tors Kaczora Donalda zmieniający się w bar z lodami lub bazgroły kreskówek w interakcji z codziennymi przedmiotami — tworząc dziwaczne hybrydy, które podważały niewinność ich pierwotnego wizerunku. Krytycy, tacy jak Holland Cotter z The New York Times , opisali jego serię „Desire” z 1994 roku jako „polimorficznie perwersyjną i słodką”, przywołującą mroczniejsze, nieświadome tematy przemocy i seksualności pod zabawną powierzchnią.

W swoim interaktywnym projekcie internetowym Almost Home (Dia Center, 1998) Herrera pozwolił widzom na bezpośredni kontakt ze swoją sztuką, łącząc animowane i statyczne kolaże w nieprzewidywalnych, zabawnych kombinacjach.

Późniejsze serie i ewolucja artystyczna

Późniejsze prace Herrery rozszerzyły jego wizualny słownik, włączając wpływy z abstrakcji, tańca współczesnego i malarstwa gestów. Serie takie jak Keep in Touch (2004), Boy and Dwarf (2006–7) i Trigger (2009) nakładały kolorowe kształty, gęste tekstury i płynne zawijasy na obrazy oparte na kreskówkach. Na przykład seria „Boy and Dwarf” zawierała 75 ściśle zawieszonych kolaży, które sugerowały labiryntowy las kolorów, abstrakcji i ukrytych obrazów. W tych pracach centralne postacie z kreskówek były często przesłonięte warstwami tapety, sitodruku i malarstwa gestów, przekształcając ich oryginalne konteksty w skomplikowane eksploracje wizualne.

Herrera odważył się również na prace z ruchomym obrazem, takie jak Les Noces (Wesele) (2011), statyczny, ale rytmiczny montaż abstrakcyjnych obrazów zsynchronizowanych z baletem-kantatą Igora Strawińskiego. Wykorzystując pocięte skrawki ze swojego studia, Herrera przekształcił swój język wizualny w formę kinematograficzną, nawiązując do warstwowego podejścia swoich kolaży.

Sztuka Arturo Herrery niezmiennie rzuca wyzwanie tradycyjnym narracjom i eksploruje granice interpretacji, tworząc przestrzenie, w których abstrakcja, kultura popularna i rezonans emocjonalny zderzają się ze sobą w dynamiczny i skłaniający do myślenia sposób.

Eksploracja sztuki ściennej i form rzeźbiarskich

W połowie lat 90. Arturo Herrera rozszerzył swoją praktykę opartą na kolażu na nowe terytoria, tworząc obrazy ścienne site-specific , rzeźby z filcu i inne trójwymiarowe obiekty. Prace te często skłaniały się ku abstrakcji i minimalizmowi, zachowując jego zabawny, konceptualny charakter. W tym okresie wystawy Herrery łączyły te dzieła w dynamiczny sposób, rzucając wyzwanie konwencjonalnym normom humorem, biomorficznymi kształtami i poczuciem ekscentrycznego eksperymentu.

Znaczącym przykładem jest jego wystawa z 1998 r. w Renaissance Society, na której znalazły się żywe malowidła ścienne, zakrzywiona biała płyta wiórowa, rzeźby podłogowe wykonane ze skręcających się pasm i gipsowe płaskorzeźby postaci takich jak Jiminy Cricket i Pluto. Te płaskorzeźby, zamontowane na ścianach, aby odsłonić zarówno ich wewnętrzne, jak i zewnętrzne struktury, ucieleśniały eksplorację Herrery w zakresie fragmentarycznych, warstwowych obrazów.

Malowidła ścienne: abstrakcyjne tańce formy i koloru

Malowidła ścienne Herrery zadebiutowały w 1994 r. na odważnym billboardzie na zewnątrz w Chicago, co oznaczało początek jego eksperymentów z rytmicznymi abstrakcyjnymi kształtami i żywymi kolorami. Jego wczesne prace wahały się od figuratywnych i jawnie prowokacyjnych, jak Out of Twenty-Four (MCA Chicago, 1995), po abstrakcyjne kompozycje, takie jak Tale (Randolph Street Gallery, 1995), płynąca kaskada kreskówkowych pomarańczowych kształtów.

Późniejsze malowidła ścienne, takie jak All I Ask (Walker Art Center, 1999), prezentowały gęsto upakowaną, półreferencyjną formę, podczas gdy When Alone Again (Hammer Museum, 2001) oferowało surową, czerwono-białą gestykulację. Z czasem malowidła ścienne Herrery przesunęły się w stronę lirycznego, abstrakcyjnego stylu, łącząc pozytywne i negatywne przestrzenie w harmonijne kompozycje. Do godnych uwagi dzieł należą Adam (Linda Pace Foundation, 2013), Come Again (Gladstone Gallery, 2015) i rozległy Wall Painting for Austin (2022), zewnętrzny mural o powierzchni 6500 stóp kwadratowych.

Rzeźby z filcu: między elegancją a rozpadem

W 1998 roku Herrera wprowadziła wielkoformatowe rzeźby z filcu, przywołując dotykową reinterpretację ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Prace te zawierały wycinane kształty przypominające krople i rozpryski, ale wydawały się przypięte i lekko zwisające, subtelnie krytykując „heroiczny” etos ruchu. Krytyczka z New York Times Roberta Smith opisała te dzieła jako „topniejące, przypominające sieć abstrakcje… nawiedzane przez znajome duchy, które pozostają nieuchwytne”.

Niektóre rzeźby z filcu, jak At Your Side (2001), skupiały się na motywach ukrycia i nieobecności poprzez solidne, gestykulacyjne formy. Późniejsze prace z filcu przyjęły bardziej figuratywną jakość, odwołując się do surrealistycznych biomorficznych kształtów ( Orfeo , 2007) lub struktur przypominających ubrania, zwisających ze ścian lub zmiętych na podłodze ( Felt #19 , 2009).

W swoich malowidłach ściennych i rzeźbach z filcu Arturo Herrera nadal przesuwa granice, łącząc abstrakcję z żartobliwym konceptualizmem, a jednocześnie rzucając wyzwanie tradycyjnym oczekiwaniom dotyczącym medium i formy.

Późniejsze wystawy: eksploracja nowych wymiarów

W swoich ostatnich wystawach Arturo Herrera zagłębiał się w coraz bardziej skomplikowane prace, często stawiając na pierwszym miejscu formę i ruch — zarówno fizyczny, jak i koncepcyjny — czerpiąc inspirację z tańca i muzyki. Na swojej wystawie w Sikkema Jenkins & Co. w 2014 r. zaprezentował wielowarstwowe abstrakcyjne kompozycje łączące malarstwo, kolaż i asamblaż. Prace te obejmowały używane książki przekształcone za pomocą rozmazanych, malowanych powierzchni, wycięte sekcje pokryte warstwą aluminium z sitodrukiem i znalezione materiały, takie jak torby płócienne z konopi. Roberta Smith opisała te prace jako bardzo osobiste i eksperymentalne, przesuwające granice dzięki wykorzystaniu niekonwencjonalnych materiałów i metod oraz równoważące napięcie między fizycznością a wpływem wizualnym.

Podczas wystawy w tej samej galerii w 2017 r. Herrera po raz pierwszy zastosował podobne techniki na pomalowanych płótnach, rezygnując z elementów kolażu i skupiając się wyłącznie na malowanej powierzchni.

Herrera zakotwiczył również kilka projektów w tańcu współczesnym, wykorzystując go jako fundament do eksperymentów koncepcyjnych i formalnych. Wystawa z 2016 r. „Soave sia il vento” w Galleria Franco Noero wzięła swoją nazwę od opery Mozarta Cosi fan tutte . Łączyła figurację, powtórzenie i kulturę popularną poprzez instalacje ścienne i projekty współpracy z lokatorami pobliskiego budynku mieszkalnego. Lokatorzy ci uczestniczyli w nich, wieszając monochromatyczne zasłony przedstawiające tancerzy, odbijające obrazy z tapety galerii. Podobnie wystawa Herrery z 2019 r. w Corbett vs. Dempsey zawierała szklane dzieła przypominające ruchy taneczne i chaotyczne kolaże wykonane z malowanego płótna, fotografii tancerzy i filcu, tworząc liryczne połączenie między fizycznością tańca a współgraniem form artystycznych.

Na swojej wystawie From This Day Forward w Thomas Dane w 2021 r. Herrera posunął swój język wizualny dalej, tworząc rozległe malowidła ścienne, dynamiczne kolaże i wyjątkową 208-stronicową książkę artystyczną. Ta książka przeprojektowała znalezione strony z różnych publikacji, nadrukowując czarne kształty i kontury, aby ukryć i zinterpretować na nowo oryginalne obrazy. Jasper Spires opisał wystawę jako „błyskawiczną serię nakładających się obrazów i kolorów”, zacierając rozróżnienia między wnętrzem a zewnętrzem, płaskością a głębią i wspierając otwarte, wciągające wrażenia wizualne.

Kolekcje i uznanie

Dzieła Herrery są częścią wielu prestiżowych kolekcji muzealnych, w tym:

• MoMA
• Metropolitan Museum of Art
• Tate
• Muzeum Reina Sofia
• Muzeum Sztuki Współczesnej (Chicago i Los Angeles)
• Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco
• Centrum Sztuki Walkera
• Muzeum Whitney
• Muzeum Sztuki Carnegie
• Narodowa Galeria Kanady
• Muzeum Młotów
• Muzeum Sztuki Albright-Knox
• Muzeum Sztuki w Dallas i inne.

Herrera otrzymał liczne wyróżnienia, w tym stypendia od Guggenheim Foundation (2005), DAAD (2003) i Yaddo (2002). Otrzymał również uznanie takich instytucji jak Pollock-Krasner Foundation, Louis Comfort Tiffany Foundation i Foundation for Contemporary Arts. Jego wczesne stypendia, w tym te od Artpace i Art Matters, odzwierciedlają jego trwały wpływ na sztukę współczesną.

Podróż Arturo Herrery jest dowodem jego niezachwianego zaangażowania w innowację, nieustannego redefiniowania granic formy, materiału i wyrazu artystycznego.

Linki źródłowe

1. http://www.newartexaminer.org/assets/vol-34-no-3-inside-final-electronic-version.pdf
2. https://www.artwithross.com/breadth.html
3. https://www.maxhetzler-publications.com/publications/works-paper-1
4. http://kellhighschoolart.weebly.com/ap-studio-art/category/constraint
5. https://www.omnihotels.com/-/media/images/hotels/bossea/hotel/bossea-2306-01-art-booklet-5-5x8-5-m.pdf
6. http://atleearts.weebly.com/themes-artists.html
7. https://tableau.uchicago.edu/sites/default/files/archived_pdfs/tableau_summer_2008.pdf
8. https://www.artburstmiami.com/visual_arts
9. https://www.museocjv.com/Sztuka Ameryki Łacińskiej i Latynosów.pdf
10. https://floridayimby.com/2024/03/crescent-heights-announces-commencement-of-track-field-mural-at-forma-miami.html
11. https://theartifactoid.com/tag/artist-interview/
12. https://bentleygallery.com/exhibitions/past-exhibitions/
13. https://clevecarney-gallery.squarespace.com/s/lvlg.pdf
14. https://www.drawingsandnotes.com/mixed_media/
15. https://nsuartmuseum.org/wp-content/uploads/2020/04/Textlabels-bc-revised-4-8-CR8.pdf