Podstawowe zasady włoskiego futuryzmu: szybkość, ruch i technologia

Futuryzm: eksplozja nowoczesności

Futuryzm narodził się w 1909 roku jako krzyk zerwania. Ruch, na którego czele stał poeta Filippo Tommaso Marinetti, po raz pierwszy publicznie objawił się 20 lutego 1909 r. wraz z Manifestem futuryzmu , opublikowanym najpierw w La Gazzetta dell'Emilia , a następnie na pierwszej stronie Le Figaro , najpopularniejszego dziennika we Francji. Był to początek ideologicznej i kulturalnej kampanii, która wstrząsnęła Włochami — i nie tylko — poprzez symboliczne zniszczenie przeszłości w celu gloryfikacji przyszłości, szybkości, technologii i miejskiej nowoczesności.

Futuryzm narodził się w Mediolanie, ale szybko rozprzestrzenił się na Turyn, Neapol, a następnie za granicę. Opiera się na sojuszu literatury, sztuk wizualnych, muzyki, architektury, a nawet gastronomii. Marinetti był jego niestrudzonym promotorem, ale wizualną duszą ruchu był Umberto Boccioni, któremu towarzyszyli Giacomo Balla, Gino Severini, Carlo Carrà i Luigi Russolo. Wspólnie pomogli zdefiniować nową, dynamiczną i fragmentaryczną sztukę, która odpowiadała na szaleństwo współczesnego życia.

Na koniec warto podkreślić, że ruch ten opiera się na trzech fundamentalnych zasadach, które silnie definiują jego tożsamość estetyczną i ideologiczną: szybkości, ruchu i technologii. Koncepcje te są dla futurystów czymś więcej niż tylko powtarzającymi się motywami; stanowią one konkretne narzędzia rewolucji artystycznej, środki, dzięki którym sztuka staje się bezpośrednim odbiciem energii, rytmu i przemian współczesnego świata. Przyjrzyjmy się teraz szczegółowo, w jaki sposób każdy z tych elementów przyczynia się do budowania wizji przyszłości.

Umberto Boccioni, Miasto powstaje , 1910–11. Olej na płótnie. MoMA, Nowy Jork.

1. Prędkość: energia w ruchu

Dla futurystów prędkość była prawdziwą świecką religią, symbolem przemieniającej mocy nowoczesności. Samochody, pociągi i samoloty stały się nowymi bóstwami przemysłu. Marinetti posunął się tak daleko, że stwierdził, że „samochód wyścigowy… jest piękniejszy niż Nike z Samotraki”, podważając w ten sposób klasyczną ideę piękna, aby wyolbrzymić moc i ryk silnika. W malarstwie przekładało się to na szybkie pociągnięcia pędzlem, linie skośne i kompozycje, które zdawały się dosłownie wyskakiwać z płótna.

Gloryfikacji postępu towarzyszyła agresywna wizja rzeczywistości: wojna, którą Marinetti nazywał „jedyną higieną świata”, była postrzegana jako siła napędowa odnowy. Postawa ta doprowadziła do tego, że grupa częściowo opowiedziała się po stronie nacjonalizmu, a następnie faszyzmu, co miało niejednoznaczny wpływ na odbiór ruchu.

Jaskrawym przykładem jest obraz Il lavoro (później przemianowany na Miasto powstaje ) Boccioniego, namalowany w 1910 r., który zapoczątkował malarstwo futurystyczne. To miejska scena przecinana burzą barw i sił, symbolizująca nadejście nowej ery. Wystawa w Mediolanie w 1911 r. – również zorganizowana w celu wsparcia bezrobotnych – wyraźnie pokazała związek między sztuką, działalnością społeczną i nowoczesnością. Przyjrzyjmy się teraz tej pracy szczegółowo...

Analiza szybkiej pracy
Dzieło Umberto Boccioniego Miasto powstaje , stanowiące żywe serce futuryzmu, nie jest po prostu obrazem: to wizualna eksplozja siły, energii i niekontrolowanej prędkości. Dzieło to, powstałe w latach 1910–1911, ucieleśnia istotę ideału futurystycznego: celebrację postępu jako nieodpartego impulsu ku przyszłości, ucieleśnionego w fizycznej sile ludzi i furii zwierząt rzucanych naprzód. Boccioni nie opowiada sceny, lecz przekształca ją w czyste, dynamiczne napięcie. Mediolański plac budowy, z powstającymi budynkami i kominami w tle, staje się symboliczną scenerią rewolucji miejskiej i społecznej, podczas gdy w centrum rozgrywa się prawdziwe starcie natury z nowoczesnością.

Czerwony koń w centrum, niemal mityczny w swoim wyścigu, staje się centralnym punktem ruchu. Nie jest to zwyczajne zwierzę, lecz symbol pierwotnej energii, którą ludzie bezskutecznie próbują oswoić. Ich wyciągnięte ramiona, napięte mięśnie i skośne linie, które je przecinają, odzwierciedlają niemal heroiczny wysiłek. Jednak w tej walce nie ma ani dramatu, ani bólu: jest entuzjazm, jest wola. Dla Boccioniego współczesny człowiek jest twórcą nowej ery, a wysiłek fizyczny staje się wywyższeniem, aktem podboju. W odróżnieniu od innych dzieł futurystów, to dzieło nie gloryfikuje maszyny, lecz ludzką szybkość – żywą, rzeźbiarską, dynamiczną.

Technika Boccioniego odrzuca jakąkolwiek formę stałości. Włókniste pociągnięcia pędzla, odziedziczone po dywizjonizmie, poddają się prawom prędkości. Nie budują stałych mas, lecz rysują linie sił. Wszystko jest w ruchu: kolory, przestrzeń, ciała. Perspektywa jest nadal zachowana, lecz przyćmiewa ją pęd postaci rzucających się w stronę widza, jakby obraz chciał wyłonić się z płótna i wessać nas w swój szał. Nie ma punktu zaczepienia: wzrok przeskakuje z konia na robotnika, zostaje złapany w wir kształtów i kolorów, które krzyczą „nowoczesność”.

W tym wizualnym wirze The City Rises staje się wyznaniem miłości dokonanym z futurystyczną szybkością. Nie jest to proste przedstawienie teraźniejszości, ale prorocza wizja: świat się zmienia, jest budowany, przyspiesza. Miasto – najwyższy symbol współczesnej cywilizacji – nie jest jeszcze ukończone, ale „wzrasta”, wznosi się z pędem tych, którzy nigdy nie oglądają się za siebie. W tym momencie ludzie i konie nie są już biernymi postaciami, lecz mitycznymi bohaterami nowej ery.

Giacomo Balla, Dynamizm psa na smyczy , 1912. Olej na płótnie, 89,8 × 109,8 cm. Albright–Knox Art Gallery, Nowy Jork.

2. Ruch: dynamika jako język

Futuryzm uczynił ruch zasadą założycielską. W odróżnieniu od malarzy akademickich futuryści chcieli uchwycić gest, rytm, przejście. Tak narodził się dynamika plastyczna , czyli równoczesne przedstawianie kilku faz akcji.

W Manifeście malarzy futurystów (1910) Boccioni i jego współpracownicy wypowiedzieli wojnę kultowi przeszłości, wzywając do stworzenia sztuki, która celebruje transformację i miejski szał. Stąd zastosowanie technik inspirowanych dywizjonizmem i kubizmem, lecz w sposób bardziej wyrazisty i żywy: fragmentaryczne obrazy, nałożone na siebie kształty, czyste i intensywne kolory.

Koncepcja linii sił – zaczerpnięta z kubizmu – stała się centralnym elementem wizualnym. Linie te dawały iluzję ruchu postaci, zamieniając płótno w rodzaj żywego fotogramu. Wpływ fotografii ruchu (Muybridge, Marey) skłonił braci Bragaglia do opracowania fotodynamiki , techniki fotograficznej, która pozwala uchwycić gesty w rozmyciu i sekwencji, zapowiadając w ten sposób kino eksperymentalne.

Futuryzm eksplorował również inne formy sztuki ruchomej: Russolo wynalazł nowe instrumenty muzyczne i napisał Sztukę hałasów (1913), natomiast Bragaglia wyreżyserował film Thaïs (1916), jedyny zachowany futurystyczny film fabularny, znany z abstrakcyjnej i dynamicznej scenerii.

Analiza dzieła w ruchu
W 1912 roku Giacomo Balla namalował Dynamizm psa na smyczy , dzieło w pełni oddające celebrację ruchu, jednej z podstawowych zasad futuryzmu. Wybrałem ten obraz właśnie dlatego, że bezpośrednio i wizualnie ukazuje dynamiczną energię, którą futuryści chcieli zaszczepić w sztuce, zrywając z bezruchem tradycyjnego malarstwa. Scena przedstawia kobietę spacerującą ze swoim psem po miejskim chodniku. Ale nie historia interesuje Ballę: interesuje ją ruch, prędkość, gorączkowe tempo współczesnego życia. Artysta ujmuje scenę w postaci stóp kobiety, brzegu jej sukienki, ciała psa i smyczy, mnożąc i nakładając na siebie obrazy w sekwencji, która oddaje wrażenie ciągłego ruchu.

To nie jest tylko ćwiczenie stylistyczne. Balla dokonuje prawdziwej rewolucji wizualnej: poprzez przejrzyste i rytmiczne nakładanie się nóg, ogonów i ruchomych materiałów, przekształca akcję w nieprzerwany przepływ. Technika ta, zainspirowana chronofotografią Étienne’a-Jules’a Marey’a, pozwala artyście przedstawić czas i ruch na stałej powierzchni, wprawiając płótno w wibracje energii. Powtarzające się faliste kształty smyczy symbolicznie łączą psa i jego właściciela, wzmacniając ich dynamiczną więź.

Praca ta nie tylko przedstawia ruch: ona go uwypukla, umieszczając w centrum doświadczenia wizualnego. Nic w tym obrazie nie jest stałe, ani kontemplacyjne. Każdy element przyczynia się do eksplozji witalności, nawet tło z jego skośnymi liniami chodnika zdaje się poruszać w przeciwnym kierunku, wzmacniając wrażenie prędkości. Tak więc Dynamizm psa na smyczy nie jest tylko przykładem sztuki futurystycznej, ale deklaracją intencji: futuryzm pragnie uwolnić malarstwo od bezruchu i uczynić je odbiciem współczesnego świata – świata wyścigu, pilności i transformacji.

Alfredo Gauro Ambrosi, Aeroritratto di Mussolini aviatore , 1930. Zbiory prywatne.

3. Technologia: silnik wyobraźni

Już od najwcześniejszych manifestów technologia stała się filarem estetyki przyszłości, nie tylko jako przedmiot reprezentacji, ale także narzędzie twórcze i koncepcyjne. Futuryści wykorzystali nowe technologie druku, komunikacji i transportu, aby szerzyć swoje idee w całej Europie, przekraczając granice państwowe. Wystawy w Paryżu (1912), Londynie i Berlinie przyczyniły się do uczynienia futuryzmu międzynarodowym ruchem artystycznym.

W rzeźbie widoczny jest również wpływ maszyny i świata przemysłowego. W dziele „Unique forms of continuity in Space” (1913) Boccioni przekształca ludzkie ciało w byt mechaniczny, łącząc anatomię z inżynierią. Architekt-futurysta Antonio Sant'Elia wyobraża sobie pionowe miasta z ruchem ulicznym na wielu poziomach, w estetyce nawiązującej do art déco i science fiction.

Sztuka futurystyczna otworzyła się także na grafikę, reklamę, meble i aeropainting — malarstwo inspirowane widokiem świata z powietrza, na przykład z perspektywy pilota w locie. W latach 30. XX wieku ruch ten odżył za sprawą plakatów fotograficznych i eksperymentów z wieloma negatywami, przeprowadzanych przez takich artystów, jak Tato (Guglielmo Sansoni).

Futuryzm nigdy nie był zjawiskiem ściśle włoskim. W Rosji kubofuturyzm rozwijał podobne idee, podkreślając jednocześnie swoją niezależność od Marinettiego. W Japonii artyści tacy jak Gyō Fumon i Seiji Tōgō zinterpretowali język futuryzmu na nowo, wykorzystując wrażliwość Wschodu. W Stanach Zjednoczonych Joseph Stella stworzył dzieła takie jak Battle of Lights, Coney Island (1913–14), w których światło i ruch tworzyły taniec industrialny.

Analiza dzieła technologicznego
„Portret lotniczy Mussoliniego” Alfreda Gauro Ambrosiego to dzieło niezwykłe pod względem siły przekazu wizualnego i ambicji ideologicznej. Dzieło powstało w latach 30. XX wieku, w samym środku epoki faszystowskiej. Dziś nie należy go odczytywać jako politycznej gloryfikacji, lecz jako odzwierciedlenie historycznego i kulturowego kontekstu tamtych czasów: czasów, w których reżim totalitarny przenikał wszystkie formy sztuki, a propaganda mieszała się z badaniami estetycznymi. Analiza tej pracy ma zatem na celu nie tyle osąd moralny, co zrozumienie języka wizualnego, który wyraża napięcia, wizje i ambicje Włoch tamtych lat.

Ambrosi, przedstawiciel drugiego pokolenia futurystów, dołączył do aeropaintingu , jednego z najbardziej fascynujących odłamów futuryzmu lat 30. XX wieku. Tendencja ta, opisana teoretycznie w manifeście Prospettive di volo z 1929 r., traktowała lot jako rewolucję percepcyjną. Latanie pozwalało spojrzeć na świat z nowej, dynamicznej i oszałamiającej perspektywy: „zupełnie nowej rzeczywistości” – jak powiedzieli Marinetti, Depero, Prampolini i inni sygnatariusze. To właśnie ta nowa rzeczywistość stała się inspiracją do powstania kompozycji, w których wizja technologiczna przeplatała się z napięciem symbolicznym.

W tym lotniczym dziele Ambrosi łączy lotniczą mapę Rzymu z monumentalną sylwetką Benito Mussoliniego, który wyłania się z ulic i budynków niczym żywa rzeźba. Twarz Duce nie jest po prostu nałożona na miasto: ona jest miastem. Koloseum, ulice w centrum i rzymskie zabytki wtapiają się w jego oblicze, łącząc człowieka i naród w jedną wizualną całość. Intencja propagandowa jest jasna: Mussolini jest przedstawiony jako uosobienie Włoch, zakorzenione w tysiącletniej historii, ale zwrócone ku zmechanizowanej i nowoczesnej przyszłości.

Pomijając retorykę polityczną, to co czyni tę pracę znaczącą, to sposób, w jaki technologia łączy się z wizją artystyczną. Obraz zrodził się z wrażeń lotu, z wrażenia samolotu jako narzędzia radykalnie zmieniającego postrzeganie przestrzeni i czasu. Artysta przyjął perspektywę lotniczą, niemal podobną do perspektywy latającego peryskopu, co stanowi odwrócenie tradycyjnej wizji ziemskiej. Kompozycja nie podlega już klasycznym zasadom perspektywy: staje się doświadczeniem dynamicznym, fragmentarycznym, zdecydowanie futurystycznym. Praca ta stanowi zatem silną syntezę przesłania politycznego, wyobraźni technologicznej i rewolucji percepcyjnej.

Odkryj naszą selekcję inspirowaną futuryzmem

Nieśmiertelny duch futuryzmu

Futuryzm w swojej najbardziej intensywnej fazie (1909–1916) był iskrą rewolucji, która na zawsze zmieniła sposób postrzegania sztuki. Dzięki gloryfikacji szybkości, ruchu i technologii, ruch ten stworzył nowy język wizualny i intelektualny, który wywarł wpływ na niemiecki ekspresjonizm, dadaizm, sztukę metafizyczną, angielski wortycyzm, a także na współczesną architekturę i kino.

Po I wojnie światowej i śmierci Boccioniego i Sant’Elii futuryzm nie zniknął, lecz uległ transformacji. W latach dwudziestych i trzydziestych XX wieku, pod kierownictwem Marinettiego, teatr dostosował się do nowej ery, choć jego związek z faszyzmem częściowo przyćmił jego dziedzictwo. Jednak jego duch żyje nadal: w grafice, projektowaniu, kinie i każdej dziedzinie sztuki, która ośmiela się wyobrazić sobie przyszłość jako energię przełamującą wszelkie granice.